Podcast de la emisión de lunes 14 de noviembre de 2016

DESCARGA(lunes 14): aquí o http://www.mediafire.com/file/5et3v0pysbj2ioo/perd161114.mp3

Emisión en línea a través de Podomatic …. esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador,



:::::

Programa lunes 14 de noviembre de 2016, 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Partiendo con un músico que no baja la guardia y nos sigue contando sus historias y anécdotas trágicómicas, luego con un músico chileno que se las trae y que se las trae-trae. Haremos una pequeña pausa-homenaje pues una noticia aciaga nos dejó con una pena inmensa (pero la música es algo que no nos abandonará nunca, ojo con eso). Luego una de las dos o tres bandas favoritas de John Peel con disco-video nuevo, cerrando con música de una gran peli y con una banda que aterrizará en Santiago a principios del próximo año.

Artista: DEVENDRA BANHART
Disco: Ape in Pink Marble
Sello: Nonesuch
Año: 2016
devendra banhart - ape in pink marble
Del sitio http://jenesaispop.com : “Devendra Banhart camina por una calle de Los Ángeles e imagina dónde estará su amigo Asa Ferry. ¿Quizá sentado frente a la estación de autobuses? Banhart quiere tanto a su colega, miembro del desconocido grupo de pop orquestal Kind Hearts & Coronets, que comienza a escribir para él una canción llamada ‘Middle Names’ sobre esa imagen tan poética que le ronda la cabeza: ambos pueden estar paseando por la ciudad sin que el otro sepa dónde se halla cada cual, cuando puede que sólo les separe una manzana. Asa Ferry muere de manera repentina y Devendra, destrozado por no haberle podido ayudar, termina la canción que ya había empezado, la que al final abre su nuevo disco, ‘Ape in Pink Marble’, el primero desde ‘Mala‘. Cuenta el artista en una entrevista que publicaremos próximamente que en estos 3 años han sido muchas las personas de su entorno que ha perdido. Sin embargo, Devendra siempre ha sido un cantautor muy peculiar, y este no es un disco lleno de composiciones para superar su duelo. No es, ni más ni menos, que otro disco de Banhart en el que caben muchas de las experiencias que ha vivido recientemente. Y están las malas, pero también las anécdotas insignificantes, como la que inspira la divertida ‘Fig in Leather’, una ¿auto?parodia de un tipo que pretende ser caballeroso para terminar en realidad cubierto de caspa hablando de tecnología desfasada, todo ello envuelto en sugerentes teclados de disco lo-fi, deliberadamente eso, desfasados; o ‘Theme for a Taiwanese Woman in Lime Green’, simplemente el retrato de una conversación con una “señora mayor” con un traje de “lima verde”, vista desde su coche en otro paseo por Los Ángeles. Devendra le dice que le gusta tanto su ropa que quiere hacer una canción sobre ella y ella le contesta: “I’m from Taiwan daaahhhlllliiinnggg, Taiwan!”

Artista: THE MUGRIS
Disco: Super Dog
Sello: Traicion73 / Discos Cetáceos
Año: 2016
THE MUGRIS COVER
“Mugris es el proyecto solista de Mauricio Romero, músico de la ciudad de Talcahuano, Chile. A través de la ejecución en vivo de sintetizadores análogos, la música de The Mugris toma como base las manifestaciones rítmicas de la música electrónica para combinarlas con las atmosferas y efectos más propios de la psicodelia, lo que lo convierte en uno de los actos en vivo más llamativos de la escena”. Reseña autoescrita en tercera persona, que resume muy bien la actual alza en la presencia de The Mugris, que poquito a poquito se ha hecho un muy buen nombre, a punta de trabajo y muuuuuy acertada propuesta Sonora. El secreto mejor guardado de Talcahuano ya no lo es. Poco falta para que no tengamos acceso a él, así que por mientras con confianza le podemos decir: Felicitaciones Chispa, te quedó la raja el disco!!! Ta’ muuuuuu weno!!!!.

Artista: LEONARD COHEN
Disco: You Want it Darker
Sello: Sony
Año: 2016
Leonard-Cohen
Del sitio http://www.abc.es , de un artículo salido poco después que el disco: “Bien se ha dicho que la atmósfera que rodea el decimocuarto disco de estudio de Leonard Cohen recuerda al testamento sonoro de Bowie, «Blackstar». La voz de Cohen suena más profunda que nunca, y sus letras huelen a despedida. Son nueve canciones de un hombre sabio, desencantado, nostálgico, cansado, pero en paz consigo mismo y con el mundo. «You Want It Darker» (réquiem pop). Primer single, y el tema más dramático. «Estoy listo, mi Señor», repite en esta especie de réquiem de casi cinco minutos, con el acompañamiento del lúgubre coro de la Sinagoga Shaar Hashomayim. «Un millón de velas están quemándose pidiendo la ayuda que nunca llegó». Nos encontramos con el Cohen más espiritual, dirigiéndose a lo más profundo del alma humana.«Treaty» (balada sobre el amor perdido). «Me siento cada noche a tu mesa pero no acabo de conectar contigo. Estoy cansado y enfadado todo el tiempo, ojalá hubiera un pacto entre tu amor y el mío». Como es habitual en su cancionero, mezcla lo profano y lo sagrado. Es uno de los tres temas en los que él es autor de la música además de la letra.” Y así, adiós maestro.
El tema que mostraremos de Cohen es el que cierra el disco y con el que se despide de todos también y que pareciera una declaración de amor, de ese amor con el que se encontrará en el más allá:
“I wish there was a treaty we could sign
It’s over now, the water and the wine
We were broken then but now we’re borderline
And I wish there was a treaty,
I wish there was a treaty between your love and mine”
(Ojalá hubiera un tratado que pudiéramos firmar
Se acabó ahora, el agua y el vino
Estábamos rotos, pero ahora estamos en el borde
Y me gustaría que hubiera un tratado,
ojalá hubiera un tratado entre tu amor y el mío
)

Artista: THE WEDDING PRESENT
Disco: Going Going
Sello: Scopitones
Año: 2016
the_wedding_present-going_going
Del sitio http://jenesaispop.com “La primera vez que escucho este ‘Going, Going…’ me doy un buen susto. ¿Se ha pasado David Gedge al post-rock? ¿Ha vuelto el post-rock? ¿¿Pero por qué?? Y es que una serie de pasajes invernales e instrumentales, casi tan inhóspitos como la helada portada, abren el disco… y me hacen temer lo peor. Más teniendo en cuenta que es un álbum bastante largo: ¡veinte temas! Pero, afortunadamente, en eso se queda todo: en un susto. Porque a la quinta canción, ‘Two Bridges’, cuando está a punto de vencerme el sopor, David Gedge me despierta con un fogonazo de fantástico power-pop. Ah, esto ya es otra cosa. Este grisáceo arranque se entiende si se echa un vistazo a su web: “‘Going, Going…’ es una colección de veinte canciones que van desde los paisajes cargados de cuerdas al punk-rock rabioso, cada uno acompañado de un film rodado durante un viaje a través de EEUU por Gedge y la fotógrafa Jessica McMillan”. David Gedge se plantea, pues, el álbum como algo más que una sucesión de canciones: es una obra audiovisual. De hecho, ‘Going, Going…’ se vende en varios formatos, pero siempre acompañado de un DVD. Sin duda, su atmosférica introducción se sostiene mejor como banda sonora. Pero si obviamos este inicio, si despojamos a ‘Going, Going…’ de la excusa cinematográfica, si nos limitamos al plano estrictamente musical, el disco se defiende solo estupendamente bien”.

Artista: Varios + MICHAEL GALASSO & SHIGERU UMEBAYASHI
Disco: in the mood for love
Sello: Virgin
Año: 2000
in the mood for love
Hace más o menos unos tres meses, en un especial sobre el sudeste asiático y a propósito de unas fotos de Angkor Wat que publicamos en el Facebook de Perdidos, un auditor posteaba sobre “cómo olvidar la escena final de la peli ‘In the mood for love’. Bueh!, la banda sonora es tan excelsa que no quedaba otra que investigar. Del sitio http://www.el-parnasillo.com “…Maggie Cheung y Tony Leung en ‘In the mood for love’. Esta orgía de los sentidos obedece a la búsqueda del eterno femenino goethiano emprendida por Wong Kar-wai desde que ligara amor y memoria en la imperecedera ‘In the mood for love’. Su título era un presagio del peso que tendría la música en la narración. Como confesara el director tras su estreno, con el epígrafe quería brindar un homenaje a la canción homónima de Bryan Ferry que, curiosamente, no forma parte de su banda sonora –pero que sí se podía escuchar en el tráiler–. Se trata de una sensual melodía de ritmos orientales que encaja a la perfección con la pasión contenida que se desprende de cada gesto de sus protagonistas. Lo que más se recuerda de ‘Deseando amar’, que es como se tradujo al castellano, es la arrolladora presencia de boleros. Esto, que podría resultarle chocante a un espectador profano, tiene su explicación: en el Hong Kong de los años 60, que es la época en que se desarrolla la acción, los boleros de Nat King Cole sonaban con fuerza. Wong Kar-wai nació en Shangai, pero a la edad de cinco años su familia se trasladó a la antigua colonia británica, la ciudad china más aperturista. Su madre oía en la radio y tarareaba las melancólicas canciones de Cole –ni el uno ni la otra las entendían, pero aun así las sentían, que es lo que consigue la buena música–, de suerte que Wong Kar-Wai ungió ese recuerdo con un barniz indeleble. Las esperas de Chow Mo-Wan (un magnífico Tony Leung) en el restaurante, con el cigarrillo entre los dedos y las volutas de humo nimbando su cabeza, discurren a ritmo de ‘Quizás, quizás, quizás’. El bolero de Oswaldo Farrés dota de una emoción inefable a los encuentros furtivos de la pareja burlada y al mismo tiempo adúltera, citas que rezuman ansiedad y recato a partes iguales. Aunque Maggie Cheung no tenga los ojos glaucos, al oír ‘Aquellos ojos verdes’ no te cuesta imaginar que Mo-Wan está requebrando a Su Li-Zhen por medio de sus miradas lánguidas y serenas. La terna de boleros la completa ‘Te quiero dijiste’, otra emocionante canción que resplandece en la voz de Nat King Cole.”

Artista: RADIOHEAD
Disco: A Moon Shaped Pool
Sello: XL Recordings
Año: 2016
Radiohead - 2016 - A Moon Shaped Pool
Del sitio http://www.mondosonoro.com “No es noticia que, como casi todo lo que tiene que ver con Thom Yorke y compañía, “A Moon Shaped Pool” aparezca con una sobredimensionada expectación, pero sí que des-de el primer momento depare mejores sensaciones que “The King Of Limbs” (tampoco era muy complicado, todo sea dicho). A ello contribuye el inicio con “Burn The Witch”, una canción urgente y directa como hacía tiempo que no se recordaba en el repertorio de los británicos, exhibiendo una intensidad que esta vez no nace de la angustia, sino de apretar bien los dientes. A partir de ahí, con un tracklist en riguroso orden alfabético (aunque uno no cree demasiado en el azar; diría más bien que los nombres están elegidos para que el último corte sea “True Love Waits”, ese viejo conocido), Radiohead vuelven a ser lo que venían siendo, o al menos el grupo al que -para bien o para mal- nos hemos acostumbrado. Las circunstancias no siempre son definitivas, pero el hecho de que la mayor parte de este nuevo material solo lo sea entre comillas (únicamente hay tres canciones verdaderamente inéditas) acaba haciendo que la luna con forma de piscina se convierta en una suerte de contenedor autorreferencial. “OK Computer”, “Kid A”, “Hail To The Thief” o “In Rainbows” se asoman en algún momento, pero lo hacen de manera aislada, hasta el punto de que parece que estemos ante un (buen) recopilatorio de canciones escondidas. O eso, o que han decidido regalarse un homenaje. Temas como “Identikit” o “Daydreaming”, con esas texturas reverberadas y un vídeo que es un auténtico tributo a sí mismos, sirven para reivindicar la vigencia del sonido doloroso y denso que hace años llevaron a lo más alto, solo que ahora se muestra en una toma que sigue siendo bonita, pero de menor al-cance. La atmósfera opresiva funciona en “Decks Dark” (que remite rápido a la época de “Amnesiac”) y especialmente en “Ful Stop”, con una dinámica krautrock; de hecho, son los úni-cos momentos que podrían luchar por hacerse un hueco entre sus mejores canciones (eso sí, difícilmente en un top 10). Entre lo más notable cabe hacer referencia también a los arreglos orquestales de Jonny Greenwood, muchas veces asumiendo el rol de ele-mento central -menos convincentes resultan los coros-, igual que a las líneas de bajo, que aportan pegamento a un conjunto que se revela accesible, respondiendo básicamente a los estándares de Radiohead, pero en el que después de unas cuantas escuchas continúa sin aparecer esa magia que hace que un disco llegue para quedarse. “Desert Island Disk” y “Glass Eyes” son temas que, sin estorbar, no aportan demasiado, mientras que “The Numbers” toma una inofensiva deriva new age (“Somos de la Tierra / y a ella retornamos”). “Present Tense”, con aire de bossanova, sí puntúa más arriba, para dar paso a la electrónica de “Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief” -con un final de mucha altura- y, finalmente, a “True Love Waits”. Seguramente no era necesario volver sobre sus pasos para grabar -en una versión que no mejora la que conocíamos- una pieza habitual en sus conciertos desde 1995 (incluso apareció en el álbum en directo “I Might Be Wrong”); una vez aquí, podemos entenderlo como un guiño a sus seguidores más fieles, pero también -de nuevo- como una manera de cerrar el círculo de una banda que en el fondo siempre se ha tenido como su propio referente.
:::::

Podcast del Especial Fauna-Primavera, emisión de lunes 7 de Noviembre de 2016

CartelFauna2016
Mas info en el blog del Festival: http://faunaprimavera.cl/

DESCARGA(lunes 7):

(Hubo un pequeño problema con el disco duro del servidor de la emisora, el programa tal y como salió al aire no se grabó, se esfumó)

Opción programa, sólo la música emitida: …. descarga aquí
http://www.mediafire.com/file/qm7m8fbq7s4dqmr/perd161107.mp3

Emisión en línea a través de Podomatic …. esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador,

Especial Primavera-Fauna. Programa lunes 7 de noviembre de 2016, 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Fin de año y ya se aproxima uno de los festivales con mejor cartel de los que se organizan en Santiago: Primavera Fauna, ya antes nos hemos pegado buenas dosis de la mejor música del mundo con bandas como Mogwai, con descubrimientos filete como Omar Souleyman o la presencia de Yann Tiersen.
CartelFauna2016
Esta vez el festival se parte en dos y en distintas locaciones se distribuirán un puñado de artistas, algunos que serán estrenos en Chile y con una buena camada de seguidores acérrimos. En esta sesión de Perdidos, con el apoyo de la corresponsal en Tazmania Doris repasaremos algunos de los invitados, puros filetes. Mas info en el blog del Festival: http://faunaprimavera.cl/

Artista: BRIAN JONESTOWN MASSACRE
Disco: Mini Album Thingy Wingy
Sello: A Records
Año: 2015
brian jonestown massacre - mini album thingy wingy
Del sitio http://www.blisstopic.com; “Lleva Anton Newcombe una temporada en la que parece que le salen las canciones por las orejas: sólo entre el año pasado y este ha publicado un par de discos como The Brian Jonestown Massacre –el notable “Revelation” (14) y el más discreto “Musique de film imaginé” (15) –, uno más a medias con Tess Parks y un puñado de singles, EPs y casetes. Un corpus de música torrencial e irregular, en el que ha experimentado con todo tipo de formatos, estilos y formaciones instrumentales, y ante el que este “Mini álbum thingy wingy” sólo puede entenderse como una especie de vuelta a casa; un retorno al rock musculoso y de elevada carga psicodélica que ha caracterizado desde siempre a su proyecto. Es algo que se nota desde que empiezan a sonar las crujientes guitarras de “Pish”, envueltas en esa característica niebla tóxica, que es mitad Rolling Stones mitad Spacemen 3, y que también vuelve a aparecer en “Get some” y “Leave it alone”. “Prší”, coescrita con el (al menos para este servidor) desconocido Vladimir Nosal, y cantada en esloveno, incorpora a la ecuación vientos y algunos toques orientalistas, mientras que “Mandrake handsahake” cultiva un aire pastoral y a ratos hasta campestre y “Dust”, una versión de Thirteen Floor Elevators bajada de revoluciones y contaminada con un fondo burbujeante, añade la inevitable cuota reverencial. “Here comes the waiting for the sun”, una canción preñada de épica, que arranca con guitarras que suenan al revés y termina arropada por suntuosos arreglos de cuerda, despide un breve e intenso viaje por tierras psicodélicas”.

Artista: AIR
Disco: Music For Museum
Sello: The Vinyl Factory ‎
Año: 2014
air - music for museum (2014)
Del sitio http://eltalentodering.blogspot.cl/ :” Un soundscape es lo que pidieron al dueto Air en el programa Open Museum en su paso por el Palaix des Beaux-Arts de Lille para estimular la visita a las obras de cuatro creadores: la fotografa Linda Bujoli, el escultor Xavier Veilhan, y los instaladores Mathias Kiss y Yi Zhou. Para ésta última la relación con músicos de gran talla no es nueva. Hija de magnates dedicados a la alta tecnología, se ha pagado en otra ocasión el gusto de contratar a Ennio Morricone para componerle soundscapes. El trabajo de Air es por sí mismo paisajista. Sin ver la exposición, creo que es certero lo que de ellos dice el curador de la muestra, Régis Contentin: “This choice was a fairly obvious way: the music of Air inspires mental images, suggests a fantasy film… This is music that creates images and stimulates the imagination”. A la sazón de lo escuchado y revisando obra de los artistas en internet, es notorio que el dueto francés trata que cada pieza responda a obras con caracteres y emociones particulares. Por otra parte, Kraftwerk (en Computerwelt), David Toop (quien a finales de los 90 publicó algunas grabaciones dedicadas a la arquitectura), Dick Hyman (su ensoñador Moon Gas de 1962) se reconocen como fuentes de inspiración para un disco sobrio que en algunos casos es más sustancioso que lo que acompaña (visiten las fotos de Bujoli)”.

Artista: PRIMAL SCREAM
Disco: Chaosmosis
Sello: First International
Año: 2016
Primal Scream Chaosmosis
Del sitio http://jenesaispop.com A diferencia de la mayoría de grupos exitosos y/o influyentes surgidos en los 80 y los 90, de Oasis a R.E.M., Primal Scream han mutado tanto de álbum a álbum que su discografía sirve para adivinar por dónde ha ido la historia del pop de los últimos 30 años. Casi cada disco ha presentado un sonido uniforme y se ha vinculado a una tendencia muy clara de su tiempo. ‘Screamadelica’ era una celebración de la cultura acid y las raves, ‘Vanishing Point’ del dub, ‘XTRMNTR‘ del techno… y después de todo esto sigue siendo una sorpresa recordar cómo su primer álbum allá por 1987 sonaba a jangle pop. Tras recrearse en el rock a mediados de la década pasada, cuando tanto se llevaba el rock clásico a lo Arctic Monkeys, Primal Scream dejaban de obsesionarse con la tendencia para publicar un álbum que aunaba varios estilos propios y ajenos, como el irregular pero disfrutable ‘Beautiful Future‘(2008). ‘More Light‘ (2013), su último paso hasta la fecha, era un álbum mucho más centrado, de temas largos, vientos afilados y largo minutaje que sí podía mirar cara a cara a sus mejores obras. Pero ‘Chaosmosis’ es más bien otro disco “amalgama” sin más nexo en común que el deseo del grupo de psicoanalizarse a través de las mejores canciones posibles.”

Artista: ROISIN MURPHY por Doris Echeverría
Disco: Take Her Up To Monto
Sello: Play It Again Sam ‎
Año: 2016
roisin_murphy-take_her_up_to_monto-2016
Lo de Murphy es único grande y nuestro, lo de la talla de esta genio ex Moloko se expande a través del tiempo como un Electro Pop consolidado, concreto, fino, único y con matices donde quiere implantar una vez más ese sello que la define y caracteriza.
Aclamada por muchos, esperada en Chile durante muchos años, alguien movió las piezas y jugó a la apuesta a traer a tierras Latinoamericanas a una artista que con el paso de los años recién se enterará de todos los adeptos que tiene.
Versátil, desde el juego de colores hasta las mil y una piezas y disfraces que utiliza en sus presentaciones en vivo, llega la tercera placa editada por la Irlandesa, tras “Hairless Toys” 2015 y sus clásicos eps con singulares estilos, retorna con 9 tracks, cargaditos al estilo Murphy, el sintetizador, su voz característica, las improvisaciones en piano y los cásicos acordes estratosféricos dan cuenta de que se mantiene una línea constante a través del tiempo.
Es ella sí, nuevo disco, propuesta llena de color y matiz. Prepare su overol de color, un nuevo proyecto y una Roísin madura, firme, única y que pondrá la nariz por primera vez en este fin de mundo. (Increíble pero cierto…….)

Artista: COM TRUISE por Doris Echeverría
Disco: Silicon Tare EP
Sello: Ghostly International
Año: 2016
(Com Truise)-Silicon Tare
Seth Haley está detrás de este proyecto de Synthpop, quien se presenta en el Festival Primavera Fauna 2016, como una gran sorpresa para muchos, de una carrera musical no muy extensa da un primer paso en Latinoamérica. Con 2 placas editadas y 7 Eps, saca un nuevo proyecto en la casa Ghostly donde no menor se expande con una línea única y creativa, para limar diferencias con una electrónica diferente con pincelazos de down tempo enriquecido con notas modernas y breacks que transportan a la maquinita y el sampleo distintivo del electronic beat de la vieja escuela.
Lo de Haley permite realizar un viaje a ratos hacia los primeros sintetizadores ochenteros, una tendencia inborrable, con este EP simplemente consagra una visión a la fecha única y de amplia acogida para los asiduos de ese melancólico beat electrónico, que si bien tiene remembranzas de algo pasado, conecta con un presente más moderno y siempre bien acogido.
Cruise se presenta en Chile, destacado músico norteamericano, viene a poner la cuota de detalle y electrónica de primer nivel, me saco el sombrero por este músico y preparo mis tímpanos, busco mi chaqueta de jeans y saco el atari del recuerdo para una electrónica notable y un trabajo ya consolidado.

Artista: AYEAYE
Acto: Sesiones Super45
Año: 2016
AyeAye
Carlos Reinoso, cuyo pasado por la banda Mostro, sumado a la cantidad incommensurable de información Sonora que maneja, le da un cierto estatus de “puede hacer lo que se le venga en gana en la música” y eso es precisamente lo que se ve en Ayeaye, una cruza de un cuanto hay. Nebuloso, pegado, hipnótico, chamánico, eso es lo que se respire en el track que les mostraremos, al parecer adelanto de algún futuro disco y que fue estrenado en las sesiones de nuestros hermanos de viaje, los Super45.
::::