Perdidos en el Espacio | 22:00 hrs por Radio Universidad de Chile

Bitácora lunes 18: escuchando un aletargado tema del recuerdo..All in My Mind de los Love & Rockets me preparo para enviar los e-mail de recuerdo para que no se olviden de sintonizarnos, o de escucharnos en diferido a través del Podcast (s deseas recibir la info puedes solicitarlo a perdidosenelespacio2003@yahoo.es), eso, aquí va el listado del programa de este lunes….

Artista: STARS OF THE LID
Disco: And Their Refinement of the Decline
Sello: Kranky
Año: 2007

Me recojo al escuchar lo que emiten los parlantes, se estira el tiempo y se curva el espacio, notas prolongadas por efectos metafísicos, increcendos aletargados, distantes a la vez que majestuosos, tal como me lo recordaron las sonoridades del disco de Johann Johannsson “Viroulegu Forsetar” que presentamos hace casi un año atrás, pareciera ser la cabalgata de reconocimiento recién terminada la batalla, humo y cenizas, cuerpos inertes o mutilados y por otro lado heridos suplicando morir. Favor preparen los estados de ánimo para algo de estas características. Si eres habitué de William Basinski o de los Transient Waves, este puede ser tu disco de cabecera (son 2 discos o 3 vinilos). Más datos extractados de la web: “Stars Of The Lid son un dúo de Austin (Texas), formado por Adam Wiltzie y Brian McBride,
que bien podría considerarse único en su género, el de la música. O, al menos, en su naturaleza: esa que desde mediados de los noventa -debutaron con ‘Music For Nitrous Oxide’ (Sedimental, 95)- les lleva a crear contextos sonoros de carácter minimalista, efímero y atmosférico. También pausados, propiedad esta que se extrapola a su producción discográfica de un tiempo a esta parte. Concretamente, a partir del cambio de siglo.”.

Artista: THILGES
Disco: La Double Absence
Sello: Staubgold
Año: 2007

Thilges es una banda austriaca que experimenta en la musica reconociendo y amalgamando la influencia del arte oriental, musica basada en el magams, un sistema tradicional oriental: arábico, turco o griego. En el trabajo se han utilizado elementos sonoros e instrumentos típicos de esas culturas, como el Oud (parecido al laud) o el Kanun (parecido a un arpa acostada). Se incluye la vocalista irani, Zohreh Jooya, especialista en musica persa lo que le entrega más peso musical a la propuesta. Debo decir que podría ser vergonzoso admitir que nos acercamos a esta música a través de musicos como Thilges, en vez de acercarnos directamente a la musica árabe, … pero ¿no nos paso lo mismo ( a algunos) con la música medieval a través de la banda Dead Can Dance?.

Artista: JANA HUNTER
Disco: There’s no Home
Sello: Gnomonsong
Año: 2007

Este es segundo disco de esta tejana, el anterior “Blank Unstairing Heirs of Doom” fue su disco debut y también lo fue del sello discografico de Devendra junto a Andy Cabic (Vetiver), meritos tenía y no los ha perdido.
Extractado de la web: “El título de su segundo álbum, There’s No Home (‘No hay hogar’), pareciera indicar que la tejana se dispone a condensar otra generosa ración de desazón en sus nuevas canciones pero, sorprendentemente, no es así. De hecho, más que una continuación a Blank Unstairing Heirs of Doom, el nuevo disco de la tejana parece actuar como su reverso. No es que la melancolía haya desaparecido por completo, ni que haya dejado de haber zonas de oscuridad en la existencia de esta menuda cantautora. Aquí y allá, siguen aflorando las lágrimas, pero no cabe duda de que éstas han dejado de ser las protagonistas absolutas de sus canciones. En su lugar hay folk. En ocasiones, tradicionalista y como recién escapado del porche de una granja de su Tejas natal. En otras, pleno de riesgo y poblado de zumbidos, sintetizadores y efectos de sonido que no lo dejan demasiado lejos del espacio que ocupa el sector más vanguardista y radicalmente innovador de la nueva psicodelia. En ambos casos presidido por la que probablemente sigue siendo la mejor baza con que cuenta la Hunter: su prístina voz y su capacidad para hacerla flotar sobre los más evocadores paisajes acústicos. Y ahora, además, el Sol de primavera, cálido aunque todavía no deslumbrante, acaricia ese folk y embellece el conjunto con pinceladas doradas.

Artista: LITTLE ANNIE
Disco: Songs from the Coalmine Canary
Sello: Durtro / Jnana
Año: 2006

De la web: “Little Annie aka Annie Anxiety aka Annie Bandez sobrevivió a una juventud tormentosa para terminar convirtiéndose en una contralto brumosa. Aventurera por naturaleza, abandonó los estudios, se sumergió en los suburbios, terminó ejerciendo de delincuente juvenil, aprendió a pintar, para terminar coqueteando con el arte multimedia y ser la reina del cabaret postmoderno neoyorquino. Una ecléctica carrera a sus espaldas para alguien que se escapa de categorizaciones, limitaciones, restricciones y, a veces, incluso de la ley. Ha editado álbumes en solitario y múltiples colaboraciones con The Wolfgang Press, Crass, Paul Oakenfold, Current 93, Nurse with Wound, Coil, del reggae al hip hop, del cabaret a la vanguardia. Poetisa maldita, ha editado ya tres volúmenes de prosa, a la vez que ha participado en numerosas obras teatrales y películas. Reside desde hace años en Nueva York, donde rinde culto al Berlín de los años 20 junto al pianista Paul Wallfisch en noches de música y humo. Esta vez el trabajo es avalado por la producción de Antony & the Johnsons y Joe Buedenholzer de Backworld. “Songs from the Coalmine Canary” es un trabajo Interpretado por Annie como vocalista & Antony como pianista. La atmósfera neoyorkina en la que se desenvuelve actualmente Little Annie se hace patente en este disco, sobre todo con la presencia de elementos jazz como el saxo decadente en algunas de las composiciones. No obstante el peso instrumental del trabajo lo lleva el piano, aunque siempre subordinado a la tremendísima y arrebatadora voz de Little Annie. El aire de cabaret decadente pesa muchísimo de principio a fin y hace que este un álbum sea muy muy especial.”

Artista: PIANO MAGIC
Disco: Part-Monster
Sello: Green Ufos
Año: 2007

Extractada de la web: “Glen Ashley Jhonson es el fundador y líder de Piano Magic, un proyecto musical que nació a mediados de los año 90 y que desde entonces, primero con plásticos de pequeña duración y después con siete álbumes, se ha ganado el respeto y reconocimiento de los circuitos musicales independientes europeos. Su música, pensada globalmente, es equidistante del pop independiente, el post-rock y la electrónica, aunque siempre han apostado por sorprender en cada álbum, a la vez que lograba dejar claro un sello fácilmente distinguible en toda su producción ….A ratos, “Part Monster” parece como uno de esos discos neorrománticos que podían despachar Ultravox o Visage en el 81, entre frisos jónicos, hombreras, densas capas de maquillaje, percusión robotizada y ensoñaciones de alumno aplicado de Bellas Artes. Naturalmente “Part Monster” asume oscuridades más ciertas, allá donde la genuina morbidez es más que guardarropía: ya saben, The Cure, Joy Division, un favorecedor toque Bauhaus…”. Mostraremos los temas “England´s always better” y un un pinkfloydeano “Cities & Factories”.

Artista: ALOG
Disco: Amateur
Sello: Rune Grammofon
Año: 2007

Como ingresar a un templo budista con un sequito de cantores populares de micros, cada track como una pieza de arte, mostraremos los trackls “The Future of Norwegian Wood”, una pieza que se inicia muy experimental y termina muy melódica, un recorrido pocas veces visto, empezando con el ensamble majamama y terminando en la banda brockeback. Mas antecedentes extractados de la web: “ Los Alog (duo noruego) entienden la musica como una coleccion de sensaciones que se disparan en mil sentidos, no como una direccion concreta hacia la sensibleria o el extasis. Esa heterogeneidad que comprende su modo de componer musica basada en sonidos elaborados por medio de la tecnologia digital y transformando fuentes concretas en meros artilugios al servicio de su “filosofia” como musicos, puede hacer de la escucha de sus trabajos una ardua tarea. Pero si entendemos hacia donde va la cosa, composiciones como “Write yout thoughts”, donde la primera parte es una melodia electronica y la segunda es el intento de llevar esa misma melodia a caballo de voces, podemos encontrar ese link (o la piedra filosofal de la musica) que transforma el avant garde o la experimentacion en un medio de disfrute y satisfaccion. Melodias enterradas en sonidos de relojería, cascadas digitales, acercamientos a los field recordings, drones, pianos o silencio puro y duro.”.

Bitácora lunes 11: Sonidos siempre nuevos, dejaremos volar nuestros presentimientos por sobre Escocia, Islandia, Estados Unidos, Alemania y nuevamente Estados Unidos con infuencias húngaras, puro filete.

Artista: AVEY TARE and KRIA BREKKEN
Disco: Pullhair Rubeye (reversed version)
Sello: Paw Tracks
Año: 2007

El colectivo animal anda recargado, no se detienen en crear y crear notables discos, ya sea como el conjunto Animal Collective, o por separado como la ha hecho tan sobresalientemente Panda Bear. Les presentaremos algo del nuevo disco de Avey Tare y Kria Brekken (ex-Múm) llamado Pullhair Rubeye. El disco fué grabado (obviamente) de forma normal, pero a Avey se le ocurrió que podía darle la vuelta a las

canciones y descubrió que el resultado no sonaba nada mal, en todo caso es un disco más tranquilo que el de su compañero de formación, y más cercano a la versiones más relajadas de Animal Collective que a la antigua formación de la islandesa, ingenuo y juguetón. Filete.

Artista: THE TWILIGHT SAD
Disco: Fourteen autumns and fifteen winters
Sello: Fatcat Records
Año: 2007

Cuando los escuche por priomera vez pensé que era otra nueva banda nordica que estaba internacionalizandose y cantando en un ingles muy extraño, pero resulta que son de Glasgow, cuarteto escocés formado por el cantante James Graham, el guitarrista Andy MacFarlane, quien también interpreta el violín, el bajista Craig Orzel, y el batería Mark Devine, plop!, se darán cuenta con las primeras frases de la canción que mostraremos “Cold Days From The Birdhouse”. Mas datos extractado de la web: “La gente necesita refugios. Es así de simple y de sencillo…. Cuando el alma se te retuerce de dolor, desesperación o incomprensión, es imposible mirar más allá… No hay consuelo posible… No queda más que rendirse a la evidencia y asumir que uno lo va a pasar mal y que no va a ser fácil… Pocos ejercicios de resignación existen tan crueles, cierto… Nadie debería pasar por ello… Pero quizás en otra vida… Ya se sabe… Esta banda de tan sugerente nombre (“la tristeza del crepúsculo”) y que tan melancólicamente ha titulado su álbum de debut (“14 otoños y 15 inviernos”), se está convirtiendo en la encargada y elegida para sobrellevar la falta de sentido que parece haberse apoderado de todo cuanto me rodea últimamente… Y es que no por recurrente, deja de cogernos por sorpresa el hecho de caer en la cuenta de que las cosas no sean lo que parecen, o lo que esperamos o, en el fondo, lo que deseamos… Reproches, como aquel que habla de que “ilusionarse es contraproducente y, en ocasiones, peligroso”, y que vuelven a acecharnos, desaparecen con las primeras notas de Cold days from the birdhouse, o con los primeros acordes de Walking for two hours… Temas que derrochan serenidad, quietud, calma, que indagan en paisajes y estados de ánimo más allá de la realidad y que invitan a prolongar el sueño de la perfección que pueden llegar a alcanzar las cosas en nuestras cabezas, en nuestro pequeño mundo… Pero si ilusionarse es contraproducente, más aún lo es engañarse a uno mismo.”

Artista: THE NATIONAL
Disco: Boxer
Sello: Beggars Banquet
Año: 2007

Extractado de la web: “The National es una banda originalmente formada en Ohio y posteriormente reagrupada en la ciudad de New York, a finales de los 90s para ser exactos. Son innegables la cantidad de sonidos que emergen de una notable y considerable influencia del chamber pop britanico, en especial de bandas, precisamente como los Tindersticks y aun mas, del britpoperisimo Pulp. Pareciera que fue ayer cuando la 4AD y su subsidiaria Beggars Banquet lidereaban el mercado independiente europeo con bandas, si no en su totalidad, si en su mayoria britanicas. Hoy en dia esto resulta un tanto diferente: Blonde Redhead es a la 4AD lo que The National a la Beggars Banquet. Ambas bandas con un comun denominador: haber emergido de la escena indie americana, pero con un cierto matiz un tanto mas britanico, mismo que los hace en muchos aspectos, similares a las bandas de antaño. ¿Y su publico? Si me preguntan, seguramente que pensare que estan mas ubicados en el viejo continente que en su propio pais.” El tema que mostraremos Squalor Victoria no se porque pero me recuerda esa introduccion de violin de Ed Alleyne-Johnson en el increíble tema Vagabonds de los New Model Army (http://www.youtube.com/watch?v=6ShKAHIvRso) y ese ritmo predominante de la batería, muy buen tema.

Artista: ULRICH SCHNAUSS
Disco: Goodbye
Sello: Independiente
Año: 2007

Extractado de la web: “Después de tres años de no sacar ningún álbum, Ulrich Schnauss vuelve a salir del estudio para entregarnos un tercer álbum con título de despedida más de bienvenida, Goodbye. El productor alemán es conocido por su música etérea que bebe de My Bloody Valentine o LFO y que le ha servido para crearse una reputación con la que ha conseguido encargos de varios remixes para gente como Longview, Mojave 3, I’m Not A Gun, Justin Robertson o The Zephyrs. Ulrich inauguró su cuenta de álbumes en City Centre Offices con Far Away Trains Passing By y ahora este Goodbye aparece en Domino donde también grabó su segundo L.P. titulado A Strangely Isolated Place que te da una idea de por donde andan los tiros en el tono vital de la obra de Schnauss.”

Artista: THE NORTH SEA
Disco: Exquisite Idols
Sello: Type
Año: 2007

Me recuerda esa onda de las bandas de oceanía, las del sello Flying Nun, mediados de los 80 (Verlaines, The Clean, Chills), pero con una mezcla con los Calenda Maia, no se si estaré muy trastocado pero la sinapsis se fue para ese lado. Más info extractada de la web “…hay algo entrañable en Brad Rose (el lider de este proyecto), algo que tiene que ver con el hecho de haber publicado tantos cdr’s en sellos pequeñitos, de haber colaborado con tantos músicos, con su inquebrantable voluntad y con su afán de desbordarlo todo, con su sello y su página, como si fuese incapaz de decir no a ningún proyecto. por eso la puesta de largo de The North Sea en un sello como Type me recordaba un poco a la de MV & EE en Ecstatic Peace con Green Blues. no es que hubiese un motivo especial para temer algo así, pero la verdad es que la portada, el sello en sí, (que por otro lado ha publicado exquisiteces como Night of the Ankou de Rameses III o el último de Triosk) me hacían presagiar un cambio. y sin embargo, todo sigue igual. probablemente sea Exquisite Idols su disco definitivo, pero no mucho más que cualquier otro cdr de Brad, que aquel maravilloso ‘Summer decays through autumn’s alchemy’ por ejemplo. ‘Hemos conquistado la era dorada’, al margen de ser una declaración de intenciones, representa la fuerza de Brad Rose en su máxima expresión. once minutos de dulce psicodelia que me hacen pensar, y eso es una barbaridad, en uno de los discos más especiales del mundo: Trees, Chants & Hollers de Valerie Webb & Paul Labrecque. bonita hasta decir basta. también lo es ‘Take it from me, Brother Moses’. un día Brad escribió en su blog que después de muchas lunas volviéndose loco y de haber tenido esa frase (‘take it from me, brother moses, take my sins away from me..’) revoloteando en su cabeza durante meses, finalmente había podido darle forma y dejar el link para que pudiésemos escucharla. ‘¿dónde la publicaré? quién sabe…’. en este caso Type sólo tuvo que coger los frutos y abrillantarlos. como una sabrosa naranja recién cogida del árbol. una canción gospel y country a golpe de banjo y con estribillo adictivo, la oportunidad de coger aliento ante la maraña de drones y percusiones de todo el disco. Brad tiene la habilidad de reinterpretar lo que lleva aprendido y consigue una variedad de sonidos tan amplio que al final no se parece a nada en concreto, ni siquiera a The North Sea, pero sí a todas sus reencarnaciones juntas, The North Sea, The Golden Oaks, The Juniper Meadows o Corsican Paintbrush. ahí está la pulsión tropical y el corazón hinchado de pasión por la naturaleza de ‘Guiwenneth de la hierba verde’ y ‘pájaros para siempre’; las infinitas capas de percusiones indonesias y tradicionales, de drones, xilófonos, glockenspiel y gong que cubren ‘Cover me with Knives’; la emocionada y casi casi convencional melodía adornada con campanillas, órganos y guitarras acústicas de ‘Children of the Ashes’; rastros de música griega e hindú y sensación de felicidad en ‘And then the solstice disappeared’. al final, se despide tan feliz como siempre, flautas nativas americanas, el saxo de su amigo Valerio Cosi que se cuela hacia el final, los teclados (de Valerio también) en la sencilla ‘sacerdotisa plateada con un manto de plumas’.” http://calmintrees.blogspot.com/

Artista: A HAWK & A HACKSAW w/ THE HUN HANGÁR ENSEMBLE
Disco: Homónimo
Sello: The Leaf Label
Año: 2007

Extractado de la web: “Es todo un enredo de dos norteamericanos llamados Jeremy Barnes y Heather Trost. En otoño del 2006, estos dos músicos de Nuevo México recorrieron Hungría con hambre de música diferente. La encontraron en Fono, la Sinsalaudio de Budapest.
Una serie de conciertos y sesiones improvisadas con los músicos afiliados a la tienda de música Fono provocaron el nacimiento del grupo The Hun Hangar Ensemble. Pero es que la broma todavía fue llevada más lejos y si alguien quiere entrar en el my space de A Hawk and a Hacksaw, la formación de Barnes y Trost, la confusión se hará total. La formación se define como húngara y, con mucha ironía, establecen una larga lista de nombres para explicar sus influencias. En realidad, todas esas referencias podrían ser buenas porque en sus canciones se mezcla la tradición del folk magiar y gitano, en general, pero también se detecta un regusto por las armonías vocales tan características del pop lisérgico de la segunda mitad de la década de lo sesenta. Todo ello, sin emplear guitarras, algo muy de moda entre muchos músicos.

A Hawk and a Hacksaw realiza una deconstrucción del folklore nacional húngaro, para llegar a planteamientos muy contemporáneos, que en alguna ocasión fueron explorados desde España por el compositor Nacho Mastretta.
Dicen los entendidos que, en directo, Jeremy Barnes es lo más parecido a un hombre orquesta; toca casi todos los instrumentos de forma simultánea, con métodos tan poco convencionales como un címbalo golpeado por palos de batería que van sujetos a su cabeza, o un sombrero cubierto de campanas.

Artista: ANDREW PEKLER
Disco: Cue
Sello: Kranky
Año: 2007

Reminiscencias a Popol Vuh, una electrónica ascética y circular, krautrock primitivista, capturando esencias aromáticas por doquier, un paseo por las nubes afraneladas, rara distorsión que envuelve la psiquis, la estira y la deja retornar a su sitio, pero dejando una deformación leve y permanente, cual tramo de pavimento asfáltico bajo una calurosa tarde de verano.