{"id":16262,"date":"2025-04-24T18:59:08","date_gmt":"2025-04-25T02:59:08","guid":{"rendered":"http:\/\/www.perdidos.cl\/?p=16262"},"modified":"2025-04-24T18:59:08","modified_gmt":"2025-04-25T02:59:08","slug":"programa-lunes-28-de-abril-de-2025-2200-hrs-102-5fm-radio-u-de-chile","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.perdidos.cl\/?p=16262","title":{"rendered":"Programa lunes 28 de abril de 2025, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile."},"content":{"rendered":"

Bit\u00e1cora<\/strong>: Partiremos con un sin\u00f3nimo de convergencia de: jazz, soul, rock, psicodelia y vanguardia, luego un ex WIRE con su voz cansina nos vuelve a sacudir el o\u00eddo, luego un ruso que nos lleva a esos terrenos insondables y cavernosos. Desde Francia la experimentaci\u00f3n en piano y voz hablada. Luego un poquito de psicodelia pop de manos de unos expertos y cerraremos con un fino gustito del sr. Patton.<\/p>\n

Artista: DOROTHY ASHBY<\/strong>
\nDisco: Afro-Harping
\nSello: Verve
\nA\u00f1o: 2024
\n\"\"<\/a>
\nSi la caja recopilatoria “New Land With Strings Attached” del a\u00f1o pasado (ver Jazzwise 287) ayud\u00f3 a reavivar el inter\u00e9s por Dorothy Ashby, esta nueva reedici\u00f3n de su LP de 1968, “Afro-Harping”, no har\u00e1 m\u00e1s que avivarlo. Afro-Harping, el primer \u00e1lbum de Ashby para Cadet, filial de Chess, ha sido reeditado en numerosas ocasiones, pero esta puede considerarse la versi\u00f3n definitiva, eclipsando incluso al original. \u00bfPor qu\u00e9? En parte por el sonido: el ingeniero Alex Wharton ha vuelto a las cintas maestras anal\u00f3gicas originales y, utilizando equipos antiguos de Abbey Road, ha producido un nuevo m\u00e1ster de una calidad asombrosa: detallado, contundente, hologr\u00e1fico, creado pensando en el gusto del p\u00fablico moderno, pero con aut\u00e9ntica calidez y realismo; revela capas in\u00e9ditas en ediciones anteriores. Adem\u00e1s, las prensas (en vinilo transparente o negro) de Pallas son impecables. Pero el empaque y la investigaci\u00f3n tambi\u00e9n son dignos de menci\u00f3n: la funda desplegable y el folleto, bien documentado e ilustrado, ofrecen no solo informaci\u00f3n detallada de la sesi\u00f3n, sino tambi\u00e9n contexto sociomusical (el ensayo de Se\u00e1n Casey, de la revista Shindig!, es excelente). Lo m\u00e1s gratificante es que el equipo de Verve ha logrado identificar (y reconocer) a los m\u00fasicos que participaron por primera vez.<\/p>\n

Artista: EDVARD GRAHAM LEWIS<\/strong>
\nDisco: Alreet
\nSello: Upp Records
\nA\u00f1o: 2025
\n\"\"<\/a>
\nCasi cuarenta a\u00f1os despu\u00e9s de su primer \u00e1lbum en solitario, el bajista y vocalista de Wire podr\u00eda haber publicado su mejor trabajo hasta la fecha, seg\u00fan Jeremy Allen. En 1986, Lewis, bajista de Wire, lanz\u00f3 su primer disco en solitario, Hail, bajo el alias He Said. Con Bruce Gilbert y Brian Eno, deber\u00eda haber sido aclamado como el gran trabajo que fue, pero result\u00f3 ser un comienzo desfavorable, ya que se vio eclipsado por su regreso a Wire tras casi seis a\u00f1os de inactividad. Gran parte de lo que Edvard Graham Lewis ha hecho desde entonces bajo diversas apariencias ha permanecido en un segundo plano, pero ha persistido a pesar de esa indiferencia inicial. Y nos alegra que lo haya hecho, porque Alreet? bien podr\u00eda ser su obra maestra de finales de su carrera, sin un solo momento de debilidad. El t\u00edtulo fr\u00edvolo \u2014un c\u00e1lido saludo desde el noreste\u2014 contradice el considerable logro que aqu\u00ed se presenta. Bajo el apodo escandinavo de su nombre completo (Edward se convierte en Edvard), Lewis ha publicado tres \u00e1lbumes, dos de los cuales se publicaron uno junto al otro en 2014: All Under, con un fuerte componente de ruido ambiental, y All Over, con un componente m\u00e1s musical, aunque ambos tend\u00edan a desviarse por la tangente. Alreet? consolida ambos y a\u00f1ade otra d\u00e9cada de experiencia al repertorio. A sus setenta y un a\u00f1os, la voz de Lewis se ha profundizado hasta convertirse en un bar\u00edtono autoritario pero a\u00fan vulnerable, que resuena como un Johnny Cash de la \u00faltima \u00e9poca. Los versos iniciales de \u00abKinds of Weather\u00bb (\u00abno volver\u00e1s a pasar por aqu\u00ed \/ nunca tendr\u00e9 el placer \/ no volver\u00e1s a pasar por aqu\u00ed \/ en busca de tesoros s\u00f3nicos\u00bb) ciertamente sugieren una conclusi\u00f3n, aunque tambi\u00e9n es una despedida, con un trasfondo palpitante que nos implora a seguir adelante, independientemente de esta combativa salva inicial. <\/p>\n

Artista: PAVEL MILYAKOV<\/strong>
\nDisco: Enthropic Vision
\nSello: PSY X records
\nA\u00f1o: 2024
\n\"\"<\/a>
\nYa sea minimal acid alucin\u00f3geno, paisajes sonoros industriales abstractos, techno experimental aturdido o m\u00fasica pseudocoral, el productor experimental Pavel Milyakov es el maestro indiscutible de las vibraciones inquietantes. Siempre he considerado su m\u00fasica algo devocional, arraigada en la tradici\u00f3n espiritual tarkovskiana, aunque el objeto de devoci\u00f3n sigue siendo objeto de debate. Emana la misma aura seductora y trascendental que caracterizaba el cine de autor ruso, evocando sentimientos esquivos de anhelo, esperanza, arrepentimiento y fe. En los \u00faltimos a\u00f1os, Milyakov tambi\u00e9n se ha convertido en un colaborador frecuente, y su \u00faltimo lanzamiento incluye cuatro apariciones como artista invitado. El productor holand\u00e9s Torus contribuye a la inmersiva y tranquila melod\u00eda de trance break \u00abEternal Break\u00bb. Richie Culver es la fuerza gravitatoria de dos piezas de palabra hablada hauntol\u00f3gicas: la composici\u00f3n ambiental \u00abTesco\u00bb, con aires de Burial, y la melod\u00eda \u00abDrifting Off\u00bb, inspirada en UKG. La interpretaci\u00f3n vocal de la polaca Martyna Basta en el tema cinematogr\u00e1fico de dark ambient \u00abMoon Chant\u00bb, un canto de sirena para el plenilunio, toca todos los puntos sensibles de la melancol\u00eda, y Yana Pavlova(QEPD), quien ya colabor\u00f3 con Milyakov en el lacrim\u00f3geno blues post punk de 2021, BLUE, ofrece una interpretaci\u00f3n magistral del et\u00e9reo slowcore final \u00abThe Thrill\u00bb (piensen en Dean Blunt y Joanne Robertson). Sin embargo, es la devastadora obra maestra del emo trance \u00abGabba 17\u00bb la que realmente destaca para m\u00ed. Pocas melod\u00edas me han impactado tanto como su motivo de sintetizador hipernost\u00e1lgico, entrelazado con bombos de gabber distorsionados y voces fantasmales. Con una belleza apocal\u00edptica, me hace sentir miserable y extasiado al mismo tiempo.<\/p>\n

Artista: FELICIA ATKINSON<\/strong>
\nDisco: Space As An Instrument
\nSello: Shelter Press
\nA\u00f1o: 2024
\n\"\"<\/a>
\nA partir de ingredientes sencillos \u2014palabras habladas, grabaciones de campo, algunas notas de piano\u2014, la compositora francesa construye intensos mundos de sentimiento. Los acompa\u00f1amientos de palabra hablada de F\u00e9licia Atkinson a las canciones de su nuevo \u00e1lbum son galos e \u00edntimos. Sus palabras, con un suave acento, se deslizan en el o\u00eddo mientras, en el tema inicial \u00abThe Healing\u00bb, habla sobre la contemplaci\u00f3n, \u00abde pie, pero sin afrontar completamente lo que tengo delante\u00bb. Habla sobre un piano solitario que toca una melod\u00eda melanc\u00f3lica, el tenue aleteo de un p\u00e1jaro y los sonidos que emite una persona al rozar una grabadora. El trabajo de Atkinson se basa en grabaciones de campo, que realiza en entornos convencionales, es decir, fuera del estudio. Pero el \u00e1lbum tambi\u00e9n gira en torno al piano, que Atkinson graba con su tel\u00e9fono, fusionando campo y estudio de una manera que subvierte la pr\u00e1ctica musical est\u00e1ndar y contribuye a su mundo sonoro inestable y multifac\u00e9tico. Space In An Instrument, como su t\u00edtulo indica, es un \u00e1lbum con temas c\u00f3smicos: los amplios espacios que nos rodean y nos cubren, pero tambi\u00e9n los espacios interiores. Los paisajes sonoros \u00edntimos de Atkinson y sus capas de ruido, tanto consecuentes como intrascendentes, registrados por igual por sus dispositivos port\u00e1tiles, son un medio muy eficaz para abrir los paisajes interiores. Su voz es descaradamente seductora, a veces inteligible, a veces utilizada como instrumento, m\u00e1s que como un recurso ling\u00fc\u00edstico. \u00bfA qui\u00e9n no le gustar\u00eda que le susurraran franc\u00e9s suavemente al o\u00eddo? Sin embargo, Atkinson se mantiene en el lado correcto de la autocomplacencia, equilibrando la tranquilidad con la perturbaci\u00f3n, con una voz a veces demasiado insistente o extra\u00f1amente duplicada. Mientras tanto, los paisajes electr\u00f3nicos dibujan un paisaje sonoro en constante cambio de ruido intencional y accidental. Reflejando fielmente los recovecos de la mente, la m\u00fasica de Atkinson nunca es del todo serena ni completamente tranquila. <\/p>\n

Artista: ROSE CITY BAND<\/strong>
\nDisco: Sol y Sombra
\nSello: Thrill Jockey
\nA\u00f1o: 2024
\n\"\"<\/a>
\nDel sitio https:\/\/www.mondosonoro.com\/: \u201cEstoy seguro de que, todos los que amamos la m\u00fasica y no renunciamos a seguir indagando sin descanso en los nuevos lanzamientos que salen semana a semana, nos hemos tenido que enfrentar alguna vez a la t\u00edpica pregunta de ese amigo que se qued\u00f3 anclado en los cl\u00e1sicos del pasado y te suelta un sonoro: Pero\u2026 \u00bfno te cansas? \u00bfNo te hartas de buscar entre tanta morralla? Y debo reconocer que, si este no fuera mi oficio, es posible que hubiera atravesado etapas de desencanto. Pero, claro, luego uno da con un disco como este \u201cSol y sombra\u201d, se olvida del tiempo perdido y vuelve a recuperar la fe. Vuelve a pensar que ha merecido la pena no desistir para degustar de unos sonidos tan elegantes como cristalinos. Y no es que la Rose City Band sean unos aut\u00e9nticos desconocidos, pero es cierto que Ripley Johnson, su l\u00edder, se ha manejado siempre en los m\u00e1rgenes del universo de la Americana Music, ya sea con este proyecto, o con otros de corte m\u00e1s duro y psicod\u00e9lico como Wooden Shjips o Moon Duo. \u201cSol y Sombra\u201d es el quinto trabajo de la banda integrada por el ya mencionado Ripley Johnson, muy bien arropado por Barry Walker a la pedal steel, Paul Hasenberg a los teclados y John Jeffrey a la bater\u00eda. M\u00fasicos veteranos que saben dar el contrapunto perfecto para que todo suene tan niquelado como compacto. Y es que una de las mayores virtudes de este disco es la delicadeza con la que los instrumentos empastan entre s\u00ed. El enso\u00f1ador vibrato alargado de la pedal steel con la suavidad de la base r\u00edtmica y la susurrante voz de Ripley Johnson. Una elegancia que remite a la alcanzada por otras bandas como los Mojave 3 de otro artesano de la sonoridad como Neil Halstead, los Lambchop de Kurt Wagner o en alg\u00fan momento m\u00e1s puntual los Luna de Dean Wareham o incluso el Jonathan Wilson m\u00e1s sosegado\u201d.<\/p>\n

Artista: DALEK<\/strong>
\nDisco: Negro Necro Nekros
\nSello: Ipecac Recordings
\nA\u00f1o: 2024
\n\"\"<\/a>
\nIpecac de Mike Patton lanza una reedici\u00f3n ampliada en vinilo del EP debut de D\u00e4lek de 1998, con nuevas versiones mejoradas y reforzadas con instrumentales extra, demos y remixes para los amantes del hardcore. El EP original de cinco temas situar\u00eda al d\u00fao MC D\u00e4lek, el microfonista, y el productor Oktopus, en los l\u00edmites del hip hop de finales de los 90, en una zona cercana al illbient de Spectre, Company Flow y Cannibal Ox de El-P, DJ Shadow o RZA, y los primeros trabajos de Kevin Martin. Eran conscientemente m\u00e1s extra\u00f1os que el gangsta rap contempor\u00e1neo predominante, y expandir\u00edan el lenguaje del hip hop con un toque oscuro y psicod\u00e9lico que posiblemente les vali\u00f3 m\u00e1s seguidores en el Reino Unido y la Uni\u00f3n Europea que en Estados Unidos, lo que result\u00f3 en colaboraciones posteriores con Skam Records de Manchester y Zhark de Kareem en Berl\u00edn, adonde se mudaron en 2010.D\u00e4lek es un tr\u00edo formado por el l\u00edder y MC D\u00e4lek (alias Will Brooks), quien, a mediados de los 90, colabor\u00f3 con Oktopus (Alap Momin) y Joshua Booth en una serie de canciones con influencias de Public Enemy y Einst\u00fcrzende Neubauten. Los resultados son a veces tan espectaculares que desaf\u00edan la creencia: la combinaci\u00f3n perfecta de noise y rap con conciencia social. Algo que deber\u00eda haber revolucionado el rap para siempre, pero que a d\u00eda de hoy es relativamente desconocido, salvo para quienes conocen la banda y hablan de ella con reverencia.
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