{"id":16508,"date":"2025-08-16T09:38:33","date_gmt":"2025-08-16T17:38:33","guid":{"rendered":"http:\/\/www.perdidos.cl\/?p=16508"},"modified":"2025-08-16T10:08:20","modified_gmt":"2025-08-16T18:08:20","slug":"programa-lunes-18-de-agosto-de-2025-2200-hrs-102-5fm-radio-u-de-chile","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.perdidos.cl\/?p=16508","title":{"rendered":"Programa lunes 18 de agosto de 2025, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile."},"content":{"rendered":"

Bit\u00e1cora<\/strong>: Partiremos con sonidos de la Irlanda profunda, dream pop recargado y uno de los actos m\u00e1s hype de los \u00faltimos dos a\u00f1os, seguimos con rescates del sello franc\u00e9s wewantsounds, nos vamos despu\u00e9s a conocer a una rusa que planea como los dioses y cerramos con un ex Ultravox que sigue d\u00e1ndonos recursos para el playlist de encauzamiento al dios Morfeo.<\/p>\n

Artista: Varios (Danny Diamond , Ultan OBrien<\/strong> y m\u00e1s)
\nDisco: A Collection of Slow Airs by Some Very Fine Fiddlers
\nSello: Nyahh Records
\nA\u00f1o: 2025
\n\"\"<\/a>
\nEste disco, editado por el sello irland\u00e9s Nyahh Records, es la segunda entrega de su serie dedicada a la m\u00fasica tradicional. Se trata de una recopilaci\u00f3n de \u201cslow airs\u201d, un tipo de melod\u00eda profundamente arraigada en la tradici\u00f3n musical irlandesa, caracterizada por su estructura libre, su tono melanc\u00f3lico y su origen en el canto sean-n\u00f3s. A diferencia de los jigs o reels, dise\u00f1ados para el baile, los slow airs est\u00e1n concebidos para la escucha introspectiva, evocando emociones que van desde la nostalgia hasta la contemplaci\u00f3n silenciosa. El \u00e1lbum re\u00fane a diez int\u00e9rpretes destacados del viol\u00edn tradicional irland\u00e9s, entre ellos Cormac Mac Diarmada, Saileog N\u00ed Cheannabh\u00e1in, Danny Diamond y Ultan O\u2019Brien. Cada m\u00fasico grab\u00f3 su pieza en casa, utilizando medios sencillos como tel\u00e9fonos m\u00f3viles o grabadoras digitales, lo que da como resultado un sonido \u00edntimo, sin efectos ni mezclas elaboradas. Esta est\u00e9tica deliberadamente cruda y cercana refuerza el car\u00e1cter emocional de las piezas, que parecen resonar en habitaciones reales, con ecos de madera y silencio. La selecci\u00f3n de temas es un recorrido por paisajes sonoros que oscilan entre lo ancestral y lo personal. Destacan la interpretaci\u00f3n de \u201cDark Lochnagar\u201d por N\u00ed Cheannabh\u00e1in, con su lirismo contenido, y \u201cA Dream of Home\u201d de Diamond, que captura una atm\u00f3sfera de regreso imaginario. El cierre con \u201cThe Poit\u00edn Gathering\u201d de Ingrid Lyons deja una sensaci\u00f3n de recogimiento, como si el oyente hubiese asistido a una sesi\u00f3n privada en un pub irland\u00e9s, donde alguien toca mientras otros guardan silencio, conmovidos.
\nEste disco no solo documenta una tradici\u00f3n viva, sino que la presenta con una sensibilidad contempor\u00e1nea, sin artificios, como un acto de escucha profunda. Es una obra que invita a detenerse, a dejarse atravesar por la emoci\u00f3n de lo simple y lo verdadero.<\/p>\n

Artista: JABU<\/strong>
\nDisco: A Soft and Gatherable Star
\nSello: Do You Have Peace?
\nA\u00f1o: 2024
\n\"\"<\/a>
\nEl tr\u00edo de Bristol Jabu \u2014formado por Amos Childs, Alex Rendall y Jasmine Butt\u2014 entrega en su tercer \u00e1lbum una obra profundamente emocional, tejida con hilos de dream pop nebuloso, ambient introspectivo y ecos de dub espectral. A Soft and Gatherable Star es un disco que se siente como una enso\u00f1aci\u00f3n compartida, una exploraci\u00f3n de la memoria, la p\u00e9rdida y la belleza que habita en los m\u00e1rgenes de la conciencia. El t\u00edtulo proviene de un poema escrito por el padre de Childs, cuya presencia se filtra en la atm\u00f3sfera del \u00e1lbum como una bruma afectiva. Grabado entre Bristol y la casa materna de Childs, el disco fue compuesto con instrumentos prestados y en sesiones nocturnas, lo que refuerza su car\u00e1cter \u00edntimo y vulnerable. Las voces de Butt y Rendall se entrelazan con guitarras difusas, bajos cavernosos y una instrumentaci\u00f3n que incluye cuerdas, clarinete, saxof\u00f3n y sintetizadores, aportados por colaboradores como Rakhi Singh, Vessel, Memotone y Birthmark. Cada pieza parece surgir de un estado liminal, donde las palabras se desvanecen y los ritmos se disuelven en texturas emocionales. Canciones como \u201cSea Mills\u201d evocan recuerdos adolescentes en paisajes urbanos transformados por la noche, mientras que \u201cAshes Over Shute Shelve\u201d y \u201cTemporary\u201d cierran el \u00e1lbum con una mezcla de melancol\u00eda y redenci\u00f3n. La producci\u00f3n, deliberadamente cruda y envolvente, convierte cada escucha en una experiencia sensorial que oscila entre lo et\u00e9reo y lo tangible. Este \u00e1lbum no busca respuestas, sino resonancias: es un refugio sonoro para quienes habitan la fragilidad con dignidad.<\/p>\n

Artista: BLACK COUNTRY, NEW ROAD<\/strong>
\nDisco: Forever Howlong
\nSello: Ninja Tune
\nA\u00f1o: 2025
\n\"\"<\/a>
\nForever Howlong marca un punto de inflexi\u00f3n en la trayectoria de Black Country, New Road. Tras la salida de su vocalista Isaac Wood, el sexteto brit\u00e1nico se reinventa con un enfoque coral liderado por Tyler Hyde, Georgia Ellery y May Kershaw. Esta nueva configuraci\u00f3n vocal no solo redefine la identidad del grupo, sino que aporta una sensibilidad distinta, m\u00e1s \u00edntima y plural, que se refleja en la diversidad estil\u00edstica del \u00e1lbum. Producido por James Ford, el disco transita entre el pop barroco, el folk progresivo y el art rock, con arreglos que incluyen clavec\u00edn, flautas dulces, mandolina y armon\u00edas vocales que evocan tanto a Joanna Newsom como a Julia Holter. Temas como \u201cBesties\u201d y \u201cThe Big Spin\u201d exploran la ternura y el absurdo con una teatralidad juguetona, mientras que \u201cSocks\u201d y \u201cFor the Cold Country\u201d abordan la ansiedad contempor\u00e1nea desde una perspectiva l\u00edrica y musicalmente fragmentada. Cada canci\u00f3n parece una peque\u00f1a obra de c\u00e1mara, con estructuras libres y cambios de tempo que desaf\u00edan las convenciones del pop. La interacci\u00f3n entre los miembros del grupo es clave: m\u00e1s que virtuosismo individual, lo que destaca es la compenetraci\u00f3n emocional y la voluntad de experimentar sin perder calidez. El resultado es un \u00e1lbum que, lejos de ser una ruptura, es una expansi\u00f3n: un testimonio de resiliencia creativa y una afirmaci\u00f3n de que la reinvenci\u00f3n puede ser tan poderosa como la continuidad.<\/p>\n

Artista: WARDA<\/strong>
\nDisco: We Malo
\nSello: Wewantsounds
\nA\u00f1o: 2025
\n\"\"<\/a>
\nOriginalmente grabado en 1975, We Malo es una de las obras m\u00e1s emblem\u00e1ticas de la diva argelina-libanesa Warda, reeditada por primera vez en vinilo por el sello Wewantsounds. Este \u00e1lbum captura a Warda en el apogeo de su carrera, acompa\u00f1ada por una orquesta egipcia completa bajo la direcci\u00f3n del compositor Baligh Hamdi, quien tambi\u00e9n fue su pareja sentimental y colaborador art\u00edstico. La obra se despliega como una suite dividida en cinco partes, donde la m\u00fasica cl\u00e1sica \u00e1rabe se entrelaza con elementos del funk y el pop orquestal de los a\u00f1os 70. La voz de Warda, poderosa y matizada, gu\u00eda al oyente a trav\u00e9s de pasajes hipn\u00f3ticos que oscilan entre la exaltaci\u00f3n y la melancol\u00eda. El uso de instrumentos modernos como la guitarra el\u00e9ctrica y el \u00f3rgano Hammond, probablemente ejecutados por Hany Mehanna, aporta una textura contempor\u00e1nea sin diluir la esencia tradicional. La producci\u00f3n remasterizada conserva la calidez anal\u00f3gica del original, mientras que el dise\u00f1o gr\u00e1fico replica la est\u00e9tica de la edici\u00f3n en casete, incluyendo un inserto con notas del Institut du Monde Arabe. We Malo no solo es un testimonio del virtuosismo vocal de Warda, sino tambi\u00e9n una muestra de c\u00f3mo la m\u00fasica \u00e1rabe supo dialogar con las corrientes globales sin perder su identidad. Esta reedici\u00f3n es una celebraci\u00f3n de su legado y una puerta de entrada para nuevas generaciones a una de las voces m\u00e1s influyentes del mundo \u00e1rabe.<\/p>\n

Artista: OLGA ANNA MARKOWSKA<\/strong>
\nDisco: Iskra
\nSello: Miasmah
\nA\u00f1o: 2025
\n\"\"<\/a>
\nISKRA es el debut discogr\u00e1fico de la compositora y multiinstrumentista polaca Olga Anna Markowska, una obra que transita entre la m\u00fasica de c\u00e1mara contempor\u00e1nea, el ambient electroac\u00fastico y la evocaci\u00f3n po\u00e9tica. Grabado entre 2017 y 2022 en distintos espacios, el \u00e1lbum traza un arco narrativo que va del amanecer al crep\u00fasculo, estructurado en diez piezas que funcionan como estaciones emocionales de un d\u00eda imaginario. La instrumentaci\u00f3n \u2014zither, violonchelo, electr\u00f3nica y voz sin palabras\u2014 se despliega con una delicadeza casi ritual, generando atm\u00f3sferas que oscilan entre lo \u00edntimo y lo espectral.
\nCada tema parece contener una memoria suspendida: \u201cTrain Ride Home\u201d evoca un regreso cargado de nostalgia, mientras que \u201cBorderland\u201d y \u201cFever Dream\u201d sumergen al oyente en paisajes sonoros densos, casi on\u00edricos. La producci\u00f3n, sutil y precisa, permite que los timbres respiren, con capas de drones, reverberaciones naturales y silencios cargados de intenci\u00f3n. Markowska no busca el dramatismo, sino una forma de contemplaci\u00f3n melanc\u00f3lica que recuerda a compositores como Preisner o Skelton. El resultado es una obra austera pero profundamente conmovedora, donde cada sonido parece brotar de una grieta en la memoria. ISKRA \u2014que en polaco significa \u201cchispa\u201d\u2014 es precisamente eso: una chispa de belleza suspendida en el tiempo, que ilumina con suavidad los contornos de lo que fue y lo que pudo haber sido.<\/p>\n

Artista: DIEGO MORALES<\/strong>
\nDisco: Think About It
\nSello: Emociones Discos
\nA\u00f1o: 2018
\n\"\"<\/a>
\nMostraremos algo de este invitado a nuestro cumple #30, que se mandar\u00e1 un set entre ambient y exoerimental. Diego partir\u00e1 como a eso de las 19:15. Lunes 1 de septiembre, acompa\u00f1andonos junto a micro2is y a super45.<\/p>\n

Artista: JOHN FOXX
\nDisco: Wherever You Are
\nSello: Metamatic
\nA\u00f1o: 2025<\/p>\n

En Wherever You Are, John Foxx entrega una obra de introspecci\u00f3n pura, compuesta y grabada en solitario al piano durante las primeras horas del d\u00eda, en su casa, tras una rara presentaci\u00f3n en vivo para BBC Radio 3. Este \u00e1lbum instrumental, alejado del synth-pop que lo hizo c\u00e9lebre, se sumerge en un minimalismo mel\u00f3dico que roza lo ambient, pero con una sensibilidad m\u00e1s cercana a la m\u00fasica de c\u00e1mara que al new age. Cada pieza parece una meditaci\u00f3n sobre la memoria, el paso del tiempo y la presencia invisible de quienes nos han formado. Las once composiciones, como \u201cNight Vision 1\u201d o \u201cA Swimmer In A Summer River\u201d, se construyen con silencios tan importantes como las notas mismas. Foxx utiliza el espacio entre los sonidos como un recurso expresivo, generando una atm\u00f3sfera de quietud y contemplaci\u00f3n. La producci\u00f3n es austera pero c\u00e1lida, con ecos naturales y reverberaciones que evocan paisajes interiores. El piano, enfrentado a una ventana que da a un valle brumoso, se convierte en un canal de evocaci\u00f3n emocional. Este disco no busca impresionar con virtuosismo, sino ofrecer un refugio sonoro donde el oyente pueda perderse. Es una obra que exige atenci\u00f3n y recompensa con una belleza serena, casi espiritual. En su aparente simplicidad, Wherever You Are se revela como uno de los trabajos m\u00e1s personales y conmovedores de la carrera de Foxx.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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