Programa lunes 19 de octubre 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Abrimos esta edición con el regreso al castellano de una cantautora estadounidense, en clave de amapola y desierto almeriense. Seguimos con el Londres de los noventa, cuando el dancehall jamaicano se fundió con el breakbeat para dar a luz al jungle. Después rescatamos voces otomanas de discos de goma laca de comienzos del siglo pasado, cantos de separación y añoranza. Un veterano del post-punk danés convoca luego a dos voces jóvenes para revivir un clásico de 1981. Después un productor mexicano disuelve sus certezas rítmicas en un pop indie psicodélico editado desde Uganda. Cerramos con un estallido cósmico autogestionado desde el sur de Chile.

Artista: JOSEPHINE FOSTER
Disco: Adormidera
Sello: Nyahh Records
Año: 2026

Josephine Foster regresa al castellano en “Adormidera”, continuación de un vínculo artístico sostenido durante años con el guitarrista español Víctor Herrero, con quien ya había firmado dos discos íntegramente en español y compartido el trío Mendrugo. Esta vez los roles se invierten: es Herrero quien cede siete piezas de su propio catálogo —tres del proyecto “Hermana” de 2020 y cuatro de “Estampida” de 2013— para que la cantautora de Colorado las habite con su voz. Grabado en Níjar, en pleno desierto almeriense, el disco respira esa geografía árida: un ingeniero de sonido que decidió conservar el aire entre los instrumentos en vez de rellenarlo, y una masterización que prolonga esa calidez etérea hasta el final. El resultado cruza folk apalache casi espectral con un romanticismo ibérico que roza la nueva canción latinoamericana sin rendirse del todo a ninguna tradición. “Adormidera” abre el disco con paciencia antes que urgencia; “Avellaneda” avanza con una reverencia contenida que rehúye el dramatismo fácil; “Hermana” se sostiene sobre una ambigüedad armónica dulce y enigmática que no termina de revelarse en una sola escucha. Ninguno de los dos intérpretes busca protagonismo sobre el otro, y de ahí nace una intimidad que no se quiebra pese a su fragilidad.

Artista: VARIOS
Disco: Rumble in the Jungle
Sello: Soul Jazz Records
Año: 2007

A finales de los ochenta, el Reino Unido ya escuchaba reggae y dancehall a través de sus propios sound systems, herederos de la cultura de patio jamaicana trasplantada por la diáspora caribeña. Cuando el acid house y el breakbeat hardcore explotaron, ese vocabulario —bajos profundos, samples vocales, el ritual del rewind— se filtró en los primeros productores de rave, y hacia 1992 el término “jungle” ya circulaba. Esta compilación de Soul Jazz Records reconstruye ese linaje, reivindicando el dancehall ochentero como raíz genealógica del género y no como influencia lateral. THE RAGGA TWINS, los hermanos Flinty Badman y Deman Rocker, construyeron su propio sound system desde la adolescencia antes de cruzar hacia el sello Shut Up and Dance, donde trasladaron el rewind jamaicano a la pista rave; “Ragga Trip” es un comentario socarrón sobre la cultura de las drogas en el acid house. ASHER SENATOR llega desde el toasting clásico ochentero de Fashion Records: su “One Bible” samplea pasajes bíblicos como puente entre la entonación religiosa del deejay jamaicano y el breakbeat acelerado. Y “Incredible”, de M-BEAT WITH GENERAL LEVY, reciclando vocales previas de Levy, fue el primer tema de jungle en entrar al top 10 británico, hito que generó fricciones dentro de una escena incómoda con su propia exposición mediática.

Artista: VARIOS
Disco: The Pain of Separation – Turkish Gazels 1926-1935
Sello: Death Is Not The End
Año: 2026

Entre las ruinas administrativas del Imperio Otomano y los primeros años, ásperos y reformistas, de la República turca, un puñado de voces quedó capturado en discos de goma laca a 78 revoluciones por minuto. Esta compilación del sello británico Death Is Not The End reúne catorce de esas grabaciones hechas entre 1926 y 1935, justo cuando la nueva república prohibía la enseñanza de música tradicional y vetaba su transmisión radial: paradójicamente, sobrevivieron gracias al mercado discográfico privado. El género que da título al disco, el gazel, es canto solista sin métrica fija, equivalente vocal del taksim instrumental, que improvisa versos de raíz sufí sobre la arquitectura modal del makam, ornamentando la línea con melismas y quiebros que dramatizan el texto de separación y añoranza. HAFIZ SADETTIN KAYNAK, hafiz y compositor prolífico formado como recitador coránico, aporta el tema homónimo desde la doble autoridad de su oficio religioso y musical. HÂFIZ BURHAN, una de las voces de gazel más populares en disco de su generación, firma “Everywhere is Darkness”, lamento existencial típico del género. De TARSUSLU ABDÜLKERIM, tercer intérprete, queda poca información más allá de su gazel en rast “I Waited for So Many Nights”, testimonio frágil de una voz que de otro modo se habría perdido.

Artista: BLEEDER
Disco: Marble Station
Sello: Escho Records
Año: 2026

Bajo el nombre BLEEDER se esconde Peter Peter, veterano de la escena punk y new wave de Copenhague desde los noventa, cuya banda le prestó el título a una película de Nicolas Winding Refn antes de que este se consagrara como cineasta de neones y violencia estilizada. Que Peter Peter haya terminado componiendo bandas sonoras —entre ellas la de “Pusher” y la de “Valhalla Rising”— no es casualidad: su música siempre tuvo algo de cine. Este EP de cuatro canciones convoca a dos voces de generaciones distintas: Majke Voss, que como Broken Twin publicó discos delicados en Anti-, y Elias Rønnenfelt, frontman de Iceage. El corazón conceptual del disco es su tema título: no una composición original, sino una relectura de un sencillo de Sort Sol editado en 1981 por 4AD, convertido aquí en dúo entre Voss y Rønnenfelt, dos timbres que dialogan más que se funden. El resto del tracklist confirma esa vocación de puente generacional, con versiones de Lydia Lunch y de la casi desconocida Fifty Foot Hose. “Boy/Girl” juega con la ambigüedad desde el título, y “Here Come the Dead” cierra el recorrido como epílogo entre lo fúnebre y lo teatral.

Artista: ANSIEDAD1000
Disco: Abizzzmo
Sello: Hakuna Kulala
Año: 2026

Hay un momento en la carrera del productor mexicano Tony Gallardo —conocido sobre todo por su alias María y José, ligado a la escena tribal guarachero— en que decide disolver las certezas rítmicas que lo hicieron reconocible. Ese quiebre cristaliza en ANSIEDAD1000, y “Abizzzmo” es su declaración más ambiciosa: doce piezas que cambian las mutaciones reggaetoneras por un pop indie panorámico, ansioso y psicodélico, editado por Hakuna Kulala, la costilla de baile excéntrica del colectivo ugandés Nyege Nyege Tapes. El resultado suena como arqueología emocional en capas: guitarras saturadas fundidas con sintetizadores de neón, distorsión shoegaze y un velo lo-fi, con ecos directos de Brian Wilson —hay un sampleo explícito de “Pet Sounds”— cruzados con una arista industrial y una identidad latinoamericana que nunca desaparece del todo bajo el ruido: la cumbia sigue latiendo en el fondo. El tema homónimo abre el disco marcando atmósferas antes que estribillos. “Raraz Nochez” se celebra por su carácter juguetón, casi una píldora de hechizo sonoro. “Sunny en mi Cabeza” ocupa un lugar temprano en el tracklist e ilustra el giro hacia la ternura confesional que domina el disco, con melodías agridulces asomando entre la fuzz.

Artista: BANANA CAIMÁN
Disco: Planeta Caimán
Sello: Vacio Studios
Año: 2026

Tras cuatro años de composición, Banana Caimán, formado por Ignacio Fritis, Jorge Fritis y Martín Westermeyer, presenta Planeta Caimán, su álbum debut y primera declaración de identidad como banda. El disco nace durante un período de transición, atravesado por cambios, incertidumbres y esa extraña energía de estar dejando atrás una etapa mientras comienza otra. Con el funk como principal inspiración, Planeta Caimán apuesta por un sonido enérgico y dinámico, donde el groove funciona como hilo conductor. El propio título propone entrar a un espacio particular (Planeta Caimán), un universo construido por la banda donde esas experiencias, ideas y cambios toman forma a través de las canciones.
Banana Caimán venía moviéndose en el under con una serie de lanzamientos breves y directos: el EP “Perro Bomba Atómica” en 2022, el sencillo “Ilusión” en 2023, y ya en 2025 un salto a formato en vivo con “En Vivo UdeC”. “Planeta Caimán” llega como su álbum de mayor aliento hasta ahora, nueve canciones entre las que destaca “Supernova”, el tema que sonará hoy: un título que sugiere estallido y luz, coherente con la imaginería planetaria que da nombre al disco entero.

Programa lunes 12 de octubre 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Abrimos esta edición con el regreso, tras más de una década de silencio, de un dúo escocés que convierte sus sintetizadores en arquitectura casi religiosa, entre lo luminoso y lo perturbador. Seguimos con una trombonista neoyorquina que por primera vez canta y escribe letra, explorando su herencia isleña. Después viajamos a la Alemania dividida de los ochenta, para rescatar una escena synth-wave casi olvidada. Luego un dúo británico combina ambient urbano, cuerdas y voces invitadas en un retrato íntimo de identidad y pertenencia. Cerramos con un encuentro guitarrístico grabado en tres días, fruto de una amistad entre un productor europeo y un músico japonés.

Artista: BOARDS OF CANADA
Disco: Inferno
Sello: Warp Records
Año: 2026

Trece años de silencio separan este regreso de “Tomorrow’s Harvest”, y la espera se nota en cada resquicio de las dieciocho piezas que componen “Inferno”. Los hermanos Sandison abandonan la nostalgia pastoral y las texturas de cinta que los definieron para instalarse en un territorio más árido, casi litúrgico, grabado en su estudio de las Pentland Hills escocesas. El disco se abre con fragmentos casi religiosos y despliega sintetizadores analógicos, baterías en vivo y muestras vocales irreconocibles —predicadores, coros devocionales, voces robóticas— que construyen un díptico entre lo divino y lo demoníaco. “Naraka”, bautizada con el término sánscrito para los infiernos temporales, combina campanas menores, percusión ósea y un sample coral que se disuelve en un pulso más marcado. “Into the Magic Land” respira con guitarras de eco y xilófonos que gotean, mientras “You Retreat in Time and Space” se alza como el clímax emocional del álbum, con capas de órgano que rozan la nana antes de resquebrajarse. “Somewhere Right Now in the Future” cierra con guiños casi vaporosos. La escucha divide: para unos es el trabajo más oscuro y directo del dúo; para otros, el concepto pesa más que la ejecución.

Artista: KALIA VANDEVER
Disco: Mana
Sello: International Anthem.
Año: 2026

Kalia Vandever presenta en “Mana” su debut como cabeza de cartel bajo el sello de Chicago que se ha vuelto refugio natural para quienes cruzan las fronteras entre jazz, ambient y canción de autor. Publicado en vinilo, CD y descarga digital, el disco reúne siete piezas que amplían el territorio abierto en su anterior trabajo en solitario. Lo más llamativo es el giro hacia la voz propia: conocida hasta ahora como instrumentista de sesión, la trombonista neoyorquina canta y escribe letra por primera vez en un álbum bajo su nombre. El trombón sigue siendo el centro gravitacional, procesado a través de pedales hasta volverse niebla ambiental, dron suspendido, eco que se pliega sobre sí mismo, sobre un piano disperso que varias escuchas emparentan con el Sakamoto de sus últimos años. Conceptualmente, el disco bucea en la herencia hawaiana de la compositora: “mana” designa en esa lengua un poder fundacional, y la obra funciona como cierre de un círculo entre su vida familiar y profesional. “Waiting” abre con trombón solista casi irreconocible antes de una de las interpretaciones vocales más vulnerables de su carrera. “Holding” cierra el álbum como canción de ruptura, con acordes suspendidos que crecen hasta el zumbido. “Tough Play” e “In the Folds” completan un recorrido de duelo, amor y comunidad.

Artista: VARIOS
Disco: Sowas von egal (German Synth Wave Underground 1980-1985)
Sello: Bureau B
Año: 2018

Mientras la Neue Deutsche Welle se domesticaba hasta volverse fenómeno de masas, un enjambre de proyectos mucho más ásperos operaba en las sombras de ese éxito comercial. Hamburgo, Stuttgart y otras ciudades medianas alojaron bandas que grababan casetes de tirada mínima o vinilos autoeditados que jamás salieron de su circuito local, herederas sin saberlo del vocabulario que Kraftwerk y Conny Plank habían sembrado en el país. El sello Bureau B, junto al colectivo Damaged Goods, rastreó a esos músicos, negoció derechos perdidos y remasterizó catorce piezas que retratan una Alemania Occidental nerviosa, atravesada por la cultura de protesta y el miedo a una nueva guerra. DER MODERNE MAN aporta “Blaue Matrosen”, de 1982, con batería en vivo y un riff de órgano Farfisa que cruza lo analógico y lo electrónico sin resolver del todo la tensión entre ambos. BERLIN EXPRESS traduce la ansiedad de Guerra Fría en “Die Russen kommen”, pulsos sintéticos y ráfagas de guitarra contenida que alcanzaron cierta proyección internacional al reeditarse en Estados Unidos. PENSION STAMMHEIM responde desde el polo opuesto de esa tenaza geopolítica con “US-Invasion”, mientras MATTHIAS SCHUSTER firma “Für alles auf der Welt”, un tema que se inscribe en la estela más severa de Deutsch-Amerikanische Freundschaft. Cuatro gestos DIY que, décadas después, revelan una coherencia que sus propios autores tal vez nunca percibieron.

Artista: SPACE AFRIKA
Disco: Quiet Storm
Sello: Dais Records
Año: 2026

Manchester y Berlín laten a la vez en la obra de Joshua Inyang y Joshua Tarelle Reid, amigos de infancia que desde hace dos décadas construyen bajo este nombre un lenguaje sonoro esquivo a cualquier etiqueta cómoda. “Quiet Storm”, su tercer álbum y segundo para el sello Dais, llega cinco años después de “Honest Labour” como el trabajo más ambicioso de su trayectoria. El título se lo prestó el artista visual Glenn Ligon, quien además cedió una obra suya para la portada, gesto que ya funciona como declaración de intenciones. El nombre remite al formato radiofónico nocturno asociado a la intimidad y la introspección de madrugada, atmósfera que atraviesa trece cortes donde el ambient urbano, el dub y el trip-hop se cruzan ahora con cuerdas, guitarras y percusión en vivo. El dúo describe su método como ambient de barrio para una vida caótica, nacido del ruido de la ciudad antes que de cualquier idea bucólica del género. El disco se apoya en una nómina coral de voces invitadas que proyectan distintas facetas de su propia identidad. “MLN”, junto a Tony Njoku, sostiene un falsete procesado sobre percusión fracturada que acumula emoción sin estallar nunca. “Crying never had a voice”, con Vanessa Bedoret, y el cierre “Regards” completan un retrato de espiritualidad, clase y diáspora contado en susurros.

Artista: JONNY NASH + TOMO KATSURADA
Disco: At the Emerald Pool
Sello: Melody As Truth / Future Days Radio
Año: 2026

Hay discos que nacen de una sociedad calculada y otros que maduran como una fruta que llevaba tiempo creciendo en la misma rama: este pertenece a la segunda especie. Jonny Nash y Tomo Katsurada se conocen hace más de una década y graban “At the Emerald Pool” en apenas tres jornadas, dentro de un granero holandés, tras una gira compartida que terminó de soldar una comunicación casi telepática entre ambos. Disuelta ya Kikagaku Moyo, la banda psicodélica que lideraba Katsurada, el dúo encuentra aquí forma propia: guitarras trenzadas, pulsadas con lentitud pendular, bañadas en delay hasta disolver los contornos entre lo acústico y lo eléctrico, con dub atmosférico, new age de trazo fino y voces susurradas que funcionan como textura antes que como relato. El disco reparte casi en mitades iguales piezas cantadas e instrumentales. “Know My Name” y “Sunshower Rite” flanquean el ecuador de la cara A, tramos donde asoma cierta sensibilidad shoegazer noventera. “Someday We’ll All Fall Down” cierra el álbum con más de siete minutos que despliegan una exploración de guitarra casi cósmica, una exhalación después de cuarenta minutos de contención, en lo que varios oyentes describen como el mejor cierre posible para una amistad convertida en música.
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