Programa lunes 9 de noviembre 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Partiremos con una compositora que rescata las hilachas de su disco anterior. Luego abriremos un casete de viejas grabaciones con cantos rurales griegos sobre el destierro y la fiesta. Seguiremos con un dúo del dream pop que durmió treinta años en cintas DAT, y con un electrónico inglés que se tiende al sol. Después, folk de paisajes desérticos soñado desde la gran ciudad, y cerraremos a bordo de un tren fantasma.

Artista: JULIA HOLTER
Disco: Materia
Sello: Domino
Año: 2026

Hay compositoras que tiran lo que sobra y otras que, como JULIA HOLTER, vuelven a la mesa de mezcla a recoger las raspas. Materia nace como apéndice de Something In The Room She Moves (2024): cuatro canciones nuevas trabajadas en gira junto a su banda y versiones reimaginadas de material anterior, siete piezas en treinta y cinco minutos. Más pequeño por diseño, el disco disfruta del silencio y deja que las composiciones se adelgacen, se quiebren o se detengan cuando encuentran su forma. “The Laugh Is In The Eyes” abre sobre un compás de cinco tiempos, con silbidos, chillidos y una dicción que parece interrumpir y termina encajando; se vacía en el centro y vuelve a llenarse. “My Lost One”, inspirada en libros infantiles de rimas inquietantes y sílabas sin sentido, avanza sobre arpegios de caja de música y un bajo que suena entre cuerda frotada y caramelo derretido, hasta un final radiante en que HOLTER repite en bucle “I leave my dove, my lost one”. “Fantasy” es casi inquietante de tan controlada: se llena de elementos y luego los retira uno por uno. Flautas que parecen robadas de una sesión de jazz, bajo sin trastes, percusiones que recuerdan el pop barroco de los sesenta y ecos de BRIAN ENO, TERRY RILEY y RYUICHI SAKAMOTO se cruzan en un sueño lúcido. Materia prueba que los márgenes también guardan tesoros, y que una idea descartada puede tener todavía mucha vida por delante.

Artista: VARIOS (GEORGIA MITTAKI, SOTIRIA VASILEIOU y más)
Disco: Curse You, Foreign Lands
Sello: Death Is Not The End
Año: 2026

Canta GLYKERIA ZOUMPA: maldita seas, tierra extranjera. De ese lamento por la xenitiá —el exilio, la emigración, la ausencia del que partió— toma su nombre este casete de Death Is Not The End, el sello londinense que desde hace una década desentierra grabaciones antiguas sin limpiarles el polvo. Catorce piezas de demotiká, la música rural griega, registradas entre fines de los años treinta y mediados de los cincuenta, con improvisaciones pentatónicas que se elevan, ritmos de compases irregulares y voces que van del llanto desgarrado al júbilo. GEORGIA MITTAKI, una de las grandes voces del canto popular de preguerra, desliza con gracia ágil “????? ???’ ??????????”, el deseo de una muchacha valaca de las montañas. SOTIRIA VASILEIOU encarga en “???? ???? ??? ??? ??????” que la madre lleve un recado a Yannis, y VAIOS MALLIARAS canta “? ?????????”, el amaranto, flor que en la tradición no se marchita. Alrededor, clarinetes que lloran, violines, laúdes y panderos; el crujido de la pizarra es parte del paisaje. La portada adapta una acuarela de Edward Lear de 1857, un pueblo de Epiro colgado de la montaña. No hay aquí restauración pulcra ni afán de museo: son voces que viajan desde aldeas y cafés hasta nuestros oídos con la aguja todavía rascando, prueba de que la muerte, efectivamente, no es el final.

Artista: INRAIN
Disco: Rise
Sello: Music From Memory
Año: 2026

A comienzos de los noventa, Geoff Travis, el hombre detrás de Rough Trade, presentó a RUDY TAMBALA, de A.R. KANE, y a ALISON SHAW, de CRANES. Dos bandas que a fines de los ochenta habían abstraído el pop hasta darle nombre al dream pop; dos personas que, lejos de las expectativas de sus grupos, se encerraron varios meses en H.Ark! Studios, en Stratford, al este de Londres. De esas sesiones salió un único siete pulgadas en 1991 y poco más; hoy Music From Memory lo rescata, remasterizado desde las cintas DAT originales y con un tema de 2012, “Biology”, como epílogo. Muestreo temprano, cajas de ritmo, guitarra acústica y voz, usados con cuentagotas: el espacio aquí es un instrumento más, y las voces muchas veces improvisadas quedaron en primera toma. “Grow” casa el rasgueo acústico con repiques eléctricos catárticos. “…And Julie Rose” es una canción de cuna suelta, con la voz aniñada de SHAW flotando sobre una especie de música de ascensor romántica. “Sleep” es una deriva lenta de guitarra punteada y susurros lejanos. Imaginen a COCTEAU TWINS a media velocidad y una voz juvenil apenas más sombría: por ahí anda este cuarto de hora mínimo, con sombras de jungle y dub en los graves, que mira hacia atrás sin dejar de soñar hacia adelante: un secreto bien guardado que por fin sale a la luz, treinta y cinco años después.

Artista: PYE CORNER AUDIO
Disco: More Songs About The Sun
Sello: Sonic Cathedral
Año: 2026

Durante años, MARTIN JENKINS construyó con el nombre de PYE CORNER AUDIO una electrónica de pasillos en penumbra, hecha de cintas gastadas y sintetizadores fantasmales. Con Let’s Emerge! (2022) empezó a asomarse a la superficie, y este segundo disco para Sonic Cathedral, secuela declarada de aquel, se tiende derechamente al sol. La consigna fue empapar todo de distorsión y saturación, pero sin reventar amplificadores: un calor que se siente en la piel más que en los oídos. ANDY BELL, guitarrista de RIDE y de OASIS, presta sus guitarras de shoegaze y psicodelia en cuatro de los doce temas. “Euphoria” abre con un balearic de ojos entrecerrados; “Cycle”, primer sencillo, avanza sobre un bajo electro y es quizás lo más pop que JENKINS haya firmado, con él mismo al micrófono. “The Race Is Run” corre en otra dirección, y “As We Begin” vuelve a juntar sintetizador y guitarra para mirar hacia adelante. En el camino aparece el novelista escocés IAN RANKIN recitando un monólogo sobre un pulso de persecución ochentera. STEREOLAB, SPACEMEN 3, HARMONIA, CLUSTER y SUICIDE rondan como influencias confesas. Hay sombra, claro —hace falta para apreciar la luz—, pero el hilo que une las piezas es un optimismo casi terco, obstinado en tiempos oscuros: canciones para cerrar los ojos de cara al cielo y dejar que la tibieza haga lo suyo.

Artista: IVY KNIGHT
Disco: Iron Mountain
Sello: Scenic Route
Año: 2026

Criada en Oakland y radicada en Brooklyn, IVY KNIGHT llega a su primer larga duración después de dos EP, y lo hace mirando hacia un lugar donde nunca vivió: los paisajes áridos del suroeste estadounidense, rocas rojas, cañones, faros en el desierto. Es la mirada de una soñadora de ciudad que se inventa un mundo para hundirse en él, recordando memorias que parecen transmitidas desde generaciones pasadas, con melodías folk y viejas baladas de sendero de fines de los cincuenta. Detrás de la consola está DEER PARK, productor que ha trabajado con ECCO2K, FAKEMINK y EVILGIANE, y que aporta una capa contemporánea reducida, abierta, levemente inquietante. “Headlamp”, escrita en el invierno de 2023, abre con un banjo destacado y la voz suave de KNIGHT, pensando en recuerdos que pasan por el espejo retrovisor a los que se les dice gracias. “Deep Blue” cambia el ocre por el azul profundo que anuncia su título, “Swimming In Blood” es una balada atmosférica que se queda flotando aunque su letra sea difícil de asir, y “Red Rock” nombra la tierra rojiza de ese desierto imaginado. El título guarda una ironía: Iron Mountain es el nombre de un centro de datos, tema de la tesis que la autora escribía sobre sus efectos en el clima. Folk espectral, íntimo sin ser distante, en la estela de JOANNE ROBERTSON, CAT POWER o ML BUCH.

Artista: CHRIS WATSON
Disco: El Tren Fantasma
Sello: Touch
Año: 2011

En enero de 1999, CHRIS WATSON subió como sonidista de la BBC a uno de los últimos trenes de pasajeros de los Ferrocarriles Nacionales de México, rumbo a la serie Great Railway Journeys. Durante un mes cruzó el país de costa a costa, de Los Mochis, en el Pacífico, a Veracruz, en el Atlántico, atravesando la Sierra Tarahumara y el espinazo del país. Ese servicio ya no existe, y el monte ha vuelto a tragarse buena parte de las vías; lo que queda es este viaje acústico reconstruido con grabaciones de archivo. “La Anunciante” abre el recorrido como una voz que llama a subir, y en “El Divisadero”, el mirador sobre las Barrancas del Cobre, la bocina de la locomotora pasa rugiendo antes de disolverse en un zumbido grave, como si el tren se volviera jinete fantasma en el cielo. Chirridos de acero, el ritmo de las ruedas sobre los rieles, pájaros, insectos, voces de estaciones y mercados: WATSON, que fue fundador de CABARET VOLTAIRE y THE HAFLER TRIO antes de dedicarse a registrar la naturaleza, crea profundidad y espacio donde otros solo verían ruido. El tren aparece como un intruso humano pero antinatural, un gigante metálico que traquetea por el paisaje, y también como memoria de una proeza de ingeniería. Homenaje, documento y mapa del alma: música concreta que se escucha con los ojos cerrados.
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Programa lunes 2 de noviembre 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Partiremos con el regreso de una banda de Liverpool que rompe doce años de silencio con canciones breves que miran de frente al paso del tiempo. Seguiremos con un veterano del pedal steel que debuta a los 72 años entre praderas country y nubes ambient. Luego viajaremos a una aldea sudafricana donde las bodas se bailan a 180 pulsaciones. Continuaremos con un duelo felino convertido en electrónica íntima, y cerraremos con jóvenes artistas sonoros que dialogan con el legado del azar y el silencio.

Artista: ECHO & THE BUNNYMEN
Disco: Apples For Isaac
Sello: BMG
Año: 2026

Doce años de silencio discográfico separan a ECHO & THE BUNNYMEN de Meteorites, y el regreso llega cargado de una sombra luminosa. IAN MCCULLOCH escribe, produce y toca casi todo; WILL SERGEANT, fundador del grupo, aparece apenas como un destello de trémolo lunar, mientras CLEM BURKE, el baterista de BLONDIE, golpea en diez de los once cortes antes de morir sin ver el disco terminado. Esa ausencia se cuela por las rendijas: son canciones breves, ninguna pasa los cuatro minutos, y sin embargo todas miran de frente al paso del tiempo. El título juega con dos Isaacs, Newton y Asimov, y con la fuerza que ambos conocían: la gravedad, esa que tarde o temprano devuelve a poetas y estrellas de pop al suelo. “Take Me By The Hand” abre con acordes reconocibles que de pronto tropiezan hacia un funk nervioso, el mismo que alguna vez contagió a los primeros HAPPY MONDAYS. “The Honey” derrapa con guitarras campanilleantes y coros sacados de un cancionero psicodélico de los sesenta, pegajosa como su nombre. Y “An Unstoppable Force” es el corazón expuesto: un riff frágil y ahogado en eco, cuerdas que empujan hacia la lágrima y MCCULLOCH suspirando que algún día perderá las ganas de la persecución. Hay estadio y hay callejón, hay muelle desolado y aguja gótica. No es la nostalgia de quien vive de glorias viejas, sino el aliento tardío de una banda que decidió envejecer con los ojos abiertos.

Artista: EVIL GRAHAM LEE
Disco: I Think I’m Alone Now
Sello: Isle Of Jura
Año: 2026

A los 72 años, GRAHAM LEE —el “Evil” que se ganó el apodo en THE TRIFFIDS— publica por fin un disco a su nombre. Su pedal steel ya había dejado huella lejos del country cuando, en 1990, se volvió el alma de Chill Out, la obra maestra ambient de THE KLF. Aquí el instrumento se desnuda en seis piezas que oscilan entre la melodía campestre y vastas texturas bañadas en reverberación. “Serein” —palabra francesa para la llovizna que cae de un cielo despejado al atardecer— abre con esa misma suavidad improbable. “Seeking Beauty In Sadness” despliega una melodía con trémolo que se queda suspendida como humo, y “Nursery In The Beehive” se permite una abstracción curiosa. El centro de gravedad es el tema que da nombre al álbum: quince minutos de raga campesino cuyos armónicos se deslizan por formas cercanas al sitar hasta desembocar en paisajes new age y kosmische, como si el tiempo se dilatara. “Is There Any Pedal Steel In Heaven?” despide con una pregunta que suena a plegaria. Vibrato, glissando, notas dobladas que bailan con un punteo folk: música para contemplar la eternidad sin prisa. Las notas interiores las firma BILL DRUMMOND, que recuerda cuarenta años de amistad nacidos cuando THE TRIFFIDS fueron su banda en The Man. Medio siglo de oficio cabe en este gesto tardío: el círculo que Chill Out dejó entreabierto, por fin se cierra con calma.

Artista: SEROKOLO 7
Disco: Maramfa Musick Pro
Sello: Nyege Nyege Tapes
Año: 2026

En Ga-Sekhukhune, en la provincia sudafricana de Limpopo, la noche antes de una boda se baila hasta el amanecer al ritmo del mapanta, la música tradicional del pueblo bapedi. SEROKOLO 7, productor y operador de sound system de 27 años que aprendió solo con Virtual DJ y FL Studio, es una de las figuras detrás de su resurrección electrónica, y este disco es su carta de presentación al mundo. Aquí nada se pule: los golpes corren a 180 pulsaciones por minuto o más, los aullidos de animales se trenzan con marimbas martilladas, silbatos ceremoniales y retazos de voces en sepedi que no buscan estribillos, sino invocar linajes, tótems y antepasados. Se oyen ecos del ritmo shangaan, la presión del log drum del amapiano, las formas rituales del manyalo y el pulso áspero del lekompo, todo saturado con la mugre gloriosa de los casetes de los noventa. “Bonkoko Bagana” es el momento en que la aspereza se vuelve melodía y los sintetizadores tienden un puente entre la aldea y el pop electrónico global. “Morwa Malopo” convoca las danzas de sanación por posesión de espíritus: la repetición como tecnología para disolver el ego. “Magoboko”, mínima y callejera, está hecha para hacer temblar los maleteros de los autos. Sonido de aldea transmitido por baile, memoria, parlantes y discos duros compartidos: música que no pide permiso para existir fuera de su calle, y que justamente por eso suena universal.

Artista: TUJIKO NORIKO
Disco: PON
Sello: Editions Mego
Año: 2026

Ponpon era un gato callejero y sordo que TUJIKO NORIKO adoptó con apenas tres meses de vida; un accidente se lo llevó, y de ese duelo brotó este sexto álbum para Editions Mego. Lejos de la postal lacrimosa, la compositora nacida en Osaka y afincada cerca de París desde 2002 convierte la pérdida en un cuaderno de afectos donde conviven la electrónica, las melodías románticas y los detalles sonoros que asoman sin aviso. Grabaciones de campo domésticas, ronroneos, pasos y ruidos de casa se filtran entre sintetizadores y piano, como si el animal siguiera merodeando por el estudio. “Boku Wa Obake” —“Soy un fantasma”— es la pieza clave: sobre un piano y una base ambiental se enciman voces de campo y un rap en francés, reflejo de una vida partida entre dos idiomas. “Wakaru Pon” avanza con la ternura de quien habla con alguien que no puede oír, y “Kazeyo Pon” cierra como un soplo de viento que se lleva lo que queda. Entre medio caben la melancolía pianística a lo RYUICHI SAKAMOTO, el drone hondo de PAULINE OLIVEROS y una deriva de diez minutos, “Knife Of Yonder”, que parte cálida y termina en vuelo. Mezclado junto a LAWRENCE ENGLISH, PON se mueve entre lo infantil y lo oscuro, entre el pop, el ambient y la abstracción, y esquiva con elegancia la trampa de la cursilería: intimidad y modernidad cosidas con el mismo hilo.

Artista: VARIOS (BRUNO HAAS, DAVID TUDOR y más)
Disco: Sound And Experiment X Museum Brandhorst
Sello: Sound_And_Experiment
Año: 2026

En junio de 2025, durante la Junge Nacht que inauguró el Kunstareal Fest de Múnich, el Museum Brandhorst abrió sus salas a Sound and Experiment, el programa que FLORIAN HECKER dirige en la Academia de Bellas Artes de la ciudad. La invitación tenía un eje preciso: dialogar con la exposición Fünf Freunde, dedicada a JOHN CAGE, MERCE CUNNINGHAM, Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Cy Twombly. Este CD no es el registro de aquella noche, sino piezas nuevas pensadas para el formato, nacidas de un seminario que estudió visualizaciones espectrotemporales, la influencia oblicua de DAVID TUDOR y la aventura de E.A.T., Experiments in Art and Technology. MARIA MARGOLINA, entre Múnich y Berlín, rescata archivos de audio y video de la Exposición Universal de Osaka de 1970 y los reordena con un sampler para desnudar cómo se cruzan lenguaje, ideología y producción mediática en “Osaka ’70, 25 Revisited”. BRADLEY LEONARD e ILINCA FECHETE trazan en “Phase Portrait: Dacia” un mapa de estados que oscilan, y BRUNO HAAS, obsesionado con lo efímero y lo momentáneo, cierra con “Miaumelanzane_V3”, donde el azar y la estructura se sientan a la misma mesa. Completan el mosaico SOFIAN BIAZZI, WATER LILY, CAMILLA METELKA con DANIEL GIANFRANCESCHI —dos piezas repartidas entre canal derecho e izquierdo—, ROSI, FOCUS BABY y CAROLINE KRETSCHMER. Una bitácora de escuela, sí, pero con la curiosidad intacta de quien escucha a CAGE y decide seguir preguntando.
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Podcast Programa 26 de octubre de 2026

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