Perdidos en el Espacio | 22:00 hrs por Radio Universidad de Chile

DESCARGA(lunes 6): Aquí o https://www.mediafire.com/perd260706.mp3

Bitácora: Comenzaremos con una reinterpretación electrónica que desarma melodías icónicas para transformarlas en atmósferas digitales de introspección. Luego viajaremos a Addis Abeba para redescubrir grabaciones instrumentales que entrelazan jazz?funk y tradición etíope con energía vibrante. Seguiremos con un himno del reggae que se erige como símbolo de resistencia cultural y memoria colectiva. Más adelante nos sumergiremos en un folk íntimo y minimalista, donde la voz se convierte en un hilo de vulnerabilidad. Continuaremos con un diario sonoro urbano, cargado de bajos densos y guitarras ásperas, y cerraremos con un dúo alemán que explora la tensión entre trance y melancolía en paisajes electrónicos suspendidos.

Artista: DNTEL
Disco: Enya Mixes
Sello: Self-released / Fleetway
Año: 2011 / 2026

Jimmy Tamborello, bajo su alias Dntel, reinterpreta la obra de ENYA en un ejercicio de electrónica experimental que desarma las melodías originales para reconstruirlas como atmósferas digitales. El disco abre con “One By One”, convertido en un pulso difuso de voces fragmentadas, mientras “Boadicea” se expande en un eco espectral que roza lo cósmico. La propuesta se mueve entre lo hipnótico y lo austero: piezas como “Caribbean Blue” se reducen a sombras minimalistas, mientras “A Day Without Rain” se transforma en un drift ambiental de escucha contemplativa. El gesto artístico no busca agradar a los seguidores de Enya, sino tensionar su legado desde la abstracción sonora. El resultado es un álbum frío y envolvente, ideal para momentos de introspección, que convierte lo familiar en extrañamiento. Enya Mixes confirma la capacidad de Dntel para transformar lo improbable en una experiencia auditiva singular.

Artista: IBEX BAND
Disco: Stereo Instrumental Music
Sello: Muzikawi
Año: 1976 / 2025

En Addis Abeba, a mediados de los años setenta, la Ibex Band grabó con uno de los primeros equipos de cuatro pistas disponibles en Etiopía. El resultado fue un conjunto de sesiones instrumentales que hoy se leen como un mapa sonoro de una época de efervescencia cultural. Stereo Instrumental Music despliega guitarras wah?wah, teclados vintage y una sección rítmica ajustada que se mueve entre el jazz?funk y la tradición etíope. La reedición de 2025 rescata estas cintas perdidas, restauradas con precisión para devolverles su carácter cinematográfico. Cada tema parece abrir una ventana distinta: “Kemd’layey Meleyayet Mot Naw” fluye con cadencia hipnótica, “Zerafewa” se enciende con un groove contagioso, mientras “Hakim Zemose” se convierte en un viaje expansivo de melodías entrelazadas. El disco no solo es un testimonio de la creatividad de Giovanni Rico y Selam Woldemariam, sino también un eslabón que conecta con figuras mayores de la música etíope como Mulatu Astatke o Mahmoud Ahmed. La Ibex Band, que más tarde derivaría en la influyente Roha Band, dejó aquí una huella que anticipa la modernidad del sonido etíope. La escucha actual revela capas de sofisticación: arreglos de viento que dialogan con líneas de bajo profundas, percusiones que sostienen un pulso urbano y melodías que conservan la raíz popular. No hay nostalgia vacía, sino vitalidad que se proyecta hacia el presente. Stereo Instrumental Music es un documento que vibra con energía propia, capaz de situar al oyente en la frontera entre tradición y modernidad, entre la memoria de Addis Abeba y la universalidad del jazz?funk.

Artista: THE GLADIATORS
Disco: Bongo Red
Sello: Studio One / Soul Jazz
Año: 1974 / 2026

La pieza “Bongo Red” marcó un momento clave en la trayectoria de Albert Griffiths y su grupo, consolidando a The Gladiators como una fuerza del roots reggae. Grabado en los estudios de Clement “Coxsone” Dodd, el sencillo despliega un ritmo profundo, sostenido por percusión hipnótica y guitarras que dialogan con la voz firme de Griffiths. El tema se convirtió en un himno de resistencia, con un pulso que refleja la tensión social de la Jamaica de los setenta. Su carácter oscuro y reverberante lo distingue de otros cortes de la época, situándolo como una obra que combina espiritualidad y crudeza. La reedición reciente permite apreciar la vigencia de su sonido: la mezcla conserva la densidad original, mientras que la restauración revela matices ocultos en la instrumentación. “Bongo Red” no es solo un sencillo, sino un manifiesto sonoro que anticipa la madurez del grupo en discos posteriores. La fuerza de The Gladiators reside en su capacidad para transformar un ritmo sencillo en un canto colectivo, donde cada golpe de tambor y cada línea de bajo se convierten en símbolos de resistencia cultural. Hoy, escuchar Bongo Red es volver a un instante fundacional del reggae, un eco que sigue resonando en la memoria de la música jamaicana.

Artista: JANA HORN
Disco: Jana Horn
Sello: No Quarter
Año: 2026

El tercer álbum de la cantautora texana Jana Horn se presenta como un ejercicio de desnudez sonora, donde la voz se convierte en hilo conductor de un universo íntimo y enigmático. Las diez piezas que conforman el disco se sostienen en guitarras acústicas, teclados discretos y arreglos mínimos que refuerzan la sensación de recogimiento. “Don’t Think” se erige como un tema clave, con un pulso sereno que transmite tensión contenida. “Come On” abre con un aire soñador, mientras “It’s Alright” despliega gestos sencillos que se vuelven memorables en su delicadeza. La producción evita artificios y apuesta por la claridad, dejando que cada silencio tenga peso propio. La atmósfera general es melancólica, cercana al slowcore y al folk de cámara, con un lenguaje poético que oscila entre la calma y la inquietud. Horn canta como si buscara un resurgimiento, una luz que atraviese la penumbra, y en ese tránsito logra conmover con su vulnerabilidad. La escucha invita a la concentración: es música que se revela lentamente, ideal para espacios íntimos y momentos de contemplación. Jana Horn confirma a la artista como una voz singular dentro del folk contemporáneo, capaz de transformar lo mínimo en profundidad emocional

Artista: ARCHY MARSHALL
Disco: A New Place
Sello: XL
Año: 2026

El nuevo trabajo de Archy Marshall, conocido también como King Krule, se abre como un territorio sonoro de tránsito y mutación. A New Place despliega un paisaje donde conviven bajos densos, guitarras ásperas y atmósferas cargadas de reverberación, todo sostenido por su voz grave y quebrada, que parece narrar desde un umbral entre lo íntimo y lo urbano. Las canciones se mueven con cadencia nocturna: “Glass House” se arrastra con un pulso sombrío, “Blue Smoke” se expande en capas de sintetizadores que evocan un horizonte incierto, mientras “A New Place” da título al disco con un aire de búsqueda y desarraigo. La producción mantiene un carácter crudo, sin pulir los bordes, lo que refuerza la sensación de inmediatez. El álbum se percibe como un diario sonoro de desplazamientos, donde cada tema es un fragmento de ciudad, un rincón de memoria o un pasaje de introspección. Marshall juega con la tensión entre lo melódico y lo disonante, entre la calma y el estallido, construyendo un espacio que es tanto refugio como confrontación. A New Place confirma la capacidad del artista para reinventarse sin perder su identidad, ofreciendo un viaje que se escucha como un mapa emocional de la contemporaneidad.

Artista: PERIODE
Disco: Grapes of Nothingness
Sello: Karlrecords
Año: 2026

El dúo alemán formado por Andreas Reihse (Kreidler) y Thomas Winkler entrega en Grapes of Nothingness su trabajo más sólido hasta la fecha, un álbum que se despliega como una serie de estudios sonoros en nueve piezas. La propuesta se construye con elementos mínimos: una guitarra Telecaster cargada de efectos, una caja de ritmos y un laptop saturado de texturas digitales. Los temas avanzan entre la melancolía y la tensión, con guitarras fragmentadas que buscan estructura en medio de reverberaciones, mientras los ritmos programados sostienen el pulso con un filo áspero y juguetón. “Das Siebte Pferd” abre con un aire hipnótico, “Hohenschönhausen” se extiende en un paisaje sombrío, y “Ravetruck” introduce un dinamismo que roza lo industrial. La pieza titular, “Grapes of Nothingness”, condensa la estética del disco: un vaivén entre trance y danza, entre contemplación y movimiento. La música evoca tanto la nocturnidad urbana como la luz abrasadora de un día de verano, sugiriendo viajes reales o imaginarios. Hay referencias veladas al krautrock, a la electrónica experimental y hasta a la música de spaghetti western, pero nunca como cita directa, sino como coordenadas de orientación. El resultado es un álbum que oscila entre lo sombrío y lo vital, capaz de transmitir una melancolía profunda sin caer en el dramatismo. Grapes of Nothingness se escucha como un trayecto suspendido, un espacio donde el tiempo se dilata y la espera se convierte en experiencia estética.
;;;;;;;