Programa lunes 27 de julio 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Iniciaremos con un proyecto colectivo que convierte la solidaridad en música, entre voces íntimas y paisajes sonoros que evocan refugio. Seguiremos con una orquesta que rescata partituras olvidadas y las reimagina como puentes entre culturas. Más adelante nos encontraremos con un compilado que transforma piezas dispersas en un relato coherente, donde la curaduría se vuelve experiencia inmersiva. Continuaremos con un cruce inesperado entre espiritualidad oriental y tradición ibérica. Cerraremos con una exploración vocal radical y un viaje ambient japonés que expande el espacio escénico.

Artista: VARIOS ARTISTAS
Disco: Passages: Artists in Solidarity with Immigrants, Refugees and Asylum Seekers
Sello: Western Vinyl
Año: 2025

Álbum colectivo reúne diecisiete contribuciones originales de músicos que se unieron para apoyar a comunidades desplazadas. La obra se concibió bajo la premisa de grabar en lugares que evocaran la idea de hogar, generando un mosaico sonoro que transita entre lo acústico íntimo, el folk atmosférico y la electrónica ambiental. El disco abre con Alan Sparhawk y su pieza No More Darkness, marcada por guitarras contenidas y una voz que transmite claridad emocional. St. Panther aporta un pulso rítmico que introduce frescura indie, mientras Daniel Lopatin sorprende con un enfoque pastoral en Country, alejándose de su habitual experimentación sintética. Benjamin Booker entrega A Place for Us, un canto de pertenencia que combina melodías folk y lirismo reflexivo. Lambchop, por su parte, explora arreglos teñidos de country en Afterburner, sumando capas de introspección. La producción deliberadamente austera y la grabación en entornos domésticos confieren al álbum una sensación de inmediatez y autenticidad. Más allá de su valor artístico, Passages se erige como un gesto político y solidario: todos los beneficios se destinan a organizaciones en Texas que brindan servicios legales, refugio y atención básica a inmigrantes, refugiados y solicitantes de asilo

Artista: EITHER ORCHESTRA
Disco: Ethiopiques 32: Nalbandian L’Ethiopien The Ethiopian
Sello: Buda Musique
Año: 2025

Este trabajo rescata la obra del compositor armenio Nerses Nalbandian, figura clave en la modernización de la música etíope durante las décadas de 1950 y 1960. Either Orchestra, conjunto estadounidense liderado por Russ Gershon, interpreta y reimagina estas piezas con un enfoque que combina jazz contemporáneo y tradición africana, creando un puente sonoro entre culturas. El álbum reúne 14 composiciones que oscilan entre la rumba etíope, el mambo y el swing, con arreglos que revelan la influencia de big bands occidentales y la riqueza melódica de la música local. Temas como Amhara Rumba y Mot Lehulm Ekul despliegan un ritmo vibrante, mientras Yene Hassab y Ambassel se inclinan hacia la introspección, con pasajes que evocan la nostalgia de una época de transición cultural. La interpretación de Either Orchestra aporta frescura y precisión, sin perder la esencia de las partituras originales. La crítica ha destacado la importancia histórica del proyecto, que no solo recupera un repertorio poco conocido, sino que lo presenta con una energía renovada, capaz de dialogar con audiencias actuales. Ethiopiques 32 se convierte así en un documento musical que celebra la diversidad y la interconexión entre tradiciones, reafirmando el legado de Nalbandian como arquitecto de un sonido que aún resuena en la memoria etíope

Artista: DJ SUNDAE
Disco: Mirrors
Sello: EPSM Institute / Idle Press
Año: 2026

Este compilado fue concebido como banda sonora para la conmemoración del bicentenario del Établissement Public de Santé Mentale de Lille. DJ Sundae, reconocido selector francés, reunió piezas que transitan entre el slowcore, el folk experimental, el dream pop y el synthwave, creando un tejido sonoro que funciona como un cuerpo único. El álbum abre con Impromptu de Robert Haigh, un piano íntimo que marca el tono contemplativo. Luego aparecen cortes como Spiderwebs de Kitchen Cynics y Quiet Nights de Christina Carter, que aportan un aire de psicodelia folk y minimalismo inquietante. La selección incluye también nombres reconocidos como Yo La Tengo, HTRK y Brian Reitzell, integrados en una secuencia que privilegia atmósferas y emociones sobre géneros definidos. La propuesta evita el recurso fácil de la nostalgia y se centra en la alquimia de la curaduría: canciones aparentemente inconexas que, al ser reunidas, generan un relato coherente y envolvente. La crítica ha destacado la capacidad de DJ Sundae para transformar un compilado en experiencia inmersiva, evocando clásicos como From Brussels With Love. Mirrors se convierte así en un documento sonoro que refleja la historia de un espacio institucional, pero también la universalidad de la música como memoria compartida.

Artista: AZIZ BALOUCH
Disco: Sufi Hispano-Pakistani (Expanded)
Sello: Death Is Not The End
Año: 2025

Editado por y lanzado al público en noviembre de, este trabajo recupera las únicas grabaciones conocidas del cantaor pakistaní que, en los años sesenta, se integró en la tradición flamenca española. Balouch, formado en los santuarios sufíes de Sindh, trasladó su bagaje espiritual a la Península Ibérica, donde encontró afinidad entre el cante jondo y los cantos devocionales islámicos. El álbum reúne registros realizados en Barcelona en 1962, acompañados únicamente por guitarra española, donde alterna versos en persa, sindhí, hindi y árabe con letras flamencas en castellano. Los palos incluidos abarcan granadina, fandangos, seguiriyas, serranas, malagueñas y cartageneras, mostrando un cruce inédito entre la mística sufí y la expresividad andaluza. La reedición amplía el repertorio original con cuatro piezas recién descubiertas, ofreciendo una visión más completa de su legado. La propuesta revela cómo Balouch enlazaba la memoria del Andalus con las tradiciones de su tierra natal, convirtiéndose en puente cultural y espiritual. Su voz, intensa y poliglota, abre un espacio donde Oriente y Occidente dialogan en un mismo escenario. Sufi Hispano-Pakistani (Expanded) es tanto documento histórico como celebración viva de la música como territorio compartido

Artista: SOFIA JERNBERG
Disco: Voice
Sello: Smalltown Supersound
Año: 2026

Debut en solitario de la vocalista y compositora etíope-sueca se presenta como una exploración radical del instrumento humano. Jernberg, reconocida por su trabajo en la improvisación libre y la música contemporánea, despliega aquí un repertorio que convierte la voz en laboratorio sonoro, sin efectos externos ni artificios. El álbum recorre técnicas poco convencionales: vocalizaciones no verbales, tonos divididos, distorsiones y experimentos multifónicos que transforman la garganta en un arsenal de texturas. Piezas como Multiphonic I y Multiphonic II evocan la fuerza de un saxofón sobrecargado, mientras Mouth Synthesizer imita osciladores analógicos con pops y rugidos. En Birds, la voz se convierte en un aviario inquietante, y en One Pitch se despliega un drone vibrante que desafía la percepción. La propuesta se sitúa en el límite entre lo musical y lo performativo, ofreciendo un viaje que incomoda y fascina a la vez. Voice es un manifiesto de experimentación pura, un recordatorio de que la voz puede ser tanto instrumento como territorio de exploración, capaz de expandir los límites de lo audible y de abrir nuevas formas de escucha

Artista: MASAHIRO SUGAYA
Disco: Music From Alejo
Sello: Ambient Sans
Año: 2026

Recuperación de una partitura visionaria compuesta a finales de los años ochenta para la compañía de danza japonesa Pappa Tarahumara. La reedición, cuidadosamente remasterizada desde las cintas originales, presenta por primera vez en vinilo un repertorio que convierte la repetición y el silencio en movimiento, situándose en la frontera entre ambient, minimalismo y música escénica. Las cinco piezas que integran el álbum despliegan un universo de texturas contenidas y atmósferas expansivas. Straight Line Floating in the Sky abre con un pulso suspendido que evoca la inmensidad, mientras Oldfashioned se extiende en un viaje de quince minutos marcado por la acumulación gradual de capas sonoras. An Afternoon When Fish Appeared introduce un aire surreal, y Mistral se convierte en un soplo hipnótico de sintetizadores. El cierre, Alejo’s Theme, resume la propuesta con un diálogo entre melodía y vacío que invita a la contemplación. La crítica ha resaltado la intensidad silenciosa de Sugaya, capaz de transformar lo mínimo en experiencia envolvente. Music From Alejo se erige como pieza clave dentro de la tradición japonesa de ambient, un testimonio de cómo la música puede expandir el espacio escénico y convertirse en territorio de introspección
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Programa lunes 20 de julio 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Comenzaremos con un viaje cósmico donde el jazz espiritual se convierte en puente entre tradición africana y contemplación astronómica. Seguiremos con un paisaje acuático, tejido entre el timbre del koto y la electrónica mínima, que fluye como corrientes invisibles. Más adelante nos adentraremos en la energía frenética del jungle y el ragga, cápsulas de ritmo que aún palpitan con urgencia urbana. Continuaremos con un colectivo tailandés que transforma rituales ancestrales en trance psicodélico y danza comunitaria. Cerraremos con un pianista neoyorquino que reduce su lenguaje a lo esencial, ofreciendo vulnerabilidad y memoria en cada nota

Artista: KELAN PHIL COHRAN & LEGACY
Disco: African Skies
Sello: Listening Position / Stones Throw
Año: 2025

Album que recupera la banda sonora compuesta en 1993 para el Adler Planetarium de Chicago, una obra que durante años fue considerada un tesoro oculto del jazz espiritual. Cohran, antiguo miembro de la Sun Ra Arkestra y fundador de la AACM, concibió estas piezas como un viaje cósmico que conecta la diáspora africana con la contemplación astronómica. El disco despliega siete composiciones que oscilan entre lo meditativo y lo expansivo, con un uso destacado del arpa y la flauta, instrumentos que evocan la espiritualidad de Alice Coltrane y Dorothy Ashby. La ausencia de percusión convencional se sustituye por un enfoque rítmico en cada instrumento, creando un tejido sonoro circular y envolvente. Temas como Theme y White Nile se erigen como monumentos de repetición hipnótica, mientras que Kilimanjaro y Cohran Blues abren paisajes de resonancia pan-africana. La crítica ha subrayado la riqueza atmosférica del álbum, capaz de conjugar minimalismo y exuberancia en un mismo gesto. Su carácter atemporal lo sitúa en diálogo con la tradición del free jazz y el avant-garde, pero también con la búsqueda de un lenguaje universal que trascienda fronteras. African Skies no es solo un documento histórico, sino una obra viva que invita a escuchar el cielo como territorio de memoria y esperanza

Artista: AUS
Disco: Eau
Sello: Flau
Año: 2025

El compositor y productor japonés Yasuhiko Fukuzono presenta una exploración de la transparencia sonora en un álbum gira en torno al koto, instrumento tradicional japonés interpretado por Eden Okuno, que se convierte en el núcleo acústico de un paisaje electrónico delicado y expansivo. Las diez piezas que conforman el disco se despliegan como corrientes de agua: Tsuyu abre con notas que se disuelven en el espacio, mientras Uki y Variation I construyen repeticiones mínimas que invitan a la contemplación. La electrónica se funde con el timbre del koto, borrando fronteras entre lo digital y lo orgánico. En Soko, de casi nueve minutos, la textura se expande hacia un estado de suspensión, donde el tiempo parece diluirse. La propuesta no busca dramatismo ni estructuras rígidas, sino un estado de escucha atenta en el que los matices emergen lentamente. La crítica ha destacado la capacidad de aus para integrar tradición y modernidad sin caer en el exotismo, creando un espacio sonoro que es a la vez íntimo y abstracto. El título, Eau —agua en francés—, refleja la fluidez y la ausencia de forma definida que caracteriza al álbum. Más que un ejercicio de ambient, Eau se convierte en un espacio de coexistencia entre silencio, resonancia y memoria, un trabajo que invita a dejarse llevar por la corriente sonora y descubrir en ella una calma profunda

Artista: Varios
Disco: SOUL JAZZ RECORDS Junglist! Old Skool Ragga D&B 1993–95
Sello: Soul Jazz
Año: 2026

Version 1.0.0

Álbum doble que rescata la energía de una época fundacional para la música electrónica británica. La selección reúne piezas grabadas entre 1993 y 1995, cuando el jungle y el drum & bass emergían desde los clubes londinenses como un lenguaje nuevo, marcado por la velocidad, el bajo profundo y la herencia del reggae digital. El compilado despliega cortes de pioneros que fusionaron breakbeats frenéticos con líneas vocales ragga, creando un pulso urbano que reflejaba la multiculturalidad de la ciudad. Cada tema funciona como cápsula de energía: bajos que retumban como motores, baterías programadas con precisión quirúrgica y voces que atraviesan la mezcla con urgencia. La escucha revela un mapa sonoro donde conviven la crudeza del dancehall, la experimentación del dub y la euforia rave. Más allá de la nostalgia, la edición subraya la vigencia de un estilo que sigue influyendo en generaciones posteriores. La restauración sonora permite apreciar la textura original de las cintas, mientras el diseño gráfico evoca la estética DIY de los flyers de la época. Junglist! se convierte así en un documento histórico y a la vez en un festín contemporáneo, un viaje al corazón de la cultura junglist que aún late con fuerza

Artista: THE PARADISE BANGKOK MOLAM INTERNATIONAL BAND
Disco: 21st Century Molam
Sello: Studio Lam
Año: 2014

Debut se convirtió en un puente entre la tradición musical del noreste de Tailandia y la escena global contemporánea. La banda, formada por Maft Sai y Chris Menist junto a maestros del phin y el khaen, revitaliza el molam con un enfoque que mezcla trance hipnótico, grooves psicodélicos y ecos de dub. El álbum abre con Sao Sakit Mae, donde el khaen despliega un aire etéreo que se transforma en un pulso repetitivo y envolvente. Piezas como Lam San Disco y Zerng India Prayuk muestran la capacidad del grupo para fusionar ritmos tradicionales con bajos eléctricos y percusiones modernas, creando un sonido que dialoga con la música de club sin perder raíz. La propuesta se sostiene en la tensión entre lo ancestral y lo futurista, con melodías que evocan rituales comunitarios y texturas que invitan a la danza. La crítica ha resaltado cómo este trabajo convirtió al molam en fenómeno internacional, llevando a la banda a escenarios como Glastonbury y Boiler Room. Más allá de la recuperación patrimonial, 21st Century Molam se percibe como un manifiesto de reinvención cultural: un sonido que viaja desde Isaan hasta el mundo, capaz de transformar la tradición rural en experiencia cosmopolita

Artista: DAVID MOORE
Disco: Graze The Bell
Sello: Rvng Intl
Año: 2026

Primer trabajo bajo su propio nombre y marca un giro decisivo en la trayectoria del compositor de trumpilandia, conocido por liderar Bing & Ruth (Proyecto que nos ha acompañado varias veces en nuestros especiales suicidas). El álbum se construye íntegramente sobre un piano Steinway D de 1987, grabado en sesiones orgánicas que privilegian la resonancia y la fisicidad del instrumento. Las nueve piezas que lo integran se perciben como conversaciones íntimas, donde cada nota parece buscar una verdad aún no articulada. Then a Valley abre con calma engañosa, desplegando un flujo de acordes que se transforman en cascadas sonoras, mientras Graze the Bell se sostiene en escalas sencillas que evocan aceptación y memoria. En No Deeper, la tensión entre acordes luminosos y graves sombríos revela un contraste que nunca se resuelve del todo. La propuesta se inscribe en una línea de depuración progresiva: tras años de ensambles numerosos y colaboraciones, Moore reduce aquí su lenguaje a lo esencial, logrando un minimalismo cargado de emoción. La crítica ha destacado la capacidad del álbum para conjugar introspección y expansión, con momentos que recuerdan la simplicidad de Erik Satie y la espiritualidad de Ryuichi Sakamoto. Más que un ejercicio de virtuosismo, Graze The Bell se convierte en un espacio de vulnerabilidad expuesta, un paisaje sonoro que invita a la contemplación y que confirma a Moore como un creador capaz de transformar lo personal en experiencia compartida
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