Programa lunes 17 de agosto 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Iniciaremos con un viaje por ritmos isleños que entrelazan memoria a la vez de resistencia, para luego adentrarnos en un universo electrónico cósmico y ritual. Continuaremos con un diálogo improbable entre épocas, y seguiremos con cantos campesinos que transforman lo cotidiano en poesía. Cerraremos con un collage urbano que refleja la fragmentación digital y un homenaje radical a la improvisación libre.

Artista: Varios
Disco: Léve Léve Vol. 2: Sao Tomé & Principe Sounds 70s-80s
Sello: Bongo Joe Records
Año: 2026

Este segundo volumen abre una ventana hacia la efervescencia musical de Santo Tomé y Príncipe en las décadas de 1970 y 1980, un tiempo en que la independencia recién conquistada se traducía en ritmos que desbordaban energía y esperanza. La compilación rescata la tradición del puxa, género híbrido que entrelaza influencias congoleñas, haitianas, angoleñas, caboverdianas y brasileñas, dando forma a un mosaico sonoro que vibra con la memoria del Atlántico Negro. Las guitarras punzantes y las percusiones sincopadas sostienen himnos de resistencia y celebración, como los de África Negra, cuya canción “Apoiámos a luta dos nossos irmãos” se erige como manifiesto de solidaridad con otros pueblos africanos en lucha contra el colonialismo. En contraste, piezas más luminosas como “Simoa” despliegan un carácter festivo, invitando al baile y al encuentro comunitario. El trabajo de Sangazuza, activo desde 1969, aporta frescura con melodías que oscilan entre la nostalgia y la vitalidad, mientras que grupos como Pedro Lima e Conjunto Popular Os Leonenses o Bulawê N’Guli Fala enriquecen la paleta con voces diversas y texturas rítmicas que reflejan la pluralidad cultural de las islas. La curaduría de DJ Tom B. no solo organiza canciones, sino que también hilvana una narrativa histórica: desde la colonización portuguesa y el comercio esclavista hasta la afirmación identitaria de un país que buscaba su lugar en el mapa cultural del mundo. Cada tema es testimonio de una época en que la música fue herramienta de cohesión, resistencia y alegría compartida. Este álbum no se limita a ser archivo: es un puente entre pasado y presente, un recordatorio de que los sonidos de Santo Tomé y Príncipe siguen latiendo con fuerza, capaces de conmover tanto a quienes vivieron aquellos años como a nuevas generaciones que descubren en estas grabaciones un legado vibrante y universal.

Artista: PAPIRO
Disco: Uscire da Fuori
Sello: Black Sweat / Les Giants Records
Año: 2025

El compositor siciliano Marco Papiro, afincado en Basilea, despliega en este álbum un universo sonoro que se expande entre lo cósmico y lo terrenal. Sus sintetizadores analógicos se convierten en arquitectos de un hiperrealismo artificial, donde cada pieza abre un pasaje distinto: desde ascensos luminosos hasta derivas meditativas que rozan lo místico. Las nueve composiciones se mueven como corrientes cambiantes: “Inonda” fluye con un pulso acuático, mientras “La Statua illuminata” se erige como un monumento de luz suspendida. En “Polso blu” late una tensión eléctrica, y “Tempo di esposizione” captura la fugacidad del instante. La calidez de “La caldaia” contrasta con la serpenteante narrativa de “I serpenti di Andrea”. El álbum no se limita a la electrónica: Papiro incorpora ecos de oboe, flautas de bambú y grabadoras, que se entrelazan con percusiones autónomas, creando un tejido orgánico dentro de la maquinaria sintética. Esa mezcla de timbres sugiere un diálogo entre tradiciones populares y exploraciones contemporáneas, donde lo acústico se convierte en un soplo de aire dentro de la densidad digital. La influencia de músicas afrodelias y andinas se percibe en los giros rítmicos, mientras que la voz y el salterio aportan un minimalismo etéreo que abre espacios de contemplación. Cada tema parece navegar en un mar abierto, invitando al oyente a perderse en visiones que oscilan entre lo ritual y lo futurista. “Uscire Da Fuori” es, en esencia, un viaje hacia lo desconocido: un disco que se atreve a salir de los límites convencionales, proponiendo un tránsito por paisajes sonoros que son tanto introspectivos como expansivos. La obra confirma la personalidad excéntrica y multifacética de Papiro, capaz de transformar la escucha en experiencia sensorial y mental

Artista: PRINCE ISTARI
Disco: Meets Erik Satie
Sello: Istari
Año: 2026

Este proyecto propone un encuentro improbable: la sensibilidad minimalista de Erik Satie trasladada al terreno experimental de Prince Istari. El resultado es un diálogo entre épocas, donde las partituras del compositor francés se reconfiguran en paisajes electrónicos que conservan la fragilidad original, pero la expanden hacia nuevas dimensiones. Los temas se despliegan con un pulso hipnótico, en el que los acordes sencillos de Satie se transforman en estructuras repetitivas que evocan tanto la calma como la extrañeza. La reinterpretación no busca la fidelidad académica, sino la creación de atmósferas que oscilan entre lo contemplativo y lo inquietante. La producción se apoya en texturas digitales que envuelven las melodías con halos de reverberación, generando un espacio sonoro que parece suspendido en el tiempo. Cada pieza se convierte en un ejercicio de contraste: lo íntimo frente a lo expansivo, lo clásico frente a lo contemporáneo. El álbum funciona como un puente entre mundos, capaz de atraer tanto a quienes reconocen la delicadeza de Satie como a oyentes que buscan nuevas formas de exploración sonora. En esa tensión se encuentra su fuerza: un homenaje que no se limita a la nostalgia, sino que abre caminos hacia lo inesperado.

Artista: BANYEN RAKKAEN
Disco: Álbum Compilatorio De Luk Thung
Sello: EM Records
Año: 2025

La voz de Banyen Rakkaen se despliega como un puente entre lo rural y lo urbano, llevando el luk thung tailandés a un terreno donde la memoria campesina se convierte en relato universal. Sus canciones, impregnadas de melancolía y ternura, evocan la vida cotidiana de los campos de arroz, los amores prometidos y las ausencias que marcan el calendario lunar. El tema “???????????????” se erige como un canto nocturno, donde la imagen de la luna llena acompaña el trabajo humilde de hilar algodón, transformando la labor en poesía. En “??????????????????”, la promesa de un encuentro en el tercer mes se convierte en símbolo de fidelidad y espera, con un tono que oscila entre la esperanza y la nostalgia. La producción rescata grabaciones de los años setenta y ochenta, con arreglos que combinan instrumentos tradicionales tailandeses y elementos modernos de la época, creando un sonido híbrido que refleja la transición cultural del país. La cadencia de las cuerdas y los metales se entrelaza con percusiones ligeras, otorgando a cada pieza un carácter ceremonial y festivo. Este disco no solo recupera canciones emblemáticas, sino que también reivindica a Banyen Rakkaen como figura central del luk thung, capaz de transmitir emociones profundas con una sencillez desarmante. Su voz, clara y penetrante, convierte cada tema en un testimonio vivo de la identidad tailandesa, al mismo tiempo que abre espacio para la contemplación universal.

Artista: FELICITY J LORD
Disco: FJL
Sello: Stroom
Año: 2025

El álbum homónimo FJL de Felicity J Lord es un collage conceptual de 26 piezas que se despliega como un experimento sonoro en plena era digital. Bajo un nombre tomado con ironía de una conocida agencia inmobiliaria londinense, el proyecto se concibe como una obra interminable, un juego teatral que funciona como cápsula excéntrica de la vida urbana contemporánea. La propuesta se construye a partir de fragmentos breves y esbozos musicales que se entrelazan en un mosaico de estilos: desde indie?pop ralentizado con guiños a The Sundays, hasta yacht rock, R&B, excursiones electroacústicas y grabaciones de karaoke de bar. Esa diversidad genera un paisaje sonoro que refleja la naturaleza fragmentada y absurda de la cultura digital actual. Escuchar FJL es como desplazarse por un feed infinito, con la sensación de estar dentro de un flujo audiovisual intervenido por un artista de vanguardia. Extraño, íntimo y cautivador, el disco invita a perderse en su laberinto de referencias y texturas. Para quienes buscan experiencias experimentales o cercanas al ambient, este trabajo se convierte en un viaje singular, tan desconcertante como fascinante..

Artista: HANS REICHEL
Disco: Dalbergia retusa
Sello: Black Truffle
Año: 2026

El guitarrista alemán Hans Reichel, conocido tanto por su virtuosismo como por su faceta de inventor de instrumentos, recibe aquí un homenaje a través de una antología curada por Oren Ambarchi. La compilación reúne grabaciones solistas realizadas entre 1973 y 1988, mostrando la amplitud de su exploración sonora y su capacidad para transformar la guitarra en un objeto ilimitado. Reichel, originario de Wuppertal, fue un improvisador radical y un “luthier experimental” que cambió la manera en que se concebía el instrumento. Su legado incluye invenciones como el daxófono, capaz de imitar sonidos animales, pero Dalbergia Retusa pone el foco en su obra como intérprete y compositor. Las 23 piezas seleccionadas revelan técnicas poco convencionales: cuerdas adicionales, puentes móviles, afinaciones alternativas y un uso audaz de objetos cotidianos como slides de vidrio. El recorrido abarca desde el zumbido metálico de “Wenn Das Rohr Dommelt”, extraído de su debut Wichlinghauser Blues, hasta la psicodelia corroída de “Heimkehr der Holzböcke”. Cada registro refleja su habilidad para absorber influencias del folk, el rock y el blues, y devolverlas transformadas en un lenguaje propio. Esta reedición se convierte en un documento indispensable, un eslabón perdido que ilumina la figura de Reichel como pionero y visionario de la improvisación libre.
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Programa lunes 10 de agosto 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Iniciaremos con un compendio que revive la energía de una escena urbana marcada por exceso y celebración. Continuaremos con un viaje oscuro y ritual, donde la voz se convierte en un eco hipnótico entre guitarras y drones. Más adelante nos encontraremos con una selección que rescata la memoria de un pueblo y su fuerza cultural, entre jazz, soul y raíces ancestrales. Seguiremos con un caleidoscopio sonoro que transforma la improvisación en resistencia política y vitalidad. Cerraremos con un diario emocional que se mueve entre lo íntimo y lo cinematográfico, suspendiendo el tiempo en atmósferas de contemplación.

Artista: HAPPY MONDAYS
Disco: Factory Singles
Sello: Factory Records
Año: 2025

En este disco se recopila la esencia de la trayectoria inicial de los happy Mondays, un compendio que revive el pulso del movimiento Madchester y el espíritu irreverente de la banda entre 1985 y 1992. Esta antología reúne los sencillos que marcaron la evolución de la banda desde sus primeros pasos en Salford hasta convertirse en iconos de la cultura rave británica. El recorrido comienza con “Delightful”, donde guitarras nerviosas y percusión vibrante anticipan el estilo desenfadado que los caracterizaría. “Freaky Dancin’” y “Tart Tart” consolidan el groove funk-psicodélico, con la voz de Shaun Ryder cargada de actitud y el bajo de Paul Ryder como columna vertebral. La energía alcanza su punto álgido con “24 Hour Party People”, himno generacional que sintetiza el caos y la euforia de la escena Hacienda. “Wrote For Luck” aparece en su versión más expansiva, preludio de la colaboración con Paul Oakenfold que abriría las puertas al sonido baggy. La compilación incluye también “Hallelujah” y “Step On”, piezas que conectan el rock alternativo con la pista de baile, fusionando guitarras con ritmos electrónicos. Cada corte refleja el tránsito de la banda desde la psicodelia urbana hacia el hedonismo rave, con un estilo que nunca fue calculado pero sí profundamente influyente. El conjunto se percibe como un documento histórico y festivo, capaz de transmitir la energía desbordante de una época en que la música se vivía como exceso y celebración. Factory Singles confirma la vigencia de Happy Mondays como catalizadores de un sonido que aún hoy conserva frescura y descaro.

Artista: JULINKO
Disco: Naebula
Sello: Standa
Año: 2026

Album que se sumerge en la penumbra emocional y la transforma en un viaje sonoro de intensidad ritual y belleza espectral. Se abre con un pulso grave que parece emerger de un espacio subterráneo, donde la voz de Giulia Parin Zecchin se despliega como un canto hipnótico entre lo humano y lo fantasmagórico. Las guitarras se entrelazan con drones y capas de ruido controlado, generando atmósferas densas que evocan tanto el doom folk como la psicodelia oscura. Canciones como “Naebula” y “Black Veil” se convierten en rituales de introspección, con un tempo lento que arrastra al oyente hacia un estado de trance. La producción apuesta por la crudeza y la reverberación, dejando que cada nota se expanda como un eco en un espacio vacío. La lírica, cargada de imágenes cósmicas y símbolos arquetípicos, refuerza la sensación de estar frente a un universo en colapso y renacimiento. El álbum se percibe como un viaje emocional que oscila entre la vulnerabilidad y la fuerza, entre la fragilidad de la voz y la contundencia de los paisajes sonoros. Julinko logra que cada pieza sea un portal hacia lo desconocido, un espacio donde la oscuridad se convierte en materia de contemplación. Naebula se erige como una obra que desafía géneros y etiquetas, consolidando a la artista como una voz singular en la escena experimental europea.

Artista: Varios
Disco: HEAVENLY ETHIOPIQUES
Sello: Buda Musique
Año: 2017

Selección que rescata la fuerza del Ethio-jazz y la música popular etíope, con piezas históricas como “Ene Negn Bay Maneshm” de Girma Beyene, convertida en emblema de resistencia y orgullo cultural.
La compilación se presenta como un puente entre la memoria musical de Addis Abeba y la escucha contemporánea, reuniendo grabaciones que marcaron la edad dorada del Ethio-jazz. El tema “Ene Negn Bay Maneshm”, interpretado por Girma Beyene, destaca por su lirismo cargado de identidad nacional y por la fusión de melodías tradicionales con arreglos modernos de piano y metales. La producción del disco mantiene la crudeza de las grabaciones originales, preservando la textura cálida de los estudios de los años setenta. Cada pieza refleja la vitalidad de una escena que supo dialogar con el soul, el funk y el jazz, sin perder su raíz etíope. La presencia de Akalé Wubé como colaboradores aporta un aire renovado, revitalizando clásicos con una energía que conecta pasado y presente. La selección incluye cortes de ritmo hipnótico y baladas impregnadas de melancolía, mostrando la amplitud emocional de la música etíope. La instrumentación, con saxofones, krar y percusiones, despliega un mosaico sonoro que evoca tanto la vida urbana como la espiritualidad ancestral. La crítica ha subrayado el valor del álbum como documento cultural y como experiencia estética que trasciende fronteras. Heavenly Ethiopiques se convierte en una celebración de la resiliencia y la creatividad de un pueblo, ofreciendo al oyente un viaje que oscila entre la nostalgia y la esperanza. Es un testimonio vivo de cómo la música puede ser memoria, resistencia y belleza compartida.

Artista: JAIMIE BRANCH
Disco: Fly or Die II: Bird Dogs Of Paradise
Sello: International Anthem
Año: 2019

Álbum que expande los límites del jazz contemporáneo, fusionando improvisación libre con influencias punk, latinas y afro, y consolidando su voz como trompetista y compositora de enorme fuerza política y estética.
El segundo capítulo de la serie Fly Or Die se presenta como un caleidoscopio sonoro donde la trompeta de Branch se convierte en un instrumento de denuncia y celebración. La novedad más significativa es la incorporación de su voz, que aparece como un recurso expresivo cargado de urgencia y significado. Temas como “Prayer for Amerikkka” se erigen en invectivas políticas, construidas sobre bases blues que evolucionan hacia explosiones mariachi y danzas frenéticas, reflejando tanto la tradición como la actualidad de los conflictos sociales. La paleta instrumental es exuberante: contrabajo, violonchelo, batería, percusiones afro, mbira y guitarras se entrelazan con texturas electrónicas y sonidos capturados en la naturaleza. “Bird of Paradise” despliega un pulso ancestral, mientras “Nuevo roquero estéreo” introduce un aire tropicalista que expande el horizonte del disco. La improvisación libre convive con estructuras sólidas, generando un equilibrio entre caos y forma. Branch se muestra como una artista madura, capaz de transformar la vulnerabilidad en potencia creativa. La producción mantiene un carácter orgánico y cosmopolita, con un espíritu punk que se manifiesta en la adaptación de “Comin’ Down” de The Meat Puppets, rebautizada como “The Mountain”. El cierre con “Love Song” ofrece una balada intensa que refuerza la dimensión emocional del proyecto. Fly Or Die II se percibe como un manifiesto de resistencia y vitalidad, un trabajo que consolida a Jaimie Branch como una voz imprescindible en la renovación del jazz contemporáneo.

Artista: PAUL HASLINGER
Disco: Exit Ghost II
Sello: Artificial Instinct
Año: 2021

Una obra que profundiza en su exploración neoclásica y ambiental, consolidando un lenguaje sonoro íntimo y cinematográfico que se distancia de sus trabajos como compositor de bandas sonoras.
El álbum se concibe como la continuación natural de Exit Ghost (2020), pero con un enfoque más expansivo y detallado. Haslinger, exintegrante de Tangerine Dream y prolífico creador de música para cine y televisión, aquí se aparta de la narrativa audiovisual para construir un espacio autónomo de contemplación. Las piezas giran en torno al piano como eje central, acompañado por cuerdas, texturas electrónicas discretas y ambientes que evocan un estado entre la vigilia y el sueño. La producción es minuciosa: sonidos invertidos, voces fantasmales y ruidos sutiles se entrelazan con melodías delicadas, creando un clima de extrañeza y familiaridad a la vez. Temas como “Artificial Instinct” y “Intrinsic II” despliegan un carácter introspectivo, mientras “Valse II” retoma el tono fúnebre y ceremonial de su predecesor. La obra se percibe como un diario emocional, donde cada composición funciona como un fragmento de memoria transformado en música. El uso de silencios y resonancias prolongadas refuerza la sensación de suspensión temporal, invitando al oyente a un viaje interior. La crítica ha señalado la capacidad del disco para equilibrar lo minimalista con lo atmosférico, sin caer en excesos narrativos. Exit Ghost II se erige como un testimonio de madurez artística, un trabajo que confirma a Haslinger como un compositor capaz de transitar entre lo experimental y lo íntimo, ofreciendo un espacio sonoro que se abre a la reflexión y la sensibilidad contemporánea.
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