Bitácora: Partiremos con una de las tantas trombas creativas del Chicago de la segunda mitad de los 90s, seguiremos con registros celestiales desde la Polonia profunda. Un poco de humitos para acompañar una voz que se parece es que mucho a la de Horace Andy. Nos trasladaremos a la tradición escocesa y sus formas paganas de vincularse con el universo a través del sonido. Luego tomaremos un vuelo corto y aterrizaremos para escuchar lo nuevo de la irlandesa Hilary Woods. Y cerraremos con un dúo transcordillerano y sus experimentos en torno al caos y el ruido y los silencios.
Artista: CHICAGO UNDERGROUND DUO
Disco: Hyperglyph
Sello: International Anthem
Año: 2025
El dúo conformado por Rob Mazurek (trompeta, electrónica) y Chad Taylor (percusión) regresa con su primera entrega en diez años bajo esta formación estrictamente binaria. *Hyperglyph* se presenta como un trabajo que expande las fronteras del jazz experimental y psicodélico, integrando influencias de África occidental —Nigeria, Mali, Zimbabue y Ghana— con texturas electrónicas y un enfoque acusmático cercano a figuras como Éliane Radigue. La obra también dialoga con el legado de Don Cherry y Wadada Leo Smith, sumando resonancias del dub de King Tubby. La crítica ha destacado la química intacta entre Mazurek y Taylor, quienes tras más de tres décadas de colaboración logran una interacción cada vez más profunda y rica. El disco se caracteriza por un híbrido electroacústico que difumina las líneas entre improvisación libre y estructuras rítmicas precisas, generando un espacio sonoro de gran vitalidad. Se subraya la capacidad del dúo para reinventarse sin perder identidad, ofreciendo un viaje que oscila entre la energía expansiva y la contemplación atmosférica. El álbum ha sido recibido con entusiasmo, con menciones a su frescura y a la manera en que revitaliza la tradición del Chicago Underground tras proyectos paralelos como el Quartet. La crítica coincide en que *Hyperglyph* es un manifiesto de resistencia creativa, un testimonio de cómo la experimentación puede sostenerse en el tiempo sin agotarse. La obra se percibe como un puente entre la memoria del jazz libre y las exploraciones contemporáneas de sonido, consolidando al dúo como referente indiscutible en la vanguardia musical actual.
Artista: SOFIE BIRCH Y ANTONINA NOWACKA
Disco: Hiraeth
Sello: Unsound
Año: 2025
Grabado en el pequeño pueblo polaco de Soko?owsko, este segundo trabajo conjunto surge de un retiro artístico que buscó aislar a las creadoras de las distracciones digitales y sumergirlas en un entorno natural cargado de historia. El disco se construye a partir de improvisaciones registradas en cinta, con un enfoque acústico y atmosférico que contrasta con la electrónica más presente en su debut *Languoria*. La crítica ha destacado la capacidad del dúo para generar un espacio sonoro íntimo y contemplativo, donde la voz etérea de Nowacka se entrelaza con las texturas ambientales de Birch, creando una experiencia que oscila entre lo espiritual y lo terrenal. Se subraya la influencia del lugar de grabación, cuyo microclima y pasado sanatorial evocan la atmósfera de *La montaña mágica* de Thomas Mann, aportando un trasfondo literario y simbólico al proyecto. El tema “Hiraeth” se convierte en el núcleo conceptual del álbum, evocando la nostalgia por un hogar perdido o imaginado. La obra se percibe como un viaje meditativo que invita a la escucha profunda, con momentos de silencio y resonancia que refuerzan su carácter ritual. La crítica coincide en que este trabajo consolida la alianza entre ambas artistas, ofreciendo un lenguaje musical propio que se sitúa en la frontera entre la música experimental, el ambient y la tradición vocal sacra. El disco ha sido recibido como una propuesta de resistencia frente a la hiperconexión contemporánea, reivindicando la creación artesanal y la búsqueda de lo intangible. Se lo considera un manifiesto de sensibilidad y exploración, capaz de renovar el panorama del ambient europeo con una voz femenina poderosa y singular.
Artista: ERROL BROWN & THE REVOLUTIONARIES
Disco: Dub Expression
Sello: Antarctica Starts Here
Año: 2025
Originalmente publicado en 1978 bajo el sello High Note de Sonia Pottinger, este clásico del dub jamaicano regresa en una versión remasterizada que recupera toda la potencia de las sesiones grabadas en el legendario Treasure Isle Studio. La reedición pone en primer plano el trabajo de Errol Brown como ingeniero de sonido, quien supo transformar las bases de The Revolutionaries en paisajes sonoros expansivos y de gran profundidad. La crítica ha subrayado la relevancia histórica del disco, considerado una pieza fundamental en la evolución del dub. Los ritmos de Sly Dunbar en la batería y la contundencia del bajo de Robbie Shakespeare sostienen un entramado de ecos, reverberaciones y silencios que definen el estilo. Se destaca la manera en que Brown manipula las pistas originales de artistas como Marcia Griffiths, John Holt y Dennis Brown, convirtiéndolas en nuevas experiencias auditivas. La reedición de 2025 ha sido celebrada por su fidelidad al espíritu original y por la calidad del remaster, que permite apreciar con mayor claridad las capas de sonido y la riqueza de las texturas. Se considera un documento imprescindible para entender el contexto político y cultural de Jamaica en los años setenta, donde la música dub funcionaba como espejo de la tensión social y a la vez como espacio de resistencia creativa. El álbum se percibe como un viaje hipnótico, con piezas como “The Gun Court Dub” y “Bond Street Rock” que ejemplifican la fuerza del género. La crítica coincide en que esta reedición no solo preserva un legado, sino que lo revitaliza para nuevas generaciones, reafirmando la vigencia del dub como lenguaje universal de experimentación sonora.
Artista: Varios (Brìghde Chaimbeul, Isa Gordon y más)
Disco: New Traditions
Sello: Wild Raver
Año: 2025
Este compilado reúne a diversos artistas contemporáneos que exploran la intersección entre la música folk escocesa y las formas electrónicas experimentales. Entre los participantes destacan Brìghde Chaimbeul, Norman Willmore, Harry Gorski-Brown, Isa Gordon y Mother’s Favourite Tongue, quienes aportan piezas que oscilan entre la reinterpretación de cantos tradicionales y la creación de paisajes sonoros innovadores. La crítica ha señalado que el disco funciona como un puente entre la memoria cultural y la experimentación tecnológica, revitalizando melodías ancestrales con recursos de glitch, drones y armonías vocales procesadas. Se subraya la capacidad de los artistas para mantener la esencia de las canciones tradicionales mientras las transforman en experiencias contemporáneas, capaces de dialogar con públicos diversos. El álbum abre con “The Waters of Kylesku” de Hoch Ma Toch, una pieza que combina texturas ambientales con un enfoque coral, y continúa con “A Call, an Answer” de Norman Willmore, que introduce elementos electrónicos sutiles. La obra alcanza momentos de gran intensidad con “Oidhche Na’ Mo Chadal Dhomh” de Mother’s Favourite Tongue, que se extiende por casi diez minutos en un viaje hipnótico. La recepción ha sido positiva, destacando la audacia del proyecto y su coherencia estética. Se lo considera un manifiesto colectivo que busca redefinir las tradiciones musicales desde una perspectiva actual, sin caer en la nostalgia ni en la mera reproducción de formas pasadas. El diseño gráfico y la producción también han sido elogiados por su cuidado artesanal y su capacidad de transmitir la identidad del proyecto. En conjunto, *New Traditions* se percibe como una obra que celebra la diversidad cultural y la innovación sonora, reafirmando la vigencia del folk en diálogo con la electrónica y consolidando a Wild Raver como un sello atento a las propuestas más arriesgadas y significativas del panorama musical europeo.
Artista: HILARY WOODS
Disco: Night CRIÚ,
Sello: Sacred Bones
Año: 2025
En este trabajo, la artista irlandesa retoma la voz como eje central de su propuesta, después de dos discos marcados por la densidad instrumental y las atmósferas experimentales. * Night CRIÚ * se presenta como una obra de carácter ritual, inspirada en procesiones, cine europeo de vanguardia y tradiciones musicales antiguas, con un enfoque que combina lo esotérico y lo íntimo. La crítica ha destacado la manera en que Woods utiliza la voz no solo como instrumento melódico, sino como concepto que atraviesa todo el álbum: la dificultad de encontrar palabras y la potencia del silencio se convierten en temas recurrentes. La producción, a cargo de Dean Hurley, aporta un carácter sombrío y eléctrico, con texturas que se retraen hacia la penumbra y generan un ambiente de misterio. El disco se percibe como un punto de encuentro entre lo minimalista y lo emocional, con canciones que se despojan de capas sonoras para dejar espacio a melodías delicadas y voces que parecen surgir de un sueño. Piezas como “Faults” y “Endgames” han sido señaladas como momentos de gran belleza, donde la fragilidad se convierte en fuerza expresiva. La recepción ha sido positiva, subrayando que * Night CRIÚ * logra equilibrar la experimentación con una estructura más cercana a la canción, sin perder su carácter contemplativo. Se lo considera un álbum que invita a la escucha profunda, capaz de transmitir tanto calma como tensión latente. En conjunto, la obra reafirma a Hilary Woods como una creadora singular dentro del panorama contemporáneo, capaz de transformar influencias literarias, cinematográficas y musicales en un lenguaje propio. *CRIas* se consolida como un manifiesto de sensibilidad y resistencia artística, un viaje sonoro que se mueve entre lo tangible y lo invisible.
Artista: FRANCISCO ALI-BROUCHOUD Y ÓSCAR SANTIS
Disco: Supervolcán
Sello: Pueblo Nuevo
Año: 2025
Este trabajo reúne a dos artistas provenientes de Argentina y Chile en una colaboración que explora los límites de la improvisación electroacústica. Con una duración total de poco más de 31 minutos, el disco se compone de piezas que oscilan entre el glitch, el noise y la experimentación libre, generando un paisaje sonoro volcánico y expansivo. La crítica ha destacado la manera en que ambos músicos logran articular un diálogo entre texturas digitales y gestos instrumentales, creando un flujo orgánico que se percibe tanto caótico como profundamente estructurado. El álbum incluye composiciones como “Santidad”, “Pieza para guitarra” y “Hogar dulce hogar”, que muestran la versatilidad del dúo al pasar de momentos contemplativos a explosiones de ruido controlado. La segunda parte del disco, con títulos como “Toba”, “Wah Wah” y “La Pacana”, refuerza la idea de un viaje sonoro que evoca la energía telúrica de los volcanes, con capas de sonido que emergen y se disuelven en un continuo de improvisación. La recepción ha sido positiva en medios especializados, subrayando la frescura del proyecto y su capacidad para situarse en la intersección entre música experimental y arte sonoro. Se ha señalado que *Supervolcán* no busca la complacencia, sino la confrontación con el oyente, invitando a una escucha activa y atenta. El uso de licencias abiertas refuerza el carácter comunitario del proyecto, permitiendo su circulación libre y ampliando su alcance en la escena independiente. En conjunto, el disco se percibe como un manifiesto de exploración radical, que refleja tanto la tradición experimental latinoamericana como la voluntad de expandir los lenguajes contemporáneos. *Supervolcán* consolida a Ali-Brouchoud y Santis como referentes de una nueva generación de creadores que entienden la música como laboratorio y territorio de resistencia estética.
