Tag: Aoife Hammond

DESCARGA(lunes 2): Aquí o https://www.mediafire.com/perd260302.mp3/

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Un gran anuncio iniciará la jornada de lunes, dando puntapié para un gran año y escuchando a una banda chilena nueva que con sus primeros felices acordes me lleva a esa pesadez de guitarras de los Wedding Present, luego iremos con un batero australiano que nos lleva por su imaginería sonora fuera de este planeta. Desde la Galia profunda unas canciones que revelan tradiciones de elfos, druidas y cuanta cosa representa esa cultura milenaria. Luego una experimentalista que nos lleva a imaginar eso que se denomina “Le Petite Morte” (el/la que sabe sabe). Después pasaremos a percusiones primas de los estados de hipnosis gamelana y cerramos con esa voz increíble de la cantante, pianista, organista y compositora sueca.

Artista: RENA EN EL SIGLO 40
Disco: Cintoespaciotemporal
Sello: Gemelo Parásito
Año: 2025

El disco *Cintoespaciotemporal* marca un hito en la propuesta de Rena en el siglo 40, consolidando su identidad dentro del indie pop y rock alternativo chileno. El EP despliega cinco composiciones que exploran la tensión entre lo íntimo y lo cósmico. La canción homónima abre con un pulso expansivo que combina guitarras atmosféricas y sintetizadores retro, evocando viajes interiores y paisajes siderales. “Evaporar” aporta un tono más melódico y contemplativo, mientras que “Llamadas telefónicas” juega con la nostalgia urbana y la soledad digital. “Escondidas” se ha destacado como favorita en plataformas, por su equilibrio entre lirismo juvenil y energía rítmica. El cierre con “Ballena azul” introduce una dimensión ambiental y oceánica, reforzando la conexión entre lo humano y lo natural. Las reseñas coinciden en valorar la **producción artesanal**, grabada en sala Salamanga y mezclada con un enfoque cálido y orgánico. Se subraya la voz de Luciano Venegas como eje narrativo, capaz de transitar entre la vulnerabilidad y la fuerza expresiva. La instrumentación, con bajos envolventes y teclados vintage, aporta un carácter nostálgico que dialoga con influencias del dreampop y el post-rock. Críticos internacionales han resaltado la capacidad del grupo para crear un **universo sonoro coherente**, donde cada tema funciona como capítulo de un relato mayor. En conjunto, el EP se percibe como una obra breve pero intensa, que abre nuevas rutas para la música independiente latinoamericana y proyecta a Rena en el siglo 40 como una de las propuestas más prometedoras de la escena emergente.

Artista: JIM WHITE
Disco: Inner Day
Sello: Drag City
Año: 2025

*Inner Day* representa el segundo trabajo solista del baterista australiano Jim White, reconocido por su trayectoria en Dirty Three y por colaboraciones con artistas como Nick Cave, Cat Power y PJ Harvey. El disco se adentra en territorios de jazz experimental, ambient y free jazz, mostrando la amplitud creativa de un músico que ha dedicado más de cuatro décadas a la exploración sonora. La producción, realizada junto a Guy Picciotto, ofrece un paisaje minimalista y atmosférico, donde los silencios y las texturas adquieren protagonismo. El tema inicial, “Death Day”, abre con un tono fúnebre y meditativo, sostenido por órganos y sintetizadores que evocan un tránsito espiritual. “What’s Really Happening” introduce ritmos sutiles y percusiones delicadas que invitan a un estado de ensoñación. “The Titles” y “Longwood” despliegan memorias personales y evocaciones de infancia, con teclados austeros y un pulso rítmico contenido. La colaboración con la saxofonista Zoh Amba aporta un matiz de improvisación libre, expandiendo el registro hacia lo imprevisible y lo visceral. Las reseñas destacan la capacidad de White para transformar la percusión en un elemento narrativo, más cercano a la poesía sonora que al virtuosismo técnico. Se subraya la coherencia del álbum como viaje introspectivo, donde cada pieza funciona como un capítulo de un diario íntimo. La masterización de Mikey Young refuerza la calidez y la profundidad de las frecuencias bajas, otorgando al conjunto un carácter envolvente. En suma, *Inner Day* se percibe como una obra contemplativa y arriesgada, que confirma a Jim White como uno de los exploradores más singulares de la música contemporánea.

Artista: Varios (Aoife Hammond y más)
Disco: A Collection of Songs in the Traditional & Sean-Nós Style
Sello: Nyahh
Año: 2023

Este compilado reúne a diversos intérpretes contemporáneos de la tradición vocal irlandesa, con especial énfasis en el estilo **Sean-Nós**, caracterizado por su ornamentación libre y su interpretación a capella. El álbum incluye grabaciones realizadas en pubs, cocinas y espacios comunitarios, lo que aporta una atmósfera íntima y auténtica. Entre los artistas presentes destacan Conor O’Kane, Aoife Hammond, Eoghan Ó Ceannabháin y Nell Ní Chróinín, quienes ofrecen versiones de piezas clásicas como *Róisín Dubh* y *Eileanóir na Rún*. La propuesta se concibe como un puente entre la memoria oral y la experimentación contemporánea, evocando el trabajo de recopiladores históricos como Alan Lomax, pero con un enfoque actual. Las reseñas subrayan la fuerza emocional de las interpretaciones, capaces de transmitir tristeza, nostalgia y resiliencia colectiva. El diseño sonoro es deliberadamente austero: las voces se presentan sin artificios, resaltando la expresividad natural y la riqueza de los matices. El disco también incluye canciones en inglés y gaélico, lo que refuerza la diversidad cultural y lingüística de Irlanda. La masterización respeta la crudeza de las grabaciones, manteniendo la sensación de cercanía con los intérpretes. Críticos han señalado que esta colección funciona como un testimonio vivo de la tradición oral, pero también como una obra artística que dialoga con el presente. En conjunto, el álbum se percibe como un documento musical de gran valor, que celebra la continuidad de una práctica ancestral y la proyecta hacia nuevas audiencias.

Artista: CLAIRE ROUSAY
Disco: A little death
Sello: Thrill Jockey
Año: 2025

El disco *a little death* confirma a Claire Rousay como una de las voces más singulares de la música experimental contemporánea. El álbum se construye a partir de grabaciones de campo, collages sonoros y fragmentos de conversaciones, creando un paisaje íntimo y fragmentado. La artista explora la cotidianidad con un enfoque minimalista, donde los ruidos domésticos, las voces apagadas y los silencios prolongados se convierten en materia musical. Los sencillos “Just” y “Somewhat Burdensome” anticiparon la estética del disco: piezas que combinan ambientes electrónicos con texturas acústicas, en colaboración con músicos como M. Sage. La obra se sitúa en la frontera entre el ambient y la musique concrète, con un carácter contemplativo que invita a escuchar los detalles más pequeños de la vida diaria. Críticos han destacado la capacidad de Rousay para transformar lo banal en poético, logrando que cada sonido se perciba como un fragmento de memoria. La producción mantiene un tono austero y delicado, reforzando la sensación de vulnerabilidad y cercanía. Se subraya la coherencia narrativa del álbum, que funciona como un diario sonoro de momentos efímeros, entre la soledad y la nostalgia. El título, *a little death*, hace referencia a la expresión francesa *la petite mort*, utilizada para describir el orgasmo tanto masculino como femenino. Rousay retoma esta metáfora para vincular la experiencia íntima del placer con la sensación de pérdida breve y tránsito emocional, evocando la fragilidad de los instantes que desaparecen sin borrarse del todo. En conjunto, el disco ha sido recibido como una obra arriesgada y profundamente personal, que amplía los límites del ambient y reafirma a Claire Rousay como una creadora capaz de convertir lo cotidiano en arte sonoro de gran intensidad emocional.

Artista: KUNTARI
Disco: Mutu Beton
Sello: 99CHANTS
Año: 2025

*Mutu Beton* marca una nueva etapa en el proyecto Kuntari, liderado por el músico indonesio Tesla Manaf junto al percusionista Rio Abror. El disco refleja la evolución del dúo hacia una propuesta más abierta y expansiva, donde la improvisación se combina con estructuras compositivas de gran fuerza. La obra se sitúa en la intersección entre el noise, el jazz libre y la electrónica experimental, con un carácter visceral que captura la energía de sus presentaciones en vivo. El álbum incluye piezas como “Parai”, “Kerak Terusi” y “Miamch”, que destacan por su intensidad rítmica y el uso de texturas abrasivas. La batería y percusión de Abror aportan un pulso orgánico que dialoga con los sintetizadores y guitarras procesadas de Manaf, generando un sonido que oscila entre lo tribal y lo industrial. Críticos han señalado que el disco logra un equilibrio entre caos y control, ofreciendo momentos de catarsis sonora junto a pasajes de contemplación. La producción enfatiza la crudeza y la fisicidad del sonido, con grabaciones que transmiten cercanía y potencia. Se subraya la capacidad del dúo para integrar influencias de la música tradicional indonesia con lenguajes contemporáneos, creando un híbrido que desafía etiquetas. El título *Mutu Beton* —“calidad de cemento”— funciona como metáfora de solidez y resistencia, reflejando tanto la dureza de los materiales como la firmeza de su propuesta artística. Reseñas internacionales han destacado la audacia del disco, considerándolo un testimonio de la vitalidad de la escena experimental del sudeste asiático. En conjunto, *Mutu Beton* se percibe como una obra intensa y arriesgada, que reafirma a Kuntari como uno de los proyectos más innovadores en la música independiente global.

Artista: ANNA VON HAUSSWOLFF
Disco: Iconoclasts
Sello: YEAR0001
Año: 2025

*Iconoclasts* representa una obra de ruptura y renacimiento en la trayectoria de Anna von Hausswolff, consolidando su lugar como una de las creadoras más audaces del art pop gótico contemporáneo. Publicado por **YEAR0001** el **31 de octubre de 2025**, el disco surge tras un periodo de silencios y tensiones públicas, y se presenta como un manifiesto de libertad creativa. Desde los primeros compases de “The Beast”, el órgano de tubos se convierte en el eje central de una arquitectura sonora monumental, acompañado por saxofones explosivos, sintetizadores y percusión ritual. La artista sueca retoma su exploración del órgano como instrumento de poder emocional, desligado de su vínculo litúrgico, para transformarlo en vehículo de expresiones intensas y terrenales. Cada canción funciona como un intento de ordenar el caos interior, sin ocultar sus bordes ásperos ni las contradicciones que atraviesan su vida personal y artística. La solemnidad de las estructuras recuerda a una catedral sonora, mientras que la urgencia de las voces y los arreglos transmite un grito existencial. Críticos han destacado la capacidad del álbum para desafiar símbolos sagrados y cuestionar las certezas, situándose en un espacio donde lo divino y lo humano se entrelazan. La producción enfatiza la tensión entre lo monumental y lo íntimo, con pasajes que oscilan entre la furia sónica y la contemplación espiritual. La colaboración con músicos como Otis Sandsjö en el saxofón aporta un matiz de improvisación que expande el registro hacia lo imprevisible. En conjunto, *Iconoclasts* ha sido recibido como una obra casi perfecta, que abraza la destrucción para alumbrar nueva luz. Se percibe como un testimonio de valentía artística, capaz de transformar la contradicción en belleza y de proyectar a Anna von Hausswolff como una figura imprescindible en la música experimental europea actual.
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