Tag: DAVID MOORE

Programa lunes 20 de julio 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Comenzaremos con un viaje cósmico donde el jazz espiritual se convierte en puente entre tradición africana y contemplación astronómica. Seguiremos con un paisaje acuático, tejido entre el timbre del koto y la electrónica mínima, que fluye como corrientes invisibles. Más adelante nos adentraremos en la energía frenética del jungle y el ragga, cápsulas de ritmo que aún palpitan con urgencia urbana. Continuaremos con un colectivo tailandés que transforma rituales ancestrales en trance psicodélico y danza comunitaria. Cerraremos con un pianista neoyorquino que reduce su lenguaje a lo esencial, ofreciendo vulnerabilidad y memoria en cada nota

Artista: KELAN PHIL COHRAN & LEGACY
Disco: African Skies
Sello: Listening Position / Stones Throw
Año: 2025

Album que recupera la banda sonora compuesta en 1993 para el Adler Planetarium de Chicago, una obra que durante años fue considerada un tesoro oculto del jazz espiritual. Cohran, antiguo miembro de la Sun Ra Arkestra y fundador de la AACM, concibió estas piezas como un viaje cósmico que conecta la diáspora africana con la contemplación astronómica. El disco despliega siete composiciones que oscilan entre lo meditativo y lo expansivo, con un uso destacado del arpa y la flauta, instrumentos que evocan la espiritualidad de Alice Coltrane y Dorothy Ashby. La ausencia de percusión convencional se sustituye por un enfoque rítmico en cada instrumento, creando un tejido sonoro circular y envolvente. Temas como Theme y White Nile se erigen como monumentos de repetición hipnótica, mientras que Kilimanjaro y Cohran Blues abren paisajes de resonancia pan-africana. La crítica ha subrayado la riqueza atmosférica del álbum, capaz de conjugar minimalismo y exuberancia en un mismo gesto. Su carácter atemporal lo sitúa en diálogo con la tradición del free jazz y el avant-garde, pero también con la búsqueda de un lenguaje universal que trascienda fronteras. African Skies no es solo un documento histórico, sino una obra viva que invita a escuchar el cielo como territorio de memoria y esperanza

Artista: AUS
Disco: Eau
Sello: Flau
Año: 2025

El compositor y productor japonés Yasuhiko Fukuzono presenta una exploración de la transparencia sonora en un álbum gira en torno al koto, instrumento tradicional japonés interpretado por Eden Okuno, que se convierte en el núcleo acústico de un paisaje electrónico delicado y expansivo. Las diez piezas que conforman el disco se despliegan como corrientes de agua: Tsuyu abre con notas que se disuelven en el espacio, mientras Uki y Variation I construyen repeticiones mínimas que invitan a la contemplación. La electrónica se funde con el timbre del koto, borrando fronteras entre lo digital y lo orgánico. En Soko, de casi nueve minutos, la textura se expande hacia un estado de suspensión, donde el tiempo parece diluirse. La propuesta no busca dramatismo ni estructuras rígidas, sino un estado de escucha atenta en el que los matices emergen lentamente. La crítica ha destacado la capacidad de aus para integrar tradición y modernidad sin caer en el exotismo, creando un espacio sonoro que es a la vez íntimo y abstracto. El título, Eau —agua en francés—, refleja la fluidez y la ausencia de forma definida que caracteriza al álbum. Más que un ejercicio de ambient, Eau se convierte en un espacio de coexistencia entre silencio, resonancia y memoria, un trabajo que invita a dejarse llevar por la corriente sonora y descubrir en ella una calma profunda

Artista: Varios
Disco: SOUL JAZZ RECORDS Junglist! Old Skool Ragga D&B 1993–95
Sello: Soul Jazz
Año: 2026

Version 1.0.0

Álbum doble que rescata la energía de una época fundacional para la música electrónica británica. La selección reúne piezas grabadas entre 1993 y 1995, cuando el jungle y el drum & bass emergían desde los clubes londinenses como un lenguaje nuevo, marcado por la velocidad, el bajo profundo y la herencia del reggae digital. El compilado despliega cortes de pioneros que fusionaron breakbeats frenéticos con líneas vocales ragga, creando un pulso urbano que reflejaba la multiculturalidad de la ciudad. Cada tema funciona como cápsula de energía: bajos que retumban como motores, baterías programadas con precisión quirúrgica y voces que atraviesan la mezcla con urgencia. La escucha revela un mapa sonoro donde conviven la crudeza del dancehall, la experimentación del dub y la euforia rave. Más allá de la nostalgia, la edición subraya la vigencia de un estilo que sigue influyendo en generaciones posteriores. La restauración sonora permite apreciar la textura original de las cintas, mientras el diseño gráfico evoca la estética DIY de los flyers de la época. Junglist! se convierte así en un documento histórico y a la vez en un festín contemporáneo, un viaje al corazón de la cultura junglist que aún late con fuerza

Artista: THE PARADISE BANGKOK MOLAM INTERNATIONAL BAND
Disco: 21st Century Molam
Sello: Studio Lam
Año: 2014

Debut se convirtió en un puente entre la tradición musical del noreste de Tailandia y la escena global contemporánea. La banda, formada por Maft Sai y Chris Menist junto a maestros del phin y el khaen, revitaliza el molam con un enfoque que mezcla trance hipnótico, grooves psicodélicos y ecos de dub. El álbum abre con Sao Sakit Mae, donde el khaen despliega un aire etéreo que se transforma en un pulso repetitivo y envolvente. Piezas como Lam San Disco y Zerng India Prayuk muestran la capacidad del grupo para fusionar ritmos tradicionales con bajos eléctricos y percusiones modernas, creando un sonido que dialoga con la música de club sin perder raíz. La propuesta se sostiene en la tensión entre lo ancestral y lo futurista, con melodías que evocan rituales comunitarios y texturas que invitan a la danza. La crítica ha resaltado cómo este trabajo convirtió al molam en fenómeno internacional, llevando a la banda a escenarios como Glastonbury y Boiler Room. Más allá de la recuperación patrimonial, 21st Century Molam se percibe como un manifiesto de reinvención cultural: un sonido que viaja desde Isaan hasta el mundo, capaz de transformar la tradición rural en experiencia cosmopolita

Artista: DAVID MOORE
Disco: Graze The Bell
Sello: Rvng Intl
Año: 2026

Primer trabajo bajo su propio nombre y marca un giro decisivo en la trayectoria del compositor de trumpilandia, conocido por liderar Bing & Ruth (Proyecto que nos ha acompañado varias veces en nuestros especiales suicidas). El álbum se construye íntegramente sobre un piano Steinway D de 1987, grabado en sesiones orgánicas que privilegian la resonancia y la fisicidad del instrumento. Las nueve piezas que lo integran se perciben como conversaciones íntimas, donde cada nota parece buscar una verdad aún no articulada. Then a Valley abre con calma engañosa, desplegando un flujo de acordes que se transforman en cascadas sonoras, mientras Graze the Bell se sostiene en escalas sencillas que evocan aceptación y memoria. En No Deeper, la tensión entre acordes luminosos y graves sombríos revela un contraste que nunca se resuelve del todo. La propuesta se inscribe en una línea de depuración progresiva: tras años de ensambles numerosos y colaboraciones, Moore reduce aquí su lenguaje a lo esencial, logrando un minimalismo cargado de emoción. La crítica ha destacado la capacidad del álbum para conjugar introspección y expansión, con momentos que recuerdan la simplicidad de Erik Satie y la espiritualidad de Ryuichi Sakamoto. Más que un ejercicio de virtuosismo, Graze The Bell se convierte en un espacio de vulnerabilidad expuesta, un paisaje sonoro que invita a la contemplación y que confirma a Moore como un creador capaz de transformar lo personal en experiencia compartida
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Programa lunes 3 de julio de 2023, 23:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Fue larga la espera pero ya están de vuelta, y bandas sonoras tendremos dos y un hijo de chileno famoso se cuelga en Perdidos hoy y tendremos música planeadora de alto calibre.

Artista: DAUGHTER
Disco: Stereo Mind Game
Sello: 4AD
Año: 2023

Del sitio https://jenesaispop.com/ “Daughter llegan a su tercer disco 10 años después de su debut. Aparte de una banda sonora para un videojuego y algún proyecto paralelo, ‘Stereo Mind Game’ es su primer álbum desde 2016, cuando publicaban ‘Not to Disappear‘. El disco vuelve en el punto en el que lo dejó el grupo formado por la líder Elena Tonra, el guitarrista Igor Haefeli y el batería Remi Aguilella. El precioso single ‘Be Your Own Way’ mantiene las letras susurradas, los efectos electrónicos, los bellos arreglos de cuerda, la melancolía… si bien con cambios sutiles. Si en su debut ‘If You Leave‘ hablábamos de unos textos que versaban sobre rebozarte en tu propia miseria y en el alcohol, ‘Stereo Mind Game’ es un disco que trata de salir adelante. Explica Elena Tonra que este disco «es más optimista que los anteriores, aunque aún tiene mis letras, por lo que no iba a salir del todo luminoso». Y esa voluntad se ha manifestado en algunas de las canciones más accesibles que nunca hayan grabado Daughter, por un lado. Por otro, también algunas de las más diferentes. En el primer grupo estaría esa buena presentación que fue ‘Be Your Own Way’, sobre una relación a distancia, en concreto sobre alguien que conoció en California, con el océano de por medio que eso iba a implicar (“te veré en otro planeta si los planes cambian”). Y ahora podemos sumar piezas como ‘Swim Back’, con algo de noise, algo de indietrónica, algo de rock; y la post-grunge ‘Party’, en que Elena recuerda su vida antes de dejar de alcohol. «La peor noche de mi vida, o lo que es peor, la mejor», sentencia… y todos los que hemos consumido alguna vez podemos reconocernos ahí.

Artista: MONO
Disco: My Story,The Buraku Story
Sello: Temporal Residence Ltd.
Año: 2022

My Story, The Buraku Story es un nuevo largometraje documental que explora la discriminación contra un grupo de personas, comúnmente llamados “burakumin”, que fueron clasificados en grupos humildes y segregados del resto de la sociedad japonesa. Esta discriminación no es por raza o etnia, sino por lugar de residencia y linaje, y ha existido durante siglos, aunque muy raramente reconocida o discutida en Japón. Cuando el director Yusaku Mitsuwaka imaginó la partitura ejemplar para un tema tan culturalmente sensible y significativo, idealizó a Mono para ayudar a contar esta historia a través de su legendaria música cinematográfica. Siguiendo sus experimentos recientes con texturas electrónicas infundidas en sus composiciones dinámicas de rock, My Story, The Buraku Story encuentra a Mono en su forma más discreta y elegíaca. Las canciones que componen My Story, The Buraku Story se basan en gran medida en piano, cuerdas, sintetizadores y bucles vocales corales. Como cabría esperar de Mono, los arreglos son obras maestras de ejecución discreta con una resonancia emocional sobredimensionada. Con mucho, el álbum más delicado de Mono, es un documento apropiado de la primera banda sonora de un largometraje de la banda.

Artista: RAMUNTCHO MATTA
Disco: Sin titulo
Sello: Wewantsounds
Año: 2023

Un clásico francés de avant-funk de Ramuntcho Matta reeditado por primera vez. una banda sonora para un espectáculo de danza contemporánea francesa de 1984, el álbum es el eslabón perdido entre Nueva York y París. remasterizado de los maestros originales de Ramuntcho con nuevas notas de Jacques Denis
Wewantsounds se complace en anunciar la reedición en vinilo del raro primer álbum homónimo de Ramuntcho Matta de 1985, que mezcla funk, no wave y paisajes sonoros ambientales. El álbum lanzado por el pequeño sello francés Mosquito fue concebido como la banda sonora de la obra “VIA” de la coreógrafa francesa Régine Chopinot con vestuario de la estrella en ascenso de la moda Jean-Paul Gaultier. Fue grabado en un momento próspero en París cuando Matta, que acababa de pasar unos años en Nueva York tras la muerte de su hermano Gordon Matta-Clark, se sumergió en la escena underground de París. El álbum, que consta de 19 pistas que alternan entre funk y paisajes sonoros ambientales, ha sido remasterizado para vinilo de los maestros de Ramuntcho y presenta un folleto de 4 páginas con notas (inglés/francés) de Jacques Denis en una conversación con Ramuntcho y un inserto de 2p con el original. cartel para el programa VIA del afamado ilustrador Marc Caro (Delicatessen).

Artista: Varios
Disco: Soul Jazz Records Presents Studio One Funk – The Original 45
Sello: Soul Jazz Records
Año: 2005 / 2023

Studio One Funk se compone de reggae funk raros e inéditos de las bóvedas de Studio One. Desde el nacimiento del Funk en Estados Unidos, el sonido ha sido un ingrediente siempre presente en el crisol de la producción musical de Studio One.
La música de este lanzamiento es una combinación de versiones originales, versiones estadounidenses y versiones de cortes existentes de Studio One. Jackie Mittoo muestra su aprecio por Booker T y The MGs, el grupo de estudio de la famosa Stax Records de Memphis con ‘Hang Em High’, una versión de la banda sonora de una película de Dominic Frontiere. Increíblemente, esta versión nunca antes se había lanzado. El súper funky ‘Melting Pot’ de Booker T también está cubierto por los poco conocidos Underground Vegetables.
Otras versiones incluyen la clásica banda sonora de Blaxploitation de Isaac Hayes, ‘Shaft’, nuevamente de Cedric Im Brooks, otra joya inédita, directamente del maestro de la cinta. Motown echa un vistazo con la versión simplificada de Alton del clásico de los Spinners “It’s A Shame”, escrita por Stevie Wonder y Syreeta.
James Brown es evidente en espíritu con el ritmo inspirado en JBs en el súper raro corte “Now” de Lee Arab. Lloyd Williams también hace una excelente versión al estilo Kingston del hombre más trabajador del mundo del espectáculo en ‘Reggae Feet’.

Artista: STEVE GUNN AND DAVID MOORE
Disco: Let The Moon Be A Planet
Sello: Rvgn Intl
Año: 2023

Sublime tekkerz de guitarra con toques de dedos y teclas meditativas al borde del folk blues y la música clásica moderna mínima de un dúo muy apreciado por sus respectivas colaboraciones con Mike Cooper, Kim Gordon, Bill Nace y Bing & Ruth de 4AD. “Let the Moon be a Planet” de Steve Gunn y David Moore es un volumen de intercambios improvisados entre la guitarra clásica y el piano, y un lugar de encuentro donde dos artistas se conocen a través del diálogo instrumental sin una sola expectativa que los distraiga de la alegría y la posibilidad de campo abierto de colaboración. Un proyecto envuelto por un aura de reciprocidad, Let the Moon Be a Planet se desarrolló a partir de una invitación a conectarse entre dos músicos de Nueva York que admiraban el trabajo del otro pero nunca se habían cruzado: el guitarrista y compositor Steve Gunn, cuyo solo, dúo y Las grabaciones de conjunto representan hitos del material guiado por guitarra contemporáneo, y el pianista y compositor David Moore, aclamado por su música de conjunto minimalista como líder de Bing & Ruth. El intercambio comenzó de forma remota cuando Gunn y Moore respondieron a las improvisaciones en solitario del otro, y se embarcaron en una progresión sinérgica de escucha profunda y conexión a través de la conversación musical. “Ambos éramos fanáticos de la música del otro y esta era una oportunidad de probar un proceso diferente que era mucho más abierto”, dice Moore. “Se sentía como algo que necesitaba personalmente como artista, no ser tan controlador sobre el resultado final y colaborar realmente con alguien más”.

Artista: OLIVER COATS
Disco: Significant Other
Sello: Invada Records
Año: 2022

Oliver Coates es un compositor, violonchelista y productor que ha trabajado con bandas notables como Radiohead y artistas como Mica Levi. Él produce algunos de sus mejores trabajos aquí en la partitura de Significant Other, que es oscuro y denso, inquietante y absorbente. La película sigue algunos sucesos bastante siniestros que arruinan a una joven pareja en un viaje de mochileros por el bosque del noroeste del Pacífico.
Oliver Coates talentoso e idiosincrásico con un sólido catálogo de grabaciones únicas, pero si nos pusieras la banda sonora de “Significant Other” y nos preguntaras quién la hizo, nos costaría adivinar. Está impecablemente hecho y escalofriante hasta los huesos, pero suena tan perfecto que casi olvidarías que estuvo presente. Los chillidos agudos de las cuerdas y los womps de gama baja diseñados psicoanalíticamente para aumentar la tensión están todos presentes, ocasionalmente equilibrados por algún trabajo coral avanzado. Pero es el terror de Hollywood de la era de la transmisión por números: estamos seguros de que esto no tiene nada que ver con Coates, y más que ver con los títeres de Paramount, pero es más deprimente que espeluznante.
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