Tag: MIKE NORRIS

Programa lunes 13 de julio 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Iniciaremos con un clásico revisitado, donde la intensidad espiritual del post?rock se expande en nuevas texturas y silencios. Seguiremos con un proyecto que transforma la memoria política en paisajes electrónicos de tensión y ritual. Más adelante nos encontraremos con una voz irlandesa que convierte la vulnerabilidad en canto de resistencia, entre plegaria y protesta. Continuaremos con un creador chileno que despliega un mosaico de estilos, desde la ironía cotidiana hasta la densidad atmosférica. Cerraremos con un artista emergente de la escena alternativa norteamericana, que convierte la nostalgia en un impulso renovador.

Artista: TALK TALK
Disco: Spirit of Eden (Half Speed Master 2025)
Sello: Universal/EMI
Año: 2025

Esta reedición en vinilo a media velocidad devuelve a la superficie uno de los álbumes más radicales y visionarios de los años ochenta. La obra, originalmente publicada en 1988, se presenta ahora con un corte realizado por Matt Colton en Metropolis, supervisado por Lee Harris y Charlie Hollis, hijo del desaparecido Mark Hollis. La técnica de half speed mastering otorga mayor claridad en los silencios, mejor respuesta en los transitorios y un detalle más fino en las frecuencias altas, cualidades esenciales para un álbum construido sobre la tensión entre el vacío y la irrupción sonora. El disco despliega seis piezas que se mueven entre la improvisación jazzística, la densidad ambiental y la ruptura de la estructura pop, creando un híbrido que anticipó el post-rock y que inspiró a generaciones posteriores como Radiohead, Sigur Rós o Mogwai. La nueva edición resalta la amplitud espacial de temas como The Rainbow y Desire, donde los contrastes entre calma y explosión se sienten con mayor dramatismo. La crítica especializada ha reiterado su carácter de obra maestra, destacando la capacidad de Hollis y Tim Friese-Greene para conjugar silencio, espiritualidad y riesgo creativo en un lenguaje musical único. Más que una reedición, esta versión de Spirit of Eden es una invitación a redescubrir un álbum que sigue desafiando las convenciones de la música popular, reafirmando su lugar como piedra angular de la experimentación sonora contemporánea

Artista: PHAROAH CHROMIUM
Disco: Chronicles from the Arab Cold War
Sello: Discrepant
Año: 2026

Este trabajo del músico germano-palestino Ghazi Barakat se erige como un testimonio sonoro que entrelaza memoria política y experimentación radical. La obra se despliega en dos caras que funcionan como espejos de la historia reciente: la primera, concebida en sesiones de 2023 con flautas, EWI y ritmos de danza oriental, se nutre de las voces infantiles tomadas de Chants Révolutionnaires d’Oman (1975), transformando la inocencia en resistencia y dedicando su pulso a los niños de Gaza. La segunda cara, marcada por la sombra de los acontecimientos posteriores al 7 de octubre, se adentra en un territorio más sombrío y ceremonial. La trompeta de Philipp Selalmazidis atraviesa los pasajes como un lamento fúnebre, mientras las texturas electrónicas se densifican hasta rozar lo ritual. El álbum rehúye la ilustración directa del conflicto, pero su arquitectura sonora transmite la tensión entre fragilidad y furia, entre esperanza y duelo. Cada pieza, desde Intro / Riah Ach-Chark hasta Siah-Khal, se convierte en un fragmento de crónica que rehúsa el espectáculo y apuesta por la escucha activa. La producción de Barakat, fiel a su trayectoria en discos como Gaza (2015) y Jean Genet à Chatila (2018), reafirma la música como espacio de responsabilidad y memoria. La edición limitada en vinilo subraya su carácter de objeto de resistencia cultural, un documento que se sitúa en la frontera entre arte sonoro y testimonio político. Más que un álbum experimental, Chronicles from the Arab Cold War es un acto de conciencia: un mapa sonoro que invita a pensar la historia desde la vibración, la pausa y la intensidad de lo no dicho

Artista: LISA O’NEILL
Disco: The Wind Doesn’t Blow This Far Right
Sello: Rough Trade
Año: 2025

Este EP de seis canciones y treinta y dos minutos se presenta como un manifiesto musical contra la injusticia y la deshumanización. La voz de O’Neill, áspera y cargada de historia, se despliega como un canto que oscila entre plegaria y protesta, evocando la tradición de figuras como Shane MacGowan y Sinéad O’Connor, pero con un timbre propio que se incrusta en la memoria. La pieza titular, de más de seis minutos, se erige como un himno sombrío y conmovedor, un lamento por la inhumanidad del hombre que se transforma en súplica colectiva. Su cualidad casi litúrgica se entrelaza con imágenes de niños famélicos y paisajes devastados, recordando que las catástrofes más crueles no son naturales, sino fruto de la codicia y la violencia. La canción se expande lentamente, como un río que arrastra dolor y compasión, hasta convertirse en un llamado a la unión frente al desastre. El EP, aunque breve, condensa una fuerza emocional que lo sitúa en la frontera entre la canción popular y el arte político. Cada tema funciona como un fragmento de crónica contemporánea, donde la vulnerabilidad se convierte en resistencia y la belleza se abre paso en medio de la oscuridad. O’Neill, que ya había dejado huella en proyectos como Peaky Blinders y en el funeral de MacGowan, reafirma aquí su lugar como una voz imprescindible, capaz de transformar la música en conciencia. Más que un conjunto de canciones, The Wind Doesn’t Blow This Far Right es un recordatorio de que la música puede detenernos, sacudirnos y devolvernos la esperanza en medio del duelo

Artista: MIKE NORRIS
Disco: No soporto a Mike Norris
Sello: Discos Chalacos / Laboratorio Audiovisual
Año: 2026

Desde marzo de este año está disponible en todas las plataformas el último disco de Mike Norris, exintegrante de Shogún y habitual en Perdidos, ya sea presentando su música o tocando en vivo. No soporto a Mike Norris es un extenso trabajo de 31 canciones que se prolonga por casi dos horas y que se aparta de la lógica del single inmediato para apostar por la lentitud como estética central. Las composiciones, en su mayoría de tempo lento o medio, se mueven entre lo introspectivo y lo nocturno, con letras que abordan lo cotidiano y lo subconsciente mediante mensajes aparentemente incoherentes que, al escucharse con atención, revelan sentido y cercanía. El álbum despliega una diversidad estilística que va del slowcore al noise atmosférico, pasando por trap, dub, funk y electrónica lo-fi, además de piezas de guitarra clásica de tradición latinoamericana. Esa variedad no busca cohesión narrativa, sino un flujo de estados que se suceden con paciencia, como capítulos de una narración cinemática. Hay ironía en títulos como Toma Coca Cola o No hay plata, melancolía en Me regalas la lluvia y un aire ceremonial en San Hilario I y II. Producido íntegramente por Norris y coeditado por Discos Chalacos y Laboratorio Audiovisual, el disco se erige como un manifiesto de resistencia frente a la velocidad del mercado musical. Durante el año se espera una edición en CD de especial cuidado.

Artista: TYLER BALLGAME
Disco: For the First Time Again
Sello: Independent
Año: 2026

Este disco se presenta como un ejercicio de memoria y renovación. Ballgame, artista emergente de la escena alternativa norteamericana, construye un repertorio de diez piezas que oscilan entre el folk introspectivo y la experimentación electrónica, con un pulso narrativo que evoca tanto la intimidad del diario personal como la amplitud de un manifiesto colectivo. La apertura con Static Reverie marca el tono: guitarras acústicas que se entrelazan con capas digitales, creando un espacio donde lo analógico y lo virtual conviven sin jerarquías. En Glass Cities la voz se convierte en eco urbano, mientras que For the First Time Again, tema central, despliega un crescendo que transforma la nostalgia en celebración. El álbum juega con la idea de repetición y descubrimiento, como si cada escucha fuese un regreso al origen, pero con la conciencia de lo vivido. La producción, austera pero precisa, resalta la crudeza de las letras y la fragilidad de los silencios. Hay momentos de vulnerabilidad extrema, como en Ashes in Reverse, y otros de energía expansiva, como Neon Horizon, donde el ritmo se abre hacia territorios cercanos al dream pop. El resultado es un mosaico de emociones que rehúye la linealidad y se instala en la paradoja: volver a empezar, pero con la memoria intacta. Más que un debut formal, For the First Time Again es una declaración de intenciones: un recordatorio de que la música puede ser simultáneamente refugio y exploración, un espacio donde lo íntimo se convierte en universal.
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Programa lunes 2 de mayo de 2022, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

(por si acaso, las RRSS de Perdidos son:
Instagram: @perdidosenelespacio2003
Facebook: https://www.facebook.com/groups/33296420087
twitter: #jaimebaeza )

Bitácora: Solo se me ocurre adelantar que el final será épico.

Artista: BILL CALLAHAN & BONNIE ‘PRINCE’ BILLY
Disco: Blind Date Party
Sello: Drag City
Año: 2021

Del sitio http://www.ultrasonica.info “La pandemia unió a estos dos artesanos del folk-rock más activo e interesante de las dos últimas décadas. Poco a poco fueron dejando caer colaboraciones realizadas a distancia, por correo electrónico en ocasiones, en las que contaban siempre con otro colaborador (salvo tres en las ellos dos lo hicieron todo) y en las que acometían algunos temas propios y, sobre todo, versiones. Acabando este 2021 se presentan por fin reunidas en un disco esos 19 temas. Entre los colaboradores aparecen desde guitarristas australianos (Mick Turner, batero Dirty Three) hasta maestros del laúd cretense (George Xylouris), pasando por Matt Sweeney, Alasdair Roberts, Bill MacKay, David Pajo, Meg Baird, Ty Segall… Con todos ellos comparten su visión del rock menos adocenado y, de hecho, ello ayuda a la unidad de un trabajo con tantos músicos y por momentos puntuales deja rutilantes canciones: su interpretación de “Deacon Blues” de Steely Dan, la adaptación de Billie Eilish junto a Sean O’Hagan , la versión de “Night Rider’s Lament” de Garth Brooks con Cory Hanson…”

Artista: Varios
Disco: Sharayet el Disco (Estreno exclusivo)
Sello: Wewantsound
Año: 2022

Cuando la era de los legendarios cantantes árabes clásicos Oum Kathoum, Abdel Halim Hafez y Faried el Atrache terminó en la década de 1970, un pequeño invento tecnológico allanó el camino para una gran revolución musical egipcia. Este invento cambió el paisaje sonoro de Egipto en la década de 1980 y, para su juventud, abrió la puerta a la búsqueda de una nueva identidad cultural. Este pequeño invento fue la cinta de cassette, o como decimos en árabe ‘sheriet el cassette’. Se introdujo en Egipto durante el período económico llamado ‘Al-infitah’ (la apertura) bajo el ex presidente Al-Sadat a principios de la década de 1980 y transformó la industria musical egipcia. Era barato de producir y los artistas ya no necesitaban firmar con un gran sello de vinilo para que se escuchara su música. Podían vender su música directamente al público sin tener que adaptarse a los gustos de las élites protectoras de la industria musical. Los artistas pudieron producir y grabar su propia música de forma independiente. Lo duplicaron en cassette y lo distribuyeron a través de quioscos de cassette dentro y fuera de sus vecindarios. La gente “común” de repente se estaba convirtiendo en productores de música de bajo presupuesto en este nuevo panorama cultural egipcio. Estos casetes egipcios de los años 80 estaban influenciados por diferentes géneros musicales, tanto propios como provenientes de otras partes del mundo. Estos inundaron Egipto a través del consumismo, pero también a través de músicos entrantes y salientes y su conocimiento musical en expansión durante los años 80. Por lo tanto, la creatividad musical floreció a través de casetes, ya que la música egipcia estaba menos controlada y atraía a un público más amplio y socialmente más diverso. Aunque, al principio, las grandes discográficas egipcias consideraban muchos de estos cassettes como “de mal gusto”, no dignos de la cultura árabe, luego cambiaron de opinión y capitalizaron la tendencia, incorporando a su lista a los mejores artistas del lote e impulsando su creatividad a una escala nacional más amplia.

Artista: SPRO
Disco: Bilac
Sello: NOCUEDO Editions
Año: 2022

Una exploración ambient dentro de una narrativa emocional de tensión lisérgica que flota entre texturas orgánicas, crujidos y estática puntillista es lo que propone el artista sonoro Jimmy Pizarro (Chile) con su nuevo moniker, SPRO. ‘Bilac’ viene en una edición limitada de 200 copias en vinilo transparente de 180grs empacado en una funda interior con acabado brillante. Masterizado y corte por LOOP–O. Sus patrones se sumergen dentro de una paleta sonora que se mueve fluidamente entre texturas acolchadas de acordes cálidos y brillantes. Para aquellos sintonizados dentro de Oval, Tim Hecker o Vladislav Delay.

Artista: MIKE NORRIS
EP: Canciones de Neón
Sello: Discos Chalacos
Año: 2021
País: Chile
Web: https://linktr.ee/mike_norris

Jaime Laso (miembro fundador y ex integrante de Shogún y colaborador de Hombre de la Atlántida, banda electrónica industrial de los 90´), bajo su alias musical de Mike Norris, durante 2021 y hasta Enero de 2022, lanzó una serie de siete EPs que dan cuenta de su ecléctico sonido. En esta oportunidad y ya habiendo pasado varias veces por Perdidos, Mike nos presenta la canción “Convertino”, extraída del penúltimo de esos EPs, llamado “Canciones de Neón”, en la que nuevamente se entrecruzan diversas influencias. Voces susurradas, a la vez que distorsionadas, te acompañarán en un viaje hacia lo obscuro, desconocido e inquietante …

Artista: MICHEL BANABILA
Disco: Echo Transformations
Sello: Knekelhuis
Año: 2021

Michel Banabila es una parte indispensable de la escena musical experimental holandesa, donde ha adquirido un lugar especial entre muchos, en los 40 años que lleva lanzando música. Michel también es tan activo como compositor para el mundo del teatro y el ballet, así como para producciones de televisión, con una fama considerable. La amenaza de ahogarse en el mar de su obra es real en vista de la cantidad sin precedentes de producción, pero una vez navegando, imperdibles formaciones rocosas monolíticas surgen rápidamente. ‘Echo Transformations’ es una de ellas. Es un álbum mágico, donde todo encaja en su lugar en un rico dominio inspirado en la dimensión del Cuarto Mundo. Un mundo de sonidos surge de nuestra imaginación, estimulando los sentidos. Un álbum conceptual donde cada suspiro tiene su lugar y donde no se escucha ningún tono superfluo. Lo que queda es abrazar la rendición inevitable que acompaña al cambio imparable. Esto es Banabila en su mejor momento. En “Echo Transformations”, Banabila conceptualiza un espacio virtual y patina alrededor de ideas con alegría de forma libre. Ha trabajado como compositor para teatro y televisión durante muchos años, y tiene un catálogo impresionante de álbumes en solitario, así como colaboraciones con Scanner y Machinefabriek; este álbum se siente como una oportunidad para que muestre su músculo interdimensional. El marco suelto se articula en torno a los estilos del cuarto mundo de Jon Hassell, pero Banabila tiene más en mente que la marimba reverberada (aunque también hay mucho de eso).

Artista: MOVIETONE
Disco: Peel Sessions
Sello: Textile
Año: 2022

Desde la cuna de la influyente escena post-rock de principios de los 90 de Bristol, Crescent, Third Eye Foundation y Flying Saucer Attack; La increíble y silenciosa Peel Session de 1994 de Movietone está disponible por primera vez. Contando a los miembros principales Kate Wright y Rachel Brook (Flying Saucer Attack), además de Matt Elliott (The Third Eye Foundation) y una asamblea rotativa de amigos, Movietone produjo un buen puñado de álbumes y sencillos durante su década de operaciones silenciosas 1994-2004 con el gustos de Planet Records, Domino y Drag City. Sus ‘Peel Sessions’ recopilan las tres sesiones de la banda para el difunto gran DJ guardián entre 1994 y 1997 y las ponen a disposición en cualquier lugar por primera vez desde la transmisión original. Todo es material encantador y lleno de encanto, que se encuentra en una encrucijada de estilos de una manera que recién comenzaba a explorarse, pero que ha alimentado a una miríada de bandas desde entonces, con ecos contemporáneos que seguramente se encuentran en el hermoso LP del año pasado de otra unidad de Bristol. , Tara Clerkin Trío. A lo largo de las sesiones, la fragilidad casi susurrada de la voz de Kate Wright dirige el disco en las sombras, impulsada fríamente por el tintineo de las guitarras melódicas, las líneas de bajo serpenteantes de jazz y el palo polvoriento que está en el mejor de los casos en ‘Mono Valley’ y el rastreo mortal de ‘Heatwave’. Pavement’, y ve a Matt Elliott interviniendo en el free-jazz-folk atontado pero intenso de la belleza de cierre ‘Facing West From California’s Shores’ de su última sesión de Peel, a pesar de haber dejado la banda años antes en ese momento.

Artista: SPIRITUALIZED
Disco: Everything Was Beautiful
Sello: Fat Possum
Año: 2022

Cuando Jason Pierce apareció durante ese sofocante verano de 2018 para promocionar el nuevo álbum de Spiritualized “And Nothing Hurt”, el primero en seis años, habló de su gestación prolongada en términos agotadores, como si producir y mezclar el disco por su cuenta lo hubiera empujado al borde de la locura. Con la franqueza típica, fue el primero en admitir que la terrible experiencia fue totalmente autoinfligida y prevenible, y que, por muy satisfecho que estuviera con los resultados (los mejores desde Ladies And Gentleman…, decían algunos), después de lo que había pasado, incluso para ser tan perfeccionista, no podía garantizar que alguna vez habría otro álbum de Spiritualized. Nadie realmente le creyó. ¿Qué más podría hacer Pierce en este momento, de 55 años, para volver a entrenar? – pero lo sorprendente de Everything Was Beautiful es lo rápido que apareció, al menos para los estándares de Spaceman, y lo extravagante y emocionante que suena. Pierce afirma que no hay un concepto real detrás del álbum y que su selección inicial de pistas fue “arbitraria”. Se basó en siete pistas del conjunto de demos que grabó entre 2013 y 2014, nueve de las cuales ya había convertido en And Nothing Hurt, y ha tenido la visión de transformarlas en los últimos años en un disco que se las arregla para ser directa y concisa, pero también salvajemente experimental, tierna, nihilista y alegre. En muchos sentidos, es todo lo que podrías desear en un álbum de Spiritualized. Es casi como si, en algún universo paralelo, Pierce realizara una encuesta en Twitter pidiendo a los fanáticos que eligieran su tipo favorito de canción espiritualizada: la apertura celestial al estilo de Ladies And Gentleman, un lugar de la droga de los Velvet (“Best Thing You Never Had ” ), un número de country (“Crazy”), un poco de blues desgarrador (“Let It Bleed”), más una segunda mitad de pura euforia narcótica, y luego debidamente agradecido cuando llegaron los resultados. Esta es otra forma de decir que Pierce tiende escribir la misma canción una y otra vez, como lo haría después de 35 años en el juego, pero eso no significa que no se desafiará a sí mismo y probará nuevos enfoques. La locura, dice a menudo, es repetir lo mismo y esperar resultados diferentes, y para Pierce son los pequeños detalles los que ayudan a elevar su música sobrecargada.
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