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DESCARGA(lunes 30): Aquí o https://www.mediafire.com/perd260330.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Iniciaremos con un proyecto electrónico que apuesta por dub y el techno abstracto, seguido por un creador que explora bocetos sonoros íntimos entre lo cálido y lo íntimo. Luego nos sumergimos en un dúo latinoamericano que expande el pop hacia territorios teatrales y densos, para continuar con una propuesta sueca que mezcla indie, ambient y electrónica con ironía cultural. Después viajamos a Finlandia con un rescate de tradiciones ancestrales, y cerramos en Japón con un encuentro espontáneo que parece triphop de ultratumba.

Artista: SHELL COMPANY
Disco: Locket
Sello: Accidental Meetings
Año: 2025

El álbum se presenta como una exploración sonora que combina texturas electrónicas con un enfoque experimental, donde la crudeza rítmica de “Gritty” marca el tono inicial. La producción destaca por un pulso minimalista y atmósferas densas que remiten tanto al dub como al techno más abstracto, generando un espacio de escucha inmersivo. La colaboración con Richie Culver en otros temas aporta un matiz poético y sombrío, reforzando la identidad del proyecto. Críticos especializados han señalado que el disco logra equilibrar la austeridad con momentos de intensidad emocional, evitando caer en fórmulas previsibles. Se subraya la capacidad del artista para construir paisajes sonoros que dialogan con la tradición del club underground, pero también con la escucha íntima y reflexiva. “Gritty” en particular ha sido descrita como un ejercicio de tensión controlada, donde cada capa instrumental se despliega con precisión quirúrgica. El álbum, disponible en vinilo y formato digital, ha sido valorado por su coherencia estética y por situar a Shell Company como una propuesta emergente dentro de la electrónica contemporánea. En conjunto, *Locket* se percibe como un trabajo que apuesta por la autenticidad y la experimentación, consolidando al proyecto en un terreno donde la música se convierte en experiencia sensorial más que en producto comercial.

Artista: KIM HIORTHØY
Disco: Ghost Note
Sello: Blickwinkel
Año: 2025

El álbum se compone de once piezas que funcionan como bocetos sonoros, donde Hiorthøy explora un lenguaje cercano al minimalismo progresivo y la electrónica experimental. La propuesta se caracteriza por una aparente sencillez que esconde una gran riqueza tímbrica: vientos, cuerdas pulsadas y percusiones metálicas se entrelazan con texturas digitales, generando la ilusión de un conjunto instrumental en vivo. La atmósfera oscila entre lo íntimo y lo inquietante, evocando la sensación de un concierto doméstico en un loft, con músicos improvisando en un espacio reducido. Críticos han destacado la capacidad del artista para conjugar polirritmias y momentos de atonalidad sin caer en rigidez académica, manteniendo siempre un tono cálido y humano. Temas como “Melody Set” y “Wish Walk” ejemplifican esa tensión entre lo acogedor y lo extraño, ofreciendo un viaje sonoro que se mueve entre la contemplación y la experimentación. La obra ha sido comparada con referentes como Arthur Russell y Richard D. James, por su habilidad para combinar sensibilidad melódica con exploración abstracta. *Ghost Note* ha recibido elogios por su coherencia estética y por situar a Hiorthøy nuevamente en el mapa de la electrónica contemporánea, reafirmando su rol como creador versátil vinculado también al teatro, la danza y el cine. En conjunto, el disco se percibe como un regreso maduro y poético, que apuesta por la reducción y la sutileza como formas de resistencia frente a la saturación sonora actual.

Artista: TITANIC
Disco: Hagen
Sello: Equal Media
Año: 2025

El trabajo del proyecto de Héctor Tosta, alias I. la Católica, junto a la cellista y compositora guatemalteca Mabe Fratti se presenta como una expansión radical de las fronteras del pop contemporáneo, con un enfoque que combina teatralidad, intimidad y exploración sonora. La dupla logra un equilibrio entre lo ritual y lo emocional, generando un disco que rehúye de las fórmulas fáciles y apuesta por composiciones densas y multidimensionales. La producción se caracteriza por la constante mutación de estilos: desde el jazz y el rock clásico hasta el pop abstracto y el prog-jazz, cada tema se transforma en un terreno imprevisible. “Gallina Degollada” destaca por su crudeza lírica y su construcción sonora que mezcla percusiones incisivas con atmósferas inquietantes, evocando tanto la violencia simbólica como la fragilidad emocional. Críticos han subrayado que *Hagen* es un álbum que exige escucha atenta, pues cada pieza abre grietas y posibilidades, invitando a la introspección y al desconcierto. La riqueza tímbrica del cello de Fratti y las guitarras de Tosta se entrelazan con capas electrónicas, creando un paisaje sonoro que oscila entre lo monumental y lo íntimo. La obra ha sido descrita como un manifiesto de sensibilidad y fortaleza, donde lo confuso se convierte en belleza y lo vulnerable en poder expresivo. En conjunto, *Hagen* consolida a Titanic como una de las propuestas más audaces de la escena experimental latinoamericana, reafirmando su capacidad para reinventar el lenguaje del pop desde un prisma emocional y conceptual.

Artista: HORSE VISION
Disco: Another Life
Sello: Inadvertent.index
Año: 2025

La obra de la dupla sueca Johan Nilsson y Gabriel von Essen se construye a partir de una mezcla singular de indie rock, ambient pop y electrónica experimental, con un enfoque que privilegia la contención y el detalle. Las voces procesadas, la instrumentación MIDI y los fragmentos sonoros extraídos de diversos estilos generan un paisaje auditivo que se revela lentamente, invitando a una escucha atenta. Críticos han destacado la capacidad del dúo para transformar elementos familiares —guitarras con afinación drop-D, pasajes pastorales y melodías nostálgicas— en piezas que sorprenden por sus giros inesperados. Canciones como “Partly Get By”, “11” y “Chemicals” muestran la versatilidad del proyecto, oscilando entre la intimidad del bedroom pop y la ironía juguetona de mashups culturales. La colaboración con la cantante Tiffi M en un coro autotuneado aporta un matiz pop contemporáneo, mientras que detalles como un riff de airhorn MIDI refuerzan el carácter lúdico y experimental del álbum. La producción, realizada en sesiones entre Londres, Copenhague y Estocolmo, refleja un espíritu cosmopolita que dialoga con la tradición indie estadounidense, pero desde una perspectiva europea crítica y fresca. *Another Life* ha sido descrito como un disco que combina sinceridad emocional con ironía cultural, logrando un equilibrio entre lo íntimo y lo expansivo. En conjunto, se percibe como un debut prometedor que posiciona a Horse Vision dentro de la nueva generación de artistas que buscan reinventar el indie desde la experimentación y la sensibilidad estética.

Artista: TEPPANA JÄNIS & ARJA KASTINEN
Disco: Teppana Jänis
Sello: Death Is Not The End
Año: 2025

El álbum se concibe como una recuperación y reinterpretación de grabaciones históricas de música tradicional finlandesa, en particular del repertorio de Teppana Jänis, músico de principios del siglo XX. La propuesta combina registros antiguos con nuevas interpretaciones realizadas por Arja Kastinen, reconocida intérprete de kantele, y colaboraciones de Taito Hoffrén en canto rúnico. La obra se caracteriza por un enfoque documental y artístico a la vez: rescata grabaciones de cilindros de cera deteriorados y las entrelaza con ejecuciones actuales, creando un puente entre pasado y presente. “Letška” destaca por su energía rítmica y su carácter festivo, evocando las danzas populares de la región carelia. Críticos han subrayado que el disco logra transmitir la vitalidad de una tradición oral que parecía condenada al olvido, ofreciendo al oyente una experiencia inmersiva y casi ritual. La producción mantiene un sonido austero y directo, sin artificios, lo que refuerza la autenticidad del proyecto. Se ha señalado también la importancia del álbum como documento cultural, pues no solo preserva melodías ancestrales, sino que las revitaliza para nuevas generaciones. La escucha completa revela un mosaico de valses, polkas y cantos rúnicos que, pese a su sencillez, poseen una fuerza hipnótica. En conjunto, *Teppana Jänis* se percibe como un homenaje a la memoria musical finlandesa y un ejemplo de cómo la tradición puede dialogar con la contemporaneidad sin perder su esencia.

Artista: JOSEPH SHABASON + TENNISCOATS
Disco: Wao
Sello: Western Vinyl
Año: 2025

El álbum nació de un encuentro fortuito en Japón, donde los músicos decidieron grabar en apenas dos días en la ciudad de Kobe, sin preparación previa, lo que dio como resultado una obra espontánea y profundamente orgánica. La propuesta se inscribe en el terreno del art pop y el ambient pop, con tintes de chamber pop y sophisti-pop, ofreciendo un sonido minimalista y delicado. La voz de Saya y los arreglos de Takashi Ueno aportan una sensibilidad japonesa marcada por la nostalgia y la apertura emocional, mientras que Shabason y Krgovich suman texturas electrónicas y saxofones suaves que refuerzan la atmósfera contemplativa. Críticos han destacado que *Wao* logra capturar la belleza de lo cotidiano, transformando objetos y momentos simples en experiencias sonoras cargadas de significado. La producción se caracteriza por su austeridad y precisión, evitando adornos innecesarios y privilegiando la claridad melódica. Canciones como “Melody Set” y “Ordinary Splendor” han sido señaladas como ejemplos de esa capacidad para convertir lo común en extraordinario. El disco transmite una sensación de calma y desconexión, invitando al oyente a detenerse y valorar lo inmediato. La colaboración entre artistas de distintas tradiciones musicales se percibe como natural y enriquecedora, consolidando un puente entre la experimentación canadiense y la sensibilidad japonesa. En conjunto, *Wao* ha sido recibido como un trabajo sabio y sorprendente, que reafirma la vigencia de Tenniscoats como referentes del pop experimental y confirma a Shabason como un creador capaz de expandir los límites del género.
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