Programa lunes 27 de septiembre de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

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Bitácora: partimos con una voz cálida y sinuosa, seguimos con otra voz más ligada al reggae de la línea “roots”, después nos adentramos en los sonidos más experimentales de su época, visitaremos un cuadragésimo de un muestrario abanico de colores de uno de los sellos más inquietos del África de los 2020s. Escucharemos algo de un supercombo de músicos y ya en el último cuarto con un sueco y un australiano, ambos en territorios muy experimentales.

Artista: RUTH GARBUS
Disco: Kleinmeister
Sello: Orindal
Año: 2019

Cada vez que pongo Kleinmeister en los parlantes, siento como si estuviera entrando en un reino separado del mío. Todo está ligeramente deformado, un poco trémulo. Líneas específicas o saltos de melodía enmarcan la obra en una dimensión que no es del todo. Lo que reconozco de la realidad cambia, cada canción revela escalofríos en su tejido. Estoy asombrado por el lirismo de Ruth Garbus, cascadas de observaciones extravagantes y afirmaciones conmovedoras que me hacen cosquillas en el cerebro con alegría. Se descubren nuevas imágenes en encuentros continuos. Kleinmeister se siente como uno de esos agujeros portátiles que los personajes de dibujos animados llevan cuando quieren desaparecer.
EL primer track al aire, “Strash”, se abre con un rasgueo agitado, los acordes envueltos en flanger. Las voces de acompañamiento de Julia Tadlock se elevan bajo las palabras de Garbus, arrullos incandescentes que despliegan una calma etérea, a pesar de la fatalidad y la decadencia que se esparcen a través de la letra. La elección de palabras y la entrega encienden los sentidos. Se puede oler el “vapor de cartón mojado” y los “montones insuperables, calientes y verdes” mientras Ruth canta una pila gigante de basura. Ella repite líneas, pero las canta de manera diferente a medida que pasa el tiempo, enfatizando su significado o tratando de torcerles un nuevo significado. “Pitiful Poetry” surge como una simple progresión escogida, una ligera variación de la colocación de los dedos en el diapasón; esto puede sumergirlo a uno en un nuevo estado de ánimo repentina y abruptamente, recuerda a la onda de la extinta banda Hugo Largo.

Artista: VIVIAN JONES
Disco: Bank Robbery Corn-Fed
Sello: Ruff Cutt Records
Año: 1983 2021

El álbum debut de Vivian Jones, lanzado en 1983 y respaldado por Undivided Roots. Ritmos densos, lentos y dispersos (en un estilo Roots Radics) y teclados flotantes. Magníficas raíces de este cantante británico inspirado, incluidas las conocidas melodías Flash It And Gwan y Third World Man. Nacido en Jamaica pero criado en el Reino Unido, Vivian Jones es una voz importante en la escena Roots del Reino Unido. Comenzó en los años 70 como DJ en sistemas de sonido locales, pero también como miembro de varias bandas Roots del Reino Unido. Desilusionado con la industria de la música, regresó a Jamaica en 1982 y grabó algo de material allí. Regresó a Londres, comenzó a grabar de nuevo en su tiempo libre y lanzó su álbum debut Bank Robbery en Ruff Cut. Continuó trabajando con Jah Shaka, Bobby Digital, Junior Reid y muchos otros. En los años 90 fundó su propia etiqueta “Casa Imperial”. Hoy en día, un invitado bienvenido en todos los festivales de reggae en Europa, Vivian todavía toca shows en vivo e incluso con más de 130 lanzamientos de sencillos en su haber, sigue grabando melodías nuevas y edificantes.

Artista: LUC FERRARI
Disco: Atelier de Libération de la Musique
Sello: Alga Marghen
Año: 2018

De todos los nombres relacionados con la música electrónica y electroacústica, pocos superan a Luc Ferrari. En 1958 cofundó el Groupe de Recherches Musicales con Pierre Schaeffer y François-Bernard Mâche, asociado para siempre a ese estudio, entre los más revolucionarios e importantes de todos. Lo que a menudo se pasa por alto es que, antes de llegar a la música electrónica, Ferrari era un pianista de temperamentos radicales y libremente atonales, estudiando con Alfred Cortot, Olivier Messiaen y Arthur Honegger, antes de cambiar su enfoque después de conocer a Edgard Varèse. Si bien su radicalismo nunca vaciló, a menudo se le permitía saber dónde se entendía que residía su música y cómo funcionaba. Dado que la música electrónica y electroacústica del tipo que se produjo en el Groupe de Recherches Musicales se ha considerado durante mucho tiempo un complemento de la música clásica de vanguardia, a menudo se pasa por alto la visión social dentro de la cual se concibió. La mayoría de los artistas, incluido Ferrari, vieron que esta música tenía el potencial de un impacto directo, como una música de la gente, con el potencial de una colaboración arqueada, en lugar de algo que se produciría para una sala de conciertos congestionada, algo iluminado por una serie de increíbles grabaciones raras, creadas en 1975 y nunca antes editadas, tituladas Atelier de Libération de la Musique.

Artista: Varios (Bamba Pana, Boutross, Biga Yut y más)
Disco: L’esprit de Nyege
Sello: Nyege Nyege tapes
Año: 2020

La música siempre ha estado en el corazón y el alma de Nyege Nyege, y queríamos abarcar el espíritu de este año y de nuestra formación y nuestra edición 2020 de nuestro festival anual en una colección esencial de música exclusiva de artistas en el programa de este año de en todo el continente y la diáspora africana en general. Al igual que nuestro festival, seguirá siendo un testimonio de la resistencia, el talento y la visión de los artistas que se unieron a nosotros en la sexta edición de Nyege Nyege. El 50% de los ingresos de la compilación se destinará al costo del festival y a proyectos actuales, incluida nuestra residencia de artistas, y el 50% se compartirá de manera uniforme entre todos los artistas de la compilación, una forma de apoyar a todos a la vez y a apoyar el festival y sus proyectos en curso.

Artista: BELL ORCHESTRE
Disco: House Music
Sello: Erased Tapes
Año: 2021

Del sitio http://www.undiscoaldia.com :”La sensación seguramente más difícil para transmitir con un nuevo disco es ahora mismo la de originalidad. Bell Orchestre no solo asume el reto de abandonar los territorios explorados, sino que consigue desafiar las definiciones. Cuesta mucho equiparar House music con otras músicas ya escuchadas con anterioridad. Y eso, ay, supone ya en sí mismo todo un triunfo. Hay aquí mucho elemento novedoso que desentrañar, comenzando por el hecho de que esta especie de orquestina de seis integrantes llevaba una década larga (As seen through windows se remonta a 2009) sin dar señales de vida. El artefacto que lidera la violinista de Arcade Fire, Sarah Neufeld, junto con el bajista Richard Reed Parry se embarca en una aventura vertiginosa para conjurarse frente a tantas temporadas de silencio. El resultado es un temerario ejercicio de improvisación casi en estado puro, aunque estos tres cuartos de hora de música sin interrupciones (por mucho que se dividan en 10 fragmentos o movimientos) han sido esculpidos a posteriori, perfeccionados a golpe del cincel de la edición”.

Artista: RIVET
Disco: On Feather and Wire
Sello: editions mego
Año: 2020

Del sitio https://www.rotordiscos.com “El productor sueco y entusiasta de la electrónica Rivet (Mika Hallbäck) se une a Editions Mego con un álbum dinámico y diverso que pivota entre el pop del proyecto COH de Ivan Pavlov Y el desliz cromático de Chris y Cosey. Música electrónica nacida de la adoración de las máquinas y el espíritu del punk, música ambient llena de sofisticación y giros subversivos, todo subrayado con un profundo pulso industrial. On Feather and Wire es un viaje profundamente absorbente a través de múltiples estados de ánimo, géneros y formas, tan misterioso como atractivo, y que puede escucharse en muy diferentes situaciones. Con sus voces embrujadas, lingüística codificada y atmósfera sensual oscura, es un sublime viaje de techno pop contemporáneo tanto psicodélico como subversivo”.

Artista: RICHARD SKELTON
Disco: These Charms May Be Sung Over A Wound
Sello: Phantom Limb.
Año: 2020

Durante los últimos dieciséis años, Richard Skelton ha desarrollado un sonido característico, a menudo compuesto por cuerdas, piano y otra instrumentación acústica. Desde 2013 ha enterrado cada vez más estas fuentes orgánicas en capas de detritos y estática. El proceso, como él lo articula, es utilizar la degradación de la señal como un medio para reflejar los procesos de descomposición y transformación en el mundo natural. Su música se ha colocado junto a gigantes de la música experimental, como Brian Eno, Harold Budd, Stars Of The Lid, William Basinski. Sin embargo, con el nuevo álbum These Charms May Be Sung Over A Wound, Skelton ha abandonado la instrumentación acústica por completo para trazar un nuevo territorio de vibrantes tonos sinusoidales y ondas cuadradas, inmersas en brillantes nubes de distorsión y suspendido sobre paisajes de bajos vibrantes. El resultado es una experiencia nueva y trascendental: mientras permanecen los temas clave de la música de Skelton: geografías desoladas y solitarias, mitos antiguos enterrados en las profundidades de la tierra, evolución glacial lenta, somos transportados a un lugar más oscuro y mecánico. La intensidad y el diseño de sonido aquí son más parecidos a los sonidos casi industriales de fábrica abandonada que a los tonos terrosos y orgánicos de los álbumes anteriores de Richard Skelton. Abul Mogard y Alessandro Cortini podrían considerarse pares ahora, tanto como lo habían sido antes Eno y Basinski.
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