Podcast Programa lunes 23 de noviembre de 2020.

DESCARGA(lunes 23): aquí o http://www.mediafire.com/file/agqt1g4joekm2mz/perd201023.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

Programa lunes 23 de noviembre de 2020, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Bossa a otro nivel para empezar, luego homenaje a los de la AACM en clave clarinete, melodías y cruces que envuelven y reconfortan, un cassette revalorado después de 35 años, un supergrupo que solo se junta para hacer melodías y ruidos con un mensaje superclaro, una marroquí que recuerda a weyes blood y cerramos con visita a Corea.

Artista: BEBEL GILBERTO
Disco: Agora
Sello: Future Beats
Año: 2020

Del sitio https://indiehoy.com Con una vida ineludiblemente destinada a la música, Bebel Gilberto supo trazar su propio camino y así alejarse de la sombra de su familia para brillar por sí misma. Hija de la famosa cantante Miúcha Buarque y del reconocido músico brasilero João Gilberto, Bebel estuvo expuesta a lo largo de toda su vida a una infinidad de manifestaciones artísticas y culturales que la formaron y terminaron de moldear su amor por la música. De subirse a los escenarios junto a su madre, -siendo tan solo una niña de 9 años-, a ser corista y gran amiga de David Byrne; de cantar para un puñado de familiares, a estar nominada a los premios Grammy y recorrer el mundo haciendo tours. Estos son solo algunos de los incontables momentos que forjaron la experiencia tajante e indiscutida que la artista adquirió en más de 25 años de carrera y que, muy a su pesar, la coronan como “la nueva esperanza de la bossa nova”. Este año Bebel sacó su sexto disco de estudio, un trabajo con una impronta mucho más relajada y distendida en comparación a trabajos anteriores. “No teníamos la obligación de hacer un disco nuevo ni tampoco un tiempo estimado para terminarlo. Eso lo hizo más fácil y nos sacó mucha presión”, cuenta la cantante sobre cómo fue volver al estudio y agrega: “pudimos trabajar a nuestro tiempo y en otros proyectos paralelos”. Agora no representa solamente un disco más en la carrera de Bebel: es un antes y un después en cuanto a su forma de crear y percibir la música. Con la producción a cargo de Thomas “Doveman” Bartlett -productor reconocido por sus trabajos junto a St. Vincent, The National y Florence + The Machine- este proyecto es su más ambicioso y atrevido hasta el momento.

Artista: ANGEL BAT DAWID
Disco: Transition East
Sello: International Anthem
Año: 2020

Dos cortes místicos y ardientes de Angel Bat Dawid siguiendo la brillante estela de su aclamado álbum debut “The Oracle”.
‘Transition East’ ve el melancólico solo de clarinete de Angel con un estado de ánimo cercano y conversacional que pasa de la tristeza al enojo y la meditación sobre el ritmo de una máquina burbujeante que casi podría ser una versión más opiada y feliz de ‘Distant Dreams (Part Two)’ de Throbbing Gristle. “No Space Fo Us” surge a la vista con una introducción cacofónica y al estilo Ra antes de encerrarse en un ritmo cada vez más intenso, angular y agridulce discordante que se resuelve con su clímax particularmente catártico. Concebido en homenaje al centro comunitario de Chicago recientemente revivido que sirvió como base para AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) e íconos del Black Arts Movement en la década de 1960, como the Art. Ensamble of Chicago, “Transition East” encabeza un vinilo de 7 “que contiene dos nuevas piezas de Angel Bat Dawid. El reverso, “No Space Fo Us”, se grabó durante un viaje colaborativo a Brasil.

Artista: TOM JAMES SCOTT
Disco: Mine is the Heron
Sello: Students of Decay
Año: 2020

Otro de esos discos que se pueden escuchar en loop infinito
El nuevo álbum de Tom James Scott toma su título de un verso de Virginia Woolfe en caso de que te lo estés preguntando (lo cual yo estaba) y ve al artista en estado de ánimo reflexivo tocando fragmentos frágiles de piano que parecen estar a punto de romperse o romperse en cualquier momento. El álbum es una verdadera grabación de regreso a la naturaleza que combina el piano con sonidos encontrados y una percusión evocadora perfecta para perderse mientras la primavera se convierte en verano.

Artista: JACK BRIECE
Disco: Heterophonious Fool
Sello: Concentric Circles
Año: 2020

El nombre de Jack Briece ha sido, hasta este momento, apenas una nota a pie de página en la historia de la música experimental y de vanguardia del siglo XX. Briece, al no ser alguien de autopromoción, estaba más contento de trabajar en su música en privado. Su único lanzamiento, “Heterophonious Fool” de 1984, fue autoproducido en una edición de 50 casetes y nunca se distribuyó públicamente. Debido a una profunda obsesión con todo lo relacionado con la astronomía y lo esotérico, Briece compuso “Heterophonious Fool” como una suite en cinco partes, su métrica y melodía determinada por sus lecturas del I Ching. A pesar de estas inspiraciones algo elevadas, Briece infundió a estas piezas un sentido de alegría, componiendo la suite para cuatro pistas del mismo teclado Casio barato, con pistas de ritmo en fases y melodías mínimas pegadizas y en bucle flotando alrededor del campo estéreo. Uno tiene fácilmente la sensación de una mente alegre y creativa en funcionamiento. Operando en el mismo mundo sonoro que sus contemporáneos PAUL DeMARINIS y “BLUE” GENE TYRANNY, Briece logró fusionar una música más “académica” con una clara sensibilidad pop, todo inyectado con un gran sentido del humor. “Peace”, con sus contrarritmos cambiantes, recuerda a la era clásica AUTECHRE, mientras que el cierre del álbum “Pushup Words and Food” encuentra a Briece en un territorio similar al de los compositores de bandas sonoras de videojuegos de los 80 como KEIICHI SUZUKI y JUN CHIKUMA, con sus burbujeantes sintetizadores y pista de ritmo chisporroteante.

Artista: VIRTUALDEMONLAXATIVE
Disco: Virtualdemonlaxative
Sello: West Mineral
Año: 2020

Pontiac Streator, Ulla, exael y Special Guest DJ se reúnen como virtualdemonlaxative para esta edición limitada baje el sello West Mineral, brillante y súper jodido.
La única información incluida con esta sesión única de grind-trash del equipo de West Mineral es “cybergrind, música peligrosa, FTP”. Pero, sinceramente, ¿qué más necesitas cuando la primera pista (de treinta segundos de duración) se titula “Me gustaría que muriera toda la policía”? A través de la tos ronca, los eructos tóxicos y el abrasador ruido digital, nos presentan el virtualdemonlaxative: una efigie tosca con un pie firmemente alojado en “Scum”, que define el género de Napalm Death, y un muñón ensangrentado cauterizado en las cenizas humeantes de “Soft” de John Wiese. Punk”.
La explosión arrítmica late al colapso en aullidos empalmados por digi, el zumbido de la multitud pre-COVID hace eco bajo el ansioso balbuceo alienígena, los lamentos abrasadores de retroalimentación hasta un clímax desconcertante. Si el resto del catálogo de West Mineral se cuece a fuego lento en sensualidad psicodélica, virtualdemonlaxative es un antídoto raro; es la sativa inquieta de Pontiac Streator, Ulla, exael y la ondulante índica de Special Guest DJ. Nos informaron informalmente que ‘Cruisin’ (cuarenta segundos de duración) se realizó y grabó en un vehículo en movimiento, casi provocando un accidente automovilístico. Hay una metáfora aquí, pero estamos cansados, escucha fuerte y sal a la calle a la revuelta.

Artista: MERYEM ABOULOUAFA
Disco: Meryem
Sello: Animal63
Año: 2020

La cantautora marroquí Meryem Aboulouafa escribe canciones oscuras, de ensueño y propulsoras que se inspiran por igual en el pop francés, el rock estadounidense y el folk de Oriente Medio, creando un sonido totalmente propio. “Deeply”, el último sencillo de su álbum debut Meryem, insta al oyente a ver a las personas como personas complejas, capaces de “odio y amor, pureza y oscuridad”. Aboulouafa dedica la canción a las personas que necesitan el recordatorio, “aquellos que juzgan a primera vista sin tomarse el tiempo para ver el otro lado de la luna dentro de cada uno de nosotros”. El peso de esta introspección se ve compensado por la fluidez del instrumental deslizante, una mezcla de cuerdas cinematográficas y teclas serpenteantes que animan su voz, que se expande alternativamente como niebla y se retuerce como cintas en el viento. En el video musical, observa cómo extraños deambulan por arcos de colores brillantes y ocasionalmente caen en un pozo profundo. Su experiencia como diseñadora de interiores es evidente en el decorado, elegante como el interior de una tienda Glossier; es inquietantemente relajante, casi lo suficientemente bonito como para enmascarar la presencia del oscuro abismo en su centro. Es una representación perfecta de las emociones de combate que burbujean bajo la superficie de la música de Aboulouafa.

Artista: PARK HYE JIN
Disco: How can I
Sello: Ninja Tune
Año: 2020

Del sitio https://www.indierocks.mx :”La productora, DJ, cantante y rapera, Park Hye Jin, ha abandonado el ambiente de las fiestas para conquistar territorios inesperados. Park Hye Jin tiene 26 años y nació en la capital de Corea del Sur. En la actualidad, reside en Los Ángeles después de haber disfrutado de vivir en otras ciudades del mundo como Melbourne y Londres. Rápidamente, su reconocimiento como DJ ha escalado dentro de todos los ambientes de fiesta del país coreano debida a su inagotable insistencia que le ha caracterizado. Su fama escaló de manera exorbitante sobre el año 2018 cuando empezó a dar a conocer sus primeras producciones dentro del famoso club Pistil al hacerse residente. Envuelta en el reconocimiento que había logrado después de 18 meses perfeccionado sus habilidades en la mesa de mezclas, en el mismo año dio a conocer su álbum debut IF YOU WANT IT, el cual terminó consolidándose como una de las DJ más favoritas dentro del país. Sin embargo, su odisea como vivencia musical no ha sido nada fácil y este primer lanzamiento se hizo en medio del desconocimiento mundial de la coreana; pero esto ha sido una excusa para Park donde claramente su perseverancia ha dado frutos de todas las maneras posibles (como un espacio para su set dentro del popular festival de música electrónica: Sónar). El 2020 a parte de regalarnos memorias de un acontecimiento histórico mundial, también nos ha dado un EP de Park Hye Jin, titulado How can I, el cual se compone de seis canciones y una extensión total de 20 minutos en general. En este material ha entrado como exploradora de diferentes áreas totalmente alejadas en comparación de su primer álbum: trap, techno, g-house y hip house; nunca realmente comprometiéndose con un solo ambiente”.
:::::

Podcast Programa lunes 16 de noviembre de 2020.

DESCARGA(lunes 16): aquí o también por http://www.mediafire.com/file/2ytsk7nohslapb0/perd201116.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

Programa lunes 16 de noviembre de 2020, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Los primeros temas fueron novedad a través de las ondas radiales de un programa inglés amigo: The Arctic Circle que retoma la senda con programas bimensuales. Luego visitaremos a un monstruo del saxo , luego a Nueva Zelanda con otra joyita del sello Flying Nun, músicas sudanesas del pretérito pluscuamperfecto luego, y cerramos con lo que parecieran ser los asesores de la arquitectura de sonido de la última temporada de Twin Peaks.

Artista: THE NOTWIST
Disco: Ship
Sello: Morr Music
Año: 2020

Del sitio https://www.elenanorabioso.com :”Han pasado seis años desde que los alemanes The Notwist publicaron el sobresaliente Close to the Glass, su último álbum de estudio si no contamos con el trabajo experimental e instrumental The Messier Objects. Un periodo muy largo de aparente inactividad de sus componentes los cuales, sin embargo, no han parado: proyectos paralelos, grabaciones de películas, así como la programación del festival de Munich Alien Disko. Un festival que han frecuentado los japoneses Tenniscoats con quienes les une el proyecto Spirit Fest, formado por la cantante japonesa Saya junto a Markus y Cico del combo alemán.Fruto de esta estrecha colaboración nace “Ship”, tema que sirve para anunciar un nuevo EP del grupo a través del sello Morr Music. Saya es la encargada de poner la voz a este single construido alrededor de una línea de sintetizador ligeramente desafinada, y que en palabras de Markus Acher “no suena como The Notwist, Tenniscoats o Spirit Fest”.

Artista: MACHINEFABRIEK WITH ANNE BAKKER
Disco: Oehoe
Sello: Where To Now?
Año: 2020

El registrador de sonidos de campo y productor de ambiente holandés Rutger Zuydervelt (Machinefabriek) es conocido por sus grabaciones de campo mezcladas con drones inquietantes. En Oehoe, colabora con la violinista Anne Bakker, quien también brinda apoyo vocal, para crear una mezcla devastadoramente íntima de cuerdas minimalistas y sintetizadores despiadados.
Dado que las voces improvisadas de Anne son mudas en todo momento, es para el mérito absoluto de Rutger que haya reunido y trascendido estas entonaciones hasta un efecto emocional a menudo devastador. Los experimentos vocales de Anna exudan antigüedad polifónica clásica, se ciernen exuberantemente sobre sus propios arreglos de cuerdas minimalistas al estilo de Reich y los paisajes sonoros sintetizados profundamente inquietantes y cacofónicos de Machinefabriek. A través de 10 piezas nos adentramos en un mundo que se mueve a la perfección entre un estado de alegría armoniosa; o una calma muy turbia, a momentos de vivo éxtasis, y en el fondo a una vasta y mohína melancolía.

Artista: EFTERKLANG
Disco: Lyset
Sello: 4AD
Año: 2019

Del sitio https://letrasenvena.com “…: Lyset, un EP de cuatro pistas que presentaron hace muy poco los daneses Efterklang y que sí casa con la dulzura que requieren estos tiempos…
Formada en Copenhague en 2001 -¿ven como no hace tanto?-, Efterklang, la banda compuesta por Mads Brauer, Casper Clausen y Rasmus Stolberg y que dio origen al post-rock en Dinamarca, nos trae en estos fríos días una muestra de calidez, un accesorio perfecto para su Altid Sammen –quinto disco de estudio, publicado también este año- que, románticamente editado en cinta de casete (además de en versión digital), revisa varios temas del mismo para arropar, con una sensibilidad envidiable, a Lyset, canción cuyo título se traduce a nuestro idioma como Luz. A partir de esta composición, coescrita por el artista sueco sir Was y reina indiscutible del Ep hasta el punto de ser la que sirve de bautismal concepto para nombrarlo, lo que Efterklang ofrece es un set de tres complementos perfectos para entronar al hit en cuestión, sin que esto les suponga perder el brillo propio que desprenden ni quedar en el mero puesto del sustento, ya que muy injusto sería no apreciar la delicadeza de Vi er uendelig y la melancolía de Hænder der åbner sig –ambas de belleza sin igual y llevadas al campo de la amplitud emocional y sonora gracias a la colaboración del South Denmark Girls Choir, coro femenino de 70 miembros, procedente de Sønderborg, ciudad natal del trío- o de la no menos importante y cercana Havet løfter sig, donde el piano sobrevuela junto a la voz de mister Clausen, entre sutiles sílabas coreadas. Una delicia”.

Artista: EVAN PARKER
Disco: Monoceros
Sello: Incus / Treader
Año: 1978 / 2020

Monoceros es un álbum de improvisaciones de saxofón soprano solista del saxofonista de jazz británico Evan Parker. Se grabó directamente en disco utilizando la técnica de corte directo, con la ayuda de Numar Lubin, Gerald Reynolds y Michael Reynolds de Nimbus Records.. Las cuatro partes “Monoceros” fueron grabadas por el saxofonista Evan Parker, aquí en soprano, en 1978, originalmente para el sello Incus, aquí en una forma remasterizada con Parker mostrando su uso magistral de las técnicas extendidas que han influenciado a una generación de músicos. Una de las demostraciones más brillantes de la técnica de respiración circular en su aplicación al saxofón.
En Monoceros, Parker explora una amplia gama de trabajos de saxofón soprano, aunque la mayoría es apenas reconocible como tal: los chillidos, graznidos y ruidos de pájaros persisten en todo momento. La primera pieza del disco abarca 21 minutos de saxofón solo esencialmente ininterrumpido, facilitado por el excepcional dominio técnico del instrumento por parte de Parker: respiración circular, triple lengua, digitación falsa, etc. El principio rector de esta música, según lo realizado por Parker , fue usar destreza técnica para eliminar las barreras entre los sonidos en su cabeza y los sonidos que provienen de su cuerno. Las generaciones de saxofonistas que siguieron los pasos de Parker tienen una gran deuda con sus innovaciones en el instrumento. De hecho, ninguno de Monoceros es fácil de escuchar: Parker parece impulsado a tocar con la mayor libertad y franqueza posible.

Artista: THIS KIND OF PUNISHMENT
Disco: In The Same Room
Sello: Flying Nun / Superior Viaduct
Año: 1987 / 2019

Con This Kind Of Punishment, Graeme Jefferies y Peter Jefferies produjeron algunos de los sonidos de bricolaje más expertos que surgieron de la escena post-punk de Nueva Zelanda de los años 80. Después de su fenomenal debut homónimo y el clásico A Beard Of Bees, los hermanos harían un último álbum juntos, In The Same Room.
Lanzado originalmente en 1987 en Flying Nun, In The Same Room es quizás la oferta de rock más sencilla en el estimado catálogo de TKP. La canción de apertura “Immigration Song” combina de manera experta guitarras irregulares con voces iracundas, lo que resultó en uno de los momentos más celebrados de su carrera discográfica, mientras que “Don’t Go” muestra toda la amplitud del método de los hermanos Jefferies: riffs en espiral, El barítono sombrío y la calma de cámara dan paso a ritmos frenéticos y letras antagónicas. Desde la composición de canciones profundamente aislada hasta la producción práctica, This Kind Of Punishment acerca al oyente, casi dentro de la misma habitación que los jugadores, y permanece arraigado en un enfoque distinto de presentación que es inseparable de su música.

Artista: SHARHABIL AHMED
Disco: The King of Sudanese Jazz
Sello: Habibi Funk Records
Año: 2020

La música sudanesa contemporánea tiene muchas influencias tanto de la música árabe como de las tradiciones subsaharianas. “. Tiene sus raíces en el madeeh (alabando al profeta Mohamed en una canción). El género se convirtió en algo bastante irreverente en las décadas de 1930 y 1940, cuando la música haqiba, la sucesora secular de la madeeh, se hizo popular. Haqiba, un arte predominantemente vocal en el que los músicos que acompañan al cantante principal utilizan pocos instrumentos, se extendió como la pólvora en los centros urbanos de Sudán. Era la música de bodas, reuniones familiares y salvajes fiestas improvisadas.
Haqiba se inspiró en las tradiciones musicales indígenas sudanesas y africanas en las que los coristas aplaudían rítmicamente y la audiencia se unía tanto a la canción como a la danza. Los encantamientos del cantante principal indujeron una experiencia de trance en la que los espectadores se balanceaban al ritmo del compás ”, como escribió Gamal Nkrumah en un artículo de 2004 en el periódico Al Ahram Weekly. Uno de los primeros cantantes con los que nos encontramos en Habibi Funk hace algunos años y que nos tocó la fibra sensible fue Sharhabil Ahmed. Sharhabil nació en 1935 y es el padre fundador de la escena del jazz sudanés. Su objetivo era modernizar la música sudanesa combinándola con influencias e instrumentación occidentales como lo resumió él mismo en una entrevista de 2004 para „Al Ahram Weekly“:

Artista: OSCILLATORIAL BINNAGE
Disco: Agitations Post Electronic Sounds
Sello: Sub Rosa
Año: 2020

Álbum de 11 pistas de música post-digital y post-electrónica. Las grabaciones son profundamente acústicas, sin funciones de procesamiento electrónico en ninguna parte. Los sonidos son producidos por la manipulación experimental de objetos reciclados reutilizados sujetos a campos de fuerza electromagnética. “El” mundo infinito de lo real “ofrece efectos ricamente impredecibles, con campos de vibración que producen florituras psicoacústicas, junto con composiciones espontáneas, arbitrariamente microtonales y armónicas. Agitaciones: Sonidos Post-Electrónicos constituye una serie de ejercicios sonoros basados en una filosofía principal : que los sistemas de objetos físicos con resonancia electromagnética pueden conducir a tonos complejos de sonido electrónico que emergen acústicamente, progresando en estados dinámicos no lineales sorprendentes, proporcionando indicaciones para acciones adicionales sobre los objetos. Técnicas generalmente asociadas con la música electrónica, como la modulación, formación de ondas, filtradas, etc., se aplican aquí a los sistemas físicos acústicos mediante picanas, manivelas, palancas, engranajes y tomas. La mayor parte de las grabaciones se realizaron en La Borde Basse / Studio Midi-Pyrénées en 2013, con pistas grabadas con tambores de aceite con resonancia de campo de fuerza electromagnética en Alserkal Avenue, Dubai, y reconstrucciones mejoradas del intonarumori futurista de Luigi Russolo en Mount Pleasant, Clapton. Comenzando con hojas secas caídas, cerámica encontrada y junquillos de latón, los experimentos progresaron a combinaciones de objetos interconectados, incluidos resortes industriales, abrazaderas, varillas, campanas de latón de mano, loza, hojas secas, piedras, horquillas, plumas, papel. , receptáculos de plástico, puertas de poste de luz, cestas de mimbre, rejillas, botellas, barriles y mucho más. El álbum forma una exploración acústica de la alquimia de los objetos encontrados y los orígenes de la inspiración.
El cuarteto electroacústico con sede en Londres Oscillatorial Binnage ha estado impartiendo talleres y tocando música experimental improvisada en vivo juntos desde 2004.
:::::






ver Stats