Programa lunes 24 de septiembre de 2018, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: partiremos -si no ataca Murphy- con la invitación a unos talleres muuuuy interesantes de boca de uno de los académicos, luego nos iremos a la creación colaborativa entre fotografía y música, luego los sintes 80eros revisitados por un futurista, de las cenizas de Piano Magic a los ideas de los Cocteau Twins/DeadCanDance, un paseo minimal por campos y campiñas, un rescate de una banda que ha alimentado a más de un sampleador culto y al final un elixir para el oído medio. También tendremos algo de mpusica en adelanto de un par de exponentes que estarán en la PLATAFORMA ANTIGRAVITACIONAL del próximo lunes 1° de octubre: Martin Joseph y Juan Cacciuttolo.

Artista: SAMSON FRANÇOIS
Disco: Debussy: Piano works
Año: 2010
Sello: Erato
La catedral sumergida (1910) es un preludio para piano incluido en el primer libro de preludios del compositor francés Claude Debussy, quien escribió estas piezas como homenaje a Chopin tras cumplirse cien años de su nacimiento. Se trata de una obra que resume muy bien su ideal estético: una mirada hacia el pasado, proyectando cambios trascendentales para el futuro de la música. Aparecen en ella elementos arcaicos de la música modal, así como del organum del siglo X y elementos de músicas exóticas que serán recurrentes en su obra después de quedar electrizado con la Exposición Universal de París de 1889. Al mismo tiempo, anticipa usos del jazz modal (Bill Evans estudió a Debussy antes de tocar con Miles Davis) y la suspensión, abstracción, dinámicas y colores de próceres del ambient como Harold Budd o Brian Eno. Una pieza genial en forma de mosaico y un buen ejemplo de música programática: una imagen sonora, la de una vieja leyenda celta que decía que una catedral se sumergió frente a las costas de la Isla de YS, y que cuando el tiempo es favorable se eleva desde el mar hacia la superficie. A partir de ejemplos musicales y una bibliografía relacionada (textos sobre música, pero también cuentos, novelas o poesía), el taller “Escuchas panorámicas: ideas y procesos musicales” propone interpretaciones y reflexiones que serán discutidas en cada sesión. El objetivo es lograr una audición más profunda, analítica y gozosa gracias al descubrimiento y comprensión de ideas y procesos comunes a músicas de épocas y géneros diversos. El taller será impartido por el compositor y crítico Juan Pablo Abalo y por el periodista y músico Luis Felipe Saavedra todos los martes, a partir de octubre y durante 10 sesiones.
El programa completo y más detalles en https://www.facebook.com/events/2189506151284820/

Artista: AARON MARTIN
Disco: Touch Dissolves
Sello: Iikki
Año: 2018
Aaron Martin - Touch Dissolves (IIKKI, 2018)
Touch Dissolves es un diálogo fluido, del violonchelista Aaron Martin y el fotógrafo Yusuf Sevinçli. IKKII combina fotografía y música, y Touch Dissolves hace lo mismo, que consta de dos impresiones físicas (libro fotográfico y vinilo) y limitado a 500 copias cada una. El álbum también está disponible en vinilo, CD y como descarga, pero para aprovechar al máximo la experiencia, se recomienda que el libro se digiera solo, la música se escuche sola y luego se vea y se escuche junto
La fotografía a menudo acompaña y complementa la música, pero la imagen icónica de la portada del álbum, que en los años sesenta y setenta era una declaración de intenciones, y dio pistas sobre la música en el interior incluso antes de que bajaras la aguja, ha estado en declive, perdiendo parte de su importancia en los últimos veinte años. Sin embargo, los dos están en igualdad de condiciones aquí. Uno es tan relevante y tan valioso como el otro. Este disco lleva la música de vuelta a esa edad de oro, donde la imagen era igual a la música dentro del envoltorio. La música canta a la instantánea etérea y eterna, esa imagen atrapada en el control del tiempo, y la imagen dirige el nervio óptico de la melodía, no solo apoyándola, sino influyéndola.

Artista: JOHN MAUS
Disco: Addendum
Sello: Ribbon Music
Año: 2018
John Maus - Addendum (2018)
Del sitio https://www.mondosonoro.com “Si hay algo que hace que John Maus no entre dentro del perfil básico de revivalista crónico, es su intención de sumergirse en los ochenta bajo la idea de abrir la puerta a pasados perdidos y para nada recrearse en los ya conocidos. Solamente así es posible entender que su nuevo trabajo, compuesto de temas cocinados en las mismas sesiones del fabuloso “Screen Memories”, emerja como una abstracción psicofónica de la versión antártica del synth-pop de aura sci-fi tan en boga a comienzos de los ochenta. Desde el primer peldaño, “Outer Space”, queda definida esta vía, a la que da plena continuación en el resto de cortes que conforman este nuevo corte de mangas contra la ultra normalidad del actual escenario pop. Al igual que Ariel Pink -compositor de la fabulosa “Privacy”, octava pieza de este “Addendum“-, el profesor de filosofía ha forjado un personaje de sí mismo para armar canciones que invocan el carácter políticamente incorrecto de los hijos del post-punk original. ¿Qué más da que este nuevo disco suene como si Ian Curtis tuviera a John Foxx de paladín sinte? ¿Acaso no es una opción atractiva para todos nosotros? Bajo tan sugerente what if… llevado a la realidad, Maus se ciñe a una verdad universal: todos los profesores de filosofía están tocados del ala. Y algo así es lo que necesitamos para barrenarnos la quijotera. Ya sea desde la imaginería apocalíptica, como en la ballardiana “Dumpster Baby”, o el mismo vacío existencial invocado desde los gélidos contornos industriales del background sintetizado. Dicha simbiosis verbaliza un pulso interior distópico tremendamente revelador de la era Trump que, directamente, o por efecto mariposa, nos ha tocado vivir”.

Artista: CÉDRIC PIN + GLEN JOHNSON
Disco: The Burning Skull + Craquelure EP
Sello: Second Language
Año: 2018
Cédric Pin_Glen Johnson (Second Language, 2018)
Cédric Pin y Glen Johnson tocaron por primera vez juntos en 2005 como parte del grupo de culto, londinense, anglosajón “ghostrock”, Piano Magic. La programación de Pin y las contribuciones del teclado al álbum (posiblemente el más alabado) del grupo, “Disaffected” (que también presenta a Cédric como la estrella de la portada) fue instrumental para el coqueteo de la banda con el electro-pop en ese momento. El tema electro fue explorado con mucha mayor profundidad en el proyecto Pin y Johnson’s Future Conditional de 2007, del cual se lanzó un álbum, ‘We Do not Just Disappear’, en la edición de re edición de Factory Records LTM Recordings.
A pesar de que Pin se fue de Londres a la ciudad relativamente tranquila de Alès en la región de Occitania en el sur de Francia en 2008, se mantuvieron en contacto. Pin formó una familia y ejerció su talento para la pintura, mientras que Johnson continuó grabando y girando por Europa y más allá con Piano Magic. En 2009, este último también grabó un álbum debut como solista, ‘Details Not Recorded’ y cofundó un nuevo sello independiente, Second Language Music. Alrededor de 2013, los dos discutieron un nuevo álbum, aunque esta vez de electrónica más oscura y más esotérica, que se convertiría en el 37 ° lanzamiento de Second Language, ‘The Burning Skull. Con sus desafiantes juegos de palabras tocando los círculos de la vida, la muerte, la soledad, la depresión, la fraternidad, las abstracciones religiosas y la redención humanista, ambientados en intrincados entornos creativos, The Burning Skull no es rápido y fácil de separar. Sin embargo, la falta deliberada de compromiso efímero es en última instancia uno de sus mayores puntos fuertes. De manera gratificante, una vez que se abren paso, la habitación ofrece gradualmente un respiro complaciente del mundo exterior cada vez más binario y cargado.

Artista: OLAN MILL
Disco: Curves
Sello: Shimmering Moods
Año: 2018
Olan Mill - Curves (Shimmering Moods, 2018)
Para Alex Smalley, “Curves” es el testimonio de un momento de transición personal y creativo, y al mismo tiempo el resultado de una “investigación de campo” de los orígenes de sus centros de arte sonoro en capas de guitarra y sintetizador. Como ya en “Land Cycle” y “Half Seas Over”, ambos publicados en 2014, la inspiradora fuente de las composiciones del artista inglés está estrechamente vinculada a la dimensión natural y, en ocasiones, a los lugares que visitó. Las piezas recogidas en “Curves” derivan de hecho de un viaje de Smalley a Myanmar, del cual sintetizan las dimensiones tanto física como espiritual. Este aspecto del drone generalizado en todo el trabajo se pone de relieve en un recurrente presencia en los tracks, que mientras se desplazan de dilataciones contemplativas, claramente dirigido a una elevación de meditación, hay falta de ondulaciones y condensación en vértices de tensión eléctrica ruidosas. La idea misma de la curvatura espacio-temporal que subyace al título y el tema principal de “Curves” es, por lo tanto, capturada por Smalley en la forma de un material de sonido con frecuencias cambiantes. Se agregaron capas de guitarra procesada, sintetizadores y voz para crear cápsulas de tiempo de ubicaciones y experiencias.

Artista: ENTOURAGE
Disco: Ceremony of Dreams- Studio Sessions & Outtakes, 1972-1977
Sello: Tompkins Square
Año: 2018
Entourage - Ceremony of Dreams- Studio Sessions & Outtakes, 1972-1977
Si alguna vez has escuchado (o escuchado hablar) de Entourage Music and Theatre Ensemble, hay muchas posibilidades de que hayas escuchado a Four Tet. Hace casi dos décadas, el productor británico estaba revisando montones de registros en un mercado de pulgas de Londres, buscando samples entre los náufragos. Se encontró con The Neptune Collection, un lanzamiento desconocido de 1976 de la etiqueta Folkways. Con el enorme vórtice verde y púrpura del récord en el centro, el nombre de la banda en los flancos y el orgulloso pedigrí de Folkways, Four Tet se arriesgó. El primer corte del álbum, “Neptune Rising”, inmediatamente recompensó su riesgo. De hecho, su segundo pequeño riff de guitarra, tan agudo y quejumbroso suena como un arpa que se toca con una diapositiva de cuello de botella, se convirtió en el núcleo central de “She Moves She”, el himno innegable de Four Tet’s 2003 LP, Rounds. Entourage lo había usado veinte años antes, pero un ex colaborador escuchó la canción durante la presentación de baile de un estudiante, reconoció el gancho indeleble y alertó al guitarrista Wall Matthews, uno de los miembros sobrevivientes de Entourage. Conoció a Four Tet, aceptó (con cierto sarcasmo) su explicación de por qué no había despejado la muestra, y dio la bienvenida al goteo de efectivo y caché que llegó. Era el coqueteo póstumo, en gran parte anónimo de Entourage con una fama muy pequeña.

Artista: LES HALLES
Disco: Zephyr
Sello: Not Not Fun
Año: 2018
Les Halles - Zephyr lp (Not Not Fun, 2018)
Bienvenida al maravilloso regreso de Les Halles, la identidad aérea del músico de Lyon Baptiste Martin, después de un año sabático de grabación, toma su nombre de un ligero viento del oeste, que evoca el espíritu cálido, ingrávido y susurrante de estos encantadores diseños electroacústicos. Al trabajar por completo con una computadora por primera vez, el banco de muestras de Martin aumentó tanto en profundidad como en detalle, dando a sus composiciones un enfoque más nítido y un grano más fino. Las flautas eslovacas tiemblan y brillan, compensadas con ondulantes flautas de PVC, campanillas y delicadas redes de delays. Es como si pudieras escuchar la fotosíntesis de flores monstruosamente enormes que solo se encuentran en enormes bosques lluviosos. O estar en un límite, o un perímetro, o un campo de fuerza, o un escudo. Es el sonido de un período de ausencia que dura, y es, toda la vida. Una ventaja de un mundo. Un paisaje de espuma cuántica, donde finalmente te alejas del centro del mundo, voluntariamente. Es el deslizamiento de la vida, del ego, del tiempo. En las montañas, en un velo, en una claridad, donde los monjes meditan y las cuentas de Instagram son prolijas, motivadoras y positivas. E incluso más allá de eso. Hay sufrimiento incluso en esta dicha. Todos huimos de la realidad; la vida te prepara para no vivir. Nuestro malentendido mutuo de nosotros mismos y de los demás significa que la música depende de una gran aproximación. Sin consenso, solo interpretación.
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EXTRA!!, EXTRA!! PLATAFORMA ANTIGRAVITACIONAL N°2

“Caen los imperios…se abre el campo distópico… la subjetividad resiste! …ingresa a la plataforma antigravitacional…..los que se encuentran en ella, sobrevivirán.”

PLATAFORMA ANTIGRAVITACIONAL
Capítulo 2

BlogPerdi2

“Jets de combate rompen la barrera del sonido. Explosiones desintegran montañas, energía atómica, alteración, ebullición del capital, defensa, devastación, plataforma, nuevo amanecer….Futuro!”

LUNES 1 de Octubre
22hrs. (en vivo y al aire)
LEM – Post-rock, electro acústica, drone
Martin Joseph – Free Jazz, improvisación (piano)

21hrs (en vivo)
Juan Cacciuttolo – Ambient electrónico

SALA MASTER
Miguel Claro 509, Providencia
ADHESIÓN: $5000

Transmisión en vivo
22 hrs. Radio Universidad de Chile 102.5FM

www.perdidos.cl
www.astrocaglia.cl

Plataforma Antigravitacional programa de presentación de proyectos de música de avanzada, transmitidos en vivo desde Sala Master a través de Perdidos en el Espacio (Radio U. de Chile).
Segunda emisión lunes 1 de octubre 2018.
21hrs. Juan Caccitulo presenta La Yesera (disco) editado por infinito audio, ambient, landscape, electrónica abstracta.
22hrs. Inicia transmisión al aire con LEM (Ottavio Berbakow, Oscar Burotto) drones, ambient, electroacústica, post rock, LEM es uno de los proyectos pionero y fundadores de la escena electrónica nacional, cerramos el programa con el jazz man ingles Martín Joseph quien ejecutara piezas de free jazz e improvisación estructurada en piano.
+ info a continuación:
LEM
Nace en los ’90 con el binomio de Oscar Burotto y Ottavio Berbakow, quienes reclutan a Robert Rowe, sumando guitarras a un grupo ligado a la electrónica. El proyecto se puede apreciar como electro-acústica, con acercamientos al ambient, el sonido industrial y, según ellos mismos, drone y post-rock. En 1996, el incipiente dúo comenzó a trabajar sobre guitarras distorsionadas, explorando en las posibilidades de efectos para lograr una experiencia sensorial. El grupo apela también a lo emotivo, utilizando equipos vintage y máquinas análogas para sumar una textura de época a sus composiciones. El trabajo durante los ’90 queda plasmado en la cinta “Música para películas de ciencia ficción de bajo presupuesto”, el cual tuvo un limitado tiraje que hoy lo convierte en un documento de culto. En ello, su cercanía a la escena electrónica de esa época está ligada a los festivales Mutek, Vektor o Pulsos, en 1997, o bien los nacientes sellos Ojo de Apolo y Pueblo Nuevo.
Sus integrantes han participado de otros proyectos musicales, editando bajo el alias de ‘Sembe’ o ‘Bios’ en el caso de Burotto, o ‘Esqueleto’ por el lado de Berbakow. Por su parte, Rowe integró el grupo A Full Cosmic Sound.

Martin Joseph
Ha colaborado con músicos de jazz de diferentes estilos y generaciones, tales como Albert Nicholas, Buddy Tate, Dexter Gordon, Art Farmer y en el campo de la improvisación libre, Eugenio Colombo, Steve Lacy y Leo Smith. En Chile se presenta regularmente con su trío, su conjunto el Pacific Ensemble y en grupos de Improvisación con músicos como Ramiro Molina, Edén Carrasco y Alejandro Pino. Ha grabado muchos discos: los más recientes son “Roundabout” del Pacific Ensemble (estrenado en 2015), y “The Day of the Rainbow (2018) de su trío con el contrabajista Milton Russell y el baterísta Nicolás Ríos.
En los años 70 fundó con otros músicos la prestigiosa “Escuela Popular de Música de Testaccio”, en Roma. Además de hacer conciertos en muchos países de Europa, en Estados Unidos y en varios países de América Latina, ha hecho cursos, talleres y programas de radio sobre música clásica y contemporánea además del jazz.
En la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.Joseph ha creado el Taller de Jazz e Improvisación, el curso de Historia del Jazz y el curso transversal de apreciación musical Los Protagonistas de la Música Moderna.

Juan Cacciuttolo
Entre los años 2002 y 2006, co fundador y miembro del ensamble experimental no1 (música electrónica y experimentación sonora).
Desde el 2007 hasta la fecha, en compañía de Carlos Reinoso (AyeAye, Mostro, Mostro+Aguayo, Horrible Registros) ha sido parte del dúo de electrónica abstracta Los 5000 ( ritmo ruido, musica industrial, acusmatica).
Su trabajo consiste en el desarrollo de ejercicios de improvisación de música electrónica, construyendo en tiempo real, nociones abstractas ambientales a modo de collage sonoro, donde se entretejen ruidismo y texturas armónico/melodicas. Mediante un desarrollo progresivo de superposición de estos materiales sonoros, se generan patrones rítmicos velados , proponiendo de este modo una narrativa o paisaje musical de “ruido ambiental”.
La Yesera (INAU017) Oct. 2018
Edición Infinito Audio
El disco está inspirado conceptualmente en los paisajes cordilleranos , especialmente en el cruce fronterizo del macizo andino, entre las ciudades de Los Andes y Mendoza, en épocas de la expansión ferroviaria y la presencia de los arrieros, personajes de gran importancia en la trashumancia cordillera mar y las relaciones continentales, quienes perpetuaron los antiguos recorridos precolombinos por estos valles de altura.
Los títulos de las canciones se deben a lugares geográficos relevantes, donde la interacción entre los habitantes de la montaña, el territorio y los trazados del ferrocarril transandino toman importancia histórica, ya sea por los asentamientos que se generaron o por su impronta natural.
Musicalmente la propuesta se articula en base a la superposición de arreglos, ritmos y ruidismo, sobre piezas de música ambiental compuestas para la obra de danza contemporánea Telúrica (Ana Barros) durante el año 2017.

Podcast lunes 17 de septiembre de 2018

NOTICIAS AL INSTANTE, vía grupo Facebook de Perdidos en el Espacio
https://www.facebook.com/groups/33296420087/

facebook

DESCARGA(lunes 17): opciones .. aquí o http://www.mediafire.com/file/2c1ittpio15nuy2/perd180917.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

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Programa lunes 17 de septiembre de 2018, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Habemus próxima PLATAFORMA ANTIGRAVITACIONAL, la N°2. Pronto más detalles, complementario a lo que sale en el afiche. ¡Agenden 1° de Octubre!.

BlogPerdi2

Bitácora: Otro algodón de dulce al iniciar Perdidos, cumbia pachanguera en honor a los muertos desde el México querido, bucles y más bucles con unos ex-Stereolab, una carreteada artista punk que baja las revoluciones en su nuevo disco, trance hipnótico desde las tierras de Yemen del Sur y cerrando con un trovador recién liberado de su camisa de fuerza, eso en resumen lo que se disipará por las ondas del 102.5 en esta emisión de lunes.

Artista: GOLDMUND
Disco: Occasus
Sello: Western Vinyl
Año: 2018
goldmund-occasus-2018
Del sitio https://www.dogrando.net: “Es difícil saber qué decir sobre un nuevo récord de Goldmund. Piano delicado, grabación de micrófono cercano por Taylor Dupree, fuzz ambiental: verificación, verificación, verificación. Básicamente sigue los pasos de su disco del 2015 ‘Sometimes’, incluso hasta el arte de portada cambiante en blanco y negro. Diría que esto tiene algunos de sus sonidos más procesados hasta la fecha (lo cual continúa el patrón de los años), y creo que la última canción, What Lasts, con sus cuerdas y viento de madera y glockenspiel (?), es de lo más orquestado… pero estas son cosas de fracciones. Absolutamente nada de eso importa cuando la música suena tan maravillosa como esta. Honestamente, si pasas el As You Know (el quinto de 15 pistas cortas) sin derretirte un poco, estás hecho de material más fuerte que yo. Hay melancolía aquí, y de vez en cuando una nota siniestra, como en la retumbante Sin historia. Pero la sensación que queda después de que las últimas notas se hayan desvanecido es una de calma.”

Artista: SONIDO GALLO NEGRO
Disco: Mambo Cósmico
Sello: T-Vox Records
Año: 2017
sonido gallo negro - mambo cosmico
Del sitio https://noisey.vice.com “Sonido Gallo Negro se ha encumbrado como uno de los combos musicales protagonistas de la época actual que vive la música en Ciudad de México y en el país en general, siendo uno de los actos que más giran fuera del país, y que más han generado una percepción positiva de lo que sucede en el panorama de la música independiente en México, tanto por su propuesta original, mestiza y de fusión a la vanguardia de la inteligencia cumbiera en el continente, donde la experimentación sonora toma matices de guaracha, y la guaracha parece radiarte; como por su papel en el entramado musical mexa, dado su papel de músicos experimentados que han fungido como buenos primos grandes para músicos nuevos o con menos camino recorrido. Liderados por Gabriel Twin (miembro de los Twin Tones) y por el ubicuo y legendario Dr. Alderete (argentino-mexicano reconocido a nivel mundial, sobre todo por su labor como ilustrador), Sonido Gallo Negro es un colectivo musical fluctuante, pero que también incluye a Julian Perez, Enrique Casasola, Israel Martínez y Edwin Irigoyen (de Telekrimen) entre sus filas. Mambo Cósmico es su cuarto disco, aunque su tercero con material original, ya que el último que habían sacado, Ecos de otro mundo del año pasado, es un disco de covers. Sendero Místico del 2014 fue su último disco con material original. También es importante destacar que este nuevo disco del Sonido Gallo Negro fue posible gracias a una campaña en fondeadora”.

Artista: CAVERN OF ANTI-MATTER
Disco: Hormone Lemonade
Sello: Duophonic
Año: 2018
Cavern Of Anti-Matter 2018 - Hormone Lemonade
Del sitio https://www.mondosonoro.com: “El parón indefinido de Stereolab se prolonga ya casi una década, pero Tim Gane, una de las cabezas más brillantes y personales del pop de los noventa (no precisamente sobrado de ellas), sigue a lo suyo. A toda máquina con su proyecto berlinés y el tercer largo de Cavern Of Anti-Matter, este Hormone Lemonade. El tercer largo en tres años de la banda que completan Holger Zapf y Joe Dilworth, éste el primerísimo batería de Stereolab, se mantiene en los insobornables presupuestos estéticos del británico. Resulta imposible no sentir simpatía por la génesis del disco -elaborado a partir de unas cajas de ritmos propias (bautizadas, muy adecuadamente, como Takron Z3 y Takron Z2) diseñadas por el propio Zapf-, cuya estética, desde la misma portada abstracta, constituye una prolongación clara del retrofuturismo de la casa. Es un signo inequívoco del tipo de músicos con que tratamos: incondicionales del puro sonido analógico electrónico. Junto a las cajas de ritmos, un arsenal de sintetizadores modulares y secuenciadores de los 70 y los 80, usados con sentido minimalista y limitaciones, se funde en una serie de experimentos e improvisaciones en los que, como sucedía en Stereolab, el sonido y las notas forman una simbiosis indivisible. Festival de teclados analógicos y percutivos irresistibles, ritmos primitivos engarzados con trepidantes bajos de espíritu kraut, sonidos robóticos y abrasivos de esa utopía tecnológica suplantada desde hace años por el todo a cien del software; y, por supuesto, homenajes a los habitantes originales de este planeta sonoro, en cortes como la inicial Malfunction (naturalmente, Kraftwerk) o la divertidísima Make Out Fade Out (Devo), aquí hay motivos de sobra para perderse por las galaxias exteriores y no volver. Incluso cuando Gane y compañía recuperan glorias lounge (en Phase Modulation Shuffle se echa en falta la voz de Laetitia Sadier).

Artista: CARLA BOZULICH
Disco: Quieter
Sello: Constellation
Año: 2018
Carla Bozulich - Quieter
Del sitio http://elintruso.com/ : “En el fértil tránsito artístico desplegado por la cantante y compositora Carla Bozulich confluyen un afianzado como rol solista y la protagónica participación en algunas de las bandas más significativos de la escena underground de Los Angeles en los noventa, tales como The Geraldine Fibbers, Ethyl Meatplow y Scarnella. En los últimos años su ideario estético –en donde convergen el pospunk, el noise, la libre improvisación y el folk alternativo, entre otros– estuvo consagrado principalmente a producciones solistas (como el elogiado Boy de 2014) y a sus entregas con la agrupación Evangelista. A lo mencionado se agregan contribuciones a favor de Nels Cline, Lydia Lunch, The Book of Knots, Aidan Baker, HMS Angora, Mickey Finn y Xiu Xiu y su reconocida labor literaria (poesía, cuentos, crítica, etc.) documentada en diversas publicaciones. Carla Bozulich en Quieter, su nueva producción, ofrece un reflexivo, emotivo y reposado balance de sus últimos veinticinco años de labor musical en el que reúne una colección de canciones nunca antes editadas provenientes de distintos períodos. El material comprende siete temas, entre los que se incluyen Leti it Roll co-escrito por Bozulich y John Eichenseer e interpretado por Jhno en duduk, sampling y programas, Andrea Belfi en batería y Carla Bozulich en bajo, una versión de Sha Sha del proyecto The Night Porter (con Bozulich en voz, Shahzad Ismaily en bajo, Jessica Catron en cello y Ches Smith en batería y vibráfono y la relectura de la pieza de Freddy Ruppert Glass House (con el compositor en programas acompañando a la voz de Bozulich) El álbum también contiene una versión de Stained in Grace de Bozulich y Jhno interpretada a dúo de cello y voz por sus autores, Emilia (con la participación de Francisco Guerri en cello, Marc Ribot en guitarra y Bozulich en voz y manipulación de sonido), la interpretación en dueto por parte de Bozulich y la guitarrista Sarah Lipstate del tema que les pertenece Written in Smoke y la recreación de End Of The World de Marc Ribot con la participación de su compositor en guitarra.

Artista: V/A
Disco: Samar: Music From Yemen Arabia
Sello: Sub Rosa
Año: 2018
Samar_ Music From Yemen Arabia
Música de Yemen Arabia: Samar es una reedición de una grabación originalmente lanzada por Lyrichord en 1975. El álbum sigue siendo una colección interesante de música de grupos pequeños de las áreas tribales de Yemen del Norte. Samar es el nombre del momento de la noche cuando los amigos se reúnen para tomar café, masticar narcóticos, quat y tocar música. A excepción del último tema, una canción de boda, esta colección representa la música de Samar, presentando el oudh, vocalistas masculinos y varios tambores. La música es en gran medida optimista y esperanzadora, con letras que combinan influencias religiosas con historias de pasión y mal de amores que se hacen eco de la belleza de la poesía devocional árabe.
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