Programa lunes 18 de enero de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

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Bitácora: Iniciaremos como si estuviéramos escuchando a un alumno de Terence Fletcher (de la peli Whiplash) y a este se le cae el hocico de la impresión. Músicas de tintes folkieantiguos denla escocia pretérita, para posteriormente irnos a Suecia con la banda sonora para un cortometraje introspectivo al cubo. Luego nuevas orientaciones tribaloides e hipnóticas (otra vez se me dormirá el 60% de los auditores) y otro 30% se dormirá con una japonesa apadrinada por Stephen O’Malley que se mueve por los terrenos pantanosos surcados antes por Vincent Gallo. Seguiremos en clave suicida, nos queda un 10% de auditores de mandar a los brazos de Morfeo y si no es con el que sigue será con un ex Seefeel que cierra la jornada.

Artista: GREG FOX
Disco: Contact
Sello: RVNG Intl
Año: 2020

El percusionista experimental Greg Fox amplía su amplitud compositiva en Contact, su nuevo disco de RVNG Intl. Fox, un renombrado intérprete y colaborador dentro de las comunidades de avant-jazz y rock outsider de Nueva York, orquesta una colisión de clamor de tambores en erupción y baños de circuitos deformados que se manifiestan en una catarsis de escucha profunda. Magistral obra maestra de Greg Fox (Liturgy), o al menos lo mejor que hemos escuchado de él, que refina notablemente su híbrido de metal y tekkers de avant-jazz junto con la suntuosa producción del studio se’er y el multitalento Randall Dunn. “Contact de Greg Fox es una extensión y evolución de las prácticas de creación de sonido rigurosas y virtuosas del artista multidisciplinario. En Contact, el intérprete devoto, intrépido compositor y ávido colaborador canaliza una alquimia de influencias e ideas a través del intercambio cinético de formas humanas y percusivas. Producida y mezclada por Randall Dunn, Contact ve a Fox accediendo a estados cada vez más crudos y rumiadores, procesando el tumulto de la sensibilidad en un golpe de tambor.

Artista: ALASDAIR ROBERTS
Disco: Fretted and Indebted
Sello: Infinite Greyscale
Año: 2020

Podría ser una coincidencia que la producción reciente de Alasdair Roberts haya adoptado un enfoque de regreso a lo básico, o podría tener algo que ver con la naturaleza angustiada de nuestro tiempo, las dificultades planteadas para un músico que prospera con la colaboración y la interacción, el obstáculos prácticos causados por la cuarentena y el autoaislamiento. De cualquier manera, Roberts parece estar disfrutando de su propia compañía más que nunca, musicalmente hablando. The Songs Of My Boyhood, que salió en junio, lo vio volver a visitar su antiguo material de Appendix Out, remodelando esas canciones tempranas y comparativamente experimentales en algo más cálido y agradable. Se sentía como una especie de consolidación e insinuaba posibles nuevos comienzos. Roberts acababa de convertirse en padre; tal vez se estaba preparando para cualquier cambio emocional potencial, o simplemente registrando el cierre de un capítulo de su vida y el comienzo de otro.
Alasdair Roberts es uno de nuestros cantantes de folk más queridos de los últimos años (aunque aparentemente odia el término cantante de folk). El músico escocés proporciona aquí otro documento de sus fascinantes interpretaciones de canciones tradicionales salvajes y raras que ha obtenido de varias partes de Escocia.

Artista: SHIDA SHAHABI
Disco: Lake On Fire
Sello: 130701 (Factcat)
Año: 2020

En el score para el cortometraje homónimo de Jennifer Rainsford, ‘Lake On Fire’, la pianista y compositora de Estocolmo Shida Shahabi le sigue al EP ‘Shifts’ del año pasado y su debut en 2018 ‘Homes’ ,un nuevo lanzamiento que amplía su repertorio a un alejamiento del piano, con tres de sus cuatro pistas tocadas en órgano y sintetizador analógico. A pesar de su brevedad (con un registro de poco menos de 15 minutos), “Lake On Fire es” una hermosa joya atmosférica. Fue escrito y grabado en su estudio de Estocolmo en la primavera de 2020, habiendo sido comisionado por la amiga de Shida y su compañera artista radicada en Estocolmo, Jennifer Rainsford (quien previamente había dirigido un cuarteto de videos cortos basados en la naturaleza para el álbum debut de Shida). Descrito por la directora como “un sutil cortometraje de ciencia ficción sobre el arrepentimiento y una inteligencia artificial a la que sólo le interesan los humanos para dar consejos de amor”, la película de quince minutos de duración cuenta la historia de un futuro lejano de dos antiguos amantes que se reencuentran en un bosque virtual. Dentro de este paisaje creado por IA, “las flores hablan, el bosque está animado por colores que cambian sutilmente pero continuamente mientras luchan en guerras virtuales y la ex pareja se da cuenta de que no pueden cambiar el pasado”. La partitura de Shida refleja a la perfección el lento y extraño desarrollo de la película, así como su sensación de dislocación e inquietud. Al igual que con los lanzamientos anteriores de Shida, la música aquí es profundamente inmersiva, su atractivo impacto tanto en la decadencia de cada sonido como en las formas que cuelgan entre las notas.

Artista: HARMONIUS THELONIUS
Disco: Plong
Sello: Bureau B
Año: 2020

Del sitio https://www.rotordiscos.com “Harmonious Thelonious es un proyecto en solitario del músico de Düsseldorf Stefan Schwander, publicando discos desde el 2010 bajo este alias además de otros como Antonelli Electr. Sus discos combinan música minimal de influencia americana con ritmos africanos y melodías europeas. El nuevo álbum ‘Plong’ es un trabajo sobresaliente de música electrónica, logrando con éxito la fuerza física de una banda sonora de una noche de club y al mismo tiempo explora las dramáticas profundidades de mundos sonoros para crear una experiencia auditiva intensiva en total soledad”. https://rockntipo.com “Un híbrido evocativo con xilófonos, ritmos de ritos del este de áfrica, bajos electrificantes y todo con un toque irresistible e hipnótico”.

Artista: AI ASO
Disco: The Faintest Hint
Sello: Ideologic Organ
Año: 2020

Del sitio https://www.attnmagazine.co.uk : “La voz de Ai Aso pende de una sola vocal, temblando como alas de pájaro que se ajustan al viento. Cada punteo en su guitarra acústica está enmarcado por las puntas de los dedos deteniendo notas prematuramente, o haciendo crujir el diapasón para prepararse para el siguiente acorde. A cada gesto de The Faintest Hint se le concede el espacio para existir. Cada sílaba lírica, cada cuerda de resonancia. Emergen en el aire, colgados del silencio como móviles de porcelana, compartiendo un momento de intimidad con su entorno antes de desaparecer, regalando el espacio por completo para la próxima proclamación de Aso. Estas son canciones pop cuando se consideran en su totalidad. Hay versos y coros. Hay sentimientos abiertos de solemnidad, dulce esperanza, inclinaciones de nostalgia iluminada por el sol. Sin embargo, donde tanto pop se derrumba en una explosión de tiempo presente, este álbum deja en claro el encadenamiento de acciones individuales que de alguna manera culminan en el paso del tiempo. Cada pista es una paradoja de Zeno; Aso está tan embelesado en cada momento que el paso de una pista completa se siente como una falacia lógica”.

Artista: DYLAN HENNER
Disco: The Invention of the Human
Sello: AD 93
Año: 2020

“La invención del ser humano” es una visión sombría de un futuro en el que los humanos son solo una pequeña parte de la ecuación. Un mundo nuevo que no es ni utópico ni distópico, con la naturaleza y la tecnología en un extraño pero perfecto equilibrio.
Magnífico negocio de la nueva era de Dylan Henner en la etiqueta AD 93 (fka Whities). Los fanáticos de Visible Cloaks tomen nota, las composiciones ricas en espacios negativos de Henner tienen mucho en común con el material más reciente del dúo de Portland, que aparentemente hace referencia a fuentes japonesas similares. Henner ha mencionado la influencia de los compositores de la banda sonora de “Akira”, Geinoh Yamashirogumi, y también escuchamos la feliz moderación de la deidad de la nueva era Hiroshi Yoshimura. No debería ser una gran sorpresa: los últimos discos de Henner fueron influenciados por gamelan y viajes en Sri Lanka y Vietnam, y su ritmo aquí ciertamente habla de esas mismas raíces. Sin embargo, también hay elementos de Oneohtrix Point Never e incluso James Ferraro mientras Henner manipula las voces sintetizadas para adaptarse a su visión.
Del sitio https://bleep.com “The Invention Of The Human de Dylan Henner es una brillante colección de composiciones electrónicas que combinan la inventiva sintética de Sophie y Arca con los drones espectrales de Grouper y la beatífica simplicidad de las composiciones posminimalistas de Arvo Pärt. De esta manera, el registro de Henner se puede archivar junto con los lanzamientos anteriores en la etiqueta AD 93 (anteriormente conocida como Whities) de Rupert Clervaux, Leif y Carl Gari & Abdullah Miniawy. Tened en cuenta que la lista de pistas de The Invention Of The Human varía según el formato: la versión digital se ejecuta en ocho pistas, mientras que el vinilo condensa esos ocho números en dos piezas de veinte minutos de duración”.

Artista: LOCUST
Disco: The Plaintive
Sello: Suction
Año: 2020

Del sitio https://www.rotordiscos.com “El nuevo álbum del proyecto fundado por Mark Van Hoen, junto a Louis Sherman. Locust fue una referencia fundamental dentro “ambient-techno” en los noventa, siendo fichados por el prestigioso sello R&S/Apollo (que descubrieron nada menos a Aphex Twin antes que Warp!). En su evolución más reciente publica ahora en Suction Records, el sello de Solvent. El impresionante sonido electrónico de Locust florece en este nuevo álbum, el primero de Mark Van Hoen desde 2014, en una línea muy próxima a la música “kosmische”. Producido durante 5 años utilizando una selección de sintetizadores analógicos, incluido el Prophet 12, así como un sistema modular eurorack digital. The Plaintive se inclina hacia una cálida base armónica, con temas como “Metals” y “Out Here” que se deslizan sobre texturas ensoñadoras. Sin embargo, hay una energía en The Plaintive que lo aleja del territorio ambient y lo acerca más hacia las innovaciones con sintetizador de artistas clásicos como Cluster y Mort Garson. Hay una calidez en varios sus cortes que se manifiesta en sus juguetonas ejecuciones de sintetizador, arpegios modulares y una programación de ritmos suave e insistente. Locust se aleja ahora de las formas más abstractas de trabajos previos y ofrece una propuesta más melódica y armónica, bañada en una memoria nostálgica, y basada en las influencias iniciales de Van Hoen por la música electrónica de los setenta. Han buscado más la frescura y lo emocional que la innovación. Una atmósfera melancólica invade todo el disco”.
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Podcast Programa lunes 11 de enero de 2021.

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Programa lunes 11 de enero de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

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Bitácora: Partimos con crazy germans, seguimos luego con sonoridades que remiten a Jim O’rourke o a Fennesz pero no son ellos, pasaremos post a una guitarrista responsable (también) de la banda sonora de Into the Wild , luego burbujeo espumante hecho de sonidos de instrumentos percusivos lúdicos, posteriormente a un capo de capos que saca disco después de muuuucho y cerramos con un océano calmo caaaaaaaaaaalmooo.

Artista: Varios (Plastiktanz, Lieferschein, Mark Montan y más)
Disco: Sowas von egal 2 German Synth Wave Underground 1981-84
Sello: Bureau B
Año: 2020

Party series Damaged Goods donde presentan discos de onda y sintetizadores poco comunes y oscuros de principios de la década de 1980 que merecen ser escuchados. Estaba claro desde el principio que “Sowas von egal 2” tendría que escalar alturas de excelencia similares a su predecesor, presentando melodías bailables, solicitadas y cuidadosamente seleccionadas. En contraste con el primer volumen, la mayoría de los actos aquí solo estaban activos a principios de la década de 1980 y no han publicado ningún registro desde entonces. Los artistas de la cinta estaban particularmente interesados en la ética del bricolaje, como suele ser evidente en su estética de sonido y la energía desenfrenada que no ha perdido nada de su intensidad en la actualidad. Su arte raras veces, si es que alguna vez, se vio atenuado por consideraciones comerciales o estrategias de ventas.

Artista: SUSO SAIZ & SUZANNE KRAFT
Disco: Between No Things
Sello: Music from Memory
Año: 2020

Del sitio https://www.rotordiscos.com/ “Music from Memory presenta esta reciente colaboración entre SUSO SAIZ, músico veterano de máximo prestigio que no debería necesitar presentación y cuya música es etiquetada habitualmente como “ambient”, con Suzanne Kraft (alias de Diego Herrera): un artista de Los Ángeles afincado en Holanda que ha publicado en varios sellos como Melody As Truth (dirigido por Jonny Nash). Ambos se conocieron en un evento de presentación del trío Gaussian Curve (Music From Memory) en Ámsterdam en 2017, una velada en el que ambos también actuaron. Poco después compartirían tres días de estudio de grabación que resultó en unas 30 horas de música surgida de esas improvisaciones entre la pareja. “Charlamos mucho y nos reímos entre tomas, pero principalmente casi no hablábamos cuando grabábamos”. De esas 30 horas fueron reduciéndose hasta tener un posible álbum a finales de 2018.
Un año después, el dúo se reunió en el estudio de Suso en Madrid donde tras hacer unos cuantos overdubs y edits al material el álbum comenzó a tomar su forma final. Algo que llegaría a su fin cuando Suso le envió a Diego una pieza final.”

Artista: KAKI KING
Disco: Modern Yesterdays
Sello: Cantaloupe Music
Año: 2020

Del sitio https://naxosenespanol.com/kaki-king/ La compositora y guitarrista Kaki King coprodujo su décimo álbum, Modern Yesterdays, con la diseñadora de sonido Chloe Alexandra Thompson y el ingeniero de grabación Arjan Miranda. Es su primer proyecto de estudio de larga duración desde el lanzamiento de 2015 de The Neck Is A Bridge to the Body, y el primero en ser grabado casi en su totalidad con guitarra acústica. Modern Yesterdays extrae un arco meditativo y conmovedor que no solo se adapta al estado de ánimo de estos tiempos turbulentos, sino que también establece una vez más a King como compositora incansablemente inventiva cuya imaginación se extiende mucho más allá de los límites sonoros de su instrumento elegido.
Hay una “estética covid” definida que informa el título del álbum, como explica King. “Hablamos de ‘el antes’ o de la vuelta antes del brote”, dice. “El tiempo apenas ha pasado. Así que creo que hay un poco de mirar hacia atrás que todos estamos haciendo en todos los sentidos sobre lo que extrañamos: lo que fue bueno, lo que fue malo, todo. Todos anhelamos de alguna manera nuestro ayer moderno, y de alguna manera decimos bien, claramente también habrá un mañana moderno”.

Artista: K-LONE
Disco: Cape cira
Sello: Wisdom Teeth
Año: 2020

Del sitio http://www.musicaenlamochila.net/ “Tal como soy alérgico a la electrónica ruidosa y flagelante, disfruto del lado más tranquilo de los sonidos digitales (que no caen en el downtempo mainstream o en la new age). Si al ambient le concedes cierta pulsión rítmica, se convierte en un acompañamiento muy seductor. El británico Josiah Gladwell trabaja como K-LONE un flujo instrumental relajado; una suerte de techno pastoral campestre cuyo hipnotismo amable nos sumerge en un estado de bienvenida placidez. En “Cape Cira” (Wisdom Teeth 2020) los teclados son sometidos a un marcaje de percusión exquisita, a menudo con timbre asiático -resonancias de madera hueca- y con la sensación de haber repiqueteado sobre diversos utensilios y no sobre un instrumento clásico o desde una recreación digital de éste. Combina varios tipos de tintineos hasta dotar a la pieza de una configuración evocadora. “Cocoa” suena a ratos como gotas de lluvia cayendo sobre el arrozal durante el monzón, mientras “Palmas” parece hecha para escucharse cuando vagas contento por entre los cocoteros en la noche estrellada, tras tres caipirinhas cargadas -o sake, o arrak- buscando dónde demonios está tu bungalow.. Paisajes contemplativos (“Cape Cira”) y de aguas serenas (“Bluefin”) desembocan en el cierre de “Happened” completamente etéreo y flotante. No es un sonido novedoso -si remontamos en el tiempo encontraremos esquirlas de Ultramarine- pero sí subyugante”.

Artista: MICHAEL ROTHER
Disco: Dreaming
Sello: Gronland Records
Año: 2020

Del sitio https://depositosonoro.com “Michael Rother, miembro fundador de los grupos de krautrock Neu! y Harmonia tiene un nuevo álbum este 2020 llamado Dreaming. Rother tenía una mina de oro de ideas y bocetos y los ha convertido en un álbum excepcional. El aislamiento persistente del encierro proporcionó estas condiciones. Con un horario despejado y distracciones mínimas, Rother desarrolló los bocetos musicales que habían estado inactivos en el disco duro de su computadora. “Siempre que estoy tocando en conciertos cuando viajo y estoy de gira, no tengo tranquilidad, así que no puedo concentrarme tan de cerca”, dice. “Fue el lado bueno del encierro, y aproveché bien la soledad de todo. Podía subirme a mi bicicleta y montar a lo largo del río que fluye justo en frente de mi casa. Esto fue en realidad un aislamiento de lujo”. Así fue como se creó este bello álbum. Primer LP nuevo en 14 años del pionero de Kosmische Michael Rother (Neu!, Harmonia, Kraftwerk)!!. Nueve temas con elegantes escenas pastorales y pop sintético al puro estilo Rother, y acompañado por una nueva musa vocal. Un disco ensoñador y apacible que nos trae recuerdos de los temas más plácidos de Neu! y Harmonia.”

Artista: THEODORE CALE SCHAFER
Disco: Patience
Sello: Students Of Decay
Año: 2019

Patience es el álbum debut de larga duración del artista de Sante Fe, Theodore Cale Schafer. Alternativamente turbia y narcoléptica y erizada de arena y luz, esta colección de ocho piezas es un delicado juego de contrastes. Los escenarios impresionistas se despliegan con un paso pausado, abriéndose con la desorientación onírica de “Gold Chain” en la que una grabación de ubicación degradada da paso a una suave red de motivos de piano tratados. Las composiciones de Schafer son suntuosas pero sencillas, recordando quizás los trabajos en cinta concisos y orientados a viñetas de Andrew Chalk, que parecen priorizar la espontaneidad y lo efímero sobre la preciosidad y el decoro. Este enfoque produce resultados sustantivos, como en “It’s Late”, que combina un boceto de guitarra doloroso y ruidoso con el sonido del cambio empujándose en el bolsillo de un caminante y la risa de amigos o transeúntes. Esta es música diarística: tosca, confesional y llena de posibilidades.
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Podcast Programa lunes 4 de enero de 2021.

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