Programa lunes 20 de mayo de mayo de 2019, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Partiremos con un machacante beat ácido que irá de a poco horadando el tímpano, bajaremos a las profundidades propuestas por el sello Erased Tapes, nos subiremos a un dromedario mágico y volaremos a visitar a unos colegiales al ritmo del cansino Tuareg, conoceremos la propuesta de una novel irlandesa que juega a ser una cruza de Grouper y Julee Cruise y remataremos con el nuevo disco de uno del colectivo de animales.

Artista: DUNGEON ACID
Disco: Dungeon Acid
Sello: iDEAL
Año: 2019
Dungeon Acid - 2019
Del sitio https://www.clubbingspain.com Primer álbum de Dungeon Acid. El sello sueco iDEAL Recordings publicó ayer por sorpresa el primer álbum de Jean-Louis Huhta con su alias Dungeon Acid. Se trata de un álbum homónimo que el productor y baterista sueco considera su verdadero álbum de debut ya que anteriormente ha publicado otros trabajos de larga duración en cassette. Jean-Louis Huhta lleva en el negocio de la música desde los años 80, cuando en su adolescencia tocaba en grupos de punk como Cortex o Anticimex o recorría el Reino Unido en una camioneta sin asientos con Napalm Death. Posteriormente llegarían sus primeros experimentos en la electrónica de baile con Lucky People Center, el rock ritual de The Skull Defekts y las sesiones de música electroacústica con gente como Zbigniew Karkowski y CM von Hausswolff.

Artista: DAVID ALLRED
Disco: The Transition
Sello: Erased Tapes
Año: 2018
david allred - the transition
El primer álbum en solitario de David Allred (colaborador de Peter Broderick en Find the Ways del año pasado) es una secuencia cuidadosamente construida, que desarrolla ideas de cambio a lo largo de etapas de la vida, pero que va más allá de las observaciones obvias en el carro alado del tiempo. Por ejemplo, “Para Catherine E. Coulson” es un tributo instrumental simple pero sorprendentemente hermoso a la actriz que interpretó a Log Lady en Twin Peaks. Las narraciones y los tonos vocales de Allred recuerdan algunas de las composiciones más finas de Mark Kozelek, como en “Randy y Susan”, donde la corrupción juvenil finalmente conduce a un inicio de deterioro físico. El acompañamiento de piano plangent se juzga perfectamente a lo largo de la pista. La producción del álbum es particularmente exitosa, con un tratamiento de armonías claramente endeudado con Brian Wilson en temas como “The Garden”, pero Allred está dispuesto a correr algunos riesgos que persuaden sin que se sienta forzado. Es un movimiento valiente, y está completamente justificado por el resultado.

Artista: TROUPE ECOLE TUDU
Disco: Oyiwane
Sello: Sahel Sounds
Año: 2018
troupe ecole tudu - oyiwane (sahel sounds, 2018)
Un grupo muy joven de Agadez, como podría adivinar por su imagen en la portada, un sexteto de cantantes que comenzaron como un proyecto escolar, pero grabaron su hermosa música para un álbum que originalmente solo se publicó en cassette. Hay algunas corrientes tempranas muy geniales de la guitarra Tuareg en la mezcla – una especie de snakey, líneas casi siniestras que se hunden, giran y pulsan – estableciendo un ritmo que se equilibra con las voces del cantante – casi como una transformación de África del Norte tipo de armonías que eran más conocidas de la escena sudafricana, pero con un borde mucho más áspero.

Artista: MARIA SOMERVILLE
Disco: All My People
Sello: Autoeditado https://mariasomerville.bandcamp.com/
Año: 2019
maria_somerville-all_my_people-2019
Maria Somerville dibuja en formas folclóricas junto con post-punk, motivos tradicionales irlandeses, pop de ojos estrellados y drones hipnóticos para crear música totalmente original que nace de sus raíces en Connemara, Irlanda del Oeste. All My People (autoeditado el 1 de marzo y distribuido por Rush Hour), canaliza el desierto del paisaje irlandés a través de paisajes sonoros densos y etéreos, percusión con huesos desnudos y una tenue resaca electrónica, intercalada con voces fantasmales que están siempre presentes y que abarcan todo, como reflejos cristalinos de la luz del sol asomándose a través de oscuras nubes tormentosas. Si estás entre Grouper y Julee Cruise este es tu álbum para este otoño-invierno.

Artista: AVEY TARE
Disco: Cows on Hourglass Pond
Sello: Domino
Año: 2019
Avey Tare Cows On Hourglass Pond
Del sitio https://www.mondosonoro.com/ El miembro de Animal Collective ha decidido apostar en esta ocasión por abandonar la senda más enigmática y ambiental de su anterior “Eucalyptus”, llegando el momento de ofrecernos pequeñas pinceladas que resumen muy bien lo mostrado hasta la fecha de su proyecto en solitario, a la par de intentar revolucionar su propuesta con influencias electrónicas no habituales. Este es el caso de la inicial “What’s The Goodside?”, una canción donde la base resulta totalmente persistente entorno a un ritmo bastante techno que poco a poco se va esfumando según llega el final del tema. De este modo, el sonido orgánico asociado a elementos como las guitarras acústicas que tanto despuntaron en discos míticos como “Sung Tongs”, son capaces de integrarse con unos beats que destacan más que de costumbre. Así surgen canciones tan certeras como “Saturdays (Again)”, atravesando diferentes etapas que conectan un carácter rítmico intrépido con ese cierto aire onírico que posee el propio timbre vocal de Avey Tare al alargar las estrofas. Más señas de identidad de lo más marcadas aparecen en el momento en el que el norteamericano remarca los loops más robóticos, generando un ambiente rupturista en las canciones de tempos más reducidos como es el caso de “Nostalgia in Lemonade”. Dentro del apartado de mayores giros mostrados a lo largo del disco, destaca sobremanera “Our Little Chapter”, sintiendo muy de cerca la intención de ir sumando capas con las que alcanzar el clímax perfecto. A pesar de ello, los mejores momentos del trabajo llegan cuando el músico se vuelve a sumergir en la zona de confort, es decir, aquella en la que los sobresaltos llegan de una forma totalmente progresiva y camuflada entre una perfecta nebulosa de sonidos una vez más de aspecto totalmente orgánico. Este puede ser el caso de “Taken Boy”, un tema que de forma sigilosa logra culminar la máxima muestra de lo sugestivas y asociadas al mundo natural que pueden estar sus canciones. Todo esto se remata en la recta final del trabajo, donde apuesta por un apartado melódico más marcado, aquel donde las piezas del puzzle encajan de forma precisa. De esta forma logra una nueva exhibición de innovación pero también de coherencia entorno a lo ya mostrado.
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Podcast lunes 13 de mayo de 2019

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Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

Programa lunes 13 de mayo de mayo de 2019, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Una sesión atravesada por inicios y términos. Primero partiremos con la segunda patita de los discos dedicados a la Venezuela psicotrópica, seguiremos con los nuevo de Carla del Forno (que no es de ella pero que lo hace de ella), volamos a Mali para autohipnotizarnos con instrumentos asesinos, le damos un poco la vuelta a la tuerca al ¿rock/pop/indie/punk/avantgarde? Y cerramos con un proyecto que tardé años en llegar a su fin y de la manera más decadente posible (decadente de decaer).

Artista: Various Artists (Vytas Brenner, Fernando Yvosky, más)
Disco: VENEZUELA 70 Vol.2 – Cosmic Visions Of A Latin American Earth: Venezuelan Rock In The 1970s & Beyond
Sello: Soul Jazz Records
Año: 2018
various artists - venezuela 70 vol.2
Esta es la segunda colección de música de Venezuela en la década de 1970 y más adelante que se lanzará en Soul Jazz Records. El álbum una vez más presenta figuras innovadoras en la historia de la música underground de Venezuela, en su mayoría desconocida fuera de su país de origen: su música es una mezcla de rock progresivo, jazz, electrónica experimental y discoteca, creada principalmente en la década de 1970, durante una época en que el país Fue a la vez una potencia cultural y económica en América Latina. Mientras que gran parte de la música rock venezolana de la década de 1960 emulaba los estilos británico y estadounidense y la salsa dominaba las pistas de baile de América Latina, en la década de 1970 se produjo la evolución de una nueva generación de artistas locales creativos como Vytas Brenner, Daniel Grau, Aldemaro Romero, Un Dos Tres Y Fuera. quienes exploraron las posibilidades de mezclar rock con elementos de música electrónica, funk, jazz y ritmos latinos al mismo tiempo que exploraban sus vínculos con la música de raíces venezolanas, creando un nuevo sonido que mezclaba una multitud de influencias nuevas y antiguas del mundo, exclusivamente venezolanas.

Artista: CARLA DAL FORNO
Disco: Top of the Pops
Sello: Autoeditado
Año: 2018
carla dal forno - top of the pops (self-released, 2018)
Del sitio http://www.tiumag.com La compositora australiana comparte “Top Of The Pops”, un EP de seis covers de temas de Liliput, The B-52’s y Lana del Rey, entre otros. Hace justo un año que Carla del Forno sacaba a la luz su último EP, “The Garden”. Desde entonces, la compositora ha estado presentando sus directos, pero no ha sido hasta ahora que ha publicado nuevo material y lo ha hecho por su cuenta, sin el apoyo de ningún sello. Se trata de otro EP, en este caso de seis canciones, todas ellas covers de temas que, de una forma u otra, han influenciado en el estilo de dal Forno. Con su voz angelical y su espíritu post-punk, versiona algunos de sus temas favoritos pop y new wave, y se los hace completamente suyos, demostrando un gusto por la selección y un estilo de reinterpretación más que envidiables.
La habilidad de dal Forno para desmenuzar cada canción hasta su esencia más central y de enmarcarlas dentro de su universo instrumental hace que esto no parezca un EP de covers, sino de originales. La nueva representante del pop lo-fi minimalista y ecléctico, que presenta siempre su sonido como si se tratara de música de cámara, usa su sensibilidad infinita para convertir himnos como “Summertime Sadness” en canciones tremendamente personales.

Artista: TALLAWIT TIMBOUCTOU
Disco: Hali Diallo
Sello: Sahel Sounds
Año: 2018
tallawit timbouctou
Grabación rara de la música takamba contemporánea. Giras por la UE planeadas para 2019. Tallawit Timbouctou son campeones de takamba, una música hipnótica tradicional del norte de Mali. Construido alrededor del tehardent, el laúd de cuatro cuerdas y el pre-cursor al banjo americano, la distorsión de droning de takamba proviene de micrófonos hechos a mano de firma y amplificadores apagados. Acompañado por percusión golpeada en una calabaza volcada con firmas de tiempo alucinante, el efecto combinado induce al trance. Esta es la música que gobernó durante mucho tiempo el norte de Mali, que se presentó en festividades, lanzando explosiones polvorientas y emitiendo desde las estaciones de radio de las aldeas. Su origen está envuelto en un misterio, y aunque supuestamente se remonta al Imperio Songhai del siglo XV, el apogeo de Takamba fue en la década de 1980, con la introducción de la amplificación. Los músicos encontraron un circuito lucrativo, actuando en bodas elegantes, creando casetes a pedido y escribiendo canciones para sus clientes adinerados. Hoy en día, el takamba ha quedado fuera de la moda popular entre los jóvenes, pero continúa prosperando en una pequeña red de tradicionalistas entusiastas. El líder de la banda, Aghaly Ag Amoumine, es uno de los músicos de takamba más famosos que quedan. Descendido de una larga lista de cantantes de alabanza, pasó décadas viajando por el Sahel, actuando en campamentos nómadas remotos y atestadas capitales de África occidental.

Artista: HOUSEWIVES
Disco: Twilight Splendour
Sello: Blank Editions
Año: 2019
housewives - 2019 - twilight splendour
Del sitio https://www.mondosonoro.com: “Aburridos de las limitaciones impuestas por las guitarras, los británicos Housewives las vendieron literalmente para comprar equipo electrónico y componer a salto de mata su segundo trabajo. Una distopía sonora dislocada y aparentemente anárquica cuyo eje central es suponer que las emociones reales humanas han sido sustituidas por código. Algo está pasando con nuestra desmedida interacción con la tecnología para que su omnipresencia provoque tanta desazón. Pero Housewives se saben parte de esta nueva realidad. Con la radicalidad formal de “Beneath The Glass”, es inevitable pensar en el legado de The Pop Group o This Heat. “Speak To Me” y sus voces obsesivas nos sumergen en oscuridades laberínticas de tensión y paranoia. El minimalismo enfermizo de “Dormi” o “Texu”, con su pulso dub y samples de pesadilla, apuntan a Aphex Twin en modo arisco. “SmttnKttns”, saxo desquiciado y sorprendente autotunes vocal -¿la primera vez que se usa en algo así?- es, quizá, lo más parecido a un single: el sonido de la alienación tecnológica con ecos de free jazz, pop deconstruído y latido dub. En las dos partes de “Sublimate” hacen buen uso de cajas de ritmos primitivas para llevarnos a un páramo industrial desolado. El desenlace con el órgano de iglesia encaja a la perfección como epifanía de este extraño viaje de reconexión con nosotros mismos. No es un disco para pasar el rato precisamente, pero hay que reconocerles que hayan sacado adelante una obra sin apenas respiros melódicos, de una radicalidad en vías de extinción, o al menos oculta en las catacumbas del underground. En plena era de reconfiguración digital del mundo, los de Londres han dejado fluir su creatividad con resultados hipnóticos y por momentos deslumbrantes.

Artista: THE CARETAKER
Disco: Everywhere, an empty bliss
Sello: History Always Favours The Winners
Año: 2019
the caretaker Everywhere, an empty bliss
Del sitio www.tiumag.com : “En 2011, el músico británico Leyland James Kirby lanzó An Empty Bliss Beyond This World, bajo el pseudónimo The Caretaker. Si bien ya había sacado numerosos proyectos bajo este nombre, este fue el cual le otorgó un mayor reconocimiento, basándose en un concepto que influenciaría el resto de sus trabajos. Este disco se basa en un estudio que demostraba que la gente afectada por el Alzheimer podía recordar la música que escuchaban cuando eran mucho más jóvenes y los sentimientos que surgían debido a ello. La música de An Empty Bliss Beyond This World se construyó a partir de samples de vinilos de música jazz y dixieland de los años 30, manipulados de forma sutil, usando loops y distorsión muy ligera para crear una atmósfera que evoca sentimientos de nostalgia de un momento pasado hace ya mucho tiempo, algo característico del estilo de “hauntología” con el que es comúnmente asociado, resultando en algo bello y, al mismo tiempo, perturbador. Los temas relacionados con el alzheimer y la pérdida de memoria que sirvieron de base para An Empty Bliss Beyond This World, son explorados de una forma mucho más extensa y minuciosa en su proyecto Everywhere at the End of Time. Empezando en septiembre de 2016 y terminando este 14 de marzo, Kirby lanzó este proyecto dividiéndolo en seis etapas (stages). Cada etapa simboliza un estado de demencia, desde los comienzos cuando aparecen los primeros síntomas, a sus etapas más avanzadas en donde hay una pérdida total de la lucidez, pasando por los muchos estados y emociones que surgen a partir del diagnóstico.”
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Podcast lunes 6 de mayo de 2019

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