Programa lunes 27 de mayo de 2019, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Ya estamos en 2019 y se cumplen 30 años de muchos discos. El año 89 se editaron grandes obras pop y personalmente me tocó estar cerca de aquello y así tendré la oportunidad de comentarlo al aire, incluso visitando un país –que como tal- no existe más: Alemania Federal, donde ocurrió ese concierto.

01 AficheTheCure30años

Iremos en pinponeo de vinilos con los nuevos ayudistas de Perdidos: Videovinilos.

Este es el potpurrí de este lunes especial de discos negros y verdes.

Artista: THE CURE
Disco: Disintegration / Vivo en Lorelei, Bizarre Festival, Alemania Federal
Sello: Fiction
Año: 1989 (13 de Mayo)
thecure
Del sitio http://guitarsexchange.com “¿Alguna vez quisiste realmente de verdad algo, pero cuando finalmente lo lograste, de repente descubriste que no estabas tan seguro?
Esta es, en cierto modo, la situación en que Robert Smith (nacido el 21 de abril de 1959) se encontró con Disintegration (publicado en mayo de 1989). Quería que The Cure hiciera un disco legendario, “una gran declaración”, antes de cumplir los 30 años, pero cuando el disco fue un éxito, generando varios singles exitosos, y la banda comenzó a llenar estadios en todo Estados Unidos, quedó abrumado y quiso retirarse “A pesar de mis mejores esfuerzos, en realidad (la banda) se ha convertido en todo aquello en lo que no quería que nos convirtiéramos] [...] Llegó a un punto en el que personalmente no puedo lidiar con eso”, dijo, “nunca fue nuestra intención llegar a ser tan grandes”.
Tras el éxito de Kiss me, Kiss me, Kiss me (1987) Smith había querido volver a las raíces oscuras y góticas del período de Pornography de The Cure. Parte del ambiente para Disintegration lo creó aislándose deliberadamente, tomando drogas alucinógenas y, según los informes, tratando de crear un “ambiente desagradable” para que coincidiera con el del álbum. Por otro lado, algunas de las nubes de tormenta que llegaron estaban fuera de su control, como la ruptura de su relación con su amigo de la infancia y compañero de banda Lol Tolhurst durante la grabación, y la presión ejercida por la compañía discográfica de The Cure, que consideró al álbum un ‘suicidio comercial’ y quiso cambiarlo.
Quizás por casualidad, este “brebaje de brujas” de los eventos se refleja en las letras de las dos últimas canciones del álbum. Homesick cuenta la historia de alcanzar tus sueños solo para verlos colapsar: “Todo lo que ganas hoy no sirve para nada”; mientras que Untitled regresa al tema de la inutilidad de intentar: “Y ahora el tiempo se ha ido, otro tiempo perdido… Nunca perderé este dolor, nunca volveré a soñar contigo”. Podría haber sido una obra de culto solo para los oídos de góticos adolescentes ingleses, pero con el toque especial y la magia de The Cure, este disco se convirtió en popular para todo el mundo, rompiendo el mercado estadounidense y convirtiéndose en un éxito mundial masivo”
Y todo esto porque el jueves 30 de mayo The Cure festejará los 30 años de este disco con un recital íntegro que lo recrearán, streaming planetario desde Australia. Busquen las pistas para el link a aquellos, están por todos lados.

Artista: THE PIXIES
Disco: Doolittle
Sello: 4AD
Año: 1989
02 Pixies
Del sitio https://rockthebestmusic.com “Fue el 17 de abril de 1989 cuando el segundo LP de The Pixies salió a la luz y habría que tatuarse esta fecha en el corazón porque considero que es uno de los discos más influyentes de la historia moderna. Es de suponer que los que me leéis amáis este disco tanto o más que yo, por lo que no entraré en detalles más allá de decir que Black Francis y Kim Deal rebajaron un poco su locura sónica y lírica con respecto a Surfer Rosa (1988) en favor de unas canciones más, digamos, convencionales y de ahí salieron dos de los temas más importantes de su discografía como los clásicos «Here Comes Your Man» y «Monkey Gone To Heaven» que mostraban a unos ‘Duendes’ más comedidos y empeñados en mostrar una faceta más accesible y, por qué no decirlo, comercial. Por lo demás, el caótico collage de estilos sigue en muy buena forma a pesar de que Francis y Deal empezaron a tener claras diferencias compositivas que se acentuarían al máximo en Bossanova (1990) y Trompe Le Monde (1991) con la ‘dictadura’ del psicótico regordete. Aun así, cañonazos esquizoides y obsesivos como «Tame» y «Crackity Jones» contrastaban perfectamente con temas tan catchy como «Wave Of Mutilation», los alt punks de «Debaser» y «Gouge Away», el deconstruido «Dead», el reggae azucarado aunque venenoso de «Mr. Grieves», el surf «La La Love You», el afectado y lo-fi «Hey» y así podría seguir y seguir con la paleta estilística e interminable de todas y cada una de las composiciones que conforman un tracklist tan surrealista como extremo e iluminado de musas. Un disco perfecto para llevarse a la tumba mientras «Silver» te sigue haciendo sangrar…”

Artista: CHICK COREA (por Videovinilos)
Disco: The Mad Hatter
Sello: Polydor
Año: 1978
Chick
Un extraño experimento de Corea en un año muy prolífico de su carrera. El Sombrerero Loco se titula este ambiciosos proyecto inspirado en Alicia en el País de las Maravillas y que contó con la participación de Eddie Gomez, Steve Gadd y Herbie Hancock entre otros.
Llama a ser escuchado sin prejuicios ni rigideces, para encontrarse con un ejercicio muy experimental, pero digerible a la vez.

Artista: ARCHIE SHEPP (por Videovinilos)
Disco: Attica Blues
Sello: Impulse!
Año: 1972
Archie
Shepp, al igual que artistas como Coltrane, siempre pusieron al centro de su creación los sentimientos políticos de los años 60´s. A comienzos de la década siguiente, sorprendió con un giro mucho menos obvio hacia el funk y lanzó, a ojos de la crítica especializada, una furiosa y tierna explosión de jazz soul psicodélico que es una joya dentro de su discografía, que ha hecho que existan al menos 10 re-ediciones a la fecha.

Artista: THE POGUES
Disco: Peace & Love
Sello: Pogue Mahone Records
Año: 1989
03 Poques
Del sitio http://elritmodemisacontecimientos.blogspot.com : “Siempre con The Pogues me ha pasado que ese folk tabernero y ebrio aunque con mensaje, me entraba mejor cuando sonaba una canción suelta por aquí o por allá que ponerme un disco entero de ellos. A veces los instrumentos tradicionales me saturaban un poco. Con el tiempo que sabido ir disfrutando este disco cada vez con más minutaje seguido hasta oirlo entero sin rechistar. Histórica banda de Irlanda del Norte con este pub rock con aires folkies, celtas, mezclando la canción tradicional con actitud punk.
Una banda mítica de esas que salen una cada 10 años. Con un estilo definido y sin apearse en toda su carrera, crearon escuela para multitud de bandas”.

Artista: JESUS JONES
Disco: Liquidizer
Sello: Food
Año: 1989
JesusJones
Del sitio http://www.thetimeisdead.com “Hace un tiempo pusimos algo de Jesus Jones, y hoy nos toca hablar de su primer álbum. Como todos saben, básicamente se considera a la banda una “one hit wonder”, gracias al masivo “Right Here Right Now”, pero la verdad es que todo comenzó con el disco del día. Sin dudas es un favorito de quienes hacemos este blog y siempre supimos que merecía su entrada. “Liquidizer” se editó en 1989 y tuvo una gran aceptación de la crítica y es reconocido como el mejor trabajo de la banda. El sonido del álbum es un poco más alternativo y extremo que en “Doubt”, con más guitarras agresivas y samples extraños. Digamos que la diferencia con “Doubt” es que en “Liquidizer” no se siente que haya tantos “hits”, sino que es un disco más experimental y bastante más ruidoso. Parte de esa agresividad mencionada anteriormente se advierte en temas como Never Enough, Song 13 y, especialmente en el clásico Info Freako.
Claro que la música de por sí no puede mantenerse sola, por lo que las letras de Mike Edwards son un complemento perfecto, con temas como las mujeres desquiciadas, el sentimiento de que nunca nada es suficiente, el ataque de información, y personas que tienen todas las respuestas de la vida…. Con el paso de los años, “Liquidizer” ha tomado el estado de “disco de culto”, sentando bases que luego fueron tomadas y extendidas por otras bandas, aunque la realidad es que nunca se ha reconocido a la banda de Mike Edwards como corresponde.”

Artista: CHICO BUARQUE (por Videovinilos)
Disco: Construção
Sello: Phillips
Año: 1971
Chico
Otro disco extraño dentro de la discografía de sus artistas. Éste, el quinto disco de Buarque se convirtió rápidamente en una colección de éxitos, uno tras otros muy bien ejecutados, producidos y elaborados tanto musical como líricamente. Casi alejado del “tropicalia” para ir más a las raíces brasileras de la samba y el romanticismo triste y letras cargadas de crítica social a la dictadura militar.

Artista: DÁMASO PÉREZ PRADO (por Videovinilos)
Disco: Lo Mejor De “El Rey Del Mambo” Damaso Perez Prado
Sello: RCA
Año: 1969
Damaso
Compilado editado en Chile de uno de los artistas cubanos más influyentes e importantes de los últimos tiempos. Conocido como “El Rey del Mambo” Dámaso fue el encargado de llevar el mambo de la isla, al continente latinoamericano y al mundo completo, llegando a Méjico a fines del 49 y haciéndose un merecido espacio en la escena de los 50s con su mezcla única de caribe y big-bands.

Artista: NEW ORDER
Disco: Technique’
Sello: Factory Records
Año: 1989
neworder
Del sitio https://jenesaispop.com “La leyenda cuenta que, en plena oleada Acid House, New Order se van a Ibiza a grabar su nuevo disco, se la pasan de fiesta loca, Tony Wilson de Factory Records pierde (otra vez) un montón de dinero con ellos y paren su disco más hedonista, “balearic” y rotundo: ‘Technique’. Tal día como hoy, se cumplen 30 años de su publicación. De hecho, tras leer acerca del absoluto desfase que fue la grabación de ‘Technique’, maravilla saber que ninguno de los miembros de la banda saliera de la experiencia gravemente herido o muerto. Excesos, noches en blanco, éxtasis a toneladas… La maravilla que es ‘Technique’ fue más un feliz accidente que una obra premeditadísima. Pero es que al timón había cuatro perros ya viejos en el arte de crear templos pop en medio de la tempestad. Si a alguien le tenía que salir bien, era a los New Order de los ochenta. La vibración (la explosión Acid, su querencia por la pista de baile, su trasfondo…) estaba ahí. Ellos fueron capaces de exponerla en su máximo esplendor.”

Artista: R.E.M.
Disco: Green
Sello: Warner Bros
Año: 1988
Rem
Del sitio http://dylanbyrds.blogspot.com “Tenia muchas ganas de abordar en retrospectiva un album de los ochenta de R.E.M. Inicialmente la idea era tratar discos como Document o Life’s Rich Pageant (que son mis favoritos, todo sea dicho) pero finalmente he decidido abordar Green (1988), que fue el último que editaron en esa década y que marcó un punto y aparte en su carrera. En primer lugar, porque fue el primero que grabaron para la compañía multinacional Warner y segundo porque es quizás, el disco que originó su gira mas recordada y el momento de mayor esplendor de su carrera. Años después editaron Automatic For The People (para mi, su gran obra maestra) y otros discos igualmente memorables, pero creo que sobre Green pivota toda la época de mayor efervescencia de R.E.M. Aquella en la que eran indefinibles. Mitad independientes, mitad mainstreen. El momento en el que todos los ojos de crítica y público se depositaron sobre ellos.No es Green un album de diez. Y lo dice un seguidor devoto del grupo de Athens. No lo es porque en computo global, no puede competir con sus dos albumes precedentes o la citada cumbre de 1992. Aunque el peso específico de este disco en la carrera de R.E.M es muy importante. Pop Song 89, Orange Crush y Stand, singles que se extrajeron de la colección, volvían a demostrar ese gen infalible que tenían para parir temas absolutamente redondos. Lo habían hecho en todos sus discos anteriores (incluido el complejo Murmur, su album debut) y lo volvían a hacer. Se había convertido en una marca de fábrica. Pero Green daba un paso hacia adelante en aspectos instrumentales como el uso de la característica mandolina de Peter Buck (que luego abordaron con éxito en Losing My Religion) y a nivel lírico, con algunas letras de Stipe ciertamente atrevidas”.

Artista: MASSIVE ATTACK (por Videovinilos)
Disco: Blue Lines
Sello: Wild Bunch Records
Año: 1991
MAssive
El disco debut de este colectivo artístico de Bristol conformado en torno al sello Wild Bunch y la escena de la música Dance y los Djs de Inglaterra de fines de los 80s y comienzos de los 90s.
No tomó mucho tiempo para que éste debut se convirtiera en un clásico y pionero del trip-hop de esa época, con un primer single grabado con Tricky, otro miembro de Wild Bunch.

Artista: THE WHITEST BOY ALIVE (por Videovinilos)
Disco: Rules
Sello: Asound/Bubbles
Año: 2009
Whitest
Segundo (y último) disco de esta banda, que en palabras del propio Erlend Oye, se da a partir de que Daniel Nentwig se une al proyecto a tiempo completo, para tocar el Fender Rhodes y un sintetizador italiano de la marca Crumar. Esto provocó que la música se tornara más orgánica, al punto que este disco surge de las pruebas de sonido e improvisaciones al terminar los más de 120 conciertos que dieron entre Europa y Méjico.

Artista: SUGARCUBES
Disco: Life’s too good
Sello: One Little Indian
Año: 1988
Sugarcubes
El álbum debut del quinteto de Reykjavik se convirtió en el disco más importante e influyente en la historia del rock islandés, un honor que sigue conservando luego de 30 años de haberse publicado, en abril de 1988. La banda se había formada el 8 de junio de 1986 por Bragi Ólafsson (bajo), Þór (Thor) Eldon (guitarra) y Bjork Guðmundsdóttir (voz, teclados), justo el día en que nacía Ildri Eldon, el hijo del para entonces matrimonio de Þór y Bjork. Poco después se unieron Einar Örn Benediktsson (voz, trompeta) y Sigtryggur “Siggi” Baldursson (batería). Cada uno de ellos tenía experiencia previa en varios grupos, siendo Bjork la más precoz ya que a los 11 años ya había grabado y editado un disco y todavía adolescente se unió a la banda post punk Tapi Tikarrass, con la que grabó dos discos antes que la banda se disolviera en 1983. Mientras, Siggi formaba parte del grupo Þeyr y Örn y Ólaffson de la banda punk Purrkur Pillnikk. El interés po r el grupo comenzó con el lanzamiento de la canción “Birthday” como single en agosto de 1987, el cual despertó el interés de influyentes personajes como el locutor y productor de radio John Peel de la BBC, mientras el para entonces muy influyente semanario inglés NME lo declaró “Single of The Week” (Sencillo de la semana). La atención de la prensa británica no paró, lo cual generó interés de varios sellos discográficos importantes como Warner y Polygram, pero el grupo decidió seguir con el pequeño sello independiente de Derek Birkett, One Little Indian, que ofrecía total control creativo sobre su música y empaque del disco. La producción del disco corrió a cargo de Derek Shulman, parte fundamental de Gentle Giant, una de las más imaginativas y arriesgadas bandas británicas de los años 70. Sin duda, su participación fue clave.

Artista: JESUS AND MARY CHAIN
Disco: COME ON (EP)
Sello: Blanco & Negro
Año: 1989
JAMC
Otra banda que anunció visita a Chile, a 30 años del Automatic, revisaremos unos de sus discos rarezas, especialmente para coleccionistas

Artista: ERYKAH BADU (por Videovinilos)
Disco: Worldwide Underground
Sello: Motown
Año: 2003
Erikah
Más que un disco propiamente tal, éste fue presentado por Erykah como un EP, donde en vez de canciones con la estructura clásica, se presentan unas improvisaciones largas e ideas que van creciendo a lo largo del tiempo con una igual de creciente lista de invitadas e invitados que circulan entre canción y canción.

Artista: THE ROOTS (por Videovinilos)
Disco: How I Got Over
Sello: Def Jam Recordings
Año: 2010
Roots
Para enfrentar los tiempos difíciles no queda más que hacer las cosas bien… esa es la premisa que envuelve al noveno disco de estudio de la icónica banda de HipHop de Filadelfia liderada por Black Thought en la voz principal y ?uestlove en la batería, siempre muy bien acompañados de grandes artistas y de la fe, para demostrar “cómo es que lo superan”.

Podcast lunes 20 de mayo de 2019

DESCARGA(lunes 20): opciones aquí o http://www.mediafire.com/file/21ufy30aaor7dqs/perd190520.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

Programa lunes 20 de mayo de mayo de 2019, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Partiremos con un machacante beat ácido que irá de a poco horadando el tímpano, bajaremos a las profundidades propuestas por el sello Erased Tapes, nos subiremos a un dromedario mágico y volaremos a visitar a unos colegiales al ritmo del cansino Tuareg, conoceremos la propuesta de una novel irlandesa que juega a ser una cruza de Grouper y Julee Cruise y remataremos con el nuevo disco de uno del colectivo de animales.

Artista: DUNGEON ACID
Disco: Dungeon Acid
Sello: iDEAL
Año: 2019
Dungeon Acid - 2019
Del sitio https://www.clubbingspain.com Primer álbum de Dungeon Acid. El sello sueco iDEAL Recordings publicó ayer por sorpresa el primer álbum de Jean-Louis Huhta con su alias Dungeon Acid. Se trata de un álbum homónimo que el productor y baterista sueco considera su verdadero álbum de debut ya que anteriormente ha publicado otros trabajos de larga duración en cassette. Jean-Louis Huhta lleva en el negocio de la música desde los años 80, cuando en su adolescencia tocaba en grupos de punk como Cortex o Anticimex o recorría el Reino Unido en una camioneta sin asientos con Napalm Death. Posteriormente llegarían sus primeros experimentos en la electrónica de baile con Lucky People Center, el rock ritual de The Skull Defekts y las sesiones de música electroacústica con gente como Zbigniew Karkowski y CM von Hausswolff.

Artista: DAVID ALLRED
Disco: The Transition
Sello: Erased Tapes
Año: 2018
david allred - the transition
El primer álbum en solitario de David Allred (colaborador de Peter Broderick en Find the Ways del año pasado) es una secuencia cuidadosamente construida, que desarrolla ideas de cambio a lo largo de etapas de la vida, pero que va más allá de las observaciones obvias en el carro alado del tiempo. Por ejemplo, “Para Catherine E. Coulson” es un tributo instrumental simple pero sorprendentemente hermoso a la actriz que interpretó a Log Lady en Twin Peaks. Las narraciones y los tonos vocales de Allred recuerdan algunas de las composiciones más finas de Mark Kozelek, como en “Randy y Susan”, donde la corrupción juvenil finalmente conduce a un inicio de deterioro físico. El acompañamiento de piano plangent se juzga perfectamente a lo largo de la pista. La producción del álbum es particularmente exitosa, con un tratamiento de armonías claramente endeudado con Brian Wilson en temas como “The Garden”, pero Allred está dispuesto a correr algunos riesgos que persuaden sin que se sienta forzado. Es un movimiento valiente, y está completamente justificado por el resultado.

Artista: TROUPE ECOLE TUDU
Disco: Oyiwane
Sello: Sahel Sounds
Año: 2018
troupe ecole tudu - oyiwane (sahel sounds, 2018)
Un grupo muy joven de Agadez, como podría adivinar por su imagen en la portada, un sexteto de cantantes que comenzaron como un proyecto escolar, pero grabaron su hermosa música para un álbum que originalmente solo se publicó en cassette. Hay algunas corrientes tempranas muy geniales de la guitarra Tuareg en la mezcla – una especie de snakey, líneas casi siniestras que se hunden, giran y pulsan – estableciendo un ritmo que se equilibra con las voces del cantante – casi como una transformación de África del Norte tipo de armonías que eran más conocidas de la escena sudafricana, pero con un borde mucho más áspero.

Artista: MARIA SOMERVILLE
Disco: All My People
Sello: Autoeditado https://mariasomerville.bandcamp.com/
Año: 2019
maria_somerville-all_my_people-2019
Maria Somerville dibuja en formas folclóricas junto con post-punk, motivos tradicionales irlandeses, pop de ojos estrellados y drones hipnóticos para crear música totalmente original que nace de sus raíces en Connemara, Irlanda del Oeste. All My People (autoeditado el 1 de marzo y distribuido por Rush Hour), canaliza el desierto del paisaje irlandés a través de paisajes sonoros densos y etéreos, percusión con huesos desnudos y una tenue resaca electrónica, intercalada con voces fantasmales que están siempre presentes y que abarcan todo, como reflejos cristalinos de la luz del sol asomándose a través de oscuras nubes tormentosas. Si estás entre Grouper y Julee Cruise este es tu álbum para este otoño-invierno.

Artista: AVEY TARE
Disco: Cows on Hourglass Pond
Sello: Domino
Año: 2019
Avey Tare Cows On Hourglass Pond
Del sitio https://www.mondosonoro.com/ El miembro de Animal Collective ha decidido apostar en esta ocasión por abandonar la senda más enigmática y ambiental de su anterior “Eucalyptus”, llegando el momento de ofrecernos pequeñas pinceladas que resumen muy bien lo mostrado hasta la fecha de su proyecto en solitario, a la par de intentar revolucionar su propuesta con influencias electrónicas no habituales. Este es el caso de la inicial “What’s The Goodside?”, una canción donde la base resulta totalmente persistente entorno a un ritmo bastante techno que poco a poco se va esfumando según llega el final del tema. De este modo, el sonido orgánico asociado a elementos como las guitarras acústicas que tanto despuntaron en discos míticos como “Sung Tongs”, son capaces de integrarse con unos beats que destacan más que de costumbre. Así surgen canciones tan certeras como “Saturdays (Again)”, atravesando diferentes etapas que conectan un carácter rítmico intrépido con ese cierto aire onírico que posee el propio timbre vocal de Avey Tare al alargar las estrofas. Más señas de identidad de lo más marcadas aparecen en el momento en el que el norteamericano remarca los loops más robóticos, generando un ambiente rupturista en las canciones de tempos más reducidos como es el caso de “Nostalgia in Lemonade”. Dentro del apartado de mayores giros mostrados a lo largo del disco, destaca sobremanera “Our Little Chapter”, sintiendo muy de cerca la intención de ir sumando capas con las que alcanzar el clímax perfecto. A pesar de ello, los mejores momentos del trabajo llegan cuando el músico se vuelve a sumergir en la zona de confort, es decir, aquella en la que los sobresaltos llegan de una forma totalmente progresiva y camuflada entre una perfecta nebulosa de sonidos una vez más de aspecto totalmente orgánico. Este puede ser el caso de “Taken Boy”, un tema que de forma sigilosa logra culminar la máxima muestra de lo sugestivas y asociadas al mundo natural que pueden estar sus canciones. Todo esto se remata en la recta final del trabajo, donde apuesta por un apartado melódico más marcado, aquel donde las piezas del puzzle encajan de forma precisa. De esta forma logra una nueva exhibición de innovación pero también de coherencia entorno a lo ya mostrado.
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Podcast lunes 13 de mayo de 2019

DESCARGA(lunes 13): opciones aquí o http://www.mediafire.com/file/q5gfi3akhehygbn/perd190513.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador






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