Bitácora: Un barniz de lo que fue el anarco punk al inicio, luego descendemos al palpitar de teclas de marfil en un estudio de grabación de los más exquisitos que hay, volamos a Corea para rescatar ese trozo de muscas contaminadas con el occidente, volemos luego a Hamburgo a un nueva agrupación que se alimenta de lo que hicieron coterráneos unos 50 años atrás. Revisitaremos a una de las bandas más queridas por Perdidos y remataremos con un
Artista: Varios (Zounds, The EX y más)
Disco: Cease & Resist – Sonic Subversion & Anarcho Punk In The UK 1979-1986
Sello: Optimo Music
Año: 2023
El anarcopunk fue el único subgénero del punk que surgió aislado del establishment del rock & roll. Durante sus días pioneros a principios de los años 80 prosperó en oposición a la industria musical, existiendo como una alternativa ferozmente underground a las bandas, sellos y salas de la escena punk comercializada y dominante. Sigue haciéndolo. El anarcopunk representó uno de los últimos movimientos musicales verdaderamente underground y autónomos que se han visto y sigue siendo un movimiento que nunca se ha vendido y nunca ha desaparecido. La principal diferencia entre los grupos de anarcopunk y los grupos punk más tradicionales era que para los primeros, aunque a menudo más debido a la limitación musical que a la intención, el mensaje era más importante que la música. Las estructuras estándar de las canciones a menudo se dispersaban en favor de una polémica lírica implacable acompañada de un asalto auditivo igualmente intransigente. A medida que la escena fue creciendo, también lo hizo la diversidad de discos que surgieron bajo el paraguas del Anarcho Punk: desde D & V (batería y voz) hasta el synth-pop proto-EBM del one-man Hit Parade de Belfast y el híbrido dadaísta Beefheart de The Cravats. En épocas posteriores, los dos grupos más importantes de la escena, Flux of Pink Indians y los propios Crass, lanzaron LP que tenían más en común con el jazz improvisado que con el hardcore punk. La rotunda victoria del Anarcho Punk es que ahora es la banda sonora unificadora de una cultura de resistencia que se extiende desde Escocia hasta Indonesia y sigue sin concesiones. Sigue tan alejado de la música mainstream y se opone a la cultura convencional como hace más de cuarenta años y no muestra signos de cambio. Todo lo contrario: cuanto más popular se vuelve el Anarcho Punk, menos tiene que relacionarse con el establishment
Artista: OTTO TOTLAND
Disco: Exin
Sello: Leiter
Año: 2024
En un campo repleto de álbumes de piano, hay algo que distingue a Otto A. Totland. Es difícil saber con certeza por qué, pero su música tiene una cualidad mágica que la eleva y la hace trascender lo común. Quizás sea por su talento para las melodías memorables, o su habilidad para crear secuencias de acordes cautivadoras, su exquisito ritmo, la colocación perfecta de sus tenutos, el magnífico fraseo de su interpretación, el excepcional diseño de sonido (gracias al Funkhaus Studio de Nils Frahms), o su apertura a hacer referencia a otros géneros, o tal vez todo lo anterior. Es difícil estar seguro. Sea lo que sea, hay una dulzura aquí que realmente te alegrará el día. El nuevo álbum Exin nos cautiva desde la melodía inicial con la hermosa melancolía de “Savely”. “Seveight” gira a través de un compás inusual (mira de cerca el título y te darás cuenta de cuál es). “Fivril” nos recuerda esa escena fascinante de American Beauty donde la bolsa de plástico gira con el viento como si estuviera bailando. Si “The French” recuerda los impredecibles cambios armónicos y patrones de mano izquierda de Erik Satie, “Marka” nos transporta aún más atrás, al mundo de la suite de danza barroca, antes de que “Tapper”, con tintes de jazz, nos lleve de regreso al siglo XX. “Ono” es un punto culminante particular, con una melodía chispeante, al igual que “Soma”, una canción que sería la banda sonora perfecta para una puesta de sol. Cada canción termina antes de que te des cuenta, como pequeños fragmentos de belleza que pasan velozmente en el arroyo, dejándote con ganas de más.
Artista: KANKAWA NAGARRA
Disco: Wirlmarni
Sello: Mississippi Records
Año: 2024
Wirlmarni’ expone a la anciana Walmatjarri, maestra, defensora de los derechos humanos y activista medioambiental Kankawa Nagarra al resto del mundo, captando su blues, country y gospel australianos in situ, acompañados por el canto de los pájaros y el chirrido de los grillos. Conocida como la Reina del Delta del Bandaral Ngadu, Kankawa nació en las tierras tradicionales de los pueblos Gooniyandi y Walmatjarri del noroeste de Australia, y creció cantando canciones tribales en ceremonias culturales locales. Como muchos de sus contemporáneos, fue separada de su familia y enviada a la misión, donde le enseñaron a cantar canciones gospel e himnos, y cuando la enviaron a trabajar en la tierra, la música country resonó en el aire. Años más tarde, el despertar musical de Kankawa se produjo cuando se topó con un músico callejero a la puerta de una tienda en Derby que estaba interpretando standards de blues. A esa altura ya había oído rock and roll, pero el blue conectó con ella, ofreciéndole un marco para su expresión. “Wirlmarni” se grabó cerca de la casa de Kankawa en Wangkatjungka, Australia Occidental, y encapsula sin esfuerzo su calidez y empatía, intercalando sus canciones con breves e ingeniosos comentarios que amplían el alcance del álbum. Pero es la calidad de las grabaciones en sí mismas lo que marca la gran diferencia aquí. Suena como si estuviéramos sentados afuera con Kankawa, escuchando la vida salvaje mientras toca y canta. Sus canciones tocan temas religiosos, pero a menudo se refieren a las luchas ambientales que ha presenciado mientras el planeta ha sido arrasado rápidamente con fines de lucro. El álbum viene con traducciones de las letras de Kankawa, historias y notas de portada de la propia Kankawa. Es “lo más cerca que puedes estar de pasar tiempo con la gran Kankawa en persona”, explica Mississippi en el comunicado de prensa que acompaña al álbum.
Artista: LOVE-SONGS
Disco: Passive Progressive
Sello: Phase Group
Año: 2024
Los ritmos krautrock de los hamburgueses Love-Songs encajan a la perfección con la nómina del Phase Group de Glasgow (Lo Kindre, Kulku, Ayaz) en ocho partes sutilmente psicoactivas impulsadas por un ritmo sucio por debajo del cinturón común a ambas ciudades…”Love-Songs es el trío formado por Thomas Korf (electrónica + voz), Sebastian Kokus (bajo) y Manuel Chitka (percusión) que hacen música electroacústica cósmica inspirada en el kraut. Muchos estarán familiarizados con su producción anterior en sellos maravillosos como Kame House y Bureau B.
‘Passive Progressive’ aterriza en forma de 8 temas fascinantes que nos llevan a territorios oníricos y con ecos psicodélicos, donde la electrónica moduladora y las voces con efectos de Korf se ondulan sobre la sección rítmica de percusión y bajo proporcionada por Kokus y Chitka. A lo largo del álbum, la banda cuenta con la colaboración de un gran número de músicos invitados y amigos de las escenas musicales underground y experimentales de Berlín y Hamburgo, que aportan trombón, mbira, clarinete, flauta y sintetizadores adicionales y voces para realzar la paleta de sonidos únicos y expansivos de estas increíbles pistas. Como ocurre con la mayor parte del material que hemos publicado en Phase Group, se trata de música difícil de definir, que se presta igualmente bien para crear atmósferas trascendentales en los primeros momentos de un tipo especial de concierto en un club, como para poner banda sonora a una experiencia auditiva personal profunda y alucinante. No tenemos ninguna duda de que el sonido que Love-Songs ha creado con Passive Progressive será recibido con entusiasmo por todos los viajeros sonoros y los fans del sello, y estamos encantados de darles la bienvenida a la familia Phase Group”.
Artista: GALAXIE 500
Disco: Uncollected Noise New York ’88-’90
Sello: Silver Current
Año: 2024
El trío de dreampop/slowcore de Massachusetts (o lo que sea, teniendo en cuenta que esas categorías son posteriores a la banda) Galaxie 500 tuvo una trayectoria profesional indie bastante ideal. Un año más o menos de preparación, tres buenos álbumes en tres años, todo en partes iguales. En los años intermedios, esos álbumes se han reeditado y reevaluado y ha salido a la luz un poco de material adicional, pero además de posibles grabaciones en vivo, Uncollected Noise New York ’88-’90 debería marcar el final de la carrera de la banda. Es lo que dice ser, 24 canciones grabadas en los estudios Noise New York bajo la égida del legendario productor indie Kramer durante las sesiones de sus álbumes. Aunque, de manera poco prometedora, el único material inédito son ocho canciones que presumiblemente no se consideraron lo suficientemente buenas como para estar en la caja recopilatoria Galaxie 500 de Rykodisc de 1996 o en el álbum Uncollected de 2004 o incluso como pistas adicionales en los álbumes, Uncollected Noise New York tiene una forma agradable y un flujo satisfactorio que lo hace parecer más que una colección de recortes. Naomi Yang, Dean Wareham y Damon Krukowski contribuyen con notas a esta colección, y los tres hablan con nostalgia, aunque a veces con desprecio, sobre las grabaciones. Agradablemente presentada en orden cronológico, es -naturalmente, al tratarse de Galaxie 500- una colección modesta, en su mayoría discreta, pero en la que se puede escuchar al trío emerger de un capullo de adoración a Velvet Underground, Feelies y Jonathan Richman hacia su propia identidad completamente desarrollada. En la caja del 96, todos los extras estaban claramente subordinados a los álbumes, pero presentarlos por separado hace que sus virtudes sean más fáciles de apreciar, lo que da como resultado un hermoso documento del desarrollo de un grupo cuya singularidad se pasa por alto fácilmente. En parte, esa singularidad es fácil de pasar por alto porque las primeras influencias de la banda nunca fueron tan trascendidas o rechazadas como completamente internalizadas. En las primeras pistas, la influencia de Velvet Underground y especialmente de Feelies brilla como huesos a través de una piel translúcida, pero -para seguir con esa tonta metáfora- la propia identidad de la banda llena los rasgos hasta dominar las canciones.
Artista: WILLIAM BASINSKI
Disco: September 23rd
Sello: Temporary Residence Ltd.
Año: 2024
El primer lanzamiento de la nueva serie Arcadia Archive de Basinski, ‘September 23rd’, se remonta al comienzo mismo de su carrera, grabado en 1982 con una grabadora de casete portátil y basado en una pieza de piano conmovedora que compuso cuando todavía estaba en la escuela secundaria. Ruidoso e inefablemente hermoso, es como ‘A Red Score In Tile’ doblado en un túnel de viento. Basinski vivía en Jay Street en Brooklyn cuando hizo ‘September 23rd’. Grabó el piano en la casa de su vecino de abajo, John Epperson, usando una grabadora de casete portátil barata mientras improvisaba una pieza que había estado desarrollando desde que era un adolescente a mediados de los años 70. Y aunque admite que los resultados fueron “bastante terribles”, después de algunos empalmes de cinta al estilo de Burroughs, comenzó a surgir algo más formado, por lo que hizo pasar el nuevo collage a través de un sistema de realimentación/retardo de cinta que basó en el modelo Frippertronics, y nació “September 23rd”. Es una pieza bastante única para Basinski, una que depende menos de la decadencia de movimiento lento y se preocupa más por la dinámica y el drama. El piano original se presenta desnudo al principio, pero se ve ahogado por un ruido denso y gaseoso, el tipo de niebla industrial sibilante que hizo que la banda sonora de “Eraserhead” de David Lynch fuera tan duraderamente aterradora. Basinski mantiene este movimiento en todo momento, tejiendo el peculiar y saturado fuzz dentro y fuera de sus bucles y frases dilatados, al estilo de Satie. A lo largo de 40 minutos, “September 23rd” cambia de forma paciente pero decidida, licuándose y solidificándose a medida que los elementos centrales evolucionan sutilmente. Incluso en esta etapa temprana de su evolución, Basinski es un maestro del suspenso, trabajando con la repetición solo para dejar caer cosas en silencio o impulsar la composición hacia una cacofonía ensordecedora. Es un material que no se diferencia mucho del “Flux” de Robert Turman, que esconde su complejidad en movimientos meditativos y rítmicos que parecen respirar mientras mutan con cautela.
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