Bitácora: Partiremos con un sinónimo de convergencia de: jazz, soul, rock, psicodelia y vanguardia, luego un ex WIRE con su voz cansina nos vuelve a sacudir el oído, luego un ruso que nos lleva a esos terrenos insondables y cavernosos. Desde Francia la experimentación en piano y voz hablada. Luego un poquito de psicodelia pop de manos de unos expertos y cerraremos con un fino gustito del sr. Patton.
Artista: DOROTHY ASHBY
Disco: Afro-Harping
Sello: Verve
Año: 2024
Si la caja recopilatoria “New Land With Strings Attached” del año pasado (ver Jazzwise 287) ayudó a reavivar el interés por Dorothy Ashby, esta nueva reedición de su LP de 1968, “Afro-Harping”, no hará más que avivarlo. Afro-Harping, el primer álbum de Ashby para Cadet, filial de Chess, ha sido reeditado en numerosas ocasiones, pero esta puede considerarse la versión definitiva, eclipsando incluso al original. ¿Por qué? En parte por el sonido: el ingeniero Alex Wharton ha vuelto a las cintas maestras analógicas originales y, utilizando equipos antiguos de Abbey Road, ha producido un nuevo máster de una calidad asombrosa: detallado, contundente, holográfico, creado pensando en el gusto del público moderno, pero con auténtica calidez y realismo; revela capas inéditas en ediciones anteriores. Además, las prensas (en vinilo transparente o negro) de Pallas son impecables. Pero el empaque y la investigación también son dignos de mención: la funda desplegable y el folleto, bien documentado e ilustrado, ofrecen no solo información detallada de la sesión, sino también contexto sociomusical (el ensayo de Seán Casey, de la revista Shindig!, es excelente). Lo más gratificante es que el equipo de Verve ha logrado identificar (y reconocer) a los músicos que participaron por primera vez.
Artista: EDVARD GRAHAM LEWIS
Disco: Alreet
Sello: Upp Records
Año: 2025
Casi cuarenta años después de su primer álbum en solitario, el bajista y vocalista de Wire podría haber publicado su mejor trabajo hasta la fecha, según Jeremy Allen. En 1986, Lewis, bajista de Wire, lanzó su primer disco en solitario, Hail, bajo el alias He Said. Con Bruce Gilbert y Brian Eno, debería haber sido aclamado como el gran trabajo que fue, pero resultó ser un comienzo desfavorable, ya que se vio eclipsado por su regreso a Wire tras casi seis años de inactividad. Gran parte de lo que Edvard Graham Lewis ha hecho desde entonces bajo diversas apariencias ha permanecido en un segundo plano, pero ha persistido a pesar de esa indiferencia inicial. Y nos alegra que lo haya hecho, porque Alreet? bien podría ser su obra maestra de finales de su carrera, sin un solo momento de debilidad. El título frívolo —un cálido saludo desde el noreste— contradice el considerable logro que aquí se presenta. Bajo el apodo escandinavo de su nombre completo (Edward se convierte en Edvard), Lewis ha publicado tres álbumes, dos de los cuales se publicaron uno junto al otro en 2014: All Under, con un fuerte componente de ruido ambiental, y All Over, con un componente más musical, aunque ambos tendían a desviarse por la tangente. Alreet? consolida ambos y añade otra década de experiencia al repertorio. A sus setenta y un años, la voz de Lewis se ha profundizado hasta convertirse en un barítono autoritario pero aún vulnerable, que resuena como un Johnny Cash de la última época. Los versos iniciales de «Kinds of Weather» («no volverás a pasar por aquí / nunca tendré el placer / no volverás a pasar por aquí / en busca de tesoros sónicos») ciertamente sugieren una conclusión, aunque también es una despedida, con un trasfondo palpitante que nos implora a seguir adelante, independientemente de esta combativa salva inicial.
Artista: PAVEL MILYAKOV
Disco: Enthropic Vision
Sello: PSY X records
Año: 2024
Ya sea minimal acid alucinógeno, paisajes sonoros industriales abstractos, techno experimental aturdido o música pseudocoral, el productor experimental Pavel Milyakov es el maestro indiscutible de las vibraciones inquietantes. Siempre he considerado su música algo devocional, arraigada en la tradición espiritual tarkovskiana, aunque el objeto de devoción sigue siendo objeto de debate. Emana la misma aura seductora y trascendental que caracterizaba el cine de autor ruso, evocando sentimientos esquivos de anhelo, esperanza, arrepentimiento y fe. En los últimos años, Milyakov también se ha convertido en un colaborador frecuente, y su último lanzamiento incluye cuatro apariciones como artista invitado. El productor holandés Torus contribuye a la inmersiva y tranquila melodía de trance break «Eternal Break». Richie Culver es la fuerza gravitatoria de dos piezas de palabra hablada hauntológicas: la composición ambiental «Tesco», con aires de Burial, y la melodía «Drifting Off», inspirada en UKG. La interpretación vocal de la polaca Martyna Basta en el tema cinematográfico de dark ambient «Moon Chant», un canto de sirena para el plenilunio, toca todos los puntos sensibles de la melancolía, y Yana Pavlova(QEPD), quien ya colaboró con Milyakov en el lacrimógeno blues post punk de 2021, BLUE, ofrece una interpretación magistral del etéreo slowcore final «The Thrill» (piensen en Dean Blunt y Joanne Robertson). Sin embargo, es la devastadora obra maestra del emo trance «Gabba 17» la que realmente destaca para mí. Pocas melodías me han impactado tanto como su motivo de sintetizador hipernostálgico, entrelazado con bombos de gabber distorsionados y voces fantasmales. Con una belleza apocalíptica, me hace sentir miserable y extasiado al mismo tiempo.
Artista: FELICIA ATKINSON
Disco: Space As An Instrument
Sello: Shelter Press
Año: 2024
A partir de ingredientes sencillos —palabras habladas, grabaciones de campo, algunas notas de piano—, la compositora francesa construye intensos mundos de sentimiento. Los acompañamientos de palabra hablada de Félicia Atkinson a las canciones de su nuevo álbum son galos e íntimos. Sus palabras, con un suave acento, se deslizan en el oído mientras, en el tema inicial «The Healing», habla sobre la contemplación, «de pie, pero sin afrontar completamente lo que tengo delante». Habla sobre un piano solitario que toca una melodía melancólica, el tenue aleteo de un pájaro y los sonidos que emite una persona al rozar una grabadora. El trabajo de Atkinson se basa en grabaciones de campo, que realiza en entornos convencionales, es decir, fuera del estudio. Pero el álbum también gira en torno al piano, que Atkinson graba con su teléfono, fusionando campo y estudio de una manera que subvierte la práctica musical estándar y contribuye a su mundo sonoro inestable y multifacético. Space In An Instrument, como su título indica, es un álbum con temas cósmicos: los amplios espacios que nos rodean y nos cubren, pero también los espacios interiores. Los paisajes sonoros íntimos de Atkinson y sus capas de ruido, tanto consecuentes como intrascendentes, registrados por igual por sus dispositivos portátiles, son un medio muy eficaz para abrir los paisajes interiores. Su voz es descaradamente seductora, a veces inteligible, a veces utilizada como instrumento, más que como un recurso lingüístico. ¿A quién no le gustaría que le susurraran francés suavemente al oído? Sin embargo, Atkinson se mantiene en el lado correcto de la autocomplacencia, equilibrando la tranquilidad con la perturbación, con una voz a veces demasiado insistente o extrañamente duplicada. Mientras tanto, los paisajes electrónicos dibujan un paisaje sonoro en constante cambio de ruido intencional y accidental. Reflejando fielmente los recovecos de la mente, la música de Atkinson nunca es del todo serena ni completamente tranquila.
Artista: ROSE CITY BAND
Disco: Sol y Sombra
Sello: Thrill Jockey
Año: 2024
Del sitio https://www.mondosonoro.com/: “Estoy seguro de que, todos los que amamos la música y no renunciamos a seguir indagando sin descanso en los nuevos lanzamientos que salen semana a semana, nos hemos tenido que enfrentar alguna vez a la típica pregunta de ese amigo que se quedó anclado en los clásicos del pasado y te suelta un sonoro: Pero… ¿no te cansas? ¿No te hartas de buscar entre tanta morralla? Y debo reconocer que, si este no fuera mi oficio, es posible que hubiera atravesado etapas de desencanto. Pero, claro, luego uno da con un disco como este “Sol y sombra”, se olvida del tiempo perdido y vuelve a recuperar la fe. Vuelve a pensar que ha merecido la pena no desistir para degustar de unos sonidos tan elegantes como cristalinos. Y no es que la Rose City Band sean unos auténticos desconocidos, pero es cierto que Ripley Johnson, su líder, se ha manejado siempre en los márgenes del universo de la Americana Music, ya sea con este proyecto, o con otros de corte más duro y psicodélico como Wooden Shjips o Moon Duo. “Sol y Sombra” es el quinto trabajo de la banda integrada por el ya mencionado Ripley Johnson, muy bien arropado por Barry Walker a la pedal steel, Paul Hasenberg a los teclados y John Jeffrey a la batería. Músicos veteranos que saben dar el contrapunto perfecto para que todo suene tan niquelado como compacto. Y es que una de las mayores virtudes de este disco es la delicadeza con la que los instrumentos empastan entre sí. El ensoñador vibrato alargado de la pedal steel con la suavidad de la base rítmica y la susurrante voz de Ripley Johnson. Una elegancia que remite a la alcanzada por otras bandas como los Mojave 3 de otro artesano de la sonoridad como Neil Halstead, los Lambchop de Kurt Wagner o en algún momento más puntual los Luna de Dean Wareham o incluso el Jonathan Wilson más sosegado”.
Artista: DALEK
Disco: Negro Necro Nekros
Sello: Ipecac Recordings
Año: 2024
Ipecac de Mike Patton lanza una reedición ampliada en vinilo del EP debut de Dälek de 1998, con nuevas versiones mejoradas y reforzadas con instrumentales extra, demos y remixes para los amantes del hardcore. El EP original de cinco temas situaría al dúo MC Dälek, el microfonista, y el productor Oktopus, en los límites del hip hop de finales de los 90, en una zona cercana al illbient de Spectre, Company Flow y Cannibal Ox de El-P, DJ Shadow o RZA, y los primeros trabajos de Kevin Martin. Eran conscientemente más extraños que el gangsta rap contemporáneo predominante, y expandirían el lenguaje del hip hop con un toque oscuro y psicodélico que posiblemente les valió más seguidores en el Reino Unido y la Unión Europea que en Estados Unidos, lo que resultó en colaboraciones posteriores con Skam Records de Manchester y Zhark de Kareem en Berlín, adonde se mudaron en 2010.Dälek es un trío formado por el líder y MC Dälek (alias Will Brooks), quien, a mediados de los 90, colaboró con Oktopus (Alap Momin) y Joshua Booth en una serie de canciones con influencias de Public Enemy y Einstürzende Neubauten. Los resultados son a veces tan espectaculares que desafían la creencia: la combinación perfecta de noise y rap con conciencia social. Algo que debería haber revolucionado el rap para siempre, pero que a día de hoy es relativamente desconocido, salvo para quienes conocen la banda y hablan de ella con reverencia.
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