Bitácora: Pop de letras bajadas de la mejor factura con el proyecto de un solo personaje, melodías analógicas que se disparan al hiperespacio, una voz nueva de esas que llaman la atención por lo frágil y potente al mismo tiempo,
Un homenaje la mbira y su sonoridad mesmerizante, visita a la prehistoria a un mundo que ya no existe y que dejó este legado inmesmerizante y cerramos con melodías policulturales que nos devuelven a la vida a las tremendas tujiko noriko y a julianna barwick.
Artista: THE REDS, PINKS & PURPLES
Disco: The Past Is a Garden I Never Fed
Sello: Tough Love
Año: 2025
Este álbum funciona como una antología de rarezas, lados B y piezas previamente inéditas que, lejos de sentirse como un archivo disperso, conforman un cuerpo coherente y emocionalmente resonante. La propuesta musical se sostiene en una estética lo-fi melancólica, con arreglos sencillos y guitarras envolventes que evocan el indie pop de los años noventa, pero con una sensibilidad contemporánea y profundamente introspectiva. Las catorce canciones que componen el disco se articulan como viñetas autobiográficas, donde el artista explora con ironía y ternura los dilemas de la madurez, la nostalgia y la persistencia creativa. Temas como “The World Doesn’t Need Another Band” abren el álbum con una crítica mordaz al exceso de propuestas musicales, mientras que piezas como “I Only Ever Wanted To See You Fail” revelan una vulnerabilidad que se entrelaza con el desencanto y la autocrítica. La voz, cercana al tono de Matt Berninger (The National), se desliza entre capas de reverberación y melodías suaves, generando una atmósfera íntima que invita a la contemplación. A pesar de su carácter recopilatorio, el disco logra una unidad estética que lo convierte en una puerta de entrada ideal al universo sonoro de The Reds, Pinks & Purples. Su capacidad para transformar lo residual en esencial confirma el talento de Glenn Donaldson como artesano de la melancolía pop.
Artista: MARC MELIÀ
Disco: Pièces Monophoniques
Sello: Vlek
Año: 2025
Este tercer trabajo solista del compositor mallorquín, residente en Bruselas, se construye íntegramente con un sintetizador monofónico analógico, sin sobregrabaciones ni capas adicionales. La propuesta se inscribe en una estética minimalista que reivindica la belleza de lo esencial, en contraste con la saturación digital contemporánea.
Cada pieza funciona como una meditación sonora, donde la repetición y la variación sutil generan una atmósfera hipnótica y contemplativa. El álbum se aleja de la narrativa convencional para explorar el sonido como fenómeno puro, casi ritual. La elección del sintetizador MFB Dominion no es casual: su carácter limitado se convierte en virtud, obligando al artista a una escucha profunda y a una ejecución precisa.
El resultado es una obra que dialoga con referentes como Conrad Schnitzler, Alessandro Cortini y Caterina Barbieri, pero con una voz propia que combina rigor técnico y sensibilidad poética. Pièces Monophoniques no busca impresionar, sino invitar al silencio interior, a la pausa y a la resonancia. Es un disco que se despliega lentamente, como una caminata solitaria por paisajes mentales, donde cada nota es una piedra, una sombra, una luz.
Artista: ANNAHSTASIA
Disco: Tether
Sello: Sacred Bull
Año: 2025
Este álbum debut de la cantautora de Los Ángeles se presenta como una obra de folk contemporáneo profundamente íntima, donde el minimalismo se convierte en herramienta expresiva. Cada canción está construida con una economía de recursos que magnifica la voz de Annahstasia, una presencia vocal singular que oscila entre lo etéreo y lo visceral.
El disco se compone de composiciones que exploran la vulnerabilidad, el deseo y la memoria, con arreglos que dejan espacio al silencio y a la resonancia emocional. La producción, austera pero precisa, permite que cada gesto sonoro adquiera una dimensión casi cinematográfica. Las letras, cargadas de simbolismo y delicadeza, invitan a una escucha pausada, como si cada verso fuera una confesión susurrada. “Tether” se aleja del folk tradicional para abrazar una estética más abstracta, cercana al ambient y al art pop, sin perder la raíz orgánica que sostiene su narrativa. La artista se posiciona como una voz emergente que rehúye el espectáculo para ofrecer un refugio sonoro, un lugar donde la introspección se convierte en acto político y poético. Es un álbum que no grita, pero que permanece.
Artista: CHAKA CHAWASARIRA
Disco: Useza
Sello: Nyege Nyege Tapes
Año: 2025
Este álbum es una celebración de la mbira como instrumento ceremonial y vehículo de trance, interpretado por uno de sus más virtuosos exponentes en Zimbabue. Grabado con una sensibilidad acústica que respeta la tradición oral, el disco se compone de seis piezas extensas que combinan progresiones hipnóticas con cantos rituales, evocando prácticas musicales que han sido desplazadas por la modernidad. La ejecución de Chawasarira revela una maestría técnica que transforma lo repetitivo en revelación. Cada tema se despliega como un ciclo de invocación, donde la mbira dialoga con el silencio, la voz y la memoria ancestral. El álbum no busca la espectacularidad, sino la inmersión: es música para escuchar con el cuerpo, para entrar en estados de atención profunda. La producción mantiene una estética cruda y directa, sin artificios, lo que permite que la riqueza tímbrica del instrumento se manifieste en toda su amplitud. Useza se inscribe en una línea de resistencia cultural, recuperando sonoridades que fueron marginadas por la colonización y el mercado global. Es una obra que honra el pasado sin nostalgia, y que propone una escucha activa como forma de conexión espiritual.
Artista: Varios Artistas
Disco: Spiritual Jazz 18: Behind the Iron Curtain
Sello: Jazzman
Año: 2025
Esta entrega doble de la serie Spiritual Jazz se adentra en los territorios musicales de Europa del Este y la antigua Unión Soviética, explorando grabaciones realizadas entre 1962 y 1988 bajo regímenes autoritarios. El álbum compila piezas raras y profundamente evocadoras que, a pesar de haber sido creadas en contextos de censura y vigilancia, logran transmitir una espiritualidad vibrante y una búsqueda estética audaz. La selección incluye artistas de Polonia, Hungría, Checoslovaquia, Alemania Oriental, Yugoslavia y Azerbaiyán, entre otros, revelando una escena jazzística que floreció en paralelo a la oficialidad cultural impuesta. Las composiciones oscilan entre el modal, el hard bop y el jazz experimental, con arreglos que incorporan elementos folklóricos locales y estructuras libres que desafían las convenciones del género. Cada pieza funciona como testimonio sonoro de resistencia, donde el lenguaje del jazz se convierte en vehículo de expresión personal y colectiva. La curaduría destaca por su profundidad histórica y sensibilidad política, ofreciendo una mirada panorámica a un continente dividido, pero musicalmente fértil. El resultado es un documento sonoro que no solo amplía el canon del jazz espiritual, sino que también reivindica la capacidad del arte para sobrevivir y florecer en condiciones adversas.
Artista: RACHIKA NAYAR & NINA KEITH
Disco: Disiniblud
Sello: Smugglers Way
Año: 2025
Álbum colaborativo entre las compositoras estadounidenses se presenta como una exploración emocional y onírica que combina ambient, folktrónica y elementos de música experimental. La obra se construye como una narrativa fragmentada, donde cada pieza parece emerger de un sueño distinto, con giros inesperados y texturas que oscilan entre lo etéreo y lo ruidoso. La apertura con “Give-upping” establece el tono: una belleza frágil que se descompone en un crescendo de distorsión emocional. A lo largo del disco, el piano introspectivo de Keith se entrelaza con las atmósferas post-rock y glitch de Nayar, generando paisajes sonoros que recuerdan tanto a bandas sonoras cinematográficas como a diarios íntimos. La presencia de colaboraciones vocales añade capas de vulnerabilidad y misterio, sin caer en lo solemne. Disiniblud no busca respuestas, sino estados de ánimo. Su estructura no lineal y su producción detallista invitan a una escucha profunda, donde lo cerebral y lo afectivo se funden. Es un álbum que se mueve entre lo sagrado y lo profano, entre la contemplación y el colapso, revelando una alquimia sonora que desafía géneros y expectativas.
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