Bitácora: Partiremos con alusión al ascenso del fascismo y la alienación digital, luego nos vamos a Irán en clave experimental, nos imaginaremos que ya estamos en noviembre y al frente en el escenario principal está por salir a escena Massive Atack, luego un ar de piezas imbuidas en el minimalismo y contemplación, luego jazz de cámara con tintes ambient y cerrando una bruma budista tibetana que te llevará a besarle el juanete a Shiva.
Artista: ANIKA
Disco: Abyss
Sello: Sacred Bones
Año: 2025
Este tercer álbum solista de la artista británico-alemana representa un giro radical en su trayectoria, alejándose de los paisajes electrónicos y dub que definieron sus trabajos anteriores para sumergirse en una estética cruda, visceral y profundamente analógica. Grabado en vivo en los legendarios estudios Hansa de Berlín, el disco se construye sobre una base de guitarras distorsionadas, bajos densos y baterías contundentes, evocando el espíritu del grunge noventero, el post-punk más áspero y la intensidad ritual de figuras como Genesis P-Orridge o PJ Harvey. Abyss es una obra atravesada por la frustración, la rabia y la confusión ante el estado del mundo contemporáneo. Las letras, directas y sin concesiones, abordan temas como la desinformación, el ascenso del fascismo, la alienación digital y la fragilidad emocional. Canciones como “Hearsay” y “One Way Ticket” funcionan como manifiestos políticos, mientras que “Walk Away” y “Buttercups” revelan una vulnerabilidad íntima que contrasta con la ferocidad instrumental. La voz de Anika, entre el recitado y el canto despojado, mantiene su sello característico: distante pero cargada de subtexto. El álbum rehúye la perfección técnica y abraza la imperfección como gesto de resistencia. Su producción minimalista y sin adornos busca reconectar cuerpo y mente en una era dominada por la hiperconexión y la vigilancia emocional. Abyss no ofrece respuestas, pero sí un espacio para la catarsis, la reflexión y el desacuerdo. Es un documento sonoro que interpela, incomoda y, sobre todo, se niega a mirar hacia otro lado.
Artista: AVA RASTI
Disco: The River
Sello: 130701
Año: 2024
Este álbum debut de la compositora iraní, radicada en Teherán, se presenta como una meditación electroacústica sobre la memoria, el duelo y la transformación. Concebido durante una residencia artística en Treviso, Italia, el disco toma como eje simbólico el río Piave, escenario de batallas históricas y espacio de contemplación personal. Rasti explora cómo los lugares retienen recuerdos y cómo el tiempo distorsiona las narrativas, inspirándose en la célebre frase de Heráclito: “Nunca entramos dos veces en el mismo río”. A lo largo de siete piezas, la artista manipula fragmentos de obras clásicas hasta volverlos irreconocibles, creando un tejido sonoro que combina ambient, música contemporánea, drone y diseño sonoro experimental. Temas como “The Dead Horse” y “Wound” evocan heridas invisibles con cuerdas graves, suspiros armónicos y texturas rasposas, mientras que “Swimming With Him” y “Embrace the Abyss” sumergen al oyente en corrientes emocionales fluctuantes, con percusiones improvisadas y frecuencias que se alejan como mareas. “Teardrop” y “I Remember” cierran el álbum con una calidez melancólica, donde los recuerdos se desvanecen y reaparecen como ecos distantes. La producción, austera pero precisa, revela una sensibilidad cinematográfica que recuerda a Fennesz, Clarice Jensen o Rutger Hoedemaekers, sin perder su identidad propia. The River no busca respuestas, sino acompañar al oyente en un viaje introspectivo, donde cada escucha revela nuevas capas de significado. Es una obra que se lee como un poema sonoro, profundamente humano y emocionalmente resonante.
Artista: MASSIVE ATTACK
Massive Attack – Gira 2025 / Próxima visita a Chile
Durante 2025, Massive Attack ha retomado su actividad en vivo con una serie de conciertos en Europa y América del Norte que han reafirmado su estatus como una de las propuestas más intensas y comprometidas del panorama musical contemporáneo. En sus presentaciones recientes, el dúo de Bristol ha desplegado un espectáculo audiovisual de alto impacto, donde la música se entrelaza con proyecciones que abordan conflictos geopolíticos actuales como la guerra en Gaza, la invasión rusa a Ucrania, la crisis climática y la desinformación digital. Estas intervenciones visuales no son meros acompañamientos, sino parte integral de una narrativa que busca confrontar al público con la crudeza del presente. El setlist ha incluido clásicos como “Angel”, “Teardrop”, “Safe From Harm”, “Unfinished Sympathy” e “Inertia Creeps”, junto a versiones de Bauhaus, Ultravox y Tim Buckley, interpretadas con una intensidad que oscila entre lo ritual y lo distópico. La presencia de Horace Andy y Liz Fraser en algunas fechas ha añadido una dimensión emocional y nostálgica, mientras que la puesta en escena, marcada por luces estroboscópicas y pantallas LED, refuerza el carácter inmersivo del concierto. Massive Attack llegará a Chile en noviembre como parte del festival Fauna Primavera, en el Parque Ciudad Empresarial de Santiago. Se espera que presenten su nuevo espectáculo junto a United Visual Artists, colectivo con el que han desarrollado una propuesta que explora la relación entre arte, tecnología y política. El público chileno podrá presenciar un show que no solo revisita los himnos del trip-hop, sino que los recontextualiza en un mundo fracturado, donde la música se convierte en acto de resistencia y reflexión.
Fecha: 8 noviembre
Link entradas: https://feverup.com/m/414344
Artista: MATTHEW BOURNE
Disco: This Is Not For You
Sello: The Leaf Label
Año: 2024
Este álbum marca el regreso del pianista y compositor británico a su instrumento principal, tras años de exploración con sintetizadores, dulcitones y colaboraciones experimentales. Concebido como una respuesta íntima a la instrucción “no borres nada”, el disco reúne nueve piezas grabadas en sesiones solitarias en su estudio de Yorkshire, donde Bourne se permitió dejar fluir ideas sin censura ni corrección. La obra se caracteriza por una estética minimalista y contemplativa, donde el piano se convierte en vehículo de memoria, duelo y gratitud. Cada tema está dedicado a personas cercanas o influencias musicales, como Keith Tippett, Bill Kinghorn o Brian Irvine, y se construye sobre estructuras abiertas, silencios prolongados y armonías suspendidas. El uso ocasional de cello y dulcitone añade color sin distraer del núcleo emocional del piano. Composiciones como “To Francesca”, “Dissemble” y “Dedicated To You, Because You Were Listening” destacan por su capacidad de evocar paisajes internos, con una técnica que abraza la imperfección como parte del proceso creativo. Bourne evita el virtuosismo y apuesta por la resonancia emocional, dejando que cada nota respire y se desvanezca con naturalidad. El álbum se presenta como un espacio de confianza, un refugio sonoro donde el oyente puede habitar la vulnerabilidad sin temor.
Artista: PATRICK SHIROISHI + PIOTR KUREK
Disco: Greyhound Days
Sello: Mondoj
Año: 2025
Resultado de una colaboración entre el saxofonista japonés-estadounidense y el compositor experimental polaco Piotr Kurek. El álbum surge de una conexión artística iniciada por la BBC en una sesión remota para el programa Late Junction, que dio pie a un diálogo musical espontáneo y profundamente intuitivo. A lo largo de siete piezas, el disco despliega una atmósfera de jazz de cámara minimalista con tintes ambient, donde el saxofón tenor de Shiroishi se entrelaza con el piano digital, teclados y bajo eléctrico de Kurek. La interacción entre ambos músicos se caracteriza por una sensibilidad compartida que evita el protagonismo individual, privilegiando el equilibrio y la escucha mutua. Las composiciones, como “Ceilings”, “Now I’m Broken Into” y “Lily’s Trace”, revelan una melancolía contenida, casi meditativa, que se expresa en frases musicales pausadas, silencios significativos y una textura sonora que evoca recuerdos difusos. Kurek aporta una producción delicada, con timbres suaves y modulaciones sutiles, mientras que Shiroishi transforma su instrumento en una voz quebrada, capaz de transmitir vulnerabilidad y contemplación. El álbum no busca grandes gestos ni clímax dramáticos; su fuerza reside en la intimidad y en la capacidad de sugerir más que afirmar. “Greyhound Days” es una obra que invita a la introspección, a dejarse llevar por el flujo emocional de cada nota, y a descubrir en la fragilidad sonora una forma de resistencia poética.
Artista: FRANCIS MORNING
Disco: Subtle Bodies
Sello: Lo Recordings
Año: 2024
Este álbum debut del artista estadounidense se inscribe en la serie Spaciousness del sello, y propone una exploración sonora de las capas energéticas no físicas que coexisten con el cuerpo humano. A través de quince piezas grabadas en cinta y ejecutadas en tomas únicas, el disco se convierte en una meditación sobre la impermanencia, la fragilidad y el desapego, inspirada en prácticas budistas tibetanas como la contemplación del aliento, los canales internos y la transitoriedad. La instrumentación se basa en piano eléctrico, guitarras procesadas, grabaciones de campo, sintetizadores analógicos y ruido de cinta, generando un paisaje sonoro lo-fi de gran calidez emocional. Las composiciones, como “Dreambody”, “Toward” y “Dissolve”, se construyen sobre bucles defectuosos, melodías fragmentadas y texturas que evocan el deterioro físico como metáfora espiritual. La estética glitch y el uso deliberado de imperfecciones técnicas refuerzan el carácter íntimo y artesanal del álbum. El resultado es una obra que se sitúa entre el ambient contemporáneo, la música de cassette y la hauntología emocional, con referencias estilísticas que remiten a Marcus Fischer, Field Tapes y Adrian Lane. Subtle Bodies no busca la espectacularidad, sino la resonancia interior: cada pieza funciona como un ritual sonoro que invita a la introspección y a la escucha contemplativa. El álbum ha sido destacado por su capacidad para generar atmósferas envolventes y por su enfoque honesto y minimalista, convirtiéndose en una de las revelaciones del circuito experimental independiente.
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