Perdidos en el Espacio | 22:00 hrs por Radio Universidad de Chile

DESCARGA(lunes 14): aquí o aquí https://www.mediafire.com/perd220314.mp3

Emisión en lí­nea a través de Podomatic … esto significa en lí­nea, sin necesidad de bajarlos al computador

Bitácora: Partiremos con un músico que fusionó lo arriesgado con lo comercial a punta de creaciones y manejo de los dioses. Seguiremos nuevamente con Camea Ayewa que se repite el plato (estuvo la emisión pasada). Rarezas de la Bélgica experimental de principios de los 80s. Un debut de una banda que no pasó desapercibida en su minuto y que despertó a un director de videos de los más cool que han existido. Músicas perdidos en el tiempo y7 el espacio en el Japón de la presegundaguerra mundial. De Australia tendremos folk gótico a destajo y cerraremos con mambo desde Ghana, como para dejar resonando la invitación a sacudirse el próximo sábado 19, Fiesta de Cumple # 26 7/12 avos de Perdidos en el Espacio.

Artista: JAMES BLAKE
Disco: Friends That Break Your Heart
Sello: Polydor
Año: 2021

Del sitio https://ismorbo.com “El amor siempre ha sido el gran motor de la música desde tiempos inmemoriales: hay millones de canciones dedicadas a la intensidad, la pasión y la pérdida de relaciones románticas, pero pocas veces, se habla de la devastación que sentimos cuando perdemos una amistad. Pero como siempre, podemos contar con James Blake para que nos lleve por un viaje melancólico con elementos electrónicos, y después de lanzar un par de EPs durante la pandemia, regresó formalmente hace un par de semanas con su más reciente producción discográfica, Friends That Break Your Heart. El nuevo álbum de Blake aborda la intensidad de las relaciones platónicas, defendiendo la necesidad de explorarlas como algunas de las experiencias más formativas e intensas de la vida. Si se quiere hablar de rupturas, probablemente se podrían enumerar todos los discos del mundo; géneros, idiomas y generaciones combinados. Pero no hay muchos álbumes sobre la ruptura con los amigos: no es algo que se pueda manejar bien en la vida real. Suele causarnos un vacío extraño y que no podemos explicar muy bien, pero por fortuna Blake intenta darle sentido a todo esto, pues tras mudarse de Londres a Los Ángeles y pasar de ser un simple ser humano a un artista y productor consagrado que se codea con Jay-Z y Beyoncé, parece haber dejado atrás algunas amistades, expresándolo todo con una tristeza y sabiduría muy bien logradas. El quinto álbum de James Blake es un disco minimalista, sin adornos, en el que la música y la voz se complementan mutuamente de una forma hechizante, algo por lo que se caracteriza el británico. Los más viejos fans de este cantautor estarán felices de saber que en este proyecto Blake vuelve a sus raíces electrónicas de vanguardia, poco más de dos años después del muy pop Assume Form: como siempre, la voz distintiva del músico y su falsete delicadamente ronco, a menudo manipulado, ocupa el centro del álbum, pero también destacan sus hermosos arreglos orquestales, que suenan más complejos que en su álbum anterior, e incluso en los dos EP que publicó durante la pandemia. Así, nos regala un álbum hermoso, pero también disonante, áspero, y sonoramente emocionante”.

Artista: MOOR MOTHER
Disco: Black Encyclopedia Of The
Sello: Anti
Año: 2021

Del sitio https://www.indierocks.mx “La artista, poeta y activista Camae Ayewa, mejor conocida como Moor Mother, nos presenta su nuevo álbum de estudio y el primero bajo el sello Anti-, Black Encyclopedia of the Air. Caracterizada por un estilo crudo y experimental de hip hop y rap, Ayewa ha creado un estilo contestatario y crítico de las situaciones sociales que la rodean, y este disco no es la excepción, aunque ella misma lo ha catalogado como el “vendido”. Al respecto podemos decir que un término más adecuado sería “accesible”. Moor Mother no da tregua, como en ninguno de sus materiales anteriores, y como en otras ocasiones no viene sola, alrededor de Black Encyclopedia of the Air se reúnen una variedad de artistas que lo dotan de un alto grado de sofisticación. Podemos encontrar colaboraciones de Yatta, Dudu Kouaté, Pink Siifu, Lojii entre otros. Aunque pretenda ser asequible y atraer nuevos escuchas, sí debemos señalar que no es un disco fácil, sobre todo para los no iniciados. La música y toda expresión artística en la que se ve involucrada Ayewa, te confronta, está hecha para incomodar mientras reclama su lugar en el mundo, en este caso a través de la experiencia sonora. Pueden llegarse a extrañar las interpretaciones desgarradoras de Fetish Bones o los duros beats de Analog Fluids of Sonic Black Holes, pero a lo largo de su discografía ha demostrado versatilidad, evolución y ningún temor por el cambio, cosa que pocas veces se encuentra en un artista”.

Artista: BENJAMIN LEW & STEVEN BROWN
Disco: Douzieme Journee – Le Verbe, La Parure, L’Amour
Sello: Crammed Discs
Año: 1982

Lanzado originalmente a principios de la década de 1980, esta reedición presenta al artista electrónico belga Benjamin Lew junto con Steven Brown, el líder de la banda estadounidense Tuxedomoon. Con su pequeño sintetizador analógico, Benjamin tenía un talento único para crear atmósferas mágicas, evocadoras y poéticas. Douzieme Journee lleva al oyente a un viaje a través de paisajes extraños, lo que ha provocado comparaciones con la música de Jon Hassell y Brian Eno.
“Un álbum de fascinante extrañeza, un viaje exótico y surrealista. Elusivo y fascinante” – New Musical Express, 1983

Artista: THE HORRORS
Disco: Strange House
Sello: Universal
Año: 2007

Del sitio https://www.alohacriticon.com/ “Primer disco grande de estos horrores británicos, un conjunto deudor del abrasivo garaje 60’s de los Sonics, del proto-punk Stooges, del shock-rock de Alice Cooper, Screaming Lord Sutch o Screaming Jay Hawkins, del bubblegum-punk de los Ramones, de Siouxsie & The Banshees, del psychobilly de los Cramps, o del surf de Dick Dale. Su propuesta en textos se asienta en historias neuróticas y psicóticas de terror e intriga con altas dosis de humor negro, voncingleras narraciones con ritmos frenéticos, voces delirantes, guitarras fuzz, teclados contagiosos… El disco se abre con “Jack the Ripper”, una versión sobre el encuentro nocturno con Jack El Destripador original del curioso Screaming Lord Sutch, en donde se exhibe el sentido humorístico de su hacedor original. El single “Count in Fives” es uno de los mejores cortes de esencia psicodélica-garajera con atronador tempo, guitarras zumbantes, ritmo bailable y órgano. “Draw Japan” les ubica en su apostura más surf-rock, mientras que en la garagera-punk “Gloves” se muestran ardientemente fetichistas. “Gil Sleeping” oferta un instrumental con cierto sabor oriental y sinuoso trabajo en el bajo, mientras que “Sheena is a Parasite” es un tributo ramoniano con una vibrante sección rítmica, contenida también en la explosiva “Little Victories”, con un teclado irresistiblemente pegadizo. En resumen, se trata de una agitada revisitación garage-psycho, surf-punk y shock-rock, capaz de avivar el ánimo puntualmente con sus tempos apremiantes, amaneramientos afectados y estridentes texturas.”

Artista: Varios (Hamako Watanabe, Koume Akasaka, Michiyakko y mas)
Disco: is it really goodbye – more ryukoka recordings, 1929-1938
Sello: Death is not the end
Año: 2021

Del sitio https://thequietus.com: “De Death Is Not The End tiene la misión de expandir el archivo musical, con compilaciones de todo, desde doo wop jamaiquino hasta identificaciones de radio pirata y anuncios que tejen nuevos hilos en la historia de la música. Longing For The Shadow: Ry?k?ka Recordings, 1921-1939 se remonta a los inicios de la industria discográfica en Japón, y un estilo que fusiona las formas tradicionales japonesas con el pop occidental y la música clásica. Orquestaciones deslumbrantes y voces prominentes capturan parte del melodrama y la grandilocuencia que se encuentran en la música estadounidense y europea de la época, pero los lechos de instrumentos punteados y rasgueados le dan una elegancia ordenada, atando firmemente a la tradición Hogaku. No se ha escrito mucho sobre Ry?k?ka, y un libro de 2017 de Hiromu Nagahara da una pista de por qué, argumentando que, aunque popular entre el público, fue rechazado por los críticos tanto por su adopción de sonidos occidentales como por su insistencia en estilos tradicionales japoneses. Casi un siglo después, esas son algunas de las cualidades que hacen que esta compilación sea tan fascinante. Un cambio de duelo documenta un ritual de la región de Ayacucho en la zona central de la Sierra Sur del sur de Perú. Homenajes cantados en el primer aniversario del fallecimiento de doña Sofía Miranda de Bellido por las personas que la conocieron, el último adiós grabado por su nieto, Hánkel Bellido. Cada pieza comienza con una voz principal, pero rápidamente se encuentra con un coro cada vez mayor a medida que la comunidad se une al impresionante tributo. Las canciones oscilan entre el éxtasis y el mal humor, y la forma en que las voces se conectan en libre armonía tiene ecos débiles del canto del arpa sagrada. Sin embargo, en su mayoría, es un recordatorio del poder puro de la música, que transmite una explosión de sentimiento y una respuesta comunitaria que el lenguaje nunca pudo.

Artista: HTRK
Disco: Rhinestones
Sello: N & J Blueberries
Año: 2021

Del sitio http://www.altafidelidad.org “Los favoritos de culto HTRK– pronunciado Hate Rock– nacieron con la base de una forma opaca pero seductora de post-punk electrónico marcado en una identidad creada a base de cajas de ritmos y voces sensuales, si bien en trabajos posteriores el sonido de la formación fue suavizándose de forma sutil. En su ya quinto álbum, Rhinestones, apenas dos años del lanzamiento del anterior, hay un giro voluntario de la electrónica inicial hacia el country gótico. El dúo formado por Jonnine Standish y Nigel Yang nos presenta, así, en Rhinestones una colección de canciones minimalistas y sombrías, en mayor medida, en un ambiente prácticamente acústico que también recoge las esencias del dream pop. Grabado en su Dandenong Ranges natal, Australia, entre abril y mayo, Rhinestones es un elegante conjunto de nueve canciones melancólicas, emotivas y etéreas, prácticamente envueltas apenas de guitarra, voces en ecos y diferentes efectos de sonido. El dúo creó en el estudio numerosas versiones de cada una de las canciones del álbum pero, finalmente, acabó regresando a las demos más íntimas y conceptualmente más puras, desechando cualquier tentación de sobreproducción. De hecho, según ellos mismos han señalado, gran parte del proceso creativo consistió en averiguar lo desarrollada que debía estar o no una canción y cuánta forma, pulido y estructura necesitaría. Unido a todo ello, las letras de Standish, igual de minimalistas que su producción, giran alrededor de sueños y elucubraciones sobre el amor (Real Headfuck), las relaciones obsesivas (Valentina) y, sobre todo, la amistad (Fast friend). El resultado es un álbum que recuerda a unos Everything but the girl – o si quieres sus herederos del nuevo siglo, The XX– en un formato más minimalista y desnudo que acoge, y ahí está su verdadero mérito, notables canciones.

Artista: Varios (Seaboy & Nyame Bekyere, CK Mann & His Carousel 7 y más)
Disco: Essiebons Special 1973 – 1984 Ghana Music Power House
Sello: Analog Africa
Año: 2021
https://analogafrica.bandcamp.com/album/essiebons-special-1973-1984-ghana-music-power-house

Quien entregue premios musicales debería entregar uno al sello alemán Analog Africa, que ha pasado la última década descubriendo delicias perdidas de la producción del continente durante las décadas de 1960 y 1980, cuando pocas personas, aparte de los que vivían allí, sintonizaban los sonidos de África Occidental y más allá, Fela Kuti de Nigeria es una de las pocas excepciones. Pisándole los talones a Cameroon Garage Funk, esta colección, como siempre, presentada de manera encantadora con una investigación en profundidad, se centra en Ghana, cuya música highlife fue la fuente de gran parte de la producción africana. Su título rinde homenaje al sello Essiebons del productor Dick Essilfie-Bondzie, quien murió a los 90 años a la mitad de la compilación del álbum, pero no sin antes descubrir algunas gemas inéditas. A mediados de los 70, las raíces jazzísticas del highlife se entrelazaron con el sonido de la América negra para crear un híbrido funk con muchas guitarras tartamudeantes, declamaciones de James Brown y partes serpenteantes del órgano: un género capturado en pistas por agitadores de la escena como Ernest Honny y CK Mann, cuyo Yeaba es un destacado. Los momentos más extraños presentan los proto-sintetizadores de la época; Ahwene Pa Nkasa de Joe Meah tipifica un apetito por la rareza psicológica. Un viaje sorprendente a otro tiempo y lugar.
::::::