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Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/
Programa lunes 30 de diciembre de 2024, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.
Bitácora: Inclasificable es lo adecuado para el primer invitado, luego una banda shoegaze que se adelantó en sonido al Pygmaleon y al sonido de Chapterhouse, un trio de músicas que si fuera 1468 ya estarían calcinadas en la hoguera, una percusionista italiana que ya es fetiche de perdidos con un nuevo experimento y cerrando un dúo de expertas en crear ambientes psicoespirituales finos finos.
Artista: HAKUSHI HASEGAWA
Disco: mahogakko
Sello: Brainfeeder
Año: 2024
El nuevo álbum del último fichaje de Brainfeeder Records es tan vertiginoso, complejo y contradictorio como la vida misma, según Claire Biddles. En una entrevista con Ryo Miyauchi para el boletín de música experimental Tone Glow, se le pregunta al productor y compositor Hakushi Hasegawa si su proceso musical implica más adición o sustracción. “Es como si aplicaras tanto kintsugi que ya no pudieras ver cómo era la forma original de la vasija”, responde, aludiendo al arte japonés de la “carpintería dorada”, donde la cerámica rota se repara con laca mezclada con oro. Es una metáfora visual apropiada para el maximalismo electrónico de Hasegawa, que alcanza un pico embriagador en su nuevo LP Mah?gakk?, el primero desde que firmó con el sello Brainfeeder de Flying Lotus el año pasado: una colisión caleidoscópica de ruido, polirritmos, jazz suave y J-pop. Como un artista que aplica kintsugi, la mayor habilidad de Hasegawa es su capacidad para extraer orden del caos; para hacer algo hermoso y sólido a partir de tantas partes dispares.
Artista: OZEAN
Disco: Ozean
Sello: The Numero Group
Año: 1993/2024
Una de las obsesiones de uno de los melómanos de la web es la historia del shoegaze en el continente norteamericano. Mientras la prensa británica intentaba destruir el género en Gran Bretaña a mediados y finales de los años 90, los músicos de los Estados Unidos se estaban dando cuenta del sabor del género, especialmente bandas como The Emerald Down en el noroeste del Pacífico, Airiel en Chicago, Asobi Seksu en Nueva York, Highspire en Filadelfia y muchas otras en todo el país. Pocos son anteriores al año 2000 en términos de lanzamientos. A veces, una o dos joyas salen de la nada y Ozean, una banda de California de principios de los 90, es una de las primeras bandas de shoegaze norteamericanas que he conocido hasta ahora. Las únicas pistas que sobreviven son tres de una demo que lanzaron en casete en 1993. Las grabaciones se realizaron en 1992. La banda estaba formada por Lisa Baer (voz), Mike Prosenko (guitarra), Eric Shea (guitarra) y Mark Baldwin (batería, bajo).
La primera canción del EP se titula “Fall”. La sensación de esta pista es más propia de Slowdive o de Ride más avanzado. Claramente solo tenían acceso a Scar de Lush, Just for a Day de Slowdive y Nowhere de Ride, así como a muchas de las bandas de post-punk que serían vistas como influencias del shoegaze como Jesus and the Mary Chain. Esta banda se adelantó en este aspecto y debería ser considerada uno de los progenitores del género dado su lugar en su historia.
Artista: TRISTWCH Y FENYWOD
Disco: Tristwch y Fenywod
Sello: Night School
Año: 2024
Cantando liturgias a la luz negra de cuerpos de pantano cubiertos de barro, fascinados por paisajes nocturnos que parpadean a la luz de la luna y alimentados por un encanto queer, Tristwch y Fenywod son un grupo de rock gótico de vanguardia en lengua galesa. Exhumados de las profundidades del underground experimental de Leeds, el trío está formado por Gwretsien Ferch Lisbeth (Guttersnipe, The Ephemeron Loop), Leila Lygad (Hawthonn) y Sidni Sarffwraig (Slaylor Moon, The Courtneys). Austero, impactante y fascinante, el álbum homónimo de Tristwch y Fenywod es su primera grabación de estudio, tras solo 10 conciertos y una demo en directo. Formada en 2022, Tristwch y Fenywod (“La tristeza de las mujeres”) graba exclusivamente en galés, evocando una música folclórica extraña, subterránea y sobrenatural tocada con cítara dual, batería electrónica y bajo. Con voces imponentes, como de sirena, que se enroscan alrededor de las consonantes galesas, acompañadas de ritmos marciales austeros y cuerdas punteadas con garras, Tristwch y Fenywod se siente como una grabación temprana de 4AD extraída de las aguas de un pantano de Anglesey. El efecto es a la vez escalofriante y conmovedor.
Artista: V/Z, Valentina Magaletti and Zongamin
Disco: Suono Assente
Sello: AD 93
Año: 2023
La baterista y compositora de renombre mundial Valentina Magaletti se une al productor musical y multiinstrumentista Zongamin en su estudio del este de Londres para crear un álbum de material con influencias del dub y el post-punk, con la participación de Cathy Lucas, Coby Sey y Venus Ex Machina de Vanishing Twin. Postales dub, barcos del este de Londres, reflejos en el ojo de un gato, tragarse la carta del tarot, escupir ecos de sustancias calmantes, pintura amarilla en el local de brunch cerrado, reglas de oro del post-punk, recuerdos de metal agitados en un frasco de vidrio. Ausencia de sonido moldeada en verano 2022. Suono Assente (cuya traducción al español es “Estoy ausente”) es el primer lanzamiento bajo el nombre de V/Z de los compañeros de banda de Vanishing Twin, Valentina Magaletti y Susumu Mukai (también conocidos como Zongamin). Alejándose del pop psicodélico de VT, V/Z se apoya más en influencias del hip-hop, el dub, el post-punk, la electrónica y, a veces, rezuma una energía sensual similar a la magnífica ¡Ay! de Lucretia Dalt, agregando toques cada vez más inventivos a lo largo del camino.
Artista: ULLA & PERILA
Disco: Jazz Plates
Sello: Paralaxe Editions
Año: 2024
Después de muchos años entrando y saliendo de la órbita del otro, en “Jazz Plates” Ulla y Perila hacen música en la misma habitación por primera vez, exhalando una música ambiental maravillosamente evocadora que vale un álbum doble, crepitando suavemente con una neblina de textura onírica para la eternidad. Es un material notablemente íntimo, que vincula el retrato hipnagógico del jazz del dúo, en todas sus permutaciones silenciosas. “Jazz Plates” captura los espíritus mutuos canalizando mesuradamente su amor compartido por Alice Coltrane y Pharoah Sanders, haciendo uso de la voz, el clarinete, la guitarra, el piano, las voces y varios objetos no musicales (troncos, hojas, un acuario) hasta que alcanzan su núcleo emocional. Previamente separados por un océano, sus primeras sesiones de grabación en persona encuentran un juego embriagador de sonidos lentos y atmosféricos porosos al cambiante clima exterior, con un plato sutilmente guiado por el sol y otro por la fuerte lluvia. Sin prisas, etéreas y melancólicas, las 13 partes del álbum inundan los sentidos con una resonancia relajante y meditativa que surge de su “diálogo mutuo de nuestros instrumentos y almas”, como dice Perila.
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Podcast Programa lunes 23 de diciembre de 2024
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Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
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Programa lunes 23 de diciembre de 2024, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.
Bitácora: Ese ambient lisérgico vuelve a embetunar el par de parlantes que le echaban de menos. Brujas de antaño y contemporáneas que se hacen cariño con notas en loop. Una hippie que gustaba de acariciar instrumentos medievales. Una bestia que volvió a salir de paseo por unos recónditos pasillos de una fábrica abandonada en Quebeq y cerrando con un discípulo del mejor acid house manchesteriano.
Artista: SEEFEEL
Disco: Everything Squared
Sello: Warp
Año: 2024
Seefeel surgió en 1993 con el lanzamiento de su álbum debut, luego de una serie de EP brillantes. Con cada disco, su estilo y sonido cambiaron, confundiendo a periodistas y sellos discográficos por igual. Al principio se los agrupaba con el shoegaze, el post rock y luego con el IDM, en gran parte debido a sus asociaciones con Warp y Rephlex. Sin embargo, nada de eso captura la mezcla realmente fascinante de electrónica ambiental, melodías cercanas al pop y guitarras destrozadas pero inspiradoras que Seefeel estaba creando. Everything Squared ofrece un primer vistazo de lo que Seefeel ha estado haciendo desde el lanzamiento homónimo de 2011. No es inusual esperar un tiempo entre los lanzamientos de Seefeel (hubo un período de silencio de catorce años entre 1997 y 2010), pero resulta que este período ha sido una época particularmente creativa: “Hay suficiente música para lanzar dos o tres álbumes al año”, explicó el principal instigador musical Mark Clifford en una entrevista reciente con tQ. El cuarteto original se ha reducido a un dúo central de Clifford y Sarah Peacock, y ahora el primero es responsable de la mayor parte de la producción musical, y solo ha reclutado a Peacock para que contribuya con voces recónditas desde su base en Berlín.
Artista: LAURA CANNELL
Disco: The Rituals of Hildegard Reimagined
Sello: Brawl Records
Año: 2024
Armada con una flauta dulce, un arpa de rodilla y un pedal de retardo, la compositor de East Anglia reimagina con amor la música de la polímata mística del siglo XII, Hildegard von Bingen.
La música de Laura Cannell arroja una luz moderna sobre melodías antiguas. La compositora afincada en East Anglia recurre a los principios de la música antigua para dar forma a sus obras, capturando un espectro de estados de ánimo en el proceso. En The Rituals of Hildegard Reimagined, Cannell se inspira en una de las queridas compositoras de monofonía medieval, Hildegard von Bingen, y crea sus propias viñetas inspiradas en las melodías espirituales de von Bingen. El décimo álbum de Cannell, The Rituals of Hildegard Reimagined, se basa en el trabajo anterior de la compositora al seguir mostrando música etérea que se siente como una refracción y un reflejo del pasado.
La música de von Bingen ha sido el consuelo de Cannell durante veinticinco años y, con The Rituals of Hildegard Reimagined, sus composiciones interpretan la obra de von Bingen con un toque amoroso y responden a ella desde su propia experiencia auditiva personal. Cannell explora el consuelo que le proporciona en momentos de estrés y el misticismo que contiene y lleva consigo a través de los siglos. En sus composiciones para flauta dulce, arpa de rodilla de doce cuerdas y pedal de retardo, Cannell muestra una aguda atención a la textura, utilizando las diferentes cualidades de sus instrumentos para tejer capas delicadas y ornamentadas extraídas del legado de von Bingen.
Artista: DOROTHY CARTER
Disco: Troubadour
Sello: Drag City
Año: 1976 / 2024
Una marcada cualidad de otro mundo parece ser el subproducto natural de la cualidad estridente y resonante que poseen ciertos instrumentos de cuerda, en particular el salterio y el dulcémele. Es una cualidad que está presente desde las primeras notas de Troubadour, el álbum debut de Dorothy Carter de 1976, y es algo que fue reconocido un par de décadas después por los progenitores de la floreciente escena New Weird America. Artistas como Devendra Banhart, Espers y Joanna Newsom buscaron su inspiración principal en un tipo de folk marginal específicamente extraño, y artistas como Carter, Vashti Bunyan, Linda Perhacs, Donovan, Karen Dalton y Jean Ritchie. Carter era un caso atípico, incluso entre los casos atípicos. Llegó tarde a la música grabada (ya tenía cuarenta años cuando se publicó Troubadour) y, cuando encontró su sonido característico, el resurgimiento del folk aparentemente estaba moribundo, sus vástagos absorbidos por el progresivo (Roy Harper), el jazz (Joni Mitchell) o por copiosas cantidades de cocaína. El Bob Dylan de 1976 todavía cantaba canciones de protesta (era el año de Desire, del ascenso de Rubin Carter a la prominencia pública en las letras de Hurricane), pero lo hacía bajo una espesa capa de country rock de gran producción y big band. Cuando la rueda finalmente giró de nuevo y aquellos pioneros del folk psicodélico encontraron un nuevo público a principios de la década de 2000, los redescubrimientos (y las reediciones posteriores) se sucedieron rápidamente, pero por razones desconocidas, Carter desapareció del radar. Nunca sabremos si se la consideraba poco comercializable, si no encajaba del todo en la colorida imagen de finales de los sesenta de artistas como Bunyan y Donovan o si simplemente tuvo mala suerte.
Artista: COLIN STETSON
Disco: The love it took to leave you
Sello: Invada Records
Año: 2024
El saxofonista por excelencia, Colin Stetson, nos ofrece una nueva y poderosa misiva. Tocando con todas sus fuerzas a través de un sistema de sonido completo en las cavernosas dimensiones de The Darling Foundry, una antigua fábrica de metales de 144 años de antigüedad en Montreal, ahora utilizada como espacio artístico, Stetson despliega sus grandes pulmones y su destreza física hasta el punto de que debe haber quedado completamente aturdido después de la grabación. La arquitectura de hormigón, acero y ladrillo es una parte clave de la música, ya que Stetson hace sonar su saxofón bajo como un demonio herido contra sus imponentes superficies, como él describe: “Realmente pudimos mover el tipo de aire que yo puedo mover, saturando realmente la sala, golpeando las paredes con fuerza”. El resultado, grabado en varias pistas durante la posproducción, captura una energía feroz, aunque moderada, que despliega un nuevo y audaz capítulo en una saga en solitario que comenzó hace 20 años y que realmente salió a la luz con la llegada de sus volúmenes “New History Warfare”, o que él considera este como una especie de precuela. A lo largo de su duración, se lamenta y se abalanza sobre las reverberaciones de los estanques de los almacenes en la pieza principal y aprovecha un jazz negro palpitante junto al lado asesino de Modern Love de Alex Zhang Hungtai con el tema “The Six”, aliviando la presión en la pieza “The Augur” y, francamente, te hace sentir bien en “Hollowing”.
Artista: FLOATING POINTS
Disco: Cascade
Sello: Ninja Tune
Año: 2024
Anunciado como una secuela de “Crush” de 2019, “Cascade” muestra a Sam Shepherd regresando a la pista de baile e imaginando las tiendas de discos de Manchester para alimentar un conjunto de éxitos neo-house nerviosos y con tendencia.
Producido en el desierto de California mientras Shepherd estaba entre trabajos de sincronización y composición, “Cascade” es su intento de reconciliar el pasado con el futuro. Creció en Manchester, donde pasaba el tiempo recorriendo tiendas de discos y sintonizando la radio local, y esos primeros recuerdos se mencionan aquí: “Key103” lleva el nombre de su estación favorita, y “Afflecks Palace” del legendario mercado cubierto. Y si escuchaste los sencillos de adelanto “Birth4000” y “Del Oro”, tendrás una idea de hacia dónde se dirige este, aunque mezcla los cortes atrevidos del festival con un equipo más profundo. “Ocotillo” es un tema destacado, un sintetizador cósmico reichiano que espera unos buenos seis minutos antes de lanzarse a su ritmo descarado, y “Afflect Palace” es lo suficientemente chirriante como para recordarnos con cariño los días de gloria de Skam. Incluso hay una pista ambiental añadida al final por si acaso.
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