Perdidos en el Espacio | 22:00 hrs por Radio Universidad de Chile

DESCARGA(lunes 22): Aquí o https://www.mediafire.com/perd250922.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Partiremos con la voz de Janine Standich en Café Oto, luego folk experimental rescatado del 2012. El sello francés wewantsounds suelta un poco la investigación en Japon y ahora le da más pelota al producto local (con descripción del amigo Franchute). Luego iremos con mucha saliva, litros y litros. Penumbras y bajorrelieves y cerrando con melodías paganas modo ON.

Artista: HTRK
Disco: [2024-05-26] At Cafe Oto
Sello: N&J Blueberries
Año: 2025

Edición limitada de 300 cassettes. Grabado en vivo en el mítico Café Oto de Londres el 26 de mayo de 2024, este álbum captura la esencia más íntima y atmosférica del dúo australiano, en un set que se despliega como una ceremonia de sombras, susurros y pulsos emocionales. La grabación, realizada por Amir Shoat y posteriormente mezclada por Tove Gomes-McConnell, revela una interpretación contenida pero hipnótica, donde cada tema se desliza como una bruma eléctrica. El repertorio incluye piezas como “Rent Boy”, “Reverse Déjà Vu”, “Fascinator” y “Chinatown Style”, que adquieren una nueva dimensión en vivo, más cruda y envolvente. La voz de Jonnine Standish flota entre capas de sintetizadores y líneas de bajo minimalistas, mientras Nigel Yang manipula texturas con una precisión casi ritual. El álbum no busca el espectáculo, sino la inmersión: una experiencia de escucha que se asemeja a estar dentro de una habitación cerrada, donde cada sonido parece provenir de una grieta emocional. La atmósfera general remite al dub espectral, al post-punk ralentizado y a la electrónica introspectiva, con momentos que rozan el ambient industrial. La edición física, con diseño artesanal, refuerza el carácter efímero y táctil del proyecto. At Cafe Oto se presenta como una cápsula de tiempo que documenta no solo una actuación, sino un estado de ánimo colectivo, donde el silencio y la repetición se convierten en lenguaje. Es una obra que reafirma la capacidad de HTRK para convertir lo mínimo en lo trascendente.

Artista: THE FUN YEARS
Disco: Baby, It’s Cold Inside
Sello: Barge Keplar
Año: 2008 / 2025

Este segundo álbum del dúo neoyorquino formado por Ben Recht (guitarra barítono) e Isaac Sparks (platos y manipulación sonora) se ha consolidado como una obra de culto dentro del ambient y el drone contemporáneo. A lo largo de cinco extensas composiciones, el disco despliega una arquitectura sonora que fusiona elementos de post-rock, shoegaze, turntablism y glitch, sin encajar del todo en ninguna de estas etiquetas. La apertura con “My Lowville” establece el tono: una lenta evolución de guitarras distorsionadas, crujidos de vinilo y texturas atmosféricas que evocan melancolía y contemplación. La propuesta de Baby, It’s Cold Inside se caracteriza por su capacidad de generar emociones intensas a través de medios mínimos. Las capas de sonido se acumulan y se erosionan, creando un paisaje auditivo que oscila entre lo cálido y lo inquietante. En “Auto Show Day of the Dead”, un bucle de piano se ve sepultado por drones y distorsión, mientras que “Fucking Milwaukee’s Been Hesher Forever” se sumerge en pulsos densos y texturas saturadas que recuerdan a GAS o Jan Jelinek. La interacción entre guitarra y platos produce una sensación de deriva, como si el oyente flotara entre recuerdos borrosos y espacios abstractos. La obra ha sido comparada con referentes como Fennesz, Tim Hecker, Mogwai y Philip Jeck, pero logra una voz propia gracias a su enfoque artesanal y su sensibilidad emocional. Lejos de ser música de fondo, este álbum exige atención activa e invita a la introspección. Su riqueza tonal y su estructura envolvente lo convierten en un viaje sonoro que revela nuevas capas con cada escucha. A más de quince años de su lanzamiento original, Baby, It’s Cold Inside sigue siendo una pieza atemporal que desafía las convenciones del ambient y reivindica la belleza de lo efímero.

Artista: BRIGITTE FONTAINE
Disco: Brigitte Fontaine Est… Folle
Sello: Saravah
Año: 1968

Considerado por la propia artista como su primer disco “real”, marcó una ruptura radical con los códigos de la chanson francesa, integrando pop psicodélico, jazz libre, spoken word y teatralidad experimental. Con arreglos exuberantes de Jean-Claude Vannier y dirección artística de Pierre Barouh, el álbum se presenta como una pieza inconformista, poética y provocadora que inaugura el universo sonoro de Fontaine. La artista despliega aquí una expresividad vocal impredecible, atravesada por susurros, exclamaciones y narraciones lúdicas. Temas como “Il Pleut”, “Éternelle” y “Blanche Neige” revelan una sensibilidad onírica que oscila entre la ternura y el delirio. A través de una mezcla de instrumentos tradicionales y arreglos orquestales desbordantes, se construye una obra que evoca tanto los cabarets literarios como las músicas imaginarias del futuro. El álbum será reeditado el 10 de octubre de 2025 por el sello Wewantsounds, en una edición especial aprobada por la propia Fontaine. Esta nueva versión incluye el disco original remasterizado, un segundo LP con demos inéditos, grabaciones en vivo y versiones instrumentales, además de un libreto bilingüe con textos de Laetitia Sadier, Benjamin Barouh, Benoît Mouchart y Jeremy Allen, junto a fotografías raras y letras manuscritas. Esta reedición confirma el impacto duradero del álbum, reivindicando a Brigitte Fontaine como una figura clave en la experimentación sonora francófona.

Artista: ROBERT STILLMAN
Disco: Something About Living (Live)
Sello: Orindal Records
Año: 2024

Este álbum en vivo del compositor y multiinstrumentista Robert Stillman condensa la evolución de su set solista durante más de 60 presentaciones como telonero de The Smile (Thom Yorke, Jonny Greenwood, Tom Skinner) en su gira mundial de 2022. Grabado en teatros y arenas de Norteamérica, el disco entrelaza fragmentos de distintas fechas en una narrativa sonora continua de 40 minutos, que refleja la transformación constante de su propuesta en directo. Con una instrumentación que incluye saxofón, sintetizadores Yamaha DX7, cintas de casete manipuladas y efectos analógicos, Stillman explora la improvisación como eje creativo. El álbum se gestó en aislamiento durante la pandemia, en lo que él llama su “laboratorio”, y se convirtió en una experiencia compartida con audiencias masivas, donde la espontaneidad y el ritual del momento en vivo adquirieron un nuevo significado. Las seis piezas del disco, entre ellas “Time of Waves”, “What I Owe” y “The Dream of Waking”, oscilan entre el caos y el control, evocando influencias del jazz libre, el ambient y la música experimental americana. El título del álbum proviene de una línea de la película My Dinner With André, que subraya el valor de las experiencias que “tienen que ver con vivir”. Stillman logra que esa reflexión se traduzca en música, proponiendo un espacio donde el acto de escuchar se convierte en una forma de estar presente.

Artista: VOICE ACTOR & SQUU
Disco: Lust (1)
Sello: Stroom
Año: 2025

Voice Actor & Squu –fue editado por el sello belga Stroom y lanzado al público el 14 de enero de 2025. Este segundo álbum de Voice Actor, ahora en colaboración con el productor galés Squu, se aleja del carácter monumental de su debut para ofrecer una obra más contenida, pero igual de enigmática y absorbente. A lo largo de 45 minutos, el disco despliega una serie de piezas que oscilan entre el ambient dub, el pop hipnagógico y el collage sonoro, envueltas en una atmósfera de sensualidad difusa y melancolía digital. La voz de Noa Kurzweil, protagonista del proyecto, aparece fragmentada, susurrada y procesada, funcionando más como textura que como vehículo narrativo. Las canciones se construyen sobre pads brumosos, pulsos graves y efectos analógicos que evocan el dub de Chain Reaction, el garage espectral de Burial y el pop abstracto de Björk. Temas como “Nekk”, “Lust Is Stronger Than Us” y “Barbara” destacan por su capacidad de conjurar estados emocionales ambiguos, entre el deseo y el desasosiego. La producción evita el exceso y apuesta por la repetición como forma de trance, con momentos que recuerdan a Mica Levi, Lolina o incluso al ASMR más experimental. El álbum se presenta como una experiencia auditiva que desafía la lógica lineal, invitando al oyente a perderse en un paisaje sonoro donde el lenguaje se disuelve y la intimidad se vuelve abstracta. Lust (1) no busca respuestas, sino sensaciones: es un disco para escuchar con auriculares, en la penumbra, dejando que las voces y los ecos se filtren como pensamientos vagos.

Artista: STEIN URHEIM
Disco: Speilstillevariasjoner
Sello: Hubro
Año: 2025

Este álbum representa una de las propuestas más audaces y poéticas del guitarrista y compositor, consolidando su lugar como explorador sonoro dentro de la escena alternativa escandinava. A través de once piezas breves, Urheim despliega un universo musical construido sobre guitarras modificadas y sin trastes, afinadas en modos alternativos que desafían la lógica tonal convencional. Inspirado por la música tradicional china y noruega, así como por la microtonalidad de compositores como La Monte Young, el disco se convierte en una travesía sensorial que oscila entre lo introspectivo y lo cósmico. La interacción con músicos como Ikue Mori (electrónica), Sam Gendel (saxofón), Hans Kjorstad (violín) y Siv Øyunn Kjenstad (percusión y voz) enriquece el paisaje sonoro con texturas que van del ambient astral al folk pastoral, pasando por el jazz libre y la improvisación electroacústica. Cada tema parece flotar entre dimensiones, con grabaciones de campo, drones, percusiones sutiles y melodías fragmentadas que evocan imágenes de naturaleza, introspección y misterio. El álbum fluye como una sola pieza, con transiciones orgánicas que refuerzan su carácter meditativo y experimental. Destacan composiciones como Ferskvannsdelfinens Blues, una odisea de guitarra fingerpicked que desemboca en un trance sintético, y Speilbølger, donde el saxofón y los cortes electrónicos generan una tensión lírica. Urheim logra que las limitaciones técnicas de sus instrumentos se conviertan en catalizadores de libertad creativa, revelando nuevas formas de expresión. Speilstillevariasjoner no se escucha: se habita, se contempla, se redescubre en cada escucha como un espejo sonoro de reflejos cambiantes.
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