Tag: SAINT ETIENNE

DESCARGA(lunes 26): Aquí o https://www.mediafire.com/perd260126.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Despediremos este año 2025 radial iniciando como si estuviéramos en un festival estival con una banda que siempre llena de baile y buenas vibras donde se presenten y lo harán muy pronto tocando el disco que recién han lanzado. Seguiremos con tradición árabe fusionada con electrónica de una manera no antes escuchada. Luego un recuerdo con un japo que seguía de cerca a los Seefeel. Luego tradiciones musicales de Uganda profunda, pasando después a sentir que las Slits aun suenan después de 40 años y cerramos con una invitación a los clásicos Especiales Suicidas de febrero.

Artista: SAINT ETIENNE
Disco: International
Sello: Heavenly
Año: 2025

El decimotercer y último trabajo de estudio del trío británico, concebido como una despedida que celebra sus 35 años de trayectoria. La obra reúne colaboraciones con figuras de la electrónica y el pop como Vince Clarke, Orbital, The Chemical Brothers, Confidence Man y Doves, entre otros, lo que refuerza su carácter coral y expansivo. La crítica ha destacado la capacidad del grupo para integrar estilos diversos sin perder su identidad, logrando un sonido que oscila entre la nostalgia y la vitalidad contemporánea. El disco se percibe como un mosaico de influencias que va del dance pop elegante al synth-pop melódico, con momentos de euforia y otros de introspección. Se subraya la producción detallista y la habilidad para construir atmósferas que evocan tanto la cultura club como la memoria emocional de varias generaciones. La voz de Sarah Cracknell mantiene su timbre cálido y reconocible, funcionando como hilo conductor entre los distintos invitados y texturas sonoras.
En términos temáticos, International refleja una mirada hacia atrás, pero también una afirmación de continuidad estética: un testamento musical que reivindica la importancia de la banda en la evolución del pop británico. Los críticos coinciden en que el álbum no busca innovar radicalmente, sino consolidar un legado con sofisticación y coherencia. La recepción ha sido mayoritariamente entusiasta, con menciones a su carácter celebratorio y a la manera en que encapsula la esencia de Saint Etienne: eclecticismo, sensibilidad pop y elegancia en la producción. En definitiva, International se presenta como un cierre digno y luminoso, un álbum que combina colaboraciones de peso con la identidad inconfundible del grupo, dejando una huella perdurable en la historia del pop electrónico.

Artista: ABDULLAH MINIAWY + CARL GARI
Disco: Peacock Dreams (????? ???????)
Sello: PPL Songs
Año: 2025

Obra que reúne la voz y poesía del artista egipcio Abdullah Miniawy con la experimentación sonora del trío alemán Carl Gari, consolidando una colaboración que ya había dado frutos en proyectos anteriores. El disco incluye piezas como Danza del ventre (???? ?????) y Signature (?????), que funcionan como puertas de entrada a un universo donde la tradición árabe se entrelaza con la electrónica contemporánea. La crítica ha destacado la intensidad emocional de la voz de Miniawy, capaz de transitar entre el canto místico y la denuncia social, mientras Carl Gari aporta un tejido sonoro que oscila entre el ambient, el dub y la experimentación rítmica. El resultado es un álbum que se mueve en territorios híbridos, con atmósferas densas y momentos de gran lirismo. Se subraya la capacidad del conjunto para generar un diálogo entre lenguajes musicales aparentemente distantes, logrando una propuesta coherente y profundamente evocadora. Los temas se caracterizan por un uso expresivo de la trompeta de Erik Truffaz en varias piezas, que añade un matiz jazzístico y expansivo. La producción se percibe como meticulosa, con capas de sonido que invitan a la escucha atenta y a la inmersión en paisajes sonoros cargados de simbolismo. La poesía de Miniawy, traducida en ocasiones al francés y al inglés, refuerza el carácter universal del proyecto, mientras que las referencias culturales egipcias aportan un anclaje identitario. El álbum ha sido recibido como una obra que trasciende fronteras, tanto geográficas como estilísticas, y que refleja la potencia del encuentro entre tradición y modernidad. Se lo considera un testimonio artístico de resistencia y belleza, capaz de dialogar con públicos diversos y de situarse en la intersección entre música experimental y canto espiritual.

Artista: SUSUMU YOKOTA
Disco: Image 1983–1998
Sello: Skintone
Año: 1998

Se trata de una recopilación que reúne composiciones realizadas por Yokota entre 1983 y 1998, ofreciendo un recorrido por quince años de exploración sonora en los terrenos de la electrónica, el ambient y la experimentación. La edición incluye además un desplegable con obras visuales creadas por el artista en 1987 y 1988, reforzando la dimensión estética integral de su propuesta. La crítica ha señalado que este trabajo funciona como una ventana privilegiada hacia la evolución de Yokota, mostrando tanto sus primeras incursiones en la música electrónica como sus desarrollos más maduros en los años noventa. Los primeros cortes, grabados en 1983 y 1984, se caracterizan por una crudeza experimental y un acercamiento minimalista, mientras que las piezas de 1997 y 1998 exhiben un refinamiento en la producción y una mayor riqueza armónica. El álbum destaca por su capacidad de generar atmósferas hipnóticas y paisajes sonoros que invitan a la contemplación. Se subraya la influencia de la tradición japonesa en la construcción de ambientes delicados y la incorporación de elementos que evocan lo espiritual y lo natural. La secuencia semicronológica permite apreciar la transición de un sonido más rudimentario hacia una estética más sofisticada, sin perder la coherencia de conjunto. Reseñas especializadas han resaltado la importancia de Image 1983–1998 como documento histórico dentro de la obra de Yokota, al mostrar la amplitud de su lenguaje musical y su capacidad para anticipar tendencias que luego serían centrales en la electrónica contemporánea. La edición en vinilo y CD, acompañada de material gráfico, refuerza la idea de un proyecto multidisciplinar que trasciende lo meramente sonoro. El disco ha sido valorado como una pieza esencial para comprender la trayectoria de Susumu Yokota, tanto por su carácter retrospectivo como por la vigencia de sus texturas sonoras, que continúan inspirando a nuevas generaciones de oyentes y productores.

Artista: KATOKYE
Disco: Obuhangwa bwa Banyankore na Bahororo
Sello: Nyege Nyege Tapes
Año: 2025

Trabajo que recoge y reinterpreta tradiciones musicales de las comunidades Banyankore y Bahororo de Uganda, con un enfoque que combina la raíz folclórica con una producción contemporánea. La obra incluye seis piezas que suman 38 minutos de duración, entre ellas Abera Bakyarusheshe, Abanzira y Ekyeshongoro Kyabakazi, que destacan por su riqueza rítmica y vocal. La crítica ha señalado que el disco funciona como un puente entre la memoria cultural y la experimentación sonora, con un registro que preserva cantos ancestrales y los sitúa en un contexto moderno. La grabación, realizada en Villa Nyege, se caracteriza por un sonido directo y orgánico, donde las voces y percusiones tradicionales ocupan un lugar central. La mezcla y masterización aportan claridad sin perder la textura cruda que refuerza la autenticidad del proyecto.
Los reseñistas han destacado la fuerza expresiva de las interpretaciones, que transmiten tanto la dimensión ritual como la vitalidad comunitaria de estas tradiciones. El álbum se percibe como un documento cultural de gran valor, pero también como una propuesta artística que dialoga con la escena global de músicas del mundo. La portada, realizada por Vincent Moon, y el diseño gráfico de Marc Armand complementan la dimensión estética del lanzamiento, reforzando su carácter de obra integral. El trabajo de Katokye ha sido recibido como una contribución significativa a la visibilización de las culturas Banyankore y Bahororo, situándolas en un circuito internacional sin perder su identidad local. La crítica coincide en que el álbum logra transmitir la energía de las ceremonias y la oralidad de estas comunidades, al tiempo que abre un espacio para la reflexión sobre la preservación y resignificación de las tradiciones en el presente.

Artista: THE LO YO YO
Disco: The Lo Yo Yo
Sello: Concentric Circles
Año: 2025

Se trata de una reedición que recupera el legado de la banda formada en 1984 como desprendimiento del colectivo británico Family Fodder, con un sonido que se mueve entre el post-punk, el dub y la experimentación alternativa. La obra incluye piezas como China Blue, Extra Weapons, You Never Know, My Volcano y Bad Intentions, que reflejan la amplitud estilística del grupo. La crítica ha destacado la manera en que el disco conserva la crudeza de la grabación original, pero con una producción que resalta la energía de las composiciones. Se subraya la influencia de corrientes como el punk-funk de Delta 5 y Au Pairs, así como la cercanía con el reggae experimental de The Slits y la sensibilidad de Raincoats. El álbum se percibe como un documento de época que, sin embargo, mantiene vigencia por su carácter híbrido y su capacidad de dialogar con la música alternativa contemporánea. Las reseñas señalan que la voz de Joey Stack aporta un tono directo y sin concesiones, mientras que los arreglos de bajo, percusión y cuerdas generan un entramado sonoro que oscila entre la tensión rítmica y la exploración melódica. La presencia de instrumentos poco habituales en el post-punk, como el fagot y el violonchelo, refuerza la singularidad del proyecto. El disco ha sido valorado como una pieza que captura el espíritu contracultural de mediados de los ochenta, pero que también anticipa tendencias posteriores en la música independiente. La reedición de 2025 permite redescubrir un trabajo que había permanecido en circuitos reducidos, situándolo ahora en un contexto más amplio y accesible. La recepción crítica coincide en que The Lo Yo Yo es un álbum que combina riesgo estético, compromiso político y experimentación sonora, consolidando a la banda como un eslabón importante en la genealogía del post-punk británico.

Artista: EMIL FRIIS
Disco: Moving Images
Sello: 130701
Año: 2025

Se trata de un trabajo instrumental concebido como una exploración de la relación entre música y cine, donde cada pieza funciona como un fragmento narrativo autónomo. Friis, compositor danés con experiencia en bandas sonoras, propone aquí un recorrido que oscila entre lo íntimo y lo expansivo, con un enfoque que privilegia la construcción de atmósferas.
La crítica ha señalado que el disco se aparta de los clichés habituales del género, evitando la idea de “soundtrack para una película inexistente” y proponiendo más bien un diálogo real con la imagen en movimiento. La producción se caracteriza por un uso delicado de piano, cuerdas y texturas electrónicas, que generan un equilibrio entre lo orgánico y lo digital. Se destaca la capacidad del autor para evocar emociones sin necesidad de apoyarse en narrativas explícitas, logrando un efecto contemplativo y sugerente. Las reseñas han subrayado la influencia de la música minimalista y del ambient contemporáneo, con referencias a compositores como Max Richter o Jóhann Jóhannsson, aunque Friis mantiene una voz propia marcada por la sobriedad y la precisión. El álbum se percibe como un ejercicio de contención, donde cada nota parece cuidadosamente situada para potenciar el silencio y la resonancia. El diseño sonoro refuerza la idea de movimiento y transformación, con piezas que se desarrollan lentamente y que invitan a la escucha prolongada. La secuencia del disco está pensada como un viaje emocional, en el que los contrastes entre calma y tensión generan un arco narrativo implícito. La recepción crítica ha sido positiva, destacando su capacidad para situarse en la intersección entre música de cámara y experimentación electrónica. En términos estéticos, Moving Images se presenta como una obra que busca expandir los límites de la música instrumental contemporánea, ofreciendo un espacio de contemplación que dialoga con la memoria y la imaginación del oyente. Su lanzamiento en el catálogo de 130701 lo vincula con una tradición de discos que exploran la frontera entre lo clásico y lo experimental, consolidando a Emil Friis como una voz relevante en la escena actual.
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