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Bitácora: Comenzaremos con un viaje cósmico donde el jazz espiritual se convierte en puente entre tradición africana y contemplación astronómica. Seguiremos con un paisaje acuático, tejido entre el timbre del koto y la electrónica mínima, que fluye como corrientes invisibles. Más adelante nos adentraremos en la energía frenética del jungle y el ragga, cápsulas de ritmo que aún palpitan con urgencia urbana. Continuaremos con un colectivo tailandés que transforma rituales ancestrales en trance psicodélico y danza comunitaria. Cerraremos con un pianista neoyorquino que reduce su lenguaje a lo esencial, ofreciendo vulnerabilidad y memoria en cada nota

Artista: KELAN PHIL COHRAN & LEGACY
Disco: African Skies
Sello: Listening Position / Stones Throw
Año: 2025

Album que recupera la banda sonora compuesta en 1993 para el Adler Planetarium de Chicago, una obra que durante años fue considerada un tesoro oculto del jazz espiritual. Cohran, antiguo miembro de la Sun Ra Arkestra y fundador de la AACM, concibió estas piezas como un viaje cósmico que conecta la diáspora africana con la contemplación astronómica. El disco despliega siete composiciones que oscilan entre lo meditativo y lo expansivo, con un uso destacado del arpa y la flauta, instrumentos que evocan la espiritualidad de Alice Coltrane y Dorothy Ashby. La ausencia de percusión convencional se sustituye por un enfoque rítmico en cada instrumento, creando un tejido sonoro circular y envolvente. Temas como Theme y White Nile se erigen como monumentos de repetición hipnótica, mientras que Kilimanjaro y Cohran Blues abren paisajes de resonancia pan-africana. La crítica ha subrayado la riqueza atmosférica del álbum, capaz de conjugar minimalismo y exuberancia en un mismo gesto. Su carácter atemporal lo sitúa en diálogo con la tradición del free jazz y el avant-garde, pero también con la búsqueda de un lenguaje universal que trascienda fronteras. African Skies no es solo un documento histórico, sino una obra viva que invita a escuchar el cielo como territorio de memoria y esperanza

Artista: AUS
Disco: Eau
Sello: Flau
Año: 2025

El compositor y productor japonés Yasuhiko Fukuzono presenta una exploración de la transparencia sonora en un álbum gira en torno al koto, instrumento tradicional japonés interpretado por Eden Okuno, que se convierte en el núcleo acústico de un paisaje electrónico delicado y expansivo. Las diez piezas que conforman el disco se despliegan como corrientes de agua: Tsuyu abre con notas que se disuelven en el espacio, mientras Uki y Variation I construyen repeticiones mínimas que invitan a la contemplación. La electrónica se funde con el timbre del koto, borrando fronteras entre lo digital y lo orgánico. En Soko, de casi nueve minutos, la textura se expande hacia un estado de suspensión, donde el tiempo parece diluirse. La propuesta no busca dramatismo ni estructuras rígidas, sino un estado de escucha atenta en el que los matices emergen lentamente. La crítica ha destacado la capacidad de aus para integrar tradición y modernidad sin caer en el exotismo, creando un espacio sonoro que es a la vez íntimo y abstracto. El título, Eau —agua en francés—, refleja la fluidez y la ausencia de forma definida que caracteriza al álbum. Más que un ejercicio de ambient, Eau se convierte en un espacio de coexistencia entre silencio, resonancia y memoria, un trabajo que invita a dejarse llevar por la corriente sonora y descubrir en ella una calma profunda

Artista: Varios
Disco: SOUL JAZZ RECORDS Junglist! Old Skool Ragga D&B 1993–95
Sello: Soul Jazz
Año: 2026

Álbum doble que rescata la energía de una época fundacional para la música electrónica británica. La selección reúne piezas grabadas entre 1993 y 1995, cuando el jungle y el drum & bass emergían desde los clubes londinenses como un lenguaje nuevo, marcado por la velocidad, el bajo profundo y la herencia del reggae digital. El compilado despliega cortes de pioneros que fusionaron breakbeats frenéticos con líneas vocales ragga, creando un pulso urbano que reflejaba la multiculturalidad de la ciudad. Cada tema funciona como cápsula de energía: bajos que retumban como motores, baterías programadas con precisión quirúrgica y voces que atraviesan la mezcla con urgencia. La escucha revela un mapa sonoro donde conviven la crudeza del dancehall, la experimentación del dub y la euforia rave. Más allá de la nostalgia, la edición subraya la vigencia de un estilo que sigue influyendo en generaciones posteriores. La restauración sonora permite apreciar la textura original de las cintas, mientras el diseño gráfico evoca la estética DIY de los flyers de la época. Junglist! se convierte así en un documento histórico y a la vez en un festín contemporáneo, un viaje al corazón de la cultura junglist que aún late con fuerza

Artista: THE PARADISE BANGKOK MOLAM INTERNATIONAL BAND
Disco: 21st Century Molam
Sello: Studio Lam
Año: 2014

Debut se convirtió en un puente entre la tradición musical del noreste de Tailandia y la escena global contemporánea. La banda, formada por Maft Sai y Chris Menist junto a maestros del phin y el khaen, revitaliza el molam con un enfoque que mezcla trance hipnótico, grooves psicodélicos y ecos de dub. El álbum abre con Sao Sakit Mae, donde el khaen despliega un aire etéreo que se transforma en un pulso repetitivo y envolvente. Piezas como Lam San Disco y Zerng India Prayuk muestran la capacidad del grupo para fusionar ritmos tradicionales con bajos eléctricos y percusiones modernas, creando un sonido que dialoga con la música de club sin perder raíz. La propuesta se sostiene en la tensión entre lo ancestral y lo futurista, con melodías que evocan rituales comunitarios y texturas que invitan a la danza. La crítica ha resaltado cómo este trabajo convirtió al molam en fenómeno internacional, llevando a la banda a escenarios como Glastonbury y Boiler Room. Más allá de la recuperación patrimonial, 21st Century Molam se percibe como un manifiesto de reinvención cultural: un sonido que viaja desde Isaan hasta el mundo, capaz de transformar la tradición rural en experiencia cosmopolita

Artista: DAVID MOORE
Disco: Graze The Bell
Sello: Rvng Intl
Año: 2026

Primer trabajo bajo su propio nombre y marca un giro decisivo en la trayectoria del compositor de trumpilandia, conocido por liderar Bing & Ruth (Proyecto que nos ha acompañado varias veces en nuestros especiales suicidas). El álbum se construye íntegramente sobre un piano Steinway D de 1987, grabado en sesiones orgánicas que privilegian la resonancia y la fisicidad del instrumento. Las nueve piezas que lo integran se perciben como conversaciones íntimas, donde cada nota parece buscar una verdad aún no articulada. Then a Valley abre con calma engañosa, desplegando un flujo de acordes que se transforman en cascadas sonoras, mientras Graze the Bell se sostiene en escalas sencillas que evocan aceptación y memoria. En No Deeper, la tensión entre acordes luminosos y graves sombríos revela un contraste que nunca se resuelve del todo. La propuesta se inscribe en una línea de depuración progresiva: tras años de ensambles numerosos y colaboraciones, Moore reduce aquí su lenguaje a lo esencial, logrando un minimalismo cargado de emoción. La crítica ha destacado la capacidad del álbum para conjugar introspección y expansión, con momentos que recuerdan la simplicidad de Erik Satie y la espiritualidad de Ryuichi Sakamoto. Más que un ejercicio de virtuosismo, Graze The Bell se convierte en un espacio de vulnerabilidad expuesta, un paisaje sonoro que invita a la contemplación y que confirma a Moore como un creador capaz de transformar lo personal en experiencia compartida
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