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Programa lunes 6 de julio 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Comenzaremos con una reinterpretación electrónica que desarma melodías icónicas para transformarlas en atmósferas digitales de introspección. Luego viajaremos a Addis Abeba para redescubrir grabaciones instrumentales que entrelazan jazz?funk y tradición etíope con energía vibrante. Seguiremos con un himno del reggae que se erige como símbolo de resistencia cultural y memoria colectiva. Más adelante nos sumergiremos en un folk íntimo y minimalista, donde la voz se convierte en un hilo de vulnerabilidad. Continuaremos con un diario sonoro urbano, cargado de bajos densos y guitarras ásperas, y cerraremos con un dúo alemán que explora la tensión entre trance y melancolía en paisajes electrónicos suspendidos.

Artista: DNTEL
Disco: Enya Mixes
Sello: Self-released / Fleetway
Año: 2011 / 2026

Jimmy Tamborello, bajo su alias Dntel, reinterpreta la obra de ENYA en un ejercicio de electrónica experimental que desarma las melodías originales para reconstruirlas como atmósferas digitales. El disco abre con “One By One”, convertido en un pulso difuso de voces fragmentadas, mientras “Boadicea” se expande en un eco espectral que roza lo cósmico. La propuesta se mueve entre lo hipnótico y lo austero: piezas como “Caribbean Blue” se reducen a sombras minimalistas, mientras “A Day Without Rain” se transforma en un drift ambiental de escucha contemplativa. El gesto artístico no busca agradar a los seguidores de Enya, sino tensionar su legado desde la abstracción sonora. El resultado es un álbum frío y envolvente, ideal para momentos de introspección, que convierte lo familiar en extrañamiento. Enya Mixes confirma la capacidad de Dntel para transformar lo improbable en una experiencia auditiva singular.

Artista: IBEX BAND
Disco: Stereo Instrumental Music
Sello: Muzikawi
Año: 1976 / 2025

En Addis Abeba, a mediados de los años setenta, la Ibex Band grabó con uno de los primeros equipos de cuatro pistas disponibles en Etiopía. El resultado fue un conjunto de sesiones instrumentales que hoy se leen como un mapa sonoro de una época de efervescencia cultural. Stereo Instrumental Music despliega guitarras wah?wah, teclados vintage y una sección rítmica ajustada que se mueve entre el jazz?funk y la tradición etíope. La reedición de 2025 rescata estas cintas perdidas, restauradas con precisión para devolverles su carácter cinematográfico. Cada tema parece abrir una ventana distinta: “Kemd’layey Meleyayet Mot Naw” fluye con cadencia hipnótica, “Zerafewa” se enciende con un groove contagioso, mientras “Hakim Zemose” se convierte en un viaje expansivo de melodías entrelazadas. El disco no solo es un testimonio de la creatividad de Giovanni Rico y Selam Woldemariam, sino también un eslabón que conecta con figuras mayores de la música etíope como Mulatu Astatke o Mahmoud Ahmed. La Ibex Band, que más tarde derivaría en la influyente Roha Band, dejó aquí una huella que anticipa la modernidad del sonido etíope. La escucha actual revela capas de sofisticación: arreglos de viento que dialogan con líneas de bajo profundas, percusiones que sostienen un pulso urbano y melodías que conservan la raíz popular. No hay nostalgia vacía, sino vitalidad que se proyecta hacia el presente. Stereo Instrumental Music es un documento que vibra con energía propia, capaz de situar al oyente en la frontera entre tradición y modernidad, entre la memoria de Addis Abeba y la universalidad del jazz?funk.

Artista: THE GLADIATORS
Disco: Bongo Red
Sello: Studio One / Soul Jazz
Año: 1974 / 2026

La pieza “Bongo Red” marcó un momento clave en la trayectoria de Albert Griffiths y su grupo, consolidando a The Gladiators como una fuerza del roots reggae. Grabado en los estudios de Clement “Coxsone” Dodd, el sencillo despliega un ritmo profundo, sostenido por percusión hipnótica y guitarras que dialogan con la voz firme de Griffiths. El tema se convirtió en un himno de resistencia, con un pulso que refleja la tensión social de la Jamaica de los setenta. Su carácter oscuro y reverberante lo distingue de otros cortes de la época, situándolo como una obra que combina espiritualidad y crudeza. La reedición reciente permite apreciar la vigencia de su sonido: la mezcla conserva la densidad original, mientras que la restauración revela matices ocultos en la instrumentación. “Bongo Red” no es solo un sencillo, sino un manifiesto sonoro que anticipa la madurez del grupo en discos posteriores. La fuerza de The Gladiators reside en su capacidad para transformar un ritmo sencillo en un canto colectivo, donde cada golpe de tambor y cada línea de bajo se convierten en símbolos de resistencia cultural. Hoy, escuchar Bongo Red es volver a un instante fundacional del reggae, un eco que sigue resonando en la memoria de la música jamaicana.

Artista: JANA HORN
Disco: Jana Horn
Sello: No Quarter
Año: 2026

El tercer álbum de la cantautora texana Jana Horn se presenta como un ejercicio de desnudez sonora, donde la voz se convierte en hilo conductor de un universo íntimo y enigmático. Las diez piezas que conforman el disco se sostienen en guitarras acústicas, teclados discretos y arreglos mínimos que refuerzan la sensación de recogimiento. “Don’t Think” se erige como un tema clave, con un pulso sereno que transmite tensión contenida. “Come On” abre con un aire soñador, mientras “It’s Alright” despliega gestos sencillos que se vuelven memorables en su delicadeza. La producción evita artificios y apuesta por la claridad, dejando que cada silencio tenga peso propio. La atmósfera general es melancólica, cercana al slowcore y al folk de cámara, con un lenguaje poético que oscila entre la calma y la inquietud. Horn canta como si buscara un resurgimiento, una luz que atraviese la penumbra, y en ese tránsito logra conmover con su vulnerabilidad. La escucha invita a la concentración: es música que se revela lentamente, ideal para espacios íntimos y momentos de contemplación. Jana Horn confirma a la artista como una voz singular dentro del folk contemporáneo, capaz de transformar lo mínimo en profundidad emocional

Artista: ARCHY MARSHALL
Disco: A New Place
Sello: XL
Año: 2026

El nuevo trabajo de Archy Marshall, conocido también como King Krule, se abre como un territorio sonoro de tránsito y mutación. A New Place despliega un paisaje donde conviven bajos densos, guitarras ásperas y atmósferas cargadas de reverberación, todo sostenido por su voz grave y quebrada, que parece narrar desde un umbral entre lo íntimo y lo urbano. Las canciones se mueven con cadencia nocturna: “Glass House” se arrastra con un pulso sombrío, “Blue Smoke” se expande en capas de sintetizadores que evocan un horizonte incierto, mientras “A New Place” da título al disco con un aire de búsqueda y desarraigo. La producción mantiene un carácter crudo, sin pulir los bordes, lo que refuerza la sensación de inmediatez. El álbum se percibe como un diario sonoro de desplazamientos, donde cada tema es un fragmento de ciudad, un rincón de memoria o un pasaje de introspección. Marshall juega con la tensión entre lo melódico y lo disonante, entre la calma y el estallido, construyendo un espacio que es tanto refugio como confrontación. A New Place confirma la capacidad del artista para reinventarse sin perder su identidad, ofreciendo un viaje que se escucha como un mapa emocional de la contemporaneidad.

Artista: PERIODE
Disco: Grapes of Nothingness
Sello: Karlrecords
Año: 2026

El dúo alemán formado por Andreas Reihse (Kreidler) y Thomas Winkler entrega en Grapes of Nothingness su trabajo más sólido hasta la fecha, un álbum que se despliega como una serie de estudios sonoros en nueve piezas. La propuesta se construye con elementos mínimos: una guitarra Telecaster cargada de efectos, una caja de ritmos y un laptop saturado de texturas digitales. Los temas avanzan entre la melancolía y la tensión, con guitarras fragmentadas que buscan estructura en medio de reverberaciones, mientras los ritmos programados sostienen el pulso con un filo áspero y juguetón. “Das Siebte Pferd” abre con un aire hipnótico, “Hohenschönhausen” se extiende en un paisaje sombrío, y “Ravetruck” introduce un dinamismo que roza lo industrial. La pieza titular, “Grapes of Nothingness”, condensa la estética del disco: un vaivén entre trance y danza, entre contemplación y movimiento. La música evoca tanto la nocturnidad urbana como la luz abrasadora de un día de verano, sugiriendo viajes reales o imaginarios. Hay referencias veladas al krautrock, a la electrónica experimental y hasta a la música de spaghetti western, pero nunca como cita directa, sino como coordenadas de orientación. El resultado es un álbum que oscila entre lo sombrío y lo vital, capaz de transmitir una melancolía profunda sin caer en el dramatismo. Grapes of Nothingness se escucha como un trayecto suspendido, un espacio donde el tiempo se dilata y la espera se convierte en experiencia estética.
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Programa lunes 8 de noviembre de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: un dúo electrónico chileno que decir que son productivos sería ser mezquinos, luego a Togo los tickets de avión, nos vamos con unos bielorrusos que beben a borbotones del postpunk, luego nos desplazamos tanto solo un poquito hasta Lituania, seguiremos en terrenos donde las patas se derriten en el piso, nos pondremos delirantes en el sexto bloque y cerraremos con un músico que se llama Jimmy.

Artista: LLUVIA ÁCIDA
Disco: “Archipiélago Coloane”
Sello: Eolo – Pueblo Nuevo
Año: 2021

“ARCHIPIÉLAGO COLOANE” es el disco nro. 33 del dúo electrónico magallánico LLUVIA ÁCIDA. Se trata de una producción grabada a lo largo del año 2018 y que iba a ser publicada en 2019, pero el Estallido Social y la Pandemia obligaron posponer su edición. Finalmente en este año 2021 pudo publicarse en formato vinilo y disco compacto. Consta de 8 temas instrumentales, inspirados en la obra del escritor chilote FRANCISCO COLOANE, el autor que puso a Magallanes, la Patagonia y la Antártica en las letras y la cultura a nivel mundial. Y también una de las influencias básicas del dúo magallánico conformado por Héctor Aguilar y Rafael Cheuquelaf desde 1995. Su sonido mezcla los recursos de la electrónica digital y análoga con instrumentos acústicos y grabaciones de campo, llevando el estilo del dúo hacia lo que han denominado “electrónica de frontera”.

Artista: ORCHESTRE ABASS
Disco: De Bassari Togo
Sello: Analog Africa
Año: 2018

Del sitio https://lanegrashop.es “En 1972, Orchestre Abass lanzó dos singles increíbles en Polydor. Estos discos fueron lo suficientemente poderosos como para dejar fuera de combate a cualquier músico, pero no fue hasta el descubrimiento de material inédito por parte de la banda que se plantaron las semillas para este proyecto. Con su sonido pesado, dirigido por órgano, combinado con los toques musicales más desafiantes, estos discos fueron el trabajo de una potencia rítmica y el sello African Analog tiene el honor de presentar las grabaciones de la banda más funk de Togo en esta edición limitada de vinilo en 180gr con funda desplegable y una biografía detallada.

Artista: MOLCHAT DOMA
Disco: Monument
Sello: Sacred Bones
Año: 2020

Del sitio https://www.indierocks.mx “Entre golpes secos contra el concreto, y estridencia que llevan a la desesperación y angustia, el post punk evolucionó. Monument es el tercer álbum de la banda bielorrusa Molchat Doma, que ha crecido de manera inesperada gracias a las múltiples plataformas de entretenimiento sin restarle valor a su trabajo. Debido a la inesperada viralización de su tema “Судно (Борис Рыжий)”, se ha relacionado a la banda con el subgénero y movimiento post punk. Molchat Doma no toma la estafeta dentro del post punk para revivirlo en pleno 2020, sino que en sus trabajos anteriores crearon una esencia y estética que, aunque conservan los clichés de bandas como Joy Division, Bauhaus y Depeche Mode, logran combinarlas con recursos del presente y dar el siguiente paso a las bases que se fundamentaron en los 80. Ya estamos lejos de aquellos tiempos y ahí aquí está la evolución; el post punk después del post punk”.

Artista: MEROPE
Disco: Salos
Sello: Stroom.Tv
Año: 2021

En los últimos tiempos nos hemos acostumbrado a que STROOM ofrezca lanzamientos que tienden hacia lo oscuro, industrial y fuertemente electrónico. Aquí presentan algo totalmente diferente: un primer álbum en tres años de la autodenominada “banda mundial alternativa” Merope. Salos es una especie de álbum conceptual, y cada una de las siete pistas se basa en, ya sea melódicamente, líricamente o ambas, canciones folclóricas tradicionales de Lituania. Musicalmente, el sonido que la banda evoca es de ensueño, pastoral y suavemente bañado por el sol, combinando arreglos corales nebulosos y electrónica ambiental inmersiva con percusión suave, guitarras folk y todo tipo de instrumentación tradicional (piense en violonchelo, bansuri y kankles). Es una mezcla increíblemente suave y atmosférica de lo antiguo y lo nuevo que nunca es menos que maravillosamente hermosa y emotiva.

Artista: MARIO RUI SILVA
Disco: Stories from another time 1982-1988
Sello: Time Capsule
Año: 2021

Nacido en Luanda, Angola en 1953, Mário dedicó su vida a la música popular angoleña. Su carrera de cincuenta años lo ha visto vivir entre Angola y Europa, codearse con los músicos cameruneses Francis Bebey y Ewanjé, grabar el álbum seminal Angola ’72 con su compañero músico angoleño Bonga y obtener la influencia del guitarrista brasileño Baden Powell. Fue la enseñanza de la leyenda angoleña y cofundador de Ngola Ritmos Liceu Vieira Dias que Mário obtuvo una comprensión técnica, política y espiritual de la cultura musical angoleña. En manos del Liceu, los ritmos tradicionales angoleños de semba y kazukuta de las décadas de 1940 y 1950 ayudaron a crear un sentido emancipador de orgullo nacional y agencia colectiva que despertó a sus oyentes al racismo y la tiranía del dominio colonial, apuntalando el impulso del país por la independencia en el proceso. Lo que podría sonar como entonaciones de influencia brasileña es lo que Mário atribuye a los “ritmos africanos tomados por los esclavos [que] dieron origen a otras culturas musicales” en todo el mundo. En cambio, esta música surgió de un instinto colectivo para afirmar una identidad angoleña cosmopolita libre de las falsedades condescendientes del lusotropicalismo. “Había una necesidad dentro de mí de contribuir a hacer cosas nuevas”, describe Mário. “En el sentido de solidificar la música de Angola que fue el resultado del encuentro de dos culturas, y querer valorar la parte angoleña siempre que sea posible”. Una selección de los tres álbumes de Mário de la década de 1980, Sung’Ali (1982), Tunapenda Afrika (1985) y Koizas dum Outru Tempu (1988) han sido compilados aquí como un lanzamiento 2xLP por Sam Jacob y Kay Suzuki de Time Capsule. Juntos, brindan una instantánea del viaje de un hombre al núcleo de la música de su nación, cargado con la búsqueda de una cultura desarraigada por el colonialismo.

Artista: VA (my solid ground, tomorrow’s gift y más)
Disco: Strain Crack & Break; Music from the Nurse with Wound List Volume Two (2021)
Sello: Finders Keepers
Año: 2021

De la tienda de discos de los Esplendor Geométrico https://www.rotordiscos.com En 1979 el grupo de culto británico NURSE WITH WOUND incluía junto a su primer álbum “Chance Meeting…” una lista en orden alfabético de 291 discos que reflejaban las influencias y gustos de los miembros de la banda. Con los años la lista se ha convertido en legendaria, definiendo casi un género propio, y con cientos de seguidores y coleccionistas intentando reunir estos discos, bastantes de ellos ya descatalogados y difíciles de conseguir. La lista abarca una gama muy amplia de música underground oscura, disonante (y disidente), que incluye “musique concrète”, free jazz, Rock In Opposition, space rock, macabre ballet music, lo-fi sci-fi, música progresiva inspirada en literatura de terror, etc, etc.

Artista: DNTEL
Disco: The Seas Trees See
Sello: Les Album Claus
Año: 2021

Del sitio https://urbe01.net “Jimmy Tamborello presenta un nuevo álbum como Dntel, The Seas Trees See, el primero en el sello Morr Music, uno de los dos contemplados en los planes de Dntel para este 2021, ambos con la locuaz genialidad de los productores del subsello de Bélgica, Les Albums Claus, perteneciente a la organización Les Ateliers Claus. También con ellos, antiguos camaradas, producirá el siguiente disco, Away. Desde sus primeras incursiones como Dntel desde comienzos del siglo XXI, este artista de Los Angeles, California, ha impresionado siempre con sus formas híbridas de música y una poética con desenfadados matices de estoicismo. “La melancolía siempre ha sido mi estado de ánimo favorito”, revela en una entrevista con Tyler Nesler, de la revista Interlocutor. Este proyecto ha permitido a Tamborello explorar márgenes que tienen que ver con una sensibilidad particular, en unos momentos nostálgica, pero agradable y en otros una euforia contenida, quizá un tanto ingenua, por eso desprende un arrebol que resignifica el vocabulario indie-pop. Sin embargo, en la entrevista mencionada asegura que su música siempre ha sido techno-pop, a veces en un sentido tradicional, como Postal Service o Figurine, pero incluso en sus momentos más experimentales tiene una tendencia instintiva hacia la melodía y tendencias más accesibles. Son piezas breves y simples, once temas que son viñetas, esquemas, borradores finamente esculpidos en un tapiz de diseño sonoro, con minúsculos detalles de filigrana electrónica que hacen deleitable la escucha.
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