Bitácora: Partiremos con ritmos felices desde una isla en el costado oriente de África, luego nos detendremos un minuto para homenajear al papá de un amigo de Perdidos , seguiremos después con esos ambientes crepusculares citadinos, y empezamos el precalentamiento para disfrutar con lo nuevo con una delas luces del Festival Primavera Fauna 2025, luego seguiremos con proyectos nuevos que nos hacen flotar sin pedirnos permiso y cerraremos con sonidos litúrgicos suprahumanos.
Artista: Varios
Disco: Tsapiky! Modern Music From Southwest Madagascar
Sello: Sublime Frequencies
Año: 2025
Esta recopilación ofrece una inmersión vibrante en el género tsapiky, una música ceremonial de alto voltaje originaria del suroeste de Madagascar, particularmente de la región de Toliara. Tradicionalmente interpretado en funerales, bodas y ritos de iniciación, el tsapiky se caracteriza por su ritmo frenético, guitarras eléctricas distorsionadas, bajos explosivos y voces femeninas extáticas que canalizan tanto la emoción como la resistencia comunitaria. Grabado en vivo por Maxime Bobo, el álbum captura la crudeza y la intensidad de las orquestas eléctricas locales, que tocan sobre pisos de tierra con amplificadores improvisados colgados en árboles de tamarindo. Las bandas incluidas —como Mamehy, Drick, Behaja, Befila, Mahafaly Mihisa, Meny & Ando, Rebona y Mirasoa & Mahapoteke— interpretan composiciones propias y versiones de éxitos regionales, en un entorno donde la música se convierte en una competencia ritual y un acto de comunión.
El disco revela la tensión entre lo rural y lo urbano, lo acústico y lo eléctrico, lo tradicional y lo reinventado. Algunos temas incorporan instrumentos como el kabosy o el sodina, mientras otros se acercan a la estética del punk, el highlife o incluso la electrónica, sin perder su identidad malgache. La velocidad vertiginosa de las piezas, que pueden alcanzar hasta 195 bpm, y la energía casi rave de las celebraciones mandriampototse, convierten esta antología en una experiencia sonora única, ajena a cualquier estándar de la industria musical global. Este trabajo no solo documenta una escena musical local, sino que la celebra en toda su exuberancia, caos y belleza. Es una muestra de resistencia cultural y creatividad sin concesiones, donde cada nota parece impulsada por una urgencia vital.
Artista: DIEGO AGUIRRE DAZ
Disco: Memorias de Gonzalo “Mote” Aguirre
Sello: https://diegoaguirredaz.bandcamp.com/album/memorias-de-gonzalo-mote-aguirre
https://open.spotify.com/intl-es/album/47Omd0NCeeRYLFqRR1Zygz
Año: 2024
Segun nos señala el autor: “Memorias de Gonzalo “Mote” Aguirre, es un disco que saca a la luz los escritos inéditos de mi padre, quien fue un personaje esencial de la lucha por los derechos humanos en una de las épocas más oscuras de Chile. Este álbum presenta los relatos de su vida como cura obrero en tiempos de la dictadura. Aparece por ejemplo, la conversación con Don Inocente Urbina en la Vicaría de la Solidaridad, quien le habla de unas minas en Lonquén donde sospecha que hay cuerpos de detenidos desaparecidos. Convirtiéndose así el Mote Aguirre en un protagonista del descubrimiento de los primeros cuerpos enterrados por la dictadura. También aparecen otras anécdotas importantes para la historia de Chile como por ejemplo la ceremonia que ofició en el funeral de Violeta Parra o su aparición como un personaje en la novela De amor y de sombra de Isabel Allende. Mi trabajo consistió en crear una música con diferentes capas de guitarras y efectos para acompañar estas memorias.”
Artista: MALCOLM PARDON
Disco: The Abyss
Sello: The Leaf Label
Año: 2024
Este segundo álbum solista del compositor sueco se sumerge en una exploración sonora de la muerte como presencia constante, no desde el miedo, sino desde la contemplación serena. A diferencia de su debut Hello Death, donde el piano era protagonista absoluto, The Abyss propone una experiencia más colectiva y envolvente, en la que el piano se funde con capas de sintetizadores, drones y texturas acústicas que evocan la sensación de estar sumergido bajo el agua.
Cada pieza está construida con una precisión emocional que revela su complejidad en escuchas sucesivas. Temas como “Patchwork” y “Enter The Void” destacan por su capacidad de generar paisajes sonoros cinematográficos, donde el silencio y el ruido coexisten en equilibrio. La producción adicional de Aasthma (Peder Mannerfelt y Pär Grindvik) aporta profundidad y densidad, sin perder la intimidad que caracteriza el estilo de Pardon. El álbum transita entre lo etéreo y lo táctil, con momentos de tensión que se disuelven en una aceptación melancólica. La influencia de compositores como Harold Budd y Gavin Bryars se percibe en la forma en que las notas parecen flotar, mientras que reminiscencias a Radiohead en su etapa Amnesiac se asoman en la interacción entre piano y electrónica. The Abyss no busca respuestas, sino acompañar al oyente en la reflexión sobre lo inevitable, con una belleza que emerge del abismo mismo.
Artista: STEREOLAB
Disco: Instant Holograms on Metal Film
Sello: Duophonic Ultra High Frequency Disks
Año: 2025
Empieza la cuenta regresiva para el Festival Fauna Primavera de 2025 y este álbum marca el regreso de la banda británica (que estará con nosotros) tras quince años sin material inédito, y se presenta como una reafirmación de su lenguaje sonoro característico, más que una reinvención. Compuesto por trece piezas, el disco se despliega como un collage retrofuturista que entrelaza krautrock, pop psicodélico, jazz, bossa nova y electrónica analógica. La producción de Cooper Crain (Bitchin Bajas) aporta una textura cinematográfica y táctil, con arreglos de metales, órganos y sintetizadores que evocan tanto la melancolía robótica como la calidez humana. La voz de Lætitia Sadier, etérea pero firme, guía las composiciones con letras que oscilan entre la crítica social y la introspección espiritual. Temas como “Melodie Is a Wound” y “Immortal Hands” se alejan de estructuras convencionales para explorar formas abiertas, mientras que “Aerial Troubles” y “Colour Television” retoman el impulso motorik con una carga política incisiva. La participación de músicos como Ben LaMar Gay, Rob Frye y Marie Merlet enriquece el espectro sonoro, y la presencia de Molly Read, sobrina de la fallecida Mary Hansen, añade un matiz emotivo al legado del grupo. El álbum no busca superar obras anteriores como Dots and Loops o Sound-Dust, sino expandir su universo con madurez y consistencia. En tiempos dominados por algoritmos y sobreproducción, Instant Holograms on Metal Film se erige como un testimonio de que los sintetizadores también pueden ser profundamente humanos.
Artista: LORADENIZ
Disco: Sun Shone
Sello: Music From Memory sello holandés
Año: 2025
Este debut discográfico de la artista turca radicada en Ámsterdam, Deniz Ömero?lu, se presenta como una obra profundamente introspectiva que transita entre el ambient, el pop electrónico y la experimentación sonora. Compuesto, producido e interpretado íntegramente por Loradeniz, el disco se gestó en dos etapas: una primera parte nacida del impulso creativo tras una ruptura emocional, y una segunda construida con precisión para equilibrar la narrativa sonora.
A lo largo de sus ocho piezas, Sun Shone despliega una paleta de sintetizadores analógicos, texturas digitales, percusiones moduladas y una voz etérea que actúa como hilo conductor. La alternancia entre pasajes melancólicos y momentos de luminosidad rítmica genera una dramaturgia emocional que evoca tanto el duelo como la esperanza. Temas como “Cloud Sofa” y “No Moon” destacan por su delicadeza cinematográfica, mientras que “Waterbear” y “Aftersun” introducen pulsos más dinámicos que remiten a la euforia contenida de un amanecer post-club. La producción revela influencias del IDM de los años noventa, el minimalismo neoclásico y la música folclórica turca, sin caer en el pastiche. Cada escucha permite descubrir nuevas capas, lo que convierte al álbum en una experiencia envolvente y mutable. Sun Shone no solo marca el inicio de una carrera prometedora, sino que también se erige como un manifiesto sonoro de resiliencia y belleza introspectiva. Nota: resumen elaborado a partir de reseñas publicadas en medios especializados y en el Bandcamp del sello discográfico.
Artista: STEFANO PILIA
Disco: Lacinia
Sello: Die Schachtel
Año: 2025
Este álbum representa una evolución profunda en la búsqueda sonora del compositor genovés, quien retoma y expande las ideas de su trabajo anterior Spiralis Aurea. A lo largo de sus 16 composiciones, Pilia explora la intersección entre lo metafísico, lo espiritual y lo matemático, construyendo arquitecturas tonales que evocan formas arquetípicas y estructuras sagradas. El título en latín, que remite a “merletos” o “fragmentos”, sugiere una obra tejida con delicadeza y precisión, donde cada pieza se entrelaza en un ciclo ritual y contemplativo. La música se despliega como una serie de meditaciones sonoras que combinan procesos acústicos y electroacústicos, con influencias de la música litúrgica antigua y el minimalismo contemporáneo. Participan ensambles variables, desde tríos de flautas y cuartetos de cuerdas hasta orquestas completas, con instrumentación que incluye saxofón, órgano, sintetizadores, percusiones y osciladores. Destacan colaboraciones con intérpretes como Manuel Zurria, Laura Agnusdei y Alice Norma Lombardi, cuya voz aporta una dimensión poética en el tema “Eve”.
El álbum propone una experiencia de escucha profunda, donde el tiempo se percibe como ciclo y transformación. Pilia canaliza la energía del cambio a través de estructuras numéricas y progresiones geométricas, logrando una cohesión sonora que trasciende estilos y épocas. Lacinia se presenta como una obra de arte total, que invita a la introspección y a la conexión con lo intangible, reafirmando el lugar de Pilia como uno de los compositores más visionarios de la escena experimental europea.
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