Perdidos en el Espacio | 22:00 hrs por Radio Universidad de Chile

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Bitácora: Veintitrés años que se han pasado volando, imagino que para muchos es una vida entera, algunos ni siquiera alcanzaron a llegar a esta edad y nosotros –piolísimamente- estamos aquí, sin quererlo pero con un suave gusto de habernos permitido una libertad inimaginable. La música abre puertas y este programa nos ha abierto las más inauditas. Y seguiremos y seguiremos y lo celebraremos el 1° de octubre y seguramente el 8 de octubre y en más fechas, pues celebrar significa juntarnos con los amigos y en esa estamos, coordinando fechas para juntarnos, para reirnos, echar la talla, dejar de lado un rato las malas vibras y celebrar lo que vale la pena.

Y en el programa de este lunes 3, partiremos con una banda indie que no baja la guardia nunca ni con el peor de los gobiernos de turno, una base de piano que con el tiempo se ha transformado en un batallón de una sola persona, desde la Inglaterra ensoñadora nos viene una inspiración por el espacio exterior, un trío de jóvenes jazzistas noruegos que apenas suman 83 años y que suenan como si tuvieran siglos juntos, luego una artista avant garde que hace que nuestros gustos por las melodías amplíen su paleta de colores hacia el infinito y cerramos con un compilado que aborda al pop europeo subterráneo de la década de los 80s.

Artista: JAMES
Disco: Living in Extraordinary Times
Sello: Infectious
Año: 2018

Del sitio https://www.mondosonoro.com Aunque James debutaron a mediados de los ochenta con “Stutter” (WEA, 86), lo cierto es que fue en la siguiente década cuando se convirtieron en una de las bandas más queridas dentro de la escena indie-pop del Reino Unido, gracias a dianas tan icónicas como “Seven” (Fontana, 92), “Laid” (Mercury, 93), “Millonaires” (Polygram, 99) o “Pleased To Meet You” (Mercury, 01). Un logro guiado por el carisma desbordante de Tim Booth, cantante superdotado capaz de estremecer con una interpretación sentida, magnética e inconfundible. Con el cambio de siglo, el grupo continuó facturando referencias que en el peor de los casos resultaban aceptables, mientras que sus conciertos seguían siendo una celebración del himno épico pero sensible. Por eso el batacazo que supuso hace dos años la publicación de “Girl At The End Of The World” (BMG, 16) fue tan doloroso para los seguidores de toda la vida, que veían como los británicos entregaban el peor trabajo de toda su carrera, perdidos entre bases electrónicas y probaturas de cuestionables resultados. Una circunstancia que de algún modo también ha condicionado la importancia de la presente obra, con inevitables dudas delimitando expectativas ante el decimoquinto disco de estudio de los mancunianos. El septeto se redime parcialmente de aquel patinazo con “Living In Extraordinary Times” (Infectious, 18), que si bien resulta algo irregular y desde luego se sitúa lejos de su época dorada, alberga a cambio un puñado de canciones lo suficientemente numeroso y atractivo como para dejar buen sabor de boca global. Tal y como ocurría con su predecesor, por momentos el indie-pop del grupo otorga importante presencia a los teclados y también a una electrónica que funciona como complemento de los habituales parámetros del grupo. Sin embargo, ambos elementos evitan colonizar a las propias composiciones, y de nuevo la interpretación de Tim Booth vuelve a lucir con un protagonismo que jamás debió perderse. Piezas destacadas y convincentes como la inicial “Hank”, “Hope To Sleep”, la melancólica “How Hard The Day”, “Picture Of This Place” o los singles “Coming Home (Pt.2)” y “Better Than That” brillan con fuerza, y comparten espacio con algunos cortes excesivos del tipo de “Leviathan” o “Heads”. James completan un álbum válido para sus seguidores, que sigue dejando algunas dudas pero bastante menos relevantes que las del anterior elepé. Entre otras cosas porque aquí hay al menos media docena de temas que, sencillamente, cumplen como relevantes dentro del universo del combo.” Dedos para arriba y ojalá pasen por Chile nuevamente, ya hay muchas nuevas canciones para el sing along como para llenar un Caupolicán.

Artista: HAUSHKA
Disco: Substantial
Sello: Karaoke Kalk
Año: 2004

La escena: las montañas galesas, remotas y duras, un buen lugar para producir un álbum especial. Volker Bertelmann en pianos y bajo de Stefan Schneider de Mapstation y To Rococo Rot, y un trazo de procesamiento más difícil, apenas discernible. Esta es una música tierna y muy personal, simplemente porque siempre ha estado allí de alguna u otra forma, porque siempre ha sido importante. Piensa en Satie, “Koln Konzert” o tal vez incluso en Bill Evans en su versión más europea y romántica. El título apunta al hecho de que este álbum delicioso trata con cosas grandiosas, no solo ejercicios con los dedos o muzak de fondo. “Sustancial” se basa en la improvisación: cada canción se basa en una secuencia de apertura, cuyo tema se amplía, modula y varía, sin ningún objetivo específico en mente. Lo que emerge es la música de la sustancia: once piezas atmosféricas que se rompen en la consciencia, imágenes suavemente abrasadoras con profundidad narrativa desplegada; Aparecen contrabajo o vibráfono, dando a la vez un toque de pop, pero en ningún momento restando importancia al instrumento central.

Artista: HANNAH PEEL
Disco: Mary Casio, Journey to Cassiopeia
Sello: (My Own Pleasure)
Año: 2017

El tercer álbum de Hannah Peel es una odisea de siete movimientos para sintetizadores analógicos y banda tradicional de la mina de carbón. “Sólo un año después del lanzamiento de su álbum ‘Awake But Always Dreaming’ (‘Álbum del año’ – Electronic Sound Magazine), ‘Mary Casio: Journey to Cassiopeia’, explora el viaje de una persona al espacio exterior, al contarle la historia de una estrella de la música electrónica desconocida, anciana y pionera y su sueño de toda la vida de dejar su casa adosada de South Yorkshire en la ciudad minera de Barnsley y ver a Casiopea por sí misma. Contando la encantadora historia de un anciano astrónomo de Barnsley que sueña con volar al espacio exterior; El nuevo álbum de Hannah Peel es un matrimonio inteligente de sonidos orquestales y electrónicos, que traen notas teñidas de neón junto con acordes arrolladores y maravillosos de una banda de 29 músicos.

Artista: KJETIL MULELID TRIO
Disco: Not nearly enough to buy a house
Sello: Rune Grammofon
Año: 2017

Siguiendo los pasos de In The Country y Espen Eriksen Trio, Kjetil Mulelid Trio es el tercer trío de piano que aparece en Rune Grammofon. Aunque pueden ubicarse en el mismo paisaje musical, también es justo decir que hay ciertas diferencias obvias. Hay una dosis sólida de alegría y curiosidad juvenil en el trabajo aquí, al mismo tiempo que muestran una madurez asegurada que contradice su edad (26, 26 y 29). La música se basa en composiciones del pianista Mulelid, inspiradas en todo, desde salmos hasta el jazz libre, pero también hay espacio para la improvisación colectiva. Puede ser enérgico, rítmicamente complejo y armónicamente rico, pero también íntimo y con una hermosa melodía. Funcionan puramente con sonidos acústicos y timbres y buscan constantemente nuevas maneras de expresarse dentro de estos marcos. El pianista / compositor noruego Kjetil Mulelid dirige a su joven trío en un programa con una madurez que contradice su edad. Su música es lírica y exploratoria, con un alto grado de interacción grupal e incluso un poco de juego libre. El abridor “Entrance” los encuentra moviéndose juntos a través de las ondas rítmicas. “Volar, Volar” comienza con Mulelid en un humor ligeramente gospel, seguido de un breve solo de piano lírico no acompañado que da paso a un rubato, tan suelto que casi se siente libre: el solo repite al final, convocando al grupo para el tema final. Una composición y un rendimiento muy bien equilibrados

Artista: ASHLEY PAUL
Disco: Lost In Shadows
Sello: Slip
Año: 2018

La voz singular de Ashley Paul, intérprete Avant Garde compromete un debut fascinante en el sello Slip con el disco Lost In Shadows; una suite tierna pero discordante inspirada por su nuevo papel como madre de un niño pequeño. Pocos llamarían a la música de Ashley “fácil”, pero también es muy gratificante a su manera, inflexible y ahora encuentra a su audiencia en la aclamado sello discográfico Slip en medio de una lista de compositores morfológicos que incluyen Chaines, Mica Levi y Oliver Coates, Yeah You y Laurie Tompkins. Grabado durante tres semanas en FUGA en Zaragoza, España y estrenado en Counterflows 2017, en Lost In Shadows Ashley toca guitarra, saxofón, clarinete, voz y percusión. Sin embargo, en una marca de distancia recorrida desde su último álbum, recurre a colaboraciones recientes y trabaja con compositores preeminentes como Rashad Becker, Lucy Railton y Rhys Chatham para delegar roles en un nuevo conjunto de tocadores de tuba y saxo barítono, violonchelo y percusión, que sirven para representar la dinámica de su música con una mayor atención a los ritmos bajos y la disonancia intrincada e iridiscente.

Artista: Varios (Nonobstant, Nightfall In Camp, Violet Eves y más)
Disco: Uneven Paths Deviant Pop From Europe (1980-1991)
Sello: Music From Memory
Año: 2018

La difusión generalizada del espíritu DIY del punk (Do it yourself/ Hazlo tú mismo) coincidió con una explosión de tecnología de estudio asequible, lo que condujo a una revolución en gran medida no anunciada en el pop grabado en casa
El material de artistas experimentales de culto como Steve Beresford, Brenda Ray y Bill Nelson, junto con proyectos musicales independientes rescatados de los márgenes, ‘Uneven Paths’ se centra en una selección de temas que van más allá de los confines de la música pop convencional, pero que también trascender las expectativas de gran parte de la música “experimental” de la época. Esto es música con un pie en la vanguardia y otro pie firmemente enraizado dentro de la sensibilidad del Pop; donde los músicos de Jazz se desvían hacia el Synth-Pop, las bandas punk se topan con las canciones de Boogie, y los doctores se topan con extrañas melodías con sintetizadores y cajas de ritmos durante sus turnos nocturnos. En sus 21 canciones, esta visión del pop de los 80 integra cadenas de ADN mutantes de géneros como bossa nova, jazz, folk, new wave, spoken word y world music. Mezclando el violín, los tambores pesados, la melodía peruana, el saxofón de jazz y el anhelo murmurado, “What You Are” de Pete Brandt evoca a Arthur Russell, un defensor mucho más famoso del enfoque DIY del pop retorcido. Otro rescate/selección de las que pueblan el universo cercano.
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