Bitácora: Iniciamos con el trote percusivo de los siempre novedosos Moin, luego un paseo por un universo onírico creado por el alemán Jelinek, luego nos bañaremos con un poco de shoegaze de las catacumbas, repasaremos un disco que no tuvimos en nuestro radar en su minuto, luego un poco de post punk japo y cerraremos con músicas entera suicidas.
Artista: MOIN
Disco: Belly Up
Sello: AD 93
Año: 2025
Se trata de un trabajo que confirma la línea experimental del trío integrado por Tom Halstead, Joe Andrews y la baterista Valentina Magaletti, quienes ya habían mostrado su inclinación hacia la exploración sonora en sus discos anteriores. Aquí, la propuesta se centra en un sonido que mezcla post?punk, rock alternativo y texturas electrónicas, con un carácter más íntimo y fragmentado que sus predecesores. El disco abre con “See”, donde colaboran Sophia Al?Maria y Ben Vince, marcando un inicio cargado de atmósferas densas y voces intervenidas. A lo largo de los seis cortes, la banda despliega un estilo que oscila entre la crudeza rítmica y la abstracción melódica, generando un clima de tensión constante. La percusión de Magaletti es clave para sostener la estructura, mientras que las guitarras y los arreglos electrónicos construyen un paisaje sonoro que parece moverse entre la improvisación y el cálculo preciso. Las reseñas destacan que Belly Up funciona como una especie de diario sonoro, con fragmentos que evocan conversaciones, ruidos de fondo y capas de sonido que se entrelazan en un caos organizado. Se subraya la capacidad del grupo para transformar elementos cotidianos en piezas musicales que desafían la clasificación, manteniendo siempre un pulso inquietante y sugestivo. La obra se percibe como un viaje breve pero intenso, donde cada tema abre una ventana hacia un universo distinto, sin perder cohesión en el conjunto.
En comparación con Paste (2022), este álbum se siente más reducido en escala, pero también más arriesgado en su aproximación estética. La crítica lo describe como un trabajo que exige escucha atenta, capaz de recompensar con detalles ocultos y giros inesperados. Se valoran especialmente la frescura y la valentía de Moin al insistir en un lenguaje propio, ajeno a las convenciones del mercado musical. Belly Up es un disco que reafirma la identidad experimental de Moin, consolidando su lugar en la escena contemporánea como un proyecto que desafía etiquetas y que apuesta por la exploración constante. Su carácter enigmático y su atmósfera fragmentaria lo convierten en una obra que, aunque breve, deja una huella profunda en quienes se adentran en su escucha.
Artista: JELINEK Y OÏ LES OX
Disco: Cinéma du Look
Sello: Constructive
Año: 2025
Este trabajo se presenta como una exploración sonora que combina la estética minimalista y experimental característica de Jelinek con la sensibilidad vocal y performática de Oï les Ox (Aude Van Wyller). La propuesta se inscribe dentro de un terreno híbrido, donde la electrónica abstracta se entrelaza con narrativas poéticas y fragmentos de voz que evocan el cine francés de los años ochenta, particularmente el movimiento estético que da nombre al disco. La obra se compone de piezas que funcionan como collages auditivos, en los que se superponen capas de texturas digitales, loops y grabaciones manipuladas. La crítica ha destacado la capacidad del dúo para generar un ambiente cinematográfico, en el que cada tema parece una escena suspendida en el tiempo. La producción se caracteriza por un uso preciso del silencio y la repetición, elementos que intensifican la sensación de extrañamiento y contemplación. En comparación con trabajos anteriores de Jelinek, como Loop-Finding-Jazz-Records o Kosmischer Pitch, este álbum se percibe más narrativo y menos abstracto, aunque mantiene la esencia de su investigación sobre la memoria sonora y la percepción. La voz de Oï les Ox aporta un matiz humano y teatral, que contrasta con la frialdad de las texturas electrónicas, generando un diálogo entre lo orgánico y lo artificial. Las reseñas coinciden en que Cinéma du Look es un disco que exige escucha atenta, pues cada detalle revela nuevas capas de significado. Se subraya la manera en que la obra logra evocar imágenes mentales, como si se tratara de una banda sonora para una película inexistente. La atmósfera general oscila entre lo melancólico y lo enigmático, con momentos de tensión que se disuelven en pasajes contemplativos. El álbum también ha sido interpretado como una reflexión sobre la relación entre música y memoria cultural, al recuperar referencias estéticas del cine europeo y transformarlas en un lenguaje sonoro contemporáneo. La crítica lo describe como un trabajo coherente y arriesgado, que reafirma la posición de Jelinek como uno de los artistas más influyentes en la electrónica experimental, y que consolida a Oï les Ox como una voz singular dentro de este universo.
Artista: APRIL MAGAZINE
Disco: Sunday Music For An Overpass
Sello: Paisley Shirt Records
Año: 2021/2025
La obra se inscribe dentro de un universo sonoro marcado por el shoegaze, el dream pop y la psicodelia lo?fi, con un carácter íntimo y atmosférico. Desde su primera edición, la crítica destacó la capacidad del grupo para construir paisajes sonoros cálidos y envolventes, donde guitarras reverberantes y voces difusas se entrelazan en un flujo continuo de emociones. La remasterización de 2025 refuerza esa cualidad, aportando mayor claridad sin perder el encanto casero y nebuloso que caracteriza a la banda. El disco abre con “Shrine”, pieza breve que funciona como introducción a un viaje contemplativo. Canciones como “Baby It’s Alright” y “Soft Purple Sky” despliegan melodías suaves y texturas que evocan la nostalgia de un domingo urbano, mientras que “Ride 38” y “The World in Julia’s Eyes” exploran un tono más expansivo y melancólico. La crítica ha señalado que el álbum transmite una sensación de tiempo suspendido, como si cada tema fuese un recuerdo difuso capturado en cinta. La propuesta de April Magazine se distingue por su estética artesanal, cercana al espíritu del cassette y la grabación casera, pero con una sensibilidad que conecta con la tradición del indie psicodélico de San Francisco. La voz y los arreglos instrumentales se funden en un tejido sonoro que privilegia la atmósfera por sobre la estructura convencional, generando un efecto hipnótico y envolvente. En comparación con otros proyectos del sello Paisley Shirt, este disco se percibe como uno de los más logrados en cuanto a cohesión y evocación emocional. La edición de Tough Love Records en 2025 permitió que la obra alcanzara mayor difusión internacional, consolidando a April Magazine como un referente dentro de la escena independiente contemporánea. Sunday Music For An Overpass es un álbum que combina melancolía, calidez y experimentación lo?fi, ofreciendo una experiencia auditiva que invita a la contemplación y al recogimiento. Su carácter atemporal y su atmósfera envolvente lo convierten en una pieza clave para quienes buscan música que dialogue con la memoria y la sensibilidad estética.
Artista: PAVEL MILYAKOV + YANA PAVLOVA
Disco: Blue
Sello: PSY X Records
Año: 2021
La obra se presenta como un ejercicio de experimentación sonora que combina electrónica minimalista, improvisación vocal y atmósferas densas, con un enfoque que oscila entre lo introspectivo y lo visceral. El disco incluye siete piezas, entre ellas “Midnight Blues”, que se ha convertido en uno de los cortes más representativos por su carácter hipnótico y su mezcla de melancolía y tensión. La crítica ha destacado la manera en que Milyakov construye paisajes sonoros a partir de texturas electrónicas crudas y repetitivas, mientras Pavlova aporta un componente humano y emocional con su voz, que se mueve entre el canto etéreo y la declamación expresiva. La obra se percibe como un diálogo constante entre lo orgánico y lo artificial. Los sintetizadores y las programaciones de Milyakov generan un entorno austero y enigmático, mientras que la voz de Pavlova introduce un matiz dramático que intensifica la experiencia auditiva. Canciones como “Za Gorami” y “Blues Denial” refuerzan esta tensión, explorando territorios que van del ambient oscuro al free jazz electrónico.
Las reseñas coinciden en que Blue es un álbum que desafía las convenciones del género, situándose en un espacio intermedio entre la música experimental y la poesía sonora. Se subraya la capacidad del dúo para transformar elementos simples en composiciones complejas, donde cada detalle adquiere relevancia en la construcción de un clima emocional. La participación de músicos invitados, como Alex Zhang Hungtai en el saxofón, añade capas adicionales de textura y profundidad. En comparación con otros trabajos de Milyakov, este disco se percibe más íntimo y colaborativo, con un énfasis en la interacción entre voz e instrumentación. La crítica lo describe como un proyecto arriesgado y coherente, que exige escucha atenta y que recompensa con una experiencia inmersiva y evocadora.
Artista: PAN AMERICAN + KRAMER
Disco: Interior of an Edifice Under the Sea
Sello: Shimmy-Disc
Año: 2025
Se trata de una obra que se inscribe en el terreno del ambient y la electrónica experimental, con un enfoque que combina la sensibilidad atmosférica de Nelson y la producción visionaria de Kramer. El disco consta de ocho piezas que evocan paisajes submarinos, con títulos como “In the Time It Takes to Drown”, “Under the Mariana Trench” o “The Double Life of a Seahorse”. Cada tema funciona como una escena sonora que recrea la experiencia de sumergirse en un espacio acuático imaginario, donde la luz, la oscuridad y los matices se transforman en música. La crítica ha destacado la capacidad del dúo para generar un ambiente contemplativo y enigmático, con texturas que oscilan entre lo etéreo y lo inquietante.
La producción se caracteriza por un uso minucioso de capas sonoras, silencios y reverberaciones, que intensifican la sensación de profundidad. Kramer aporta su experiencia en manipulación de sonido y mezcla, mientras que Nelson despliega su estilo minimalista y evocador. El resultado es un álbum que se percibe como una travesía submarina, con momentos de calma hipnótica y otros de tensión dramática. Las reseñas coinciden en que Interior of an Edifice Under the Sea es un trabajo que exige escucha atenta, capaz de recompensar con detalles ocultos y atmósferas expansivas. Se subraya la coherencia conceptual del proyecto, que logra trasladar al oyente a un universo acuático imaginario. La crítica lo describe como un álbum arriesgado y poético, que se sitúa en la intersección entre música ambiental y narrativa sonora.
En comparación con otros trabajos de Pan American, este disco se percibe más cinematográfico y colaborativo, con un énfasis en la construcción de paisajes narrativos. La participación de Kramer refuerza la dimensión experimental, aportando un carácter más orgánico y surrealista. La obra ha sido interpretada como una reflexión sobre la fragilidad y la belleza de los ecosistemas marinos, transformados en metáforas musicales.
Artista: Varios
Disco: Sougi+
Sello: EM Records
Año: 1983/2020
Reedición que rescata un documento clave del underground nipón de principios de los años ochenta, marcado por la austeridad sonora y la experimentación minimalista. Con apenas guitarra, caja de ritmos económica, voz y bajo, Iwamoto construye atmósferas frágiles y tensas que dialogan con el legado de Factory Records, evocando a Durutti Column y Section 25, pero con un sello propio enraizado en la escena post?punk japonesa. El disco incluye piezas como “?? (Period)”, “??????? (Even If You Can See Hell)” y “??????????? (Don’t Go Too Far Away)”, donde se perciben vibraciones sombrías y oscilantes que rozan el minimal wave. La reinterpretación de “Love Will Tear Us Apart” aporta un giro fantasmagórico y distante, transformando el clásico de Joy Division en un ejercicio de détournement cargado de melancolía. La reedición añade un rework contemporáneo y un registro en vivo de 1980, ampliando el espectro histórico del proyecto. Críticos destacan la crudeza y honestidad de la producción, que refleja tanto la precariedad técnica como la urgencia creativa de la época. Sougi+ se percibe hoy como un testimonio de resistencia estética, un puente entre la introspección personal y la experimentación colectiva de una generación que buscaba nuevas formas de expresión. La obra, breve pero intensa, se consolida como pieza de culto dentro del archivo post?punk internacional, reivindicando la singularidad de la escena japonesa y su capacidad para dialogar.
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