DESCARGA(lunes 24): Aquí o https://www.mediafire.com/perd230724.mp3/
Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/
Tag: BJORK
Programa lunes 24 de julio de 2023, 23:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.
Bitácora: Casi se nos pasa este trabajo de Bjork, pero no se nos pasó. Músicas noctámbulas por antonomasia desde Alemania, registros de un estilo brasileño de principios de siglo pasado, otro crooner que sube al escenario y cerramos con experimentalismos crepusculares.
Artista: BJORK
Disco: Fossora
Sello: One Little Independent Records
Año: 2022
Del sitio https://www.mondosonoro.com/: “En 2017, Björk se presentaba volátil: el paisaje de su “Utopia” era espacioso, delicado, compuesto principalmente por un revoloteo de sintetizadores, radiantes harpas, arreglos de flauta y auténticos reclamos de pájaro. Su voz se elevaba por encima de todo, una meditación sobre volver a encontrar el amor y cómo construir un mundo mejor. El mayor triunfo del álbum es que logra capturar una cualidad flotante, el sentimiento etéreo que suele traer consigo la promesa de un nuevo romance. Cinco años, una pandemia y la muerte de su madre —la activista Hildur Rúna Hauksdóttir— después, es sorprendente descubrir que el inquebrantable optimismo que ha alimentado el espíritu de su música durante casi tres décadas todavía no la ha abandonado, tan solo ha cobrado una forma diferente. En una reciente entrevista con Elle, describe la época de confinamiento como un período de estabilidad, una oportunidad para crear rutina: “Me permitió lo que les permitió a muchos músicos, en el sentido de que pude ir contra la corriente y quedarme en casa durante dos años sin tener que ir al aeropuerto ni una sola vez”. En este oasis de tranquilidad y todavía procesando la pérdida de su madre, Björk se obsesionó con la idea de echar raíces. El momento de estar en el aire había terminado, quería volver a pisar la tierra. Su décimo disco en solitario, “Fossora” —una aproximación al femenino del término latín para “excavador”—, es un intento de conseguir precisamente eso. Anclada por un sexteto de clarinetes e impredecibles erupciones de gabber proporcionadas por Kasimyn, del dúo electrónico indonesio Gabber Modus Operandi, Björk se interroga a sí misma —y a nosotros— sobre la muerte, el duelo, la resiliencia y cómo la naturaleza nos empuja a conectar los unos con los otros. Pero aunque la premisa suene atractiva, el núcleo emocional de “Fossora” a menudo queda sepultado bajo el caos”.
Artista: BOHREN & DER CLUB OF GORE
Disco: Bohren For Beginners
Sello: Pias
Año: 2016 / 2023
La introducción definitiva al grupo de doom-jazz de culto Bohren & Der Club of Gore ahora prensado en vinilo por primera vez. Todas las mezclas clásicas e infinitamente imitadas de Badalamenti x The Necks x Thomas Köner de terror suburbano húmedo y humo de sótano de club: un verdadero negocio de todos los tiempos. Cansado de tocar en bandas de hardcore alemanas a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, Bohren se formó en 1992 con la idea de aprovechar la energía del metal y convertirla en una forma tenue y malhumorada, retomando el surrealismo suburbano a fuego lento de David Lynch y su colaborador Angelo Badalamenti y cruzarlo con el doom blues a media velocidad de Black Sabbath. Si la gran innovación de la Tierra fue llevar la influencia de Sabbath de Birmingham al Lejano Oeste, Bohren envió esa misma voluta de humo negro y espeso a la zona rural de Washington, infundiendo jazz lento con el tipo de oscuridad que podría no ser visible a simple vista, pero que se siente mejor en la parte de atrás de tu cuello. ‘Bohren para principiantes’ es un paquete de inicio perfecto para los no iniciados. No es exactamente una colección de “lo mejor de”, sino un resumen inteligentemente ensamblado de los álbumes y EP más importantes y estilísticamente coherentes de la banda, ensamblados teniendo en cuenta el flujo en lugar de la cronología. ‘Karin’, una pista de ‘Dolores’ de 2008, es seguida por ‘Prowler’ de 2000, la primera es una secuencia de sueños lenta como la melaza dirigida por el evocador Rhodes de Christoph Closer y los tarareos del vibráfono, mientras que la segunda atrapa a la banda en modo Roadhouse completo, con Thorsten. La batería esquelética de Benning apuntala suavemente el saxo temperamental de Clöser, el piano de Morten Gass y el bajo de Robin Rodenberg.
Artista: VA (Tonico, Tinoco ; Mandi, Sorocabinha y más)
Disco: River of Revenge Brazilian Country Music 1929-1961 Vol 1
Sello: Death is not the end
Año: 2022
El primer volumen de un estudio de una forma de música country brasileña conocida como música caipira (“música hillbilly”): un precursor sencillo de la música sertaneja, el equivalente brasileño del country y western de EE. UU. que en su forma contemporánea ha llegado a dominar la industria musical nacional en las últimas décadas. Esta colección abarca algunas de las primeras grabaciones realizadas por el folclorista pionero Cornélio Pires a finales de la década de 1920, hasta discos de los años 30, 40 y 50 y principios de los 60. Algo arraigada en las tradiciones populares de los trovadores portugueses, la música caipira es interpretada típicamente por un dúo que canta en terceras y sextas paralelas, basándose en un estilo portugués-brasileño conocido como moda de viola, siendo la viola la viola caipira, una decena de estilo brasileño. guitarra de cuerda que es el instrumento central de la música. Nacidas en la región de estilo “interior” del noreste de Brasil, estas canciones cuentan historias de dolor, amor, pérdida y traición, a menudo respaldadas por guitarras caseras con afinaciones inventadas. Lejos del pulido pop country y los estilos occidentales de la sertaneja, estas grabaciones podrían verse como el equivalente brasileño de la música de raíces del tazón de fuente estadounidense o los Apalaches.
Artista: THE GOLDEN DREGS
Disco: on grace & dignity
Sello: 4AD
Año: 2023
Del sitio https://www.mondosonoro.com/: “El mítico sello 4AD lo ha vuelto a hacer y firma para su escudería a otro de esos grupos sitos en coordenadas ampliamente elegantes, capaces de levantar emociones cálidas en base a una serie de canciones de aromas sosegados y aspecto intachable. En este caso se trata de The Golden Dregs, quienes tras su algún EP previo, ‘Lafayette’ (Art Is Hard, 18), y aquel ‘Hope Is For The Hopeless’ (Funnel, 19) publicado hace cuatro años, regresan ahora con la obra que debería posicionarles definitivamente en el mapa. ‘On Grace Dignity’ es un disco cálido y de ritmo meditado mantenido a lo largo de nueve canciones (y una intro), así como apuntalado sobre la clásica interpretación vocal cercana a la de un crooner de Benjamin Woods, que guía la referencia desde el principio hasta el final. Un argumento principal que se completa con vientos, coros, segundas voces y, en definitiva, un buen puñado de arreglos apropiados. Una serie de adornos colocados con esmero y extremo cuidado, con la intención de acicalar, pero sin excederse ni desviar atención de esa alma latente en las propias composiciones que, de paso, es distintivo ineludible de la formación británica. Es ahí donde destacan piezas como “Before We Fell From Grace”, “Vista”, “American Airlines”, “Not Even The Rain”, “Josephine” o “Sundown Lake”. ‘On Grace Dignity’ es uno de esos discos de efecto sanador, en una secuela quizás efímera pero desde luego incuestionable a lo largo de los casi cuarenta minutos que dura el elepé. Una referencia especialmente apetecible para aficionados a Tindesrticks, Matt Berninger, Spain, Beirut, Bill Callahan, Richard Hawley, The Magnetic Fields, Bill Fay o Leonard Cohen, referencias todas ellas palpables en uno u otro momento del presente álbum que, en resumen, se impone como pequeña delicatesen para paladares selectos.
Artista: OZMOTIC FENNESZ
Disco: Senzatempo
Sello: Touch
Año: 2023
De todo lo negativo y adverso surge algo positivo y deseado: un registro de movimientos pseudo-orquestales expansivos envueltos en microsonido electrónico y fallas. La parte negativa aquí es el inicio de la pandemia, durante la cual muchos de los músicos se encontraron aislados. Y lo positivo, por supuesto, son las formas recién encontradas de colaborar juntos y crear algo hermoso en el camino. Tal es el caso de este “registro de confinamiento”, en el que OZMOTIC y Fennesz se encontraron distanciados, intercambiando ideas durante un período de tiempo que se convirtió en esta conversación auditiva sobre la percepción del tiempo. Trabajando a distancia sobre estas ideas, el trío procedió a “centrar nuestra atención en esos períodos de la vida en los que el tiempo tiende a dilatarse, a perder sus límites, dedicándonos al proyecto sin temor a descansar en indefinidos momentos de estasis, tratando de tomar el tiempo de la creación como aliado, haciendo ‘brotar’ las ideas más significativas, destilando emociones y cristalizándolas lentamente.” Conceptualmente, eso está muy bien, pero ¿qué pasa con la música? ¿Qué se ha obtenido de este esfuerzo y qué hay aquí para amar?
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Podcast lunes 2 de abril de 2018
DESCARGA(lunes 2): opciones …aquà o … http://www.mediafire.com/file/fjllzonduc39dlj/perd180402.mp3
Emisión en lÃnea a través de Podomatic … esto significa en lÃnea, sin necesidad de bajarlos al computador
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Programa lunes 2 de abril de 2018, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile
Bitácora: Partiendo con una agrupación chilena de muy bajo perfil y de alto vuelo, siguiendo en las rutas de un músico marroquà hace poco fallecido, volamos un poco al norte de Marruecos pero en tiempo unos 30 años con parte de la movida musical española post dictadura franquista, luego pasamos por Alemania con los ritmos finolios de una agrupación de tonos sepia y cerramos con una islandesa que nos visita de vez en cuando, ella tiene reservado su locker en Perdidos en el Espacio.
Artista: LA BANDA MISMA
Disco: No nos hacemos bien
Sello: Independiente
Año: 2018
https://www.facebook.com/bandamisma/
Descrito por sus creadores: ““No nos hacemos bien†(2018) es un trabajo sonoro testimonial basado en la experiencia de vida en el lugar conocido Santiago Sur. Dentro del disco se utilizan grabaciones de los sonidos de esta zona (Gran Avenida y/ó Camino del Inca, Intermodal Lo Ovalle, Cerro Chena, entre otras). El disco trata de transformar, sobreleer y/ó exagerar aspectos cotidianos que evoquen incertidumbres tendientes a imaginar de reojo una probable crisis social, un desarraigo perpetuado y promovido a través de la historia para, entre otras cosas, el beneficio de una comunidad de desiguales. Evocar la memoria y reinventar la ciudad y/ó el territorio que habitamos incide en nuestro arraigo con elementos identitarios, necesarios para contrarrestar intentos de subordinación de las comunidades. Este disco fue realizado como para recordar un tipo de vida en un lugar, a través de las emociones, como al recordar a una persona.â€
Artista: MAALEM MAHMOUD GANIA
Disco: Colours of the night
Sello: Hive Mind Records,
Año: 2017
Una colección sensualmente embriagadora de música tradicional marroquà teñida de blues que habla de la grandeza de la mente y la musicalidad de este hombre. Estas son las últimas grabaciones de estudio de la profunda e hipnótica música de gnawa trance del difunto y gran Maalem Mahmoud Gania. Él era uno de los músicos gnawa más famosos de Marruecos. Gnawa es una tradición musical y espiritual originada en el Ãfrica subsahariana que ha sobrevivido como una subcultura dentro de la sociedad marroquà durante siglos. Las raÃces del blues se pueden escuchar en sus ritmos hipnóticos. Un respetado cantante y maestro del guimbri, uno de los músicos de grabación más prolÃficos de Marruecos. Desde la década de 1970 hasta su muerte en 2015, lanzó numerosos álbumes, además de grabar con músicos occidentales como Pharoah Liders, Peter Brotzmann y, más recientemente, James Holden Y Floating Points.
Artista: V/A (LÃnea Vienesa, Aviador Dro, El Humano Marrano y más)
Disco: la contra ola – synth wave & post-punk from spain 1980-86
Sello: Bongo Joe records
Año: 2017
Del sitio del proyecto http://lacontraola.com “La Contra Ola es un proyecto de investigación cuyo primer acto es una recopilación dedicada a la escena Synth Wave y Post Punk española de principios de los 80. Concebida por Loïc Diaz Ronda y publicada por Los Discos Bongo Joe, esta antologÃa, la primera de su estilo en ser editada fuera de España, indaga en la vertiente electrónica de la música independiente producida en la época en la penÃnsula: del tecno pop a las sonoridades industriales pasando por la producción dance floor o las experiencias low fi distribuidas en casetes. Auténticos clásicos o joyas desconocidas, los diecinueve temas seleccionados son representativos de la eclosión musical experimentada por el paÃs en una década marcada por la vuelta a la democracia y la libertad creativa inaugurada por el punk.â€
Artista: DICTAPHONE
Disco: Apr 70
Sello: Denovali Records
Año: 2017
Del sitio https://atonal.net/ El veterano trÃo con base de operaciones en Berlin y formado por el británico Oliver Doerell y los alemanes Roger Döring y Alex Stolze regresa tras cinco años en silencio con ‘APR 70‘ (Denovali Records, 2017). En los tres años que han tardado en dar forma a las nueve canciones de esta nueva aventura, los autores de ‘Poems from a rooftop‘ (2012), han tenido tiempo suficiente para dibujar con tiento el paisaje electrónico que se filtra en los surcos de su exquisita edición en vinilo. A través de capas y destellos infinitos – tantos como una escucha atenta con auriculares y en posición horizontal pueda el oyente descubrir – y de la sutileza con la que engastan instrumentos reales como los violines de Stolze, los vientos del saxo y el clarinete de Döring y la guitarra y el bajo de Doerell, con el entramado de samplers y efectos que se filtran por el tamiz onÃrico del disco. Una suerte de ambient jazz contemporáneo tejido por numerosas imbricaciones electrónicas – nacidas de la mente del talentoso Oliver Doerell – que repta y muta según el clima que se va creando en cada uno de los cortes del disco. En una criba a vuela pluma de lo que el oyente atento puede encontrar en los fotogramas de esta pelÃcula no filmada, éste es retado con artimañas tan sugerentes como los arabescos de la inicial ‘Opening night‘, el pulso cinematográfico que transmite la rÃtmica interna de ‘Mono16‘, la hipnosis pre-vigilia de ‘Mado‘ o la nebulosa forestal con la que cierran el disco en ‘La chute‘.
Artista: BJORK
Disco: Utopia
Sello: One Little Indian/Popstock!
Año: 2017
Del sitio https://www.mondosonoro.com Para todos los que pensaron antes de “Vulnicura†(15) que Björk ya habÃa dejado de ser un referente dentro de la ¿evolución? del pop en el siglo XXI, la publicación de “Utopia†ha supuesto la formalización absoluta de un genio que, a pesar de su falta de punterÃa en sus experimentos posteriores a “Vespertine†(01), siempre ha contado con un bien tan preciado en estos dÃas: el gen de la incomodidad contra los consensos establecidos en el gran supermercado pop. Mientras el revivalismo prosigue su trayectoria en bucle hacia lugares comunes cada vez más amplios, la islandesa no tiene más que seguir retorciendo y sembrando de nuevas estancias su monumental castillo, cimentado de estalactitas y géiseres helados. La configuración tremendamente geográfica de su música sigue siendo un bien necesario dentro de la globalización musical imperante. Una fuerza de resistencia para la que ha vuelto a contar con Arca, ya presente en su anterior álbum, que ha aumentado su grado de participación por medio de un surtido de samples y efectos de estruendosa fisicidad. Asà ocurre desde la fascinante “Arisen My Sensesâ€, una clase de tema en extinción que induce a la pregunta: ¿quién si no ella serÃa capaz de hacer que Ben Frost sonara pop? Los paralelismos con el productor y músico aussie reflejan la relevancia de un Arca más selvático que nunca al que Björk equilibra desde canales melódicos únicamente posibles a través de su voz, arreglos alienÃgenas como en “The Gate†o su sorprendente uso de la flauta. Con dicho instrumento, la ex Sugarcubes dota de aromas indÃgenas paisajes fourth world con cadencia pop como en la titular del álbum, otro de los múltiples hallazgos aquà escondidos. Tantos como dar nueva vida un tema pasado como “Undoâ€, que renace bajo extensiones naturalistas en la melodÃa-guÃa de “Saintâ€.
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