Tag: DYLAN HENNER

Podcast Programa lunes 17 de noviembre de 2025

DESCARGA(lunes 17): Aquí o https://www.mediafire.com/perd251117.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Programa lunes 17 de noviembre de 2025, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Hace poco vino Codeine y partiremos con uno de sus contemporáneos herederos, luego iremos con unas ceremonias impensadas, continuaremos con juegos vocales que dejarán a Lisa Gerrard con sana envidia. Luego la voz y la penumbra se hacen una sola. Musicas para sonorizar cortos de terror folclórico pagano y cerramos con algo que nos recordará a Julianna Barwick elevado al cuadrado.

Artista: DUSTER
Disco: In Dreams
Sello: Numero Group
Año: 2024

Este quinto álbum de estudio del trío estadounidense reafirma su lugar como referentes del slowcore y el space rock, con una propuesta que se mantiene fiel a su estética nebulosa y melancólica. Las trece piezas que lo componen flotan entre guitarras difusas, voces enterradas en la mezcla y atmósferas que evocan tanto el letargo como la introspección. “In Dreams” se abre con “Quiet Eyes”, una pieza que condensa el tono del disco: melodías suspendidas, texturas lo-fi y una sensación de deriva emocional. Temas como “No Feel”, “Starting to Fall” y “Close to Home” alternan entre la dulzura melódica y el ruido abrasivo, mientras “Black Lace” introduce arreglos de teclado que amplían el espectro sonoro. El cierre con “Anhedonia” funciona como una coda instrumental que recuerda los pasajes más contemplativos de Brian Wilson, filtrados por el estilo característico de Duster. La producción conserva el enfoque artesanal del grupo, con capas de feedback, distorsión y grabaciones que parecen extraídas de cintas caseras. Las letras, aunque apenas audibles, giran en torno a imágenes de sueño, pérdida y desintegración, reforzando el carácter onírico del álbum. In Dreams no busca reinventar el sonido de Duster, sino profundizarlo, como si cada canción fuera una variación sobre el mismo estado de ánimo: una melancolía cósmica que se despliega lentamente, sin prisa y sin redención.

Artista: TXEMA GONZÁLEZ
Disco: Alabaos y Gualíes: Dirges and Funeral Rites in the Afro-Colombian Pacific
Sello: Death Is Not The End
Año: 2025

Este trabajo recopila grabaciones de campo realizadas por González en comunidades afrodescendientes del Pacífico colombiano, centradas en rituales funerarios como los alabaos, los gualíes y los levantamientos de tumba. Más que un documento etnográfico, el álbum se presenta como una experiencia sonora que honra la espiritualidad, la resistencia y la memoria colectiva de estos pueblos. Las doce piezas incluidas fueron registradas en localidades como Andagoya, Docordó, Bojayá y Tadó, y revelan una riqueza vocal y rítmica que trasciende lo ceremonial. Cánticos como “Padre misericordia”, “Levanten la tumba” y “Buenas noches mis dolientes” expresan el duelo como acto comunitario, donde la música acompaña el tránsito del alma y fortalece los lazos entre vivos y muertos. La presencia infantil en temas como “Allá arriba” y “Repicaron las campanas” añade una dimensión de ternura y continuidad generacional. La edición en cassette conserva la textura cruda de las grabaciones, respetando el entorno acústico original: el murmullo del río, los pasos sobre tierra húmeda, el eco de las voces en capillas abiertas. Alabaos y Gualíes es una obra que transforma el dolor en canto, y el canto en puente entre mundos. En tiempos de olvido y fragmentación, este disco ofrece una escucha profunda que conecta lo espiritual con lo político, lo íntimo con lo ancestral.

Artista: CRUEL DIAGONALS
Disco: Fractured Whole
Sello: Beacon Sound
Año: 2023

Este álbum, concebido íntegramente a partir de la voz de Megan Mitchell, transforma el cuerpo vocal en materia sonora, desdibujando los límites entre canto, ruido y paisaje. Cada sonido del disco proviene de su voz, manipulada electrónicamente hasta convertirse en texturas que evocan vibraciones telúricas, ecos submarinos y cantos litúrgicos.
La obra se compone de once piezas que oscilan entre el ambient oscuro, el drone y la música experimental. “Penance” abre con un himno medieval distorsionado, mientras “Ache of Surrender” recuerda un canto gregoriano electrificado. En “Precipice” y “Inurement”, la voz se fragmenta en pulsos nasales y zumbidos graves, generando una atmósfera de tensión y recogimiento. “Reconciliation”, punto culminante del álbum, despliega una polifonía emocional que se transforma en un clímax de bajos saturados y armonías espectrales.
Mitchell improvisa sobre sonidos cotidianos —como el canto de grillos o el murmullo del entorno— y los convierte en estructuras melódicas mediante procesos digitales. La formación operística de la artista se filtra en cada fraseo, aunque aquí se presenta despojada de ornamento, como una exploración de lo humano desde lo abstracto. Fractured Whole es una obra que no narra, sino que sugiere: un viaje hacia lo profundo, donde el dolor, la resiliencia y la belleza se entrelazan en una arquitectura sonora que conmueve sin palabras.

Artista: DORIS DANA
Disco: Reveries
Sello: Somewhere Between Tapes
Año: 2024

El álbum es obra de la artista colombo-estadounidense Mónica Mesa, quien bajo el alias Doris Dana construye un universo sonoro que entrelaza ambient, electrónica experimental y poesía espectral. Inspirado por el libro Thought Forms de Annie Besant y C.W. Leadbeater, la obra explora la idea de que las emociones pueden transmitirse como vibraciones armónicas, más allá del lenguaje. Compuesto por once piezas, Reveries se despliega como una serie de tableaux sonoros donde la voz, los sintetizadores y las grabaciones de campo se funden en atmósferas brumosas y rituales. “Hyperreality II” y “Ennio’s Sonata” destacan por su mezcla de dub techno evaporado y vocales devocionales, mientras “Oceanic Symmetry”, con la participación de Voice Actor, evoca una forma desacelerada de jazz oscuro. “Depresión en el Trópico”, en colaboración con Law of Glances, introduce elementos de diseño sonoro marítimo y percusiones mecánicas que tensionan el espacio acústico. Mesa convierte cada track en una exploración de lo intangible: ecos, susurros, fragmentos de conversación y texturas que parecen surgir del polvo emocional del mundo físico. El álbum también toma como referencia la historia íntima entre Gabriela Mistral y Doris Dana, transformando ese vínculo en una meditación sobre el deseo no dicho y la memoria afectiva. Reveries no se escucha, se habita: como una niebla púrpura que envuelve, susurra y transforma.

Artista: DEATH AND VANILLA
Disco: Whistle and I’ll Come to You
Sello: Fire
Año: 2025

Este álbum es una reinterpretación sonora del mediometraje británico de culto dirigido por Jonathan Miller en 1968, basado en el relato de M. R. James. El trío sueco compone una banda sonora alternativa que dialoga con el espíritu del cine de horror folklórico, evocando atmósferas inquietantes y melancólicas sin recurrir a voces ni narración explícita. Grabado en vivo en el Hypnos Theatre de Malmö, el disco se despliega como una secuencia de paisajes sonoros que acompañan el deterioro psicológico del protagonista, un racionalista enfrentado a lo sobrenatural. Temas como “Supernatural Breakfast”, “Walk on the Beach 2” y “The Apparition” combinan loops de cinta, sintetizadores analógicos, cajas de ritmo primitivas y vibráfonos espectrales, generando una estética que recuerda a Broadcast, Ghost Box y el minimalismo de Wendy Carlos. La ausencia de voces humanas refuerza el carácter espectral de la obra, que se apoya en texturas granulosas, vientos procesados y pulsos mecánicos para sugerir presencias invisibles. Cada corte parece sincronizarse con escenas del filme, como si la música fuera una capa emocional que amplifica el desasosiego y la ambigüedad narrativa. Whistle and I’ll Come to You no es solo una banda sonora reimaginada, sino una invocación estética que transforma el silencio en tensión y el paisaje en presagio.

Artista: DYLAN HENNER
Disco: Performs Raymond Scott’s Soothing Sounds for Baby
Sello: Dauw
Año: 2024

Este álbum es una reinterpretación libre del icónico proyecto de 1962 creado por Raymond Scott, pionero de la música electrónica. Henner no busca replicar los sonidos originales, sino reimaginar su propósito desde una sensibilidad contemporánea, componiendo una suite ambient pensada para calmar a su propio hijo y, por extensión, a cualquier oyente en busca de sosiego. Compuesto por seis piezas, el disco se construye a partir de melodías mínimas, pads etéreos y texturas envolventes que transforman los experimentos rítmicos de Scott en paisajes sonoros delicados y meditativos. “Lullaby” y “Nursery Rhyme” abren con una ternura casi táctil, mientras “Music Box” convierte la frenética energía del original en una cascada de teclas suaves y reverberantes. “Little Miss Echo” y “Sleepy Time” profundizan en la sensación de flotación, con armonías que parecen surgir del sueño mismo. El cierre con “Happy Whistler” reinterpreta el experimento rítmico de Scott como una pieza trance luminosa, cercana al krautrock ambiental. Henner trabaja con respeto y distancia: apenas consultó los discos originales, prefiriendo construir desde la intuición y la memoria. El resultado es una obra que honra el legado sin caer en la nostalgia, ofreciendo una experiencia sonora que combina lo lúdico, lo espiritual y lo afectivo. Performs Raymond Scott’s Soothing Sounds for Baby es, en esencia, una carta de amor en forma de sonido.
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Programa lunes 18 de enero de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

(por si acaso, las RRSS de Perdidos son:
Instagram: @perdidosenelespacio2003
Facebook: https://www.facebook.com/groups/33296420087
twitter: #jaimebaeza )

Bitácora: Iniciaremos como si estuviéramos escuchando a un alumno de Terence Fletcher (de la peli Whiplash) y a este se le cae el hocico de la impresión. Músicas de tintes folkieantiguos denla escocia pretérita, para posteriormente irnos a Suecia con la banda sonora para un cortometraje introspectivo al cubo. Luego nuevas orientaciones tribaloides e hipnóticas (otra vez se me dormirá el 60% de los auditores) y otro 30% se dormirá con una japonesa apadrinada por Stephen O’Malley que se mueve por los terrenos pantanosos surcados antes por Vincent Gallo. Seguiremos en clave suicida, nos queda un 10% de auditores de mandar a los brazos de Morfeo y si no es con el que sigue será con un ex Seefeel que cierra la jornada.

Artista: GREG FOX
Disco: Contact
Sello: RVNG Intl
Año: 2020

El percusionista experimental Greg Fox amplía su amplitud compositiva en Contact, su nuevo disco de RVNG Intl. Fox, un renombrado intérprete y colaborador dentro de las comunidades de avant-jazz y rock outsider de Nueva York, orquesta una colisión de clamor de tambores en erupción y baños de circuitos deformados que se manifiestan en una catarsis de escucha profunda. Magistral obra maestra de Greg Fox (Liturgy), o al menos lo mejor que hemos escuchado de él, que refina notablemente su híbrido de metal y tekkers de avant-jazz junto con la suntuosa producción del studio se’er y el multitalento Randall Dunn. “Contact de Greg Fox es una extensión y evolución de las prácticas de creación de sonido rigurosas y virtuosas del artista multidisciplinario. En Contact, el intérprete devoto, intrépido compositor y ávido colaborador canaliza una alquimia de influencias e ideas a través del intercambio cinético de formas humanas y percusivas. Producida y mezclada por Randall Dunn, Contact ve a Fox accediendo a estados cada vez más crudos y rumiadores, procesando el tumulto de la sensibilidad en un golpe de tambor.

Artista: ALASDAIR ROBERTS
Disco: Fretted and Indebted
Sello: Infinite Greyscale
Año: 2020

Podría ser una coincidencia que la producción reciente de Alasdair Roberts haya adoptado un enfoque de regreso a lo básico, o podría tener algo que ver con la naturaleza angustiada de nuestro tiempo, las dificultades planteadas para un músico que prospera con la colaboración y la interacción, el obstáculos prácticos causados por la cuarentena y el autoaislamiento. De cualquier manera, Roberts parece estar disfrutando de su propia compañía más que nunca, musicalmente hablando. The Songs Of My Boyhood, que salió en junio, lo vio volver a visitar su antiguo material de Appendix Out, remodelando esas canciones tempranas y comparativamente experimentales en algo más cálido y agradable. Se sentía como una especie de consolidación e insinuaba posibles nuevos comienzos. Roberts acababa de convertirse en padre; tal vez se estaba preparando para cualquier cambio emocional potencial, o simplemente registrando el cierre de un capítulo de su vida y el comienzo de otro.
Alasdair Roberts es uno de nuestros cantantes de folk más queridos de los últimos años (aunque aparentemente odia el término cantante de folk). El músico escocés proporciona aquí otro documento de sus fascinantes interpretaciones de canciones tradicionales salvajes y raras que ha obtenido de varias partes de Escocia.

Artista: SHIDA SHAHABI
Disco: Lake On Fire
Sello: 130701 (Factcat)
Año: 2020

En el score para el cortometraje homónimo de Jennifer Rainsford, ‘Lake On Fire’, la pianista y compositora de Estocolmo Shida Shahabi le sigue al EP ‘Shifts’ del año pasado y su debut en 2018 ‘Homes’ ,un nuevo lanzamiento que amplía su repertorio a un alejamiento del piano, con tres de sus cuatro pistas tocadas en órgano y sintetizador analógico. A pesar de su brevedad (con un registro de poco menos de 15 minutos), “Lake On Fire es” una hermosa joya atmosférica. Fue escrito y grabado en su estudio de Estocolmo en la primavera de 2020, habiendo sido comisionado por la amiga de Shida y su compañera artista radicada en Estocolmo, Jennifer Rainsford (quien previamente había dirigido un cuarteto de videos cortos basados en la naturaleza para el álbum debut de Shida). Descrito por la directora como “un sutil cortometraje de ciencia ficción sobre el arrepentimiento y una inteligencia artificial a la que sólo le interesan los humanos para dar consejos de amor”, la película de quince minutos de duración cuenta la historia de un futuro lejano de dos antiguos amantes que se reencuentran en un bosque virtual. Dentro de este paisaje creado por IA, “las flores hablan, el bosque está animado por colores que cambian sutilmente pero continuamente mientras luchan en guerras virtuales y la ex pareja se da cuenta de que no pueden cambiar el pasado”. La partitura de Shida refleja a la perfección el lento y extraño desarrollo de la película, así como su sensación de dislocación e inquietud. Al igual que con los lanzamientos anteriores de Shida, la música aquí es profundamente inmersiva, su atractivo impacto tanto en la decadencia de cada sonido como en las formas que cuelgan entre las notas.

Artista: HARMONIUS THELONIUS
Disco: Plong
Sello: Bureau B
Año: 2020

Del sitio https://www.rotordiscos.com “Harmonious Thelonious es un proyecto en solitario del músico de Düsseldorf Stefan Schwander, publicando discos desde el 2010 bajo este alias además de otros como Antonelli Electr. Sus discos combinan música minimal de influencia americana con ritmos africanos y melodías europeas. El nuevo álbum ‘Plong’ es un trabajo sobresaliente de música electrónica, logrando con éxito la fuerza física de una banda sonora de una noche de club y al mismo tiempo explora las dramáticas profundidades de mundos sonoros para crear una experiencia auditiva intensiva en total soledad”. https://rockntipo.com “Un híbrido evocativo con xilófonos, ritmos de ritos del este de áfrica, bajos electrificantes y todo con un toque irresistible e hipnótico”.

Artista: AI ASO
Disco: The Faintest Hint
Sello: Ideologic Organ
Año: 2020

Del sitio https://www.attnmagazine.co.uk : “La voz de Ai Aso pende de una sola vocal, temblando como alas de pájaro que se ajustan al viento. Cada punteo en su guitarra acústica está enmarcado por las puntas de los dedos deteniendo notas prematuramente, o haciendo crujir el diapasón para prepararse para el siguiente acorde. A cada gesto de The Faintest Hint se le concede el espacio para existir. Cada sílaba lírica, cada cuerda de resonancia. Emergen en el aire, colgados del silencio como móviles de porcelana, compartiendo un momento de intimidad con su entorno antes de desaparecer, regalando el espacio por completo para la próxima proclamación de Aso. Estas son canciones pop cuando se consideran en su totalidad. Hay versos y coros. Hay sentimientos abiertos de solemnidad, dulce esperanza, inclinaciones de nostalgia iluminada por el sol. Sin embargo, donde tanto pop se derrumba en una explosión de tiempo presente, este álbum deja en claro el encadenamiento de acciones individuales que de alguna manera culminan en el paso del tiempo. Cada pista es una paradoja de Zeno; Aso está tan embelesado en cada momento que el paso de una pista completa se siente como una falacia lógica”.

Artista: DYLAN HENNER
Disco: The Invention of the Human
Sello: AD 93
Año: 2020

“La invención del ser humano” es una visión sombría de un futuro en el que los humanos son solo una pequeña parte de la ecuación. Un mundo nuevo que no es ni utópico ni distópico, con la naturaleza y la tecnología en un extraño pero perfecto equilibrio.
Magnífico negocio de la nueva era de Dylan Henner en la etiqueta AD 93 (fka Whities). Los fanáticos de Visible Cloaks tomen nota, las composiciones ricas en espacios negativos de Henner tienen mucho en común con el material más reciente del dúo de Portland, que aparentemente hace referencia a fuentes japonesas similares. Henner ha mencionado la influencia de los compositores de la banda sonora de “Akira”, Geinoh Yamashirogumi, y también escuchamos la feliz moderación de la deidad de la nueva era Hiroshi Yoshimura. No debería ser una gran sorpresa: los últimos discos de Henner fueron influenciados por gamelan y viajes en Sri Lanka y Vietnam, y su ritmo aquí ciertamente habla de esas mismas raíces. Sin embargo, también hay elementos de Oneohtrix Point Never e incluso James Ferraro mientras Henner manipula las voces sintetizadas para adaptarse a su visión.
Del sitio https://bleep.com “The Invention Of The Human de Dylan Henner es una brillante colección de composiciones electrónicas que combinan la inventiva sintética de Sophie y Arca con los drones espectrales de Grouper y la beatífica simplicidad de las composiciones posminimalistas de Arvo Pärt. De esta manera, el registro de Henner se puede archivar junto con los lanzamientos anteriores en la etiqueta AD 93 (anteriormente conocida como Whities) de Rupert Clervaux, Leif y Carl Gari & Abdullah Miniawy. Tened en cuenta que la lista de pistas de The Invention Of The Human varía según el formato: la versión digital se ejecuta en ocho pistas, mientras que el vinilo condensa esos ocho números en dos piezas de veinte minutos de duración”.

Artista: LOCUST
Disco: The Plaintive
Sello: Suction
Año: 2020

Del sitio https://www.rotordiscos.com “El nuevo álbum del proyecto fundado por Mark Van Hoen, junto a Louis Sherman. Locust fue una referencia fundamental dentro “ambient-techno” en los noventa, siendo fichados por el prestigioso sello R&S/Apollo (que descubrieron nada menos a Aphex Twin antes que Warp!). En su evolución más reciente publica ahora en Suction Records, el sello de Solvent. El impresionante sonido electrónico de Locust florece en este nuevo álbum, el primero de Mark Van Hoen desde 2014, en una línea muy próxima a la música “kosmische”. Producido durante 5 años utilizando una selección de sintetizadores analógicos, incluido el Prophet 12, así como un sistema modular eurorack digital. The Plaintive se inclina hacia una cálida base armónica, con temas como “Metals” y “Out Here” que se deslizan sobre texturas ensoñadoras. Sin embargo, hay una energía en The Plaintive que lo aleja del territorio ambient y lo acerca más hacia las innovaciones con sintetizador de artistas clásicos como Cluster y Mort Garson. Hay una calidez en varios sus cortes que se manifiesta en sus juguetonas ejecuciones de sintetizador, arpegios modulares y una programación de ritmos suave e insistente. Locust se aleja ahora de las formas más abstractas de trabajos previos y ofrece una propuesta más melódica y armónica, bañada en una memoria nostálgica, y basada en las influencias iniciales de Van Hoen por la música electrónica de los setenta. Han buscado más la frescura y lo emocional que la innovación. Una atmósfera melancólica invade todo el disco”.
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