Tag: AI ASO

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(por si acaso, las RRSS de Perdidos son:
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Bitácora: Iniciaremos como si estuviéramos escuchando a un alumno de Terence Fletcher (de la peli Whiplash) y a este se le cae el hocico de la impresión. Músicas de tintes folkieantiguos denla escocia pretérita, para posteriormente irnos a Suecia con la banda sonora para un cortometraje introspectivo al cubo. Luego nuevas orientaciones tribaloides e hipnóticas (otra vez se me dormirá el 60% de los auditores) y otro 30% se dormirá con una japonesa apadrinada por Stephen O’Malley que se mueve por los terrenos pantanosos surcados antes por Vincent Gallo. Seguiremos en clave suicida, nos queda un 10% de auditores de mandar a los brazos de Morfeo y si no es con el que sigue será con un ex Seefeel que cierra la jornada.

Artista: GREG FOX
Disco: Contact
Sello: RVNG Intl
Año: 2020

El percusionista experimental Greg Fox amplía su amplitud compositiva en Contact, su nuevo disco de RVNG Intl. Fox, un renombrado intérprete y colaborador dentro de las comunidades de avant-jazz y rock outsider de Nueva York, orquesta una colisión de clamor de tambores en erupción y baños de circuitos deformados que se manifiestan en una catarsis de escucha profunda. Magistral obra maestra de Greg Fox (Liturgy), o al menos lo mejor que hemos escuchado de él, que refina notablemente su híbrido de metal y tekkers de avant-jazz junto con la suntuosa producción del studio se’er y el multitalento Randall Dunn. “Contact de Greg Fox es una extensión y evolución de las prácticas de creación de sonido rigurosas y virtuosas del artista multidisciplinario. En Contact, el intérprete devoto, intrépido compositor y ávido colaborador canaliza una alquimia de influencias e ideas a través del intercambio cinético de formas humanas y percusivas. Producida y mezclada por Randall Dunn, Contact ve a Fox accediendo a estados cada vez más crudos y rumiadores, procesando el tumulto de la sensibilidad en un golpe de tambor.

Artista: ALASDAIR ROBERTS
Disco: Fretted and Indebted
Sello: Infinite Greyscale
Año: 2020

Podría ser una coincidencia que la producción reciente de Alasdair Roberts haya adoptado un enfoque de regreso a lo básico, o podría tener algo que ver con la naturaleza angustiada de nuestro tiempo, las dificultades planteadas para un músico que prospera con la colaboración y la interacción, el obstáculos prácticos causados por la cuarentena y el autoaislamiento. De cualquier manera, Roberts parece estar disfrutando de su propia compañía más que nunca, musicalmente hablando. The Songs Of My Boyhood, que salió en junio, lo vio volver a visitar su antiguo material de Appendix Out, remodelando esas canciones tempranas y comparativamente experimentales en algo más cálido y agradable. Se sentía como una especie de consolidación e insinuaba posibles nuevos comienzos. Roberts acababa de convertirse en padre; tal vez se estaba preparando para cualquier cambio emocional potencial, o simplemente registrando el cierre de un capítulo de su vida y el comienzo de otro.
Alasdair Roberts es uno de nuestros cantantes de folk más queridos de los últimos años (aunque aparentemente odia el término cantante de folk). El músico escocés proporciona aquí otro documento de sus fascinantes interpretaciones de canciones tradicionales salvajes y raras que ha obtenido de varias partes de Escocia.

Artista: SHIDA SHAHABI
Disco: Lake On Fire
Sello: 130701 (Factcat)
Año: 2020

En el score para el cortometraje homónimo de Jennifer Rainsford, ‘Lake On Fire’, la pianista y compositora de Estocolmo Shida Shahabi le sigue al EP ‘Shifts’ del año pasado y su debut en 2018 ‘Homes’ ,un nuevo lanzamiento que amplía su repertorio a un alejamiento del piano, con tres de sus cuatro pistas tocadas en órgano y sintetizador analógico. A pesar de su brevedad (con un registro de poco menos de 15 minutos), “Lake On Fire es” una hermosa joya atmosférica. Fue escrito y grabado en su estudio de Estocolmo en la primavera de 2020, habiendo sido comisionado por la amiga de Shida y su compañera artista radicada en Estocolmo, Jennifer Rainsford (quien previamente había dirigido un cuarteto de videos cortos basados en la naturaleza para el álbum debut de Shida). Descrito por la directora como “un sutil cortometraje de ciencia ficción sobre el arrepentimiento y una inteligencia artificial a la que sólo le interesan los humanos para dar consejos de amor”, la película de quince minutos de duración cuenta la historia de un futuro lejano de dos antiguos amantes que se reencuentran en un bosque virtual. Dentro de este paisaje creado por IA, “las flores hablan, el bosque está animado por colores que cambian sutilmente pero continuamente mientras luchan en guerras virtuales y la ex pareja se da cuenta de que no pueden cambiar el pasado”. La partitura de Shida refleja a la perfección el lento y extraño desarrollo de la película, así como su sensación de dislocación e inquietud. Al igual que con los lanzamientos anteriores de Shida, la música aquí es profundamente inmersiva, su atractivo impacto tanto en la decadencia de cada sonido como en las formas que cuelgan entre las notas.

Artista: HARMONIUS THELONIUS
Disco: Plong
Sello: Bureau B
Año: 2020

Del sitio https://www.rotordiscos.com “Harmonious Thelonious es un proyecto en solitario del músico de Düsseldorf Stefan Schwander, publicando discos desde el 2010 bajo este alias además de otros como Antonelli Electr. Sus discos combinan música minimal de influencia americana con ritmos africanos y melodías europeas. El nuevo álbum ‘Plong’ es un trabajo sobresaliente de música electrónica, logrando con éxito la fuerza física de una banda sonora de una noche de club y al mismo tiempo explora las dramáticas profundidades de mundos sonoros para crear una experiencia auditiva intensiva en total soledad”. https://rockntipo.com “Un híbrido evocativo con xilófonos, ritmos de ritos del este de áfrica, bajos electrificantes y todo con un toque irresistible e hipnótico”.

Artista: AI ASO
Disco: The Faintest Hint
Sello: Ideologic Organ
Año: 2020

Del sitio https://www.attnmagazine.co.uk : “La voz de Ai Aso pende de una sola vocal, temblando como alas de pájaro que se ajustan al viento. Cada punteo en su guitarra acústica está enmarcado por las puntas de los dedos deteniendo notas prematuramente, o haciendo crujir el diapasón para prepararse para el siguiente acorde. A cada gesto de The Faintest Hint se le concede el espacio para existir. Cada sílaba lírica, cada cuerda de resonancia. Emergen en el aire, colgados del silencio como móviles de porcelana, compartiendo un momento de intimidad con su entorno antes de desaparecer, regalando el espacio por completo para la próxima proclamación de Aso. Estas son canciones pop cuando se consideran en su totalidad. Hay versos y coros. Hay sentimientos abiertos de solemnidad, dulce esperanza, inclinaciones de nostalgia iluminada por el sol. Sin embargo, donde tanto pop se derrumba en una explosión de tiempo presente, este álbum deja en claro el encadenamiento de acciones individuales que de alguna manera culminan en el paso del tiempo. Cada pista es una paradoja de Zeno; Aso está tan embelesado en cada momento que el paso de una pista completa se siente como una falacia lógica”.

Artista: DYLAN HENNER
Disco: The Invention of the Human
Sello: AD 93
Año: 2020

“La invención del ser humano” es una visión sombría de un futuro en el que los humanos son solo una pequeña parte de la ecuación. Un mundo nuevo que no es ni utópico ni distópico, con la naturaleza y la tecnología en un extraño pero perfecto equilibrio.
Magnífico negocio de la nueva era de Dylan Henner en la etiqueta AD 93 (fka Whities). Los fanáticos de Visible Cloaks tomen nota, las composiciones ricas en espacios negativos de Henner tienen mucho en común con el material más reciente del dúo de Portland, que aparentemente hace referencia a fuentes japonesas similares. Henner ha mencionado la influencia de los compositores de la banda sonora de “Akira”, Geinoh Yamashirogumi, y también escuchamos la feliz moderación de la deidad de la nueva era Hiroshi Yoshimura. No debería ser una gran sorpresa: los últimos discos de Henner fueron influenciados por gamelan y viajes en Sri Lanka y Vietnam, y su ritmo aquí ciertamente habla de esas mismas raíces. Sin embargo, también hay elementos de Oneohtrix Point Never e incluso James Ferraro mientras Henner manipula las voces sintetizadas para adaptarse a su visión.
Del sitio https://bleep.com “The Invention Of The Human de Dylan Henner es una brillante colección de composiciones electrónicas que combinan la inventiva sintética de Sophie y Arca con los drones espectrales de Grouper y la beatífica simplicidad de las composiciones posminimalistas de Arvo Pärt. De esta manera, el registro de Henner se puede archivar junto con los lanzamientos anteriores en la etiqueta AD 93 (anteriormente conocida como Whities) de Rupert Clervaux, Leif y Carl Gari & Abdullah Miniawy. Tened en cuenta que la lista de pistas de The Invention Of The Human varía según el formato: la versión digital se ejecuta en ocho pistas, mientras que el vinilo condensa esos ocho números en dos piezas de veinte minutos de duración”.

Artista: LOCUST
Disco: The Plaintive
Sello: Suction
Año: 2020

Del sitio https://www.rotordiscos.com “El nuevo álbum del proyecto fundado por Mark Van Hoen, junto a Louis Sherman. Locust fue una referencia fundamental dentro “ambient-techno” en los noventa, siendo fichados por el prestigioso sello R&S/Apollo (que descubrieron nada menos a Aphex Twin antes que Warp!). En su evolución más reciente publica ahora en Suction Records, el sello de Solvent. El impresionante sonido electrónico de Locust florece en este nuevo álbum, el primero de Mark Van Hoen desde 2014, en una línea muy próxima a la música “kosmische”. Producido durante 5 años utilizando una selección de sintetizadores analógicos, incluido el Prophet 12, así como un sistema modular eurorack digital. The Plaintive se inclina hacia una cálida base armónica, con temas como “Metals” y “Out Here” que se deslizan sobre texturas ensoñadoras. Sin embargo, hay una energía en The Plaintive que lo aleja del territorio ambient y lo acerca más hacia las innovaciones con sintetizador de artistas clásicos como Cluster y Mort Garson. Hay una calidez en varios sus cortes que se manifiesta en sus juguetonas ejecuciones de sintetizador, arpegios modulares y una programación de ritmos suave e insistente. Locust se aleja ahora de las formas más abstractas de trabajos previos y ofrece una propuesta más melódica y armónica, bañada en una memoria nostálgica, y basada en las influencias iniciales de Van Hoen por la música electrónica de los setenta. Han buscado más la frescura y lo emocional que la innovación. Una atmósfera melancólica invade todo el disco”.
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