Programa lunes 7 de junio de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio

Bitácora: Poesía sonora para empezar, luego vueltas a la tuerca en los océanos del jazz mezclado con la música progresiva. Otro lujo de edición de Soul Jazz records con un recopilatorio de músicas de la Cuba revolucionaria. Nos vamos después a conocer algo de unos chilenos que se amparan bajo un sello de nombre políticamente correcto. En el último cuarto de hora vamos con otro de esos discos con canciones difíciles de cercenar y cerramos con más registros de músicos bajo el efecto de la pandemia.

Artista: ALEX SOMERS
Disco: Audrey (Soundtrack)
Sello: Silva Screen
Año: 2020

“La película ofrece entrevistas íntimas con quienes mejor la conocían, entretejidas en torno a imágenes de archivo poco comunes”, dice la directora Helena Coan. “Sin embargo, hemos ido un paso más allá y hemos trabajado con el coreógrafo británico ganador de múltiples premios, Wayne McGregor (video Ingenue de Thom Yorke en que baila con Fukiko Takase), para crear secuencias de baile inspiradas en el amor de Audrey por el ballet, creando un retrato de Audrey cautivador y conmovedor. La danza magnifica el panorama emocional de Audrey y aporta un mayor sentido del drama y el teatro a la película, así como un rico lenguaje visual que aún no se ha utilizado en documentales”.
Alex Somers fue la elección perfecta de compositor para Audrey. Creó un mundo sonoro conmovedor y sumergió en él el retrato visual de un ser humano complejo y conflictivo. Las fortalezas y vulnerabilidades de Audrey, junto con sus inseguridades, desafíos y amor por la vida y la humanidad, la convierten en una presencia que aún hoy se siente en todo el mundo. “Audrey Hepburn era una persona tan especial”, dice Alex Somers. “Mi objetivo era aprovechar lo que la convertía en un alma única y crear un acompañamiento melódico y sonoro para ella. Colaborar con Helena fue una experiencia hermosa y gratificante. La música se derramó y juntos experimentamos y profundizamos más para contar la historia de Audrey; hay música aquí que es oscura y hay música aquí que es ligera y edificante, pero el hilo común es que es honesta y fiel a la chispa que fue Audrey “.

Artista: ELEPHANT9
Disco: Arrival of the New Elders
Sello: Rune Grammofon
Año: 2021

Del sitio https://autopoietican.blogspot.com/ “Hoy presentamos con mucho placer el nuevo disco del colectivo noruego ELEPHANT9, conformado por StÃ¥le Storløkken [órganos Hammond y Eminent 310, pianos de cola y eléctrico Fender Rhodes, mellotrón y Continuum], Nicolai Hængsle [bajo y guitarras acústica y eléctrica] y Torstein Lofthus [batería y percusión]. Este trío se hizo presente en el pasado año 2020 con dos discos en vivo, uno de ellos, con la colaboración del virtuoso guitarrista sueco REINE FISKE, un veterano del rock progresivo y el rock psicodélico. De hecho, este señor no es ningún invitado casual de la banda, pues ha participado anteriormente en tres discos de estudio del triunvirato de Storløkken, Hængsle y Lofthus. Los discos en cuestión son “Psychedelic Backfire I” y “Psychedelic Backfire II” y fueron publicados por el sello Rune Grammofon en el último día de mayo del año 2019, siendo así que los registros de ambos discos tuvieron lugar durante una serie de 4 conciertos en días sucesivos en el local Kampen Bistro de Oslo. Remitiéndonos ahora al nuevo disco de estudio que hoy traemos a colación, éste se grabó en el Studio Paradiso de Oslo en setiembre del pasado año 2020. Todas las composiciones son de Storløkken, salvo una que es de autoría de Hængsle. En líneas generales, su esquema de trabajo sigue el sendero de preferencia de atmósferas en el desarrollo de las estructuras musicales que se dio en el álbum de 2017 “Greatest Show On Earth”, pero esta vez hay un mayor énfasis en la elaboración y los arreglos de tenor flotante y envolvente. La misma sofisticación con un ropaje un poco más celestial, por decirlo de alguna manera. Adelantamos que este nuevo disco encapsula síntomas inequívocos de grandeza estética que permiten a los ELEPHANT9 seguir presumiendo de tener una carrera impecable dentro del escenario jazz-progresivo del nuevo milenio…”

Artista: Gilles Peterson y Stuart Baker (curadores)
Disco: Cuba: Music and Revolution
Sello: Soul Jazz Records
Año: 2020

Del sitio https://www.cancioneros.com “ un libro que reúne las portadas de los discos cubanos durante la Revolución, es un nuevo libro de lujo de tapa dura de gran formato de 250 páginas compilado y editado por Gilles Peterson y Stuart Baker (Soul Jazz Records) que presenta muchos cientos de diseños de portadas de discos cubanos impresionantes y únicos hechos desde la Revolución Cubana liderada por Fidel Castro en 1959, es el primer libro de la historia sobre el diseño de carátulas de discos cubanos y lleva cinco años en preparación; en total cooperación con el gobierno cubano. Estas portadas de álbumes rara vez se han visto (ni escuchado) fuera de Cuba y muestran una rica historia previamente oculta de la música y diseño.
Los diseños de las carátulas de los discos reflejan tanto el rico legado cultural musical latino de Cuba; como la influencia política y estética del comunismo revolucionario; que se manifiesta tanto en la música creada en la isla como en la obra de arte de sus diseños. Durante el siglo pasado, la música cubana ha producido una variedad aparentemente interminable de estilos (trova, rumba, mambo, son, salsa) a un ritmo vertiginoso. Después de la Revolución Cubana en 1959, el nuevo gobierno cerró los clubes nocturnos de propiedad estadounidense y consolidó la industria discográfica de la isla bajo un monopolio estatal. De esta nueva agenda socialista surgieron nuevos estilos musicales, incluido el movimiento Nueva Trova. La década de 1980 vio una mayor experimentación en el jazz, la salsa y la música folclórica afrocubana. Generosamente ilustrado con cientos de imágenes en color, Cuba: Music and Revolution presenta la historia de las portadas de discos cubanos, incluidos muchos ejemplos nunca antes vistos fuera de la isla.

Artista: THE MUGRIS & DIMENSION 11
Disco: Lathe Cut, 7”, 20/20 Split
Sello: Traición73 Records
Año: 2021

Primera edición en formato vinilo, lathe cut 7” del sello nacional Traición73 Records y que presenta a los chilenos The Mugris y Dimensión11. Mauricio Romero alias The Mugris es un destacado músico, productor y promotor oriundo de la ciudad de Talcahuano, de una larga trayectoria y en donde su música lo ha llevado a realizar giras por Brasil y a lo largo de Chile. Bajo su alias, cuenta con un sin número de discos editados y colaboraciones en distintos formatos a través de sellos como: No Problema Tapes, BYM Records y ETCS Records. “Campaña por la destrucción del capitalismo” corresponde al lado A del Split y observamos al no/músico desplegar su particular música repetitiva, atmosférica de pista de baile realizada por instrumentos como: Korg Electribe SX1 y SX2 – Line6 DL4, Delay Modeler – Boss Metalzone – Microkorg – Sonny Recorder (Cassette) – Allen and Heath zed10fx. En la otra vereda participa Dimensión11, proyecto personal del no/músico chileno Álvaro Daguer, con presentes en bandas como A Full Cosmic Sound, Glorias Navales (GxNx) y La Banda´s.

Artista: KARIMA WALKER
Disco: Waking The Dreaming Body
Sello: Keeled Scales
Año: 2021

Últimamente ha habido mucho tiempo para pensar. A estas alturas, todos hemos estado atrapados en el interior durante la mayor parte de un año, y una vez que la panificación ha perdido su encanto, lo único que te queda es reflexionar sobre tu lugar en el universo. En el caso de Karima Walker, el bloqueo ha sido claramente un período de profunda autorreflexión, y bastante productivo. Originalmente con la intención de grabar a fines de 2019, la primera enfermedad personal y la pandemia global terminaron por arruinar todo eso, lo que obligó a la nativa de Arizona a grabar esto desde el estudio de su casa. Aislada de su habitual forma colaborativa de trabajar, Walker se encontró atrapada entre el anhelo por los demás y el exterior y los pensamientos de su herencia tunecina y su educación estadounidense. El resultado es que Waking The Dreaming Body es un álbum que se siente lleno de tensión canalizada hacia lo que parece un sueño febril de cuarenta minutos. Cada canción oscila entre ricas texturas ambientales y poesía melancólica, refluyendo y fluyendo entre momentos de cruda lucidez y dichosa bruma etérea. En su mayoría, Waking The Dreaming Body es un disco que de alguna manera se siente surgido de los desiertos y montañas de Arizona. Desde la solitaria gente de las fogatas de “Softer” hasta el sonido del viento aullante que sustenta “Windows 1”, cada canción evoca un paisaje de alguna manera, invitándote a perderte en la inmensidad abierta. Créame, para eso se necesita algo de magia bastante poderosa.

Artista: ROBERT LIPPOK
Disco: Zehn Tage Im April
Sello: Boomkat Editions, Documenting Sound
Año: 2020

Robert Lippok de To Rococo Rot nos entrega un álbum de material nuevo grabado durante un período de 10 días para nuestra serie Documenting Sound en Berlín esta primavera, una extensa excursión de 70 minutos / 13 pistas hacia algunas de las brillantez más conmovedoras e incontroladas que hemos escuchado. Él en años. En “Zehn Tage Im April”, el venerado productor, compositor y artista visual refleja la surrealidad de 10 días durante el primer encierro, cuando observó que la ciudad estaba “vacía como en los años 90”, pero la naturaleza continuó su ciclo perenne sin cesar. Durante mucho tiempo hemos estado fascinados por el matiz melancólico y el espacio meditativo de la música de Lippok, y su trabajo aquí rinde debidamente testimonio de su sensación casi inigualable y onírica de la dramaturgia musical, incorporando intuitivamente talentos como diseñador de escenarios y artista visual para organizar una inmersión descriptiva. Pero elusiva suite que refleja la magia de Berlín a medida que cambian las estaciones, pero con un escalofrío añadido de rareza intangible. Para ser un músico bastante controlado, Lippok, por una vez, no forzó el proceso creativo aquí, sino que prefirió amasar una especie de cuaderno de bocetos de ideas que reflejara su oído y su mente errantes. Luego, los resultados se rasgaron y moldearon en estas 13 pistas, que abarcan más de una hora de manipulaciones de grabación de campo de sueños lúcidos, como los 9 minutos hiperrealistas de ‘Nordbahnhof Havel Lyra Cycle’, saltos angulares como el banco pero exuberante ‘Kick2test’, y ásperos tecno pulsadores cromáticos como ‘Nacht’, antes de extenderse realmente en dos obras duraderas que se sienten como si estuviera mapeando un viaje topográfico profundo entre las estaciones de U-Bahn de la ciudad y un mosaico de parques florecientes rodeados de sitios de construcción y un laberinto esférico de energías psíquicas. .
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Podcast de la emisión de lunes 14 de noviembre de 2016

DESCARGA(lunes 14): aquí o http://www.mediafire.com/file/5et3v0pysbj2ioo/perd161114.mp3

Emisión en línea a través de Podomatic …. esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador,



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Programa lunes 14 de noviembre de 2016, 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Partiendo con un músico que no baja la guardia y nos sigue contando sus historias y anécdotas trágicómicas, luego con un músico chileno que se las trae y que se las trae-trae. Haremos una pequeña pausa-homenaje pues una noticia aciaga nos dejó con una pena inmensa (pero la música es algo que no nos abandonará nunca, ojo con eso). Luego una de las dos o tres bandas favoritas de John Peel con disco-video nuevo, cerrando con música de una gran peli y con una banda que aterrizará en Santiago a principios del próximo año.

Artista: DEVENDRA BANHART
Disco: Ape in Pink Marble
Sello: Nonesuch
Año: 2016
devendra banhart - ape in pink marble
Del sitio http://jenesaispop.com : “Devendra Banhart camina por una calle de Los Ángeles e imagina dónde estará su amigo Asa Ferry. ¿Quizá sentado frente a la estación de autobuses? Banhart quiere tanto a su colega, miembro del desconocido grupo de pop orquestal Kind Hearts & Coronets, que comienza a escribir para él una canción llamada ‘Middle Names’ sobre esa imagen tan poética que le ronda la cabeza: ambos pueden estar paseando por la ciudad sin que el otro sepa dónde se halla cada cual, cuando puede que sólo les separe una manzana. Asa Ferry muere de manera repentina y Devendra, destrozado por no haberle podido ayudar, termina la canción que ya había empezado, la que al final abre su nuevo disco, ‘Ape in Pink Marble’, el primero desde ‘Mala‘. Cuenta el artista en una entrevista que publicaremos próximamente que en estos 3 años han sido muchas las personas de su entorno que ha perdido. Sin embargo, Devendra siempre ha sido un cantautor muy peculiar, y este no es un disco lleno de composiciones para superar su duelo. No es, ni más ni menos, que otro disco de Banhart en el que caben muchas de las experiencias que ha vivido recientemente. Y están las malas, pero también las anécdotas insignificantes, como la que inspira la divertida ‘Fig in Leather’, una ¿auto?parodia de un tipo que pretende ser caballeroso para terminar en realidad cubierto de caspa hablando de tecnología desfasada, todo ello envuelto en sugerentes teclados de disco lo-fi, deliberadamente eso, desfasados; o ‘Theme for a Taiwanese Woman in Lime Green’, simplemente el retrato de una conversación con una “señora mayor” con un traje de “lima verde”, vista desde su coche en otro paseo por Los Ángeles. Devendra le dice que le gusta tanto su ropa que quiere hacer una canción sobre ella y ella le contesta: “I’m from Taiwan daaahhhlllliiinnggg, Taiwan!”

Artista: THE MUGRIS
Disco: Super Dog
Sello: Traicion73 / Discos Cetáceos
Año: 2016
THE MUGRIS COVER
“Mugris es el proyecto solista de Mauricio Romero, músico de la ciudad de Talcahuano, Chile. A través de la ejecución en vivo de sintetizadores análogos, la música de The Mugris toma como base las manifestaciones rítmicas de la música electrónica para combinarlas con las atmosferas y efectos más propios de la psicodelia, lo que lo convierte en uno de los actos en vivo más llamativos de la escena”. Reseña autoescrita en tercera persona, que resume muy bien la actual alza en la presencia de The Mugris, que poquito a poquito se ha hecho un muy buen nombre, a punta de trabajo y muuuuuy acertada propuesta Sonora. El secreto mejor guardado de Talcahuano ya no lo es. Poco falta para que no tengamos acceso a él, así que por mientras con confianza le podemos decir: Felicitaciones Chispa, te quedó la raja el disco!!! Ta’ muuuuuu weno!!!!.

Artista: LEONARD COHEN
Disco: You Want it Darker
Sello: Sony
Año: 2016
Leonard-Cohen
Del sitio http://www.abc.es , de un artículo salido poco después que el disco: “Bien se ha dicho que la atmósfera que rodea el decimocuarto disco de estudio de Leonard Cohen recuerda al testamento sonoro de Bowie, «Blackstar». La voz de Cohen suena más profunda que nunca, y sus letras huelen a despedida. Son nueve canciones de un hombre sabio, desencantado, nostálgico, cansado, pero en paz consigo mismo y con el mundo. «You Want It Darker» (réquiem pop). Primer single, y el tema más dramático. «Estoy listo, mi Señor», repite en esta especie de réquiem de casi cinco minutos, con el acompañamiento del lúgubre coro de la Sinagoga Shaar Hashomayim. «Un millón de velas están quemándose pidiendo la ayuda que nunca llegó». Nos encontramos con el Cohen más espiritual, dirigiéndose a lo más profundo del alma humana.«Treaty» (balada sobre el amor perdido). «Me siento cada noche a tu mesa pero no acabo de conectar contigo. Estoy cansado y enfadado todo el tiempo, ojalá hubiera un pacto entre tu amor y el mío». Como es habitual en su cancionero, mezcla lo profano y lo sagrado. Es uno de los tres temas en los que él es autor de la música además de la letra.” Y así, adiós maestro.
El tema que mostraremos de Cohen es el que cierra el disco y con el que se despide de todos también y que pareciera una declaración de amor, de ese amor con el que se encontrará en el más allá:
“I wish there was a treaty we could sign
It’s over now, the water and the wine
We were broken then but now we’re borderline
And I wish there was a treaty,
I wish there was a treaty between your love and mine”
(Ojalá hubiera un tratado que pudiéramos firmar
Se acabó ahora, el agua y el vino
Estábamos rotos, pero ahora estamos en el borde
Y me gustaría que hubiera un tratado,
ojalá hubiera un tratado entre tu amor y el mío
)

Artista: THE WEDDING PRESENT
Disco: Going Going
Sello: Scopitones
Año: 2016
the_wedding_present-going_going
Del sitio http://jenesaispop.com “La primera vez que escucho este ‘Going, Going…’ me doy un buen susto. ¿Se ha pasado David Gedge al post-rock? ¿Ha vuelto el post-rock? ¿¿Pero por qué?? Y es que una serie de pasajes invernales e instrumentales, casi tan inhóspitos como la helada portada, abren el disco… y me hacen temer lo peor. Más teniendo en cuenta que es un álbum bastante largo: ¡veinte temas! Pero, afortunadamente, en eso se queda todo: en un susto. Porque a la quinta canción, ‘Two Bridges’, cuando está a punto de vencerme el sopor, David Gedge me despierta con un fogonazo de fantástico power-pop. Ah, esto ya es otra cosa. Este grisáceo arranque se entiende si se echa un vistazo a su web: “‘Going, Going…’ es una colección de veinte canciones que van desde los paisajes cargados de cuerdas al punk-rock rabioso, cada uno acompañado de un film rodado durante un viaje a través de EEUU por Gedge y la fotógrafa Jessica McMillan”. David Gedge se plantea, pues, el álbum como algo más que una sucesión de canciones: es una obra audiovisual. De hecho, ‘Going, Going…’ se vende en varios formatos, pero siempre acompañado de un DVD. Sin duda, su atmosférica introducción se sostiene mejor como banda sonora. Pero si obviamos este inicio, si despojamos a ‘Going, Going…’ de la excusa cinematográfica, si nos limitamos al plano estrictamente musical, el disco se defiende solo estupendamente bien”.

Artista: Varios + MICHAEL GALASSO & SHIGERU UMEBAYASHI
Disco: in the mood for love
Sello: Virgin
Año: 2000
in the mood for love
Hace más o menos unos tres meses, en un especial sobre el sudeste asiático y a propósito de unas fotos de Angkor Wat que publicamos en el Facebook de Perdidos, un auditor posteaba sobre “cómo olvidar la escena final de la peli ‘In the mood for love’. Bueh!, la banda sonora es tan excelsa que no quedaba otra que investigar. Del sitio http://www.el-parnasillo.com “…Maggie Cheung y Tony Leung en ‘In the mood for love’. Esta orgía de los sentidos obedece a la búsqueda del eterno femenino goethiano emprendida por Wong Kar-wai desde que ligara amor y memoria en la imperecedera ‘In the mood for love’. Su título era un presagio del peso que tendría la música en la narración. Como confesara el director tras su estreno, con el epígrafe quería brindar un homenaje a la canción homónima de Bryan Ferry que, curiosamente, no forma parte de su banda sonora –pero que sí se podía escuchar en el tráiler–. Se trata de una sensual melodía de ritmos orientales que encaja a la perfección con la pasión contenida que se desprende de cada gesto de sus protagonistas. Lo que más se recuerda de ‘Deseando amar’, que es como se tradujo al castellano, es la arrolladora presencia de boleros. Esto, que podría resultarle chocante a un espectador profano, tiene su explicación: en el Hong Kong de los años 60, que es la época en que se desarrolla la acción, los boleros de Nat King Cole sonaban con fuerza. Wong Kar-wai nació en Shangai, pero a la edad de cinco años su familia se trasladó a la antigua colonia británica, la ciudad china más aperturista. Su madre oía en la radio y tarareaba las melancólicas canciones de Cole –ni el uno ni la otra las entendían, pero aun así las sentían, que es lo que consigue la buena música–, de suerte que Wong Kar-Wai ungió ese recuerdo con un barniz indeleble. Las esperas de Chow Mo-Wan (un magnífico Tony Leung) en el restaurante, con el cigarrillo entre los dedos y las volutas de humo nimbando su cabeza, discurren a ritmo de ‘Quizás, quizás, quizás’. El bolero de Oswaldo Farrés dota de una emoción inefable a los encuentros furtivos de la pareja burlada y al mismo tiempo adúltera, citas que rezuman ansiedad y recato a partes iguales. Aunque Maggie Cheung no tenga los ojos glaucos, al oír ‘Aquellos ojos verdes’ no te cuesta imaginar que Mo-Wan está requebrando a Su Li-Zhen por medio de sus miradas lánguidas y serenas. La terna de boleros la completa ‘Te quiero dijiste’, otra emocionante canción que resplandece en la voz de Nat King Cole.”

Artista: RADIOHEAD
Disco: A Moon Shaped Pool
Sello: XL Recordings
Año: 2016
Radiohead - 2016 - A Moon Shaped Pool
Del sitio http://www.mondosonoro.com “No es noticia que, como casi todo lo que tiene que ver con Thom Yorke y compañía, “A Moon Shaped Pool” aparezca con una sobredimensionada expectación, pero sí que des-de el primer momento depare mejores sensaciones que “The King Of Limbs” (tampoco era muy complicado, todo sea dicho). A ello contribuye el inicio con “Burn The Witch”, una canción urgente y directa como hacía tiempo que no se recordaba en el repertorio de los británicos, exhibiendo una intensidad que esta vez no nace de la angustia, sino de apretar bien los dientes. A partir de ahí, con un tracklist en riguroso orden alfabético (aunque uno no cree demasiado en el azar; diría más bien que los nombres están elegidos para que el último corte sea “True Love Waits”, ese viejo conocido), Radiohead vuelven a ser lo que venían siendo, o al menos el grupo al que -para bien o para mal- nos hemos acostumbrado. Las circunstancias no siempre son definitivas, pero el hecho de que la mayor parte de este nuevo material solo lo sea entre comillas (únicamente hay tres canciones verdaderamente inéditas) acaba haciendo que la luna con forma de piscina se convierta en una suerte de contenedor autorreferencial. “OK Computer”, “Kid A”, “Hail To The Thief” o “In Rainbows” se asoman en algún momento, pero lo hacen de manera aislada, hasta el punto de que parece que estemos ante un (buen) recopilatorio de canciones escondidas. O eso, o que han decidido regalarse un homenaje. Temas como “Identikit” o “Daydreaming”, con esas texturas reverberadas y un vídeo que es un auténtico tributo a sí mismos, sirven para reivindicar la vigencia del sonido doloroso y denso que hace años llevaron a lo más alto, solo que ahora se muestra en una toma que sigue siendo bonita, pero de menor al-cance. La atmósfera opresiva funciona en “Decks Dark” (que remite rápido a la época de “Amnesiac”) y especialmente en “Ful Stop”, con una dinámica krautrock; de hecho, son los úni-cos momentos que podrían luchar por hacerse un hueco entre sus mejores canciones (eso sí, difícilmente en un top 10). Entre lo más notable cabe hacer referencia también a los arreglos orquestales de Jonny Greenwood, muchas veces asumiendo el rol de ele-mento central -menos convincentes resultan los coros-, igual que a las líneas de bajo, que aportan pegamento a un conjunto que se revela accesible, respondiendo básicamente a los estándares de Radiohead, pero en el que después de unas cuantas escuchas continúa sin aparecer esa magia que hace que un disco llegue para quedarse. “Desert Island Disk” y “Glass Eyes” son temas que, sin estorbar, no aportan demasiado, mientras que “The Numbers” toma una inofensiva deriva new age (“Somos de la Tierra / y a ella retornamos”). “Present Tense”, con aire de bossanova, sí puntúa más arriba, para dar paso a la electrónica de “Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief” -con un final de mucha altura- y, finalmente, a “True Love Waits”. Seguramente no era necesario volver sobre sus pasos para grabar -en una versión que no mejora la que conocíamos- una pieza habitual en sus conciertos desde 1995 (incluso apareció en el álbum en directo “I Might Be Wrong”); una vez aquí, podemos entenderlo como un guiño a sus seguidores más fieles, pero también -de nuevo- como una manera de cerrar el círculo de una banda que en el fondo siempre se ha tenido como su propio referente.
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