ZUEKO KIMONO MAGNÉTICO – Perdidos en el Espacio | 22:00 hrs por Radio Universidad de Chile

Bitácora: Partiremos celebrando la visita a Santiago de una de las bandas insignes en los primeros años de Perdidos, luego el tono gamelán se funde con elegías que pronostican la invasión de un pueblo bárbaro. Seguiremos repasando a artistas que se presentarán en el Fauna Primavera del próximo noviembre. Un músico que forma parte de los 3 CD compilatorios editados de nuestras sesiones de Perdidos nos vuelve a compartir sus nuevas creaciones. Desde Lyon Francia una propuesta de resistencia que cruza géneros, generaciones y territorios. Luego desde Inglaterra un cercano a King Krule diseccionará conocidos temas y los transformará en un hibrido sampler que no habría hecho merecedores de una molotov por mostrarlo. Y cerramos con un exquisito ejemplo del mejor ambient japones de los 80s. AHHHHH!!!, y tendremos un gran regalo para ustedes, gentileza de Sergio Lucero, ex corresponsal en Londres.

Artista: CODEINE
Lugar: Centro Cultural San Gine?s. Mallinkrodt 76
Fecha: 8/10/ 2025 – 20 hrs
https://www.ticketmaster.cl/event/41596_ZXD84TQVZOQJF5EC2SGNOW8T2PQTI7IB68KW2IMN

Gentileza – nuevamente- de la productora beatnik.live, tendremos en Santiago a Codeine, mítica banda pionera del slowcore se presenta en Chile para ofrecer un show exclusivo.
El trío neoyorquino, contara? con su formación original, a cargo de: Stephen Immerwahr, John Engle y Chris Brokaw. Codeine es considerada una de las bandas más influyentes del ge?nero, caracterizado por sus tempos lentos, melodías melanco?licas y letras introspectivas. Durante su carrera, Codeine lanzo? dos álbumes de estudio aclamados por la crítica: “Frigid Stars” (Sub Pop) en 1990, “The White Birch” (Sub Pop) en 1994 y recientemente “Dessau” (Nu?mero Group) grabado en 1992 y “What About The Lonely?” (Nu?mero Group) grabado en 1993. Su música se caracteriza por un sonido minimalista, con influencias del post-rock y el shoegaze. Las letras de Codeine abordan temas como la alienación, la soledad y la melancolía, creando una atmo?sfera densa, destacando el zumbido de la guitarra y la emotividad en sus canciones. La influencia de Codeine ha perdurado a lo largo de los años, y su legado sigue siendo apreciado por fans y críticos de la música alternativa. Su trabajo continúa siendo redescubierto por nuevas generaciones de oyentes interesados en el sonido único y evocador de Codeine.

Artista: SOPRATERRA
Disco: Seven Dances to Embrace the Hollow
Sello: Präsens Editionen
Año: 2025

“Seven Dances to Embrace the Hollow” es una obra que desafía las convenciones temporales y estilísticas, fusionando elementos de la música barroca y medieval con paisajes sonoros electroacústicos contemporáneos. El dúo Sopraterra, conformado por la compositora polaca Magda Drozd y el artista visual y sonoro italiano Nicola Genovese, propone una experiencia auditiva que oscila entre lo ritual y lo espectral. Cada una de las siete piezas funciona como una danza que invoca memorias culturales fragmentadas, donde flautas arcaicas, tambores de marco y zumbidos de zanfona se entrelazan con distorsiones metálicas, drones sintetizados y texturas industriales. El álbum se caracteriza por una narrativa sonora no lineal, que evoca tanto el post-rock de Montreal como el gamelán indonesio, sin caer en la mímesis. En temas como “The Second Before Slipping” y “Unglued”, los instrumentos tradicionales son desfigurados por capas de ruido y manipulación digital, generando una sensación de desplazamiento temporal. La producción es deliberadamente ambigua, diseñada para confundir los sentidos y provocar una escucha activa. El resultado es un paisaje auditivo que se sitúa entre lo ceremonial y lo distópico, donde lo ancestral se convierte en materia prima para una arqueología sonora especulativa. Este debut de Sopraterra no busca reconstruir el pasado, sino invocar sus fantasmas para dialogar con el presente. Es una obra que exige atención y entrega, y que recompensa con una experiencia inmersiva, inquietante y profundamente evocadora.

Artista: THE WHITEST BOY ALIVE
Disco: Rules
Sello: Bubbles
Año: 2009

Seguimos estudiando a músicos que vienen a uno de los Festivales con la curatoría más fina que se realiza en Chile. “Rules” es el segundo y último álbum de estudio de The Whitest Boy Alive, proyecto liderado por un gran amigo de estas tierras al fin del planeta, el noruego Erlend Øye. Aquí junto a músicos radicados en Berlín. Grabado en México, el disco captura la esencia de una banda que abandonó los sintetizadores para abrazar una estética minimalista, cálida y orgánica. A lo largo de sus once temas, el grupo despliega una mezcla de indie pop, funk suave y ritmos jazzy, con guitarras limpias, líneas de bajo melódicas y una batería contenida pero precisa. Canciones como “1517”, “Intentions” y “Keep a Secret” destacan por su estructura sencilla y su groove contagioso, evocando una pista de baile íntima y reflexiva. La producción es deliberadamente austera, sin efectos innecesarios, lo que permite que cada instrumento respire y dialogue con naturalidad. El álbum transmite una sensación de ligereza y honestidad, donde cada regla parece ser una invitación a romperla suavemente. “Rules” ha sido valorado por su coherencia estilística y su capacidad para generar atmósferas introspectivas sin caer en la melancolía. La banda logra un equilibrio entre lo bailable y lo contemplativo, con un sonido que sigue siendo vigente más de una década después. The Whitest Boy Alive se presentará el sábado 8, será uno de los primeros actos del día, así que apúntate a llegar temprano, festival Primavera Fauna será la marca para su regreso a los escenarios latinoamericanos.
Fecha: 8 noviembre
Link entradas: https://feverup.com/m/414344

Artista: ZUEKO KIMONO MAGNETICO
Disco: Joy. The Vision / Deep in Now
Disco: No Matter / Off The Record
Sello: autoproducido
Año: 2025

EEn algún minuto, en los primeros 4 años de Perdidos se nos ocurrió invitar a músicos y bandas a presentarse en Perdidos, hacer una sesión en vivo en nuestro locutorio, sacábamos sillas y mesas e instalábamos equipos y realizábamos una sesión que duraba casi todo el programa. Uno de aquellos fue el músico que ahora después de poco más de 25 años nos vuelve a contactar para compartir sus últimas creaciones, según palabras del mismo autor: “Joy. The Vision / Deep in Now = Estas dos canciones están compuestas en 5/4, inspiradas por la onda de Cocteau Twins de la época del Heaven or Las Vegas, con las guitarras de Adrian Belew en King Crimson. Son canciones de dream pop, con una temática bien mística, sobre ver las cosas más allá del velo de la realidad; sobre contactarse con espíritus cuya frecuencia puede parecer imperceptible pero es coexistente. Abrir el entramado de las apariencias y desentrañar la realidad que subyace debajo de esta construcción en nuestros cerebros que es mera ilusión… Rendirse o más bien entregarse por completo a esa conexión. Todos los instrumentos interpretados por mí, aunque en realidad es solamente sintetizador (como ha sido la usanza mía desde 2023, donde no ocupo ya instrumentos “reales” –así que esas guitarras no son guitarras- y las voces son todas mías. Siempre un one-man-band, desde 1997). Son canciones muy emotivas para mí, me conectan con una búsqueda personal muy importante y trascendente. Su apariencia pop, del mismo modo, esconde una urdimbre más compleja, pues su métrica parece desconcertar en un comienzo y luego pasa desapercibida, como precisamente un patrón escondido dentro de otro, subyacente”.

Artista: VIOLENCE GRATUITE
Disco: Baleine à Boss
Sello: Hakuna Kulala
Año: 2024

“Baleine à Boss” marca el debut musical de la artista multidisciplinaria francesa Violaine Morgan Le Fur, conocida como Violence Gratuite. El disco es una travesía sonora que entrelaza chanson francesa, rap, no wave y electrónica experimental, con influencias del gqom, kuduro y trap. Compuesto y producido en solitario, el álbum se caracteriza por su energía impulsiva y su estructura cambiante, donde cada pista parece abrir una puerta distinta hacia lo ritual, lo político y lo íntimo.
La obra se nutre de la herencia bretona y camerunesa de Le Fur, y dialoga con los conflictos históricos del África occidental, evocando paisajes devastados por la violencia patriarcal. Esta dimensión crítica se refleja en sus presentaciones en vivo, donde la artista combina visuales documentales, spoken word y coreografías teatrales.

Artista: PRETTY V
Disco: Destiny of Illusion
Sello: Life Is Beautiful Records
Año: 2025

“Destiny of Illusion” es el primer álbum de larga duración del artista británico Pretty V, también conocido como Voldy Moyo. La obra se presenta como un collage sonoro de 24 piezas breves, grabadas en su mayoría con un teléfono móvil y producidas por el músico Aloisius. El disco transita por una estética lo-fi radical, donde el pop indie se entrelaza con spoken word, ambient, folk distorsionado y samplers extraídos de foros o videojuegos. Cada canción funciona como un boceto emocional, una entrada de diario sonoro que captura la fugacidad de la imaginación centennial.
La propuesta de Pretty V se caracteriza por su crudeza deliberada, con estructuras fragmentadas y una producción que abraza el error como parte del proceso creativo. Temas como “Dream Life”, “London”, “31” y “Patterns, Patterns, Patterns…” destacan por su melancolía distorsionada y su capacidad para evocar paisajes urbanos desde una intimidad caótica. El álbum incluye una versión desacelerada y desfigurada de un clásico de The Smiths, y simples iconoclastas de algún tema de los Cocteau Twins, que refuerza su vínculo con la tradición pop británica desde una mirada irreverente. “Destiny of Illusion” no busca perfección ni coherencia, sino una experiencia sensorial que se asemeja a escuchar los pensamientos de alguien en tiempo real. El resultado es un disco que desafía las convenciones del formato álbum, y que se inscribe en una genealogía de artistas como Dean Blunt, Graham Lambkin o Good Sad Happy Bad. Su edición física limitada en vinilo, cassette y CD refuerza el carácter artesanal y efímero de la propuesta.

Artista: HIROSHI YOSHIMURA
Disco: Flora
Sello: Temporal Drift
Año: 1987 / 2025

La obra fue originalmente compuesta en 1987 y publicada por primera vez en CD en 2006, tres años después del fallecimiento del artista. “Flora” es una pieza esencial dentro del legado de la música ambiental japonesa, y representa uno de los trabajos más delicados y contemplativos de Hiroshi Yoshimura. Inspirado por sus caminatas en un parque de la era Edo cerca de su casa en Tokio, el disco evoca la fragilidad de la naturaleza a través de composiciones minimalistas, donde el piano y los sintetizadores se entrelazan con una economía de medios que potencia la expresividad. Cada tema funciona como una postal sonora, una escena suspendida en el tiempo que invita a la escucha pausada y profunda. La obra se aleja de los sintetizadores FM utilizados en discos anteriores como “Green” o “Surround”, optando por una sonoridad más orgánica y acústica. Piezas como “Over the Clover”, “Adelaide” y “Satie on the Grass” destacan por su capacidad de transformar lo cotidiano en experiencia estética, con melodías que se despliegan lentamente como pétalos al sol. El álbum ha sido descrito como una meditación sonora, donde el silencio y el espacio son tan importantes como las notas mismas.
“Flora” ha sido revalorizado como una joya del ambient ambiental, y su reedición ha permitido que nuevas generaciones accedan a su belleza serena. Es un disco que no busca imponerse, sino acompañar, como el perfume sutil de una flor que se deja descubrir con el tiempo.
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Y el regalo para ustedes, gentileza de Sergio Lucero, que al aire explicará de qué trata toda esta volada, atentos a la emisión en directo lunes 6 de octubre o luego en los podcasts.