DESCARGA(lunes 6): Aquí o https://www.mediafire.com/perd251006.mp3/
Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/
Tag: THE WHITEST BOY ALIVE
Programa lunes 6 de octubre de 2025, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile
Bitácora: Partiremos celebrando la visita a Santiago de una de las bandas insignes en los primeros años de Perdidos, luego el tono gamelán se funde con elegías que pronostican la invasión de un pueblo bárbaro. Seguiremos repasando a artistas que se presentarán en el Fauna Primavera del próximo noviembre. Un músico que forma parte de los 3 CD compilatorios editados de nuestras sesiones de Perdidos nos vuelve a compartir sus nuevas creaciones. Desde Lyon Francia una propuesta de resistencia que cruza géneros, generaciones y territorios. Luego desde Inglaterra un cercano a King Krule diseccionará conocidos temas y los transformará en un hibrido sampler que no habría hecho merecedores de una molotov por mostrarlo. Y cerramos con un exquisito ejemplo del mejor ambient japones de los 80s. AHHHHH!!!, y tendremos un gran regalo para ustedes, gentileza de Sergio Lucero, ex corresponsal en Londres.
Artista: CODEINE
Lugar: Centro Cultural San Gine?s. Mallinkrodt 76
Fecha: 8/10/ 2025 – 20 hrs
https://www.ticketmaster.cl/event/41596_ZXD84TQVZOQJF5EC2SGNOW8T2PQTI7IB68KW2IMN
Gentileza – nuevamente- de la productora beatnik.live, tendremos en Santiago a Codeine, mítica banda pionera del slowcore se presenta en Chile para ofrecer un show exclusivo.
El trío neoyorquino, contara? con su formación original, a cargo de: Stephen Immerwahr, John Engle y Chris Brokaw. Codeine es considerada una de las bandas más influyentes del ge?nero, caracterizado por sus tempos lentos, melodías melanco?licas y letras introspectivas. Durante su carrera, Codeine lanzo? dos álbumes de estudio aclamados por la crítica: “Frigid Stars” (Sub Pop) en 1990, “The White Birch” (Sub Pop) en 1994 y recientemente “Dessau” (Nu?mero Group) grabado en 1992 y “What About The Lonely?” (Nu?mero Group) grabado en 1993. Su música se caracteriza por un sonido minimalista, con influencias del post-rock y el shoegaze. Las letras de Codeine abordan temas como la alienación, la soledad y la melancolía, creando una atmo?sfera densa, destacando el zumbido de la guitarra y la emotividad en sus canciones. La influencia de Codeine ha perdurado a lo largo de los años, y su legado sigue siendo apreciado por fans y críticos de la música alternativa. Su trabajo continúa siendo redescubierto por nuevas generaciones de oyentes interesados en el sonido único y evocador de Codeine.
Artista: SOPRATERRA
Disco: Seven Dances to Embrace the Hollow
Sello: Präsens Editionen
Año: 2025
“Seven Dances to Embrace the Hollow” es una obra que desafía las convenciones temporales y estilísticas, fusionando elementos de la música barroca y medieval con paisajes sonoros electroacústicos contemporáneos. El dúo Sopraterra, conformado por la compositora polaca Magda Drozd y el artista visual y sonoro italiano Nicola Genovese, propone una experiencia auditiva que oscila entre lo ritual y lo espectral. Cada una de las siete piezas funciona como una danza que invoca memorias culturales fragmentadas, donde flautas arcaicas, tambores de marco y zumbidos de zanfona se entrelazan con distorsiones metálicas, drones sintetizados y texturas industriales. El álbum se caracteriza por una narrativa sonora no lineal, que evoca tanto el post-rock de Montreal como el gamelán indonesio, sin caer en la mímesis. En temas como “The Second Before Slipping” y “Unglued”, los instrumentos tradicionales son desfigurados por capas de ruido y manipulación digital, generando una sensación de desplazamiento temporal. La producción es deliberadamente ambigua, diseñada para confundir los sentidos y provocar una escucha activa. El resultado es un paisaje auditivo que se sitúa entre lo ceremonial y lo distópico, donde lo ancestral se convierte en materia prima para una arqueología sonora especulativa. Este debut de Sopraterra no busca reconstruir el pasado, sino invocar sus fantasmas para dialogar con el presente. Es una obra que exige atención y entrega, y que recompensa con una experiencia inmersiva, inquietante y profundamente evocadora.
Artista: THE WHITEST BOY ALIVE
Disco: Rules
Sello: Bubbles
Año: 2009
Seguimos estudiando a músicos que vienen a uno de los Festivales con la curatoría más fina que se realiza en Chile. “Rules” es el segundo y último álbum de estudio de The Whitest Boy Alive, proyecto liderado por un gran amigo de estas tierras al fin del planeta, el noruego Erlend Øye. Aquí junto a músicos radicados en Berlín. Grabado en México, el disco captura la esencia de una banda que abandonó los sintetizadores para abrazar una estética minimalista, cálida y orgánica. A lo largo de sus once temas, el grupo despliega una mezcla de indie pop, funk suave y ritmos jazzy, con guitarras limpias, líneas de bajo melódicas y una batería contenida pero precisa. Canciones como “1517”, “Intentions” y “Keep a Secret” destacan por su estructura sencilla y su groove contagioso, evocando una pista de baile íntima y reflexiva. La producción es deliberadamente austera, sin efectos innecesarios, lo que permite que cada instrumento respire y dialogue con naturalidad. El álbum transmite una sensación de ligereza y honestidad, donde cada regla parece ser una invitación a romperla suavemente. “Rules” ha sido valorado por su coherencia estilística y su capacidad para generar atmósferas introspectivas sin caer en la melancolía. La banda logra un equilibrio entre lo bailable y lo contemplativo, con un sonido que sigue siendo vigente más de una década después. The Whitest Boy Alive se presentará el sábado 8, será uno de los primeros actos del día, así que apúntate a llegar temprano, festival Primavera Fauna será la marca para su regreso a los escenarios latinoamericanos.
Fecha: 8 noviembre
Link entradas: https://feverup.com/m/414344
Artista: ZUEKO KIMONO MAGNETICO
Disco: Joy. The Vision / Deep in Now
Disco: No Matter / Off The Record
Sello: autoproducido
Año: 2025
EEn algún minuto, en los primeros 4 años de Perdidos se nos ocurrió invitar a músicos y bandas a presentarse en Perdidos, hacer una sesión en vivo en nuestro locutorio, sacábamos sillas y mesas e instalábamos equipos y realizábamos una sesión que duraba casi todo el programa. Uno de aquellos fue el músico que ahora después de poco más de 25 años nos vuelve a contactar para compartir sus últimas creaciones, según palabras del mismo autor: “Joy. The Vision / Deep in Now = Estas dos canciones están compuestas en 5/4, inspiradas por la onda de Cocteau Twins de la época del Heaven or Las Vegas, con las guitarras de Adrian Belew en King Crimson. Son canciones de dream pop, con una temática bien mística, sobre ver las cosas más allá del velo de la realidad; sobre contactarse con espíritus cuya frecuencia puede parecer imperceptible pero es coexistente. Abrir el entramado de las apariencias y desentrañar la realidad que subyace debajo de esta construcción en nuestros cerebros que es mera ilusión… Rendirse o más bien entregarse por completo a esa conexión. Todos los instrumentos interpretados por mí, aunque en realidad es solamente sintetizador (como ha sido la usanza mía desde 2023, donde no ocupo ya instrumentos “reales” –así que esas guitarras no son guitarras- y las voces son todas mías. Siempre un one-man-band, desde 1997). Son canciones muy emotivas para mí, me conectan con una búsqueda personal muy importante y trascendente. Su apariencia pop, del mismo modo, esconde una urdimbre más compleja, pues su métrica parece desconcertar en un comienzo y luego pasa desapercibida, como precisamente un patrón escondido dentro de otro, subyacente”.
Artista: VIOLENCE GRATUITE
Disco: Baleine à Boss
Sello: Hakuna Kulala
Año: 2024
“Baleine à Boss” marca el debut musical de la artista multidisciplinaria francesa Violaine Morgan Le Fur, conocida como Violence Gratuite. El disco es una travesía sonora que entrelaza chanson francesa, rap, no wave y electrónica experimental, con influencias del gqom, kuduro y trap. Compuesto y producido en solitario, el álbum se caracteriza por su energía impulsiva y su estructura cambiante, donde cada pista parece abrir una puerta distinta hacia lo ritual, lo político y lo íntimo.
La obra se nutre de la herencia bretona y camerunesa de Le Fur, y dialoga con los conflictos históricos del África occidental, evocando paisajes devastados por la violencia patriarcal. Esta dimensión crítica se refleja en sus presentaciones en vivo, donde la artista combina visuales documentales, spoken word y coreografías teatrales.
Artista: PRETTY V
Disco: Destiny of Illusion
Sello: Life Is Beautiful Records
Año: 2025
“Destiny of Illusion” es el primer álbum de larga duración del artista británico Pretty V, también conocido como Voldy Moyo. La obra se presenta como un collage sonoro de 24 piezas breves, grabadas en su mayoría con un teléfono móvil y producidas por el músico Aloisius. El disco transita por una estética lo-fi radical, donde el pop indie se entrelaza con spoken word, ambient, folk distorsionado y samplers extraídos de foros o videojuegos. Cada canción funciona como un boceto emocional, una entrada de diario sonoro que captura la fugacidad de la imaginación centennial.
La propuesta de Pretty V se caracteriza por su crudeza deliberada, con estructuras fragmentadas y una producción que abraza el error como parte del proceso creativo. Temas como “Dream Life”, “London”, “31” y “Patterns, Patterns, Patterns…” destacan por su melancolía distorsionada y su capacidad para evocar paisajes urbanos desde una intimidad caótica. El álbum incluye una versión desacelerada y desfigurada de un clásico de The Smiths, y simples iconoclastas de algún tema de los Cocteau Twins, que refuerza su vínculo con la tradición pop británica desde una mirada irreverente. “Destiny of Illusion” no busca perfección ni coherencia, sino una experiencia sensorial que se asemeja a escuchar los pensamientos de alguien en tiempo real. El resultado es un disco que desafía las convenciones del formato álbum, y que se inscribe en una genealogía de artistas como Dean Blunt, Graham Lambkin o Good Sad Happy Bad. Su edición física limitada en vinilo, cassette y CD refuerza el carácter artesanal y efímero de la propuesta.
Artista: HIROSHI YOSHIMURA
Disco: Flora
Sello: Temporal Drift
Año: 1987 / 2025
La obra fue originalmente compuesta en 1987 y publicada por primera vez en CD en 2006, tres años después del fallecimiento del artista. “Flora” es una pieza esencial dentro del legado de la música ambiental japonesa, y representa uno de los trabajos más delicados y contemplativos de Hiroshi Yoshimura. Inspirado por sus caminatas en un parque de la era Edo cerca de su casa en Tokio, el disco evoca la fragilidad de la naturaleza a través de composiciones minimalistas, donde el piano y los sintetizadores se entrelazan con una economía de medios que potencia la expresividad. Cada tema funciona como una postal sonora, una escena suspendida en el tiempo que invita a la escucha pausada y profunda. La obra se aleja de los sintetizadores FM utilizados en discos anteriores como “Green” o “Surround”, optando por una sonoridad más orgánica y acústica. Piezas como “Over the Clover”, “Adelaide” y “Satie on the Grass” destacan por su capacidad de transformar lo cotidiano en experiencia estética, con melodías que se despliegan lentamente como pétalos al sol. El álbum ha sido descrito como una meditación sonora, donde el silencio y el espacio son tan importantes como las notas mismas.
“Flora” ha sido revalorizado como una joya del ambient ambiental, y su reedición ha permitido que nuevas generaciones accedan a su belleza serena. Es un disco que no busca imponerse, sino acompañar, como el perfume sutil de una flor que se deja descubrir con el tiempo.
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Y el regalo para ustedes, gentileza de Sergio Lucero, que al aire explicará de qué trata toda esta volada, atentos a la emisión en directo lunes 6 de octubre o luego en los podcasts.
Podcast lunes 27 de mayo de 2019
DESCARGA(lunes 27): opciones aquà o http://www.mediafire.com/file/hurho5o2wht8oe3/perd190527.mp3/file
Emisión en lÃnea a través de Podomatic … esto significa en lÃnea, sin necesidad de bajarlos al computador
Programa lunes 27 de mayo de 2019, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile
Bitácora: Ya estamos en 2019 y se cumplen 30 años de muchos discos. El año 89 se editaron grandes obras pop y personalmente me tocó estar cerca de aquello y asà tendré la oportunidad de comentarlo al aire, incluso visitando un paÃs –que como tal- no existe más: Alemania Federal, donde ocurrió ese concierto.
Iremos en pinponeo de vinilos con los nuevos ayudistas de Perdidos: Videovinilos.
Este es el potpurrà de este lunes especial de discos negros y verdes.
Artista: THE CURE
Disco: Disintegration / Vivo en Lorelei, Bizarre Festival, Alemania Federal
Sello: Fiction
Año: 1989 (13 de Mayo)
Del sitio http://guitarsexchange.com “¿Alguna vez quisiste realmente de verdad algo, pero cuando finalmente lo lograste, de repente descubriste que no estabas tan seguro?
Esta es, en cierto modo, la situación en que Robert Smith (nacido el 21 de abril de 1959) se encontró con Disintegration (publicado en mayo de 1989). QuerÃa que The Cure hiciera un disco legendario, “una gran declaración”, antes de cumplir los 30 años, pero cuando el disco fue un éxito, generando varios singles exitosos, y la banda comenzó a llenar estadios en todo Estados Unidos, quedó abrumado y quiso retirarse “A pesar de mis mejores esfuerzos, en realidad (la banda) se ha convertido en todo aquello en lo que no querÃa que nos convirtiéramos] […] Llegó a un punto en el que personalmente no puedo lidiar con eso”, dijo, “nunca fue nuestra intención llegar a ser tan grandes”.
Tras el éxito de Kiss me, Kiss me, Kiss me (1987) Smith habÃa querido volver a las raÃces oscuras y góticas del perÃodo de Pornography de The Cure. Parte del ambiente para Disintegration lo creó aislándose deliberadamente, tomando drogas alucinógenas y, según los informes, tratando de crear un “ambiente desagradable” para que coincidiera con el del álbum. Por otro lado, algunas de las nubes de tormenta que llegaron estaban fuera de su control, como la ruptura de su relación con su amigo de la infancia y compañero de banda Lol Tolhurst durante la grabación, y la presión ejercida por la compañÃa discográfica de The Cure, que consideró al álbum un ‘suicidio comercial’ y quiso cambiarlo.
Quizás por casualidad, este “brebaje de brujas” de los eventos se refleja en las letras de las dos últimas canciones del álbum. Homesick cuenta la historia de alcanzar tus sueños solo para verlos colapsar: “Todo lo que ganas hoy no sirve para nada”; mientras que Untitled regresa al tema de la inutilidad de intentar: “Y ahora el tiempo se ha ido, otro tiempo perdido… Nunca perderé este dolor, nunca volveré a soñar contigo”. PodrÃa haber sido una obra de culto solo para los oÃdos de góticos adolescentes ingleses, pero con el toque especial y la magia de The Cure, este disco se convirtió en popular para todo el mundo, rompiendo el mercado estadounidense y convirtiéndose en un éxito mundial masivoâ€
Y todo esto porque el jueves 30 de mayo The Cure festejará los 30 años de este disco con un recital Ãntegro que lo recrearán, streaming planetario desde Australia. Busquen las pistas para el link a aquellos, están por todos lados.
Artista: THE PIXIES
Disco: Doolittle
Sello: 4AD
Año: 1989
Del sitio https://rockthebestmusic.com “Fue el 17 de abril de 1989 cuando el segundo LP de The Pixies salió a la luz y habrÃa que tatuarse esta fecha en el corazón porque considero que es uno de los discos más influyentes de la historia moderna. Es de suponer que los que me leéis amáis este disco tanto o más que yo, por lo que no entraré en detalles más allá de decir que Black Francis y Kim Deal rebajaron un poco su locura sónica y lÃrica con respecto a Surfer Rosa (1988) en favor de unas canciones más, digamos, convencionales y de ahà salieron dos de los temas más importantes de su discografÃa como los clásicos «Here Comes Your Man» y «Monkey Gone To Heaven» que mostraban a unos ‘Duendes’ más comedidos y empeñados en mostrar una faceta más accesible y, por qué no decirlo, comercial. Por lo demás, el caótico collage de estilos sigue en muy buena forma a pesar de que Francis y Deal empezaron a tener claras diferencias compositivas que se acentuarÃan al máximo en Bossanova (1990) y Trompe Le Monde (1991) con la ‘dictadura’ del psicótico regordete. Aun asÃ, cañonazos esquizoides y obsesivos como «Tame» y «Crackity Jones» contrastaban perfectamente con temas tan catchy como «Wave Of Mutilation», los alt punks de «Debaser» y «Gouge Away», el deconstruido «Dead», el reggae azucarado aunque venenoso de «Mr. Grieves», el surf «La La Love You», el afectado y lo-fi «Hey» y asà podrÃa seguir y seguir con la paleta estilÃstica e interminable de todas y cada una de las composiciones que conforman un tracklist tan surrealista como extremo e iluminado de musas. Un disco perfecto para llevarse a la tumba mientras «Silver» te sigue haciendo sangrar…â€
Artista: CHICK COREA (por Videovinilos)
Disco: The Mad Hatter
Sello: Polydor
Año: 1978
Un extraño experimento de Corea en un año muy prolÃfico de su carrera. El Sombrerero Loco se titula este ambiciosos proyecto inspirado en Alicia en el PaÃs de las Maravillas y que contó con la participación de Eddie Gomez, Steve Gadd y Herbie Hancock entre otros.
Llama a ser escuchado sin prejuicios ni rigideces, para encontrarse con un ejercicio muy experimental, pero digerible a la vez.
Artista: ARCHIE SHEPP (por Videovinilos)
Disco: Attica Blues
Sello: Impulse!
Año: 1972
Shepp, al igual que artistas como Coltrane, siempre pusieron al centro de su creación los sentimientos polÃticos de los años 60´s. A comienzos de la década siguiente, sorprendió con un giro mucho menos obvio hacia el funk y lanzó, a ojos de la crÃtica especializada, una furiosa y tierna explosión de jazz soul psicodélico que es una joya dentro de su discografÃa, que ha hecho que existan al menos 10 re-ediciones a la fecha.
Artista: THE POGUES
Disco: Peace & Love
Sello: Pogue Mahone Records
Año: 1989
Del sitio http://elritmodemisacontecimientos.blogspot.com : “Siempre con The Pogues me ha pasado que ese folk tabernero y ebrio aunque con mensaje, me entraba mejor cuando sonaba una canción suelta por aquà o por allá que ponerme un disco entero de ellos. A veces los instrumentos tradicionales me saturaban un poco. Con el tiempo que sabido ir disfrutando este disco cada vez con más minutaje seguido hasta oirlo entero sin rechistar. Histórica banda de Irlanda del Norte con este pub rock con aires folkies, celtas, mezclando la canción tradicional con actitud punk.
Una banda mÃtica de esas que salen una cada 10 años. Con un estilo definido y sin apearse en toda su carrera, crearon escuela para multitud de bandasâ€.
Artista: JESUS JONES
Disco: Liquidizer
Sello: Food
Año: 1989
Del sitio http://www.thetimeisdead.com “Hace un tiempo pusimos algo de Jesus Jones, y hoy nos toca hablar de su primer álbum. Como todos saben, básicamente se considera a la banda una “one hit wonderâ€, gracias al masivo “Right Here Right Nowâ€, pero la verdad es que todo comenzó con el disco del dÃa. Sin dudas es un favorito de quienes hacemos este blog y siempre supimos que merecÃa su entrada. “Liquidizer†se editó en 1989 y tuvo una gran aceptación de la crÃtica y es reconocido como el mejor trabajo de la banda. El sonido del álbum es un poco más alternativo y extremo que en “Doubtâ€, con más guitarras agresivas y samples extraños. Digamos que la diferencia con “Doubt†es que en “Liquidizer†no se siente que haya tantos “hitsâ€, sino que es un disco más experimental y bastante más ruidoso. Parte de esa agresividad mencionada anteriormente se advierte en temas como Never Enough, Song 13 y, especialmente en el clásico Info Freako.
Claro que la música de por sà no puede mantenerse sola, por lo que las letras de Mike Edwards son un complemento perfecto, con temas como las mujeres desquiciadas, el sentimiento de que nunca nada es suficiente, el ataque de información, y personas que tienen todas las respuestas de la vida…. Con el paso de los años, “Liquidizer†ha tomado el estado de “disco de cultoâ€, sentando bases que luego fueron tomadas y extendidas por otras bandas, aunque la realidad es que nunca se ha reconocido a la banda de Mike Edwards como corresponde.â€
Artista: CHICO BUARQUE (por Videovinilos)
Disco: Construção
Sello: Phillips
Año: 1971
Otro disco extraño dentro de la discografÃa de sus artistas. Éste, el quinto disco de Buarque se convirtió rápidamente en una colección de éxitos, uno tras otros muy bien ejecutados, producidos y elaborados tanto musical como lÃricamente. Casi alejado del “tropicalia†para ir más a las raÃces brasileras de la samba y el romanticismo triste y letras cargadas de crÃtica social a la dictadura militar.
Artista: DÃMASO PÉREZ PRADO (por Videovinilos)
Disco: Lo Mejor De “El Rey Del Mambo” Damaso Perez Prado
Sello: RCA
Año: 1969
Compilado editado en Chile de uno de los artistas cubanos más influyentes e importantes de los últimos tiempos. Conocido como “El Rey del Mambo†Dámaso fue el encargado de llevar el mambo de la isla, al continente latinoamericano y al mundo completo, llegando a Méjico a fines del 49 y haciéndose un merecido espacio en la escena de los 50s con su mezcla única de caribe y big-bands.
Artista: NEW ORDER
Disco: Technique’
Sello: Factory Records
Año: 1989
Del sitio https://jenesaispop.com “La leyenda cuenta que, en plena oleada Acid House, New Order se van a Ibiza a grabar su nuevo disco, se la pasan de fiesta loca, Tony Wilson de Factory Records pierde (otra vez) un montón de dinero con ellos y paren su disco más hedonista, “balearic†y rotundo: ‘Technique’. Tal dÃa como hoy, se cumplen 30 años de su publicación. De hecho, tras leer acerca del absoluto desfase que fue la grabación de ‘Technique’, maravilla saber que ninguno de los miembros de la banda saliera de la experiencia gravemente herido o muerto. Excesos, noches en blanco, éxtasis a toneladas… La maravilla que es ‘Technique’ fue más un feliz accidente que una obra premeditadÃsima. Pero es que al timón habÃa cuatro perros ya viejos en el arte de crear templos pop en medio de la tempestad. Si a alguien le tenÃa que salir bien, era a los New Order de los ochenta. La vibración (la explosión Acid, su querencia por la pista de baile, su trasfondo…) estaba ahÃ. Ellos fueron capaces de exponerla en su máximo esplendor.â€
Artista: R.E.M.
Disco: Green
Sello: Warner Bros
Año: 1988
Del sitio http://dylanbyrds.blogspot.com “Tenia muchas ganas de abordar en retrospectiva un album de los ochenta de R.E.M. Inicialmente la idea era tratar discos como Document o Life’s Rich Pageant (que son mis favoritos, todo sea dicho) pero finalmente he decidido abordar Green (1988), que fue el último que editaron en esa década y que marcó un punto y aparte en su carrera. En primer lugar, porque fue el primero que grabaron para la compañÃa multinacional Warner y segundo porque es quizás, el disco que originó su gira mas recordada y el momento de mayor esplendor de su carrera. Años después editaron Automatic For The People (para mi, su gran obra maestra) y otros discos igualmente memorables, pero creo que sobre Green pivota toda la época de mayor efervescencia de R.E.M. Aquella en la que eran indefinibles. Mitad independientes, mitad mainstreen. El momento en el que todos los ojos de crÃtica y público se depositaron sobre ellos.No es Green un album de diez. Y lo dice un seguidor devoto del grupo de Athens. No lo es porque en computo global, no puede competir con sus dos albumes precedentes o la citada cumbre de 1992. Aunque el peso especÃfico de este disco en la carrera de R.E.M es muy importante. Pop Song 89, Orange Crush y Stand, singles que se extrajeron de la colección, volvÃan a demostrar ese gen infalible que tenÃan para parir temas absolutamente redondos. Lo habÃan hecho en todos sus discos anteriores (incluido el complejo Murmur, su album debut) y lo volvÃan a hacer. Se habÃa convertido en una marca de fábrica. Pero Green daba un paso hacia adelante en aspectos instrumentales como el uso de la caracterÃstica mandolina de Peter Buck (que luego abordaron con éxito en Losing My Religion) y a nivel lÃrico, con algunas letras de Stipe ciertamente atrevidasâ€.
Artista: MASSIVE ATTACK (por Videovinilos)
Disco: Blue Lines
Sello: Wild Bunch Records
Año: 1991
El disco debut de este colectivo artÃstico de Bristol conformado en torno al sello Wild Bunch y la escena de la música Dance y los Djs de Inglaterra de fines de los 80s y comienzos de los 90s.
No tomó mucho tiempo para que éste debut se convirtiera en un clásico y pionero del trip-hop de esa época, con un primer single grabado con Tricky, otro miembro de Wild Bunch.
Artista: THE WHITEST BOY ALIVE (por Videovinilos)
Disco: Rules
Sello: Asound/Bubbles
Año: 2009
Segundo (y último) disco de esta banda, que en palabras del propio Erlend Oye, se da a partir de que Daniel Nentwig se une al proyecto a tiempo completo, para tocar el Fender Rhodes y un sintetizador italiano de la marca Crumar. Esto provocó que la música se tornara más orgánica, al punto que este disco surge de las pruebas de sonido e improvisaciones al terminar los más de 120 conciertos que dieron entre Europa y Méjico.
Artista: SUGARCUBES
Disco: Life’s too good
Sello: One Little Indian
Año: 1988
El álbum debut del quinteto de Reykjavik se convirtió en el disco más importante e influyente en la historia del rock islandés, un honor que sigue conservando luego de 30 años de haberse publicado, en abril de 1988. La banda se habÃa formada el 8 de junio de 1986 por Bragi Ólafsson (bajo), Þór (Thor) Eldon (guitarra) y Bjork Guðmundsdóttir (voz, teclados), justo el dÃa en que nacÃa Ildri Eldon, el hijo del para entonces matrimonio de Þór y Bjork. Poco después se unieron Einar Örn Benediktsson (voz, trompeta) y Sigtryggur “Siggi†Baldursson (baterÃa). Cada uno de ellos tenÃa experiencia previa en varios grupos, siendo Bjork la más precoz ya que a los 11 años ya habÃa grabado y editado un disco y todavÃa adolescente se unió a la banda post punk Tapi Tikarrass, con la que grabó dos discos antes que la banda se disolviera en 1983. Mientras, Siggi formaba parte del grupo Þeyr y Örn y Ólaffson de la banda punk Purrkur Pillnikk. El interés po r el grupo comenzó con el lanzamiento de la canción “Birthday†como single en agosto de 1987, el cual despertó el interés de influyentes personajes como el locutor y productor de radio John Peel de la BBC, mientras el para entonces muy influyente semanario inglés NME lo declaró “Single of The Week†(Sencillo de la semana). La atención de la prensa británica no paró, lo cual generó interés de varios sellos discográficos importantes como Warner y Polygram, pero el grupo decidió seguir con el pequeño sello independiente de Derek Birkett, One Little Indian, que ofrecÃa total control creativo sobre su música y empaque del disco. La producción del disco corrió a cargo de Derek Shulman, parte fundamental de Gentle Giant, una de las más imaginativas y arriesgadas bandas británicas de los años 70. Sin duda, su participación fue clave.
Artista: JESUS AND MARY CHAIN
Disco: HEAD ON (EP)
Sello: Blanco & Negro
Año: 1989
Otra banda que anunció visita a Chile, a 30 años del Automatic, revisaremos unos de sus discos rarezas, especialmente para coleccionistas.
oJO con el Festival Antena, https://www.facebook.com/events/534500703622714/
Artista: ERYKAH BADU (por Videovinilos)
Disco: Worldwide Underground
Sello: Motown
Año: 2003
Más que un disco propiamente tal, éste fue presentado por Erykah como un EP, donde en vez de canciones con la estructura clásica, se presentan unas improvisaciones largas e ideas que van creciendo a lo largo del tiempo con una igual de creciente lista de invitadas e invitados que circulan entre canción y canción.
Artista: THE ROOTS (por Videovinilos)
Disco: How I Got Over
Sello: Def Jam Recordings
Año: 2010
Para enfrentar los tiempos difÃciles no queda más que hacer las cosas bien… esa es la premisa que envuelve al noveno disco de estudio de la icónica banda de HipHop de Filadelfia liderada por Black Thought en la voz principal y ?uestlove en la baterÃa, siempre muy bien acompañados de grandes artistas y de la fe, para demostrar “cómo es que lo superanâ€.