GALAXIE 500 – Perdidos en el Espacio | 22:00 hrs por Radio Universidad de Chile

Podcast Programa lunes 9 de marzo de 2026.

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Programa lunes 9 de marzo de 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Una visita ilustre se aproxima y la celebraremos con una de sus bandas, en una tocata a beneficio en la que telonearon a los Sonic Youth (1988). Luego seguiremos con nuevo trabajo de la compositora islandesa de la banda sonora de la serie Chernobyl, luego seguiremos con el folk piola melódico de un escoces que nos visita de cuando en vez. Luego viajaremos a un rescate de la Palestina psicodélica de los 70s, luego viajaremos a japón y cerramos con unos experimentos psicotrópicos desde el Santiago del chile profundamente elevado.

Artista: GALAXIE 500
Disco: CBGB 12.13.88
Sello: Silver Current Records
Año: 2025

Se trata de una grabación en vivo que captura la esencia de la banda en uno de sus momentos más intensos, justo antes de consolidar su sonido con el disco *On Fire* al año siguiente. El registro, realizado en el mítico club CBGB de Nueva York, muestra a Dean Wareham, Naomi Yang y Damon Krukowski en plena efervescencia creativa, con un repertorio que incluye piezas emblemáticas como *Tugboat*, *Don’t Let Our Youth Go to Waste* y *Temperature’s Rising*. La crítica especializada ha destacado la crudeza y autenticidad del sonido, restaurado desde las cintas originales y masterizado con gran cuidado, lo que permite apreciar la atmósfera envolvente y minimalista que definió a la banda. Se subraya la mezcla de melancolía y energía juvenil, un estilo que se mueve entre el shoegaze, el dream pop y el proto-slowcore, con guitarras hipnóticas y una base rítmica contenida pero poderosa. Este lanzamiento ha sido considerado un documento histórico que complementa la discografía breve pero influyente del grupo, ofreciendo una mirada íntima a su capacidad de transformar la sencillez en emoción expansiva. El álbum confirma la vigencia de Galaxie 500 como referencia de culto, influyendo en generaciones posteriores de músicos alternativos. Además, la reedición ha reavivado el interés por la obra del trío, situándolos nuevamente en el centro de la conversación musical contemporánea. En este contexto, resulta especialmente significativo que **Dean Wareham se presentará en Santiago**, acercando al público chileno la sensibilidad y legado de una de las bandas más emblemáticas del indie norteamericano.

Artista: HILDUR GUÐNADÓTTIR
Disco: Where to From
Sello: Deutsche Grammophon
Año:

Este trabajo marca el regreso de la compositora islandesa a la creación de un disco de estudio propio, tras una década dedicada principalmente a bandas sonoras de cine y televisión. La pieza central, *Make Space*, se convierte en un manifiesto sonoro de apertura y contemplación, donde la voz y los arreglos minimalistas dialogan con texturas electrónicas y cuerdas profundas. La crítica ha destacado la capacidad de Guðnadóttir para transformar la intimidad en un lenguaje universal, alejándose de lo narrativo cinematográfico y acercándose a una exploración personal de la memoria y el tiempo. El álbum se construye sobre colaboraciones con músicos cercanos, lo que aporta un carácter comunitario y cálido a la obra. La producción, a cargo de Francesco Donadello, refuerza la claridad y el detalle de cada capa sonora, logrando un equilibrio entre lo etéreo y lo terrenal. Las reseñas coinciden en que *Where to From* es un viaje introspectivo que combina la austeridad del minimalismo con la potencia emocional de la música contemporánea. Se subraya la manera en que Guðnadóttir logra expandir silencios y espacios, invitando al oyente a una experiencia meditativa y transformadora. El disco se percibe como un punto de inflexión en su carrera, reafirmando su lugar como una de las voces más singulares de la música experimental actual. La obra ha sido recibida como un testimonio de madurez artística, capaz de dialogar con la tradición clásica y con la sensibilidad moderna. En este sentido, *Make Space* simboliza la apertura hacia nuevas formas de escucha, consolidando a Guðnadóttir como referente de la música contemporánea global.

Artista: JAMES YORKSTON
Disco: Songs for Nina and Johanna
Sello: Domino
Año: 2025

Este trabajo reúne al cantautor escocés con dos colaboradoras de lujo: **Nina Persson** (The Cardigans) y **Johanna Söderberg** (First Aid Kit), quienes aportan voces y matices que enriquecen la propuesta. El disco se mueve entre el folk contemporáneo y el pop alternativo, con un tono íntimo y melancólico que se equilibra con momentos de humor seco y luminosidad inesperada. La crítica ha destacado la química entre los tres intérpretes, señalando que la interacción vocal y emocional da nueva vida a las composiciones de Yorkston. Las canciones exploran temas de familia, amistad y memoria, con arreglos sencillos pero efectivos que ponen en primer plano la narrativa poética del artista. Se subraya la capacidad del álbum para conjugar lo cotidiano con lo trascendente, logrando un equilibrio entre lo confesional y lo universal. El disco ha recibido elogios por su honestidad y por la manera en que Yorkston expande su estilo tradicional hacia un terreno más abierto y colaborativo. La producción resalta la calidez de las voces y la riqueza instrumental, con guitarras acústicas, pianos y arreglos de cuerdas que refuerzan la atmósfera contemplativa. Se ha señalado que el álbum logra situarse en un punto intermedio entre la delicadeza del chamber-folk y la vitalidad del indie-pop, evocando referencias como Belle and Sebastian o Stephen Sondheim. *Songs for Nina and Johanna* se percibe como un testimonio de madurez artística y un ejemplo de cómo la colaboración puede revitalizar la obra de un músico con trayectoria. Es un disco que invita a la escucha pausada y profunda, consolidando a Yorkston como una voz esencial en la música alternativa europea.

Artista: ATEF SWAITAT + Abu Ali
Disco: Palestinian Bedouin Psychedelic Dabka Archive
Sello: Majazz Project
Año: 2025

Se trata de una recopilación única que rescata grabaciones de músicos beduinos de Jenin y el norte de Palestina, quienes cultivaron la tradición del dabka en bodas y celebraciones comunitarias. El disco combina el sonido del **yarghul** (instrumento de viento tradicional) con voces hipnóticas y ritmos repetitivos que generan una atmósfera trance y psicodélica. La crítica ha destacado la importancia de este trabajo como documento histórico y cultural, pues ofrece una ventana a la vida musical palestina de los años setenta y ochenta, en un contexto de resistencia y celebración. Se subraya la energía ritual de las interpretaciones, capaces de transformar la música popular en una experiencia expansiva y casi espiritual. Los temas incluidos muestran cómo la tradición beduina se fusiona con elementos contemporáneos, creando un puente entre lo ancestral y lo moderno. El álbum ha sido descrito como un testimonio de la vitalidad de la música dabka, con un carácter hipnótico que trasciende fronteras y géneros. La reedición en vinilo y digital permite que nuevas audiencias descubran la riqueza de estas grabaciones, restauradas con gran cuidado para preservar su autenticidad. Se ha señalado que la obra no solo rescata un patrimonio sonoro, sino que también reivindica la identidad cultural palestina en un momento de creciente interés por los archivos musicales del Medio Oriente. *Palestinian Bedouin Psychedelic Dabka Archive* se percibe como un homenaje a la tradición beduina y un ejemplo de cómo la música puede convertirse en memoria viva y resistencia cultural. Es un disco que invita a la escucha profunda y al reconocimiento de una herencia musical que sigue resonando en la actualidad.

Artista: CxBxT (Tujiko Noriko + Adrian Corker)
Disco: After
Sello: Constructive Music
Año: 2025

La obra surge como un encuentro creativo entre la experimentación vocal y electrónica de Noriko y la sensibilidad instrumental de Corker, acompañados por el percusionista George Barton. El disco se compone de seis piezas que exploran territorios entre el ambient, la música experimental y el minimalismo contemporáneo. Temas como *Yasashii Sayonara* y *Shakoo* destacan por su atmósfera hipnótica, mientras que *Hoshi o Atsumete* introduce un pulso más melódico y evocador. La producción incluye instrumentos poco habituales como el shakuhachi, la sierra musical y el armonio, que aportan texturas singulares y un carácter orgánico. La crítica ha resaltado la capacidad del dúo para construir paisajes sonoros que oscilan entre lo etéreo y lo físico, con un enfoque cinematográfico que recuerda tanto a la tradición japonesa experimental como a la escuela europea de música contemporánea. Se subraya la interacción entre la voz de Noriko y los arreglos de Corker, logrando un equilibrio entre fragilidad y densidad. El álbum ha sido recibido como una propuesta arriesgada y profundamente atmosférica, capaz de generar un espacio de contemplación y extrañamiento. La masterización de Stephan Mathieu y el diseño visual de Joji Koyama refuerzan la dimensión estética del proyecto, convirtiéndolo en una experiencia multisensorial. *After* se reconoce como un trabajo que amplía los límites del sonido experimental, invitando al oyente a sumergirse en un universo de resonancias delicadas y tensiones sutiles.

Artista: TUPIDO VELO
Disco: Lost comando
Sello: https://lasbandsrecords.bandcamp.com/album/lost-commando-ep
Año: 2025

El dúo conformado por **Diego Hernández** y **Nicolás Carcavilla** propone un viaje sonoro que mezcla electrónica experimental, guitarras midi y samplers, con un enfoque que oscila entre el post-punk y la psicodelia digital. El disco incluye dos extensas piezas: *Esporas Magnéticas* y *Piedras Secretas*, ambas con duraciones cercanas a los diez minutos, que se despliegan como paisajes sonoros hipnóticos y expansivos. La crítica ha resaltado la capacidad del grupo para construir atmósferas densas y envolventes, donde la repetición rítmica y los efectos electrónicos generan un estado de trance. Se subraya la influencia de la música industrial y del krautrock, pero reinterpretada desde una perspectiva contemporánea y latinoamericana. Los pasajes instrumentales se caracterizan por un uso creativo de sintetizadores como el Yamaha TG33 y el Korg Microsampler, que aportan texturas granulares y un carácter futurista. El EP ha sido recibido como una propuesta arriesgada y coherente, que confirma la búsqueda de Tupido Velo por expandir los límites del sonido alternativo. La producción mantiene un equilibrio entre crudeza y sofisticación, logrando que cada tema funcione como una experiencia inmersiva. *Lost Comando* se reconoce como un aporte significativo dentro de la escena independiente, ofreciendo un sonido que conecta tradición experimental con exploraciones digitales actuales.
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Programa lunes 20 de enero de 2025, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Un barniz de lo que fue el anarco punk al inicio, luego descendemos al palpitar de teclas de marfil en un estudio de grabación de los más exquisitos que hay, volamos a Corea para rescatar ese trozo de muscas contaminadas con el occidente, volemos luego a Hamburgo a un nueva agrupación que se alimenta de lo que hicieron coterráneos unos 50 años atrás. Revisitaremos a una de las bandas más queridas por Perdidos y remataremos con un

Artista: Varios (Zounds, The EX y más)
Disco: Cease & Resist – Sonic Subversion & Anarcho Punk In The UK 1979-1986
Sello: Optimo Music
Año: 2023

El anarcopunk fue el único subgénero del punk que surgió aislado del establishment del rock & roll. Durante sus días pioneros a principios de los años 80 prosperó en oposición a la industria musical, existiendo como una alternativa ferozmente underground a las bandas, sellos y salas de la escena punk comercializada y dominante. Sigue haciéndolo. El anarcopunk representó uno de los últimos movimientos musicales verdaderamente underground y autónomos que se han visto y sigue siendo un movimiento que nunca se ha vendido y nunca ha desaparecido. La principal diferencia entre los grupos de anarcopunk y los grupos punk más tradicionales era que para los primeros, aunque a menudo más debido a la limitación musical que a la intención, el mensaje era más importante que la música. Las estructuras estándar de las canciones a menudo se dispersaban en favor de una polémica lírica implacable acompañada de un asalto auditivo igualmente intransigente. A medida que la escena fue creciendo, también lo hizo la diversidad de discos que surgieron bajo el paraguas del Anarcho Punk: desde D & V (batería y voz) hasta el synth-pop proto-EBM del one-man Hit Parade de Belfast y el híbrido dadaísta Beefheart de The Cravats. En épocas posteriores, los dos grupos más importantes de la escena, Flux of Pink Indians y los propios Crass, lanzaron LP que tenían más en común con el jazz improvisado que con el hardcore punk. La rotunda victoria del Anarcho Punk es que ahora es la banda sonora unificadora de una cultura de resistencia que se extiende desde Escocia hasta Indonesia y sigue sin concesiones. Sigue tan alejado de la música mainstream y se opone a la cultura convencional como hace más de cuarenta años y no muestra signos de cambio. Todo lo contrario: cuanto más popular se vuelve el Anarcho Punk, menos tiene que relacionarse con el establishment

Artista: OTTO TOTLAND
Disco: Exin
Sello: Leiter
Año: 2024

En un campo repleto de álbumes de piano, hay algo que distingue a Otto A. Totland. Es difícil saber con certeza por qué, pero su música tiene una cualidad mágica que la eleva y la hace trascender lo común. Quizás sea por su talento para las melodías memorables, o su habilidad para crear secuencias de acordes cautivadoras, su exquisito ritmo, la colocación perfecta de sus tenutos, el magnífico fraseo de su interpretación, el excepcional diseño de sonido (gracias al Funkhaus Studio de Nils Frahms), o su apertura a hacer referencia a otros géneros, o tal vez todo lo anterior. Es difícil estar seguro. Sea lo que sea, hay una dulzura aquí que realmente te alegrará el día. El nuevo álbum Exin nos cautiva desde la melodía inicial con la hermosa melancolía de “Savely”. “Seveight” gira a través de un compás inusual (mira de cerca el título y te darás cuenta de cuál es). “Fivril” nos recuerda esa escena fascinante de American Beauty donde la bolsa de plástico gira con el viento como si estuviera bailando. Si “The French” recuerda los impredecibles cambios armónicos y patrones de mano izquierda de Erik Satie, “Marka” nos transporta aún más atrás, al mundo de la suite de danza barroca, antes de que “Tapper”, con tintes de jazz, nos lleve de regreso al siglo XX. “Ono” es un punto culminante particular, con una melodía chispeante, al igual que “Soma”, una canción que sería la banda sonora perfecta para una puesta de sol. Cada canción termina antes de que te des cuenta, como pequeños fragmentos de belleza que pasan velozmente en el arroyo, dejándote con ganas de más.

Artista: KANKAWA NAGARRA
Disco: Wirlmarni
Sello: Mississippi Records
Año: 2024

Wirlmarni’ expone a la anciana Walmatjarri, maestra, defensora de los derechos humanos y activista medioambiental Kankawa Nagarra al resto del mundo, captando su blues, country y gospel australianos in situ, acompañados por el canto de los pájaros y el chirrido de los grillos. Conocida como la Reina del Delta del Bandaral Ngadu, Kankawa nació en las tierras tradicionales de los pueblos Gooniyandi y Walmatjarri del noroeste de Australia, y creció cantando canciones tribales en ceremonias culturales locales. Como muchos de sus contemporáneos, fue separada de su familia y enviada a la misión, donde le enseñaron a cantar canciones gospel e himnos, y cuando la enviaron a trabajar en la tierra, la música country resonó en el aire. Años más tarde, el despertar musical de Kankawa se produjo cuando se topó con un músico callejero a la puerta de una tienda en Derby que estaba interpretando standards de blues. A esa altura ya había oído rock and roll, pero el blue conectó con ella, ofreciéndole un marco para su expresión. “Wirlmarni” se grabó cerca de la casa de Kankawa en Wangkatjungka, Australia Occidental, y encapsula sin esfuerzo su calidez y empatía, intercalando sus canciones con breves e ingeniosos comentarios que amplían el alcance del álbum. Pero es la calidad de las grabaciones en sí mismas lo que marca la gran diferencia aquí. Suena como si estuviéramos sentados afuera con Kankawa, escuchando la vida salvaje mientras toca y canta. Sus canciones tocan temas religiosos, pero a menudo se refieren a las luchas ambientales que ha presenciado mientras el planeta ha sido arrasado rápidamente con fines de lucro. El álbum viene con traducciones de las letras de Kankawa, historias y notas de portada de la propia Kankawa. Es “lo más cerca que puedes estar de pasar tiempo con la gran Kankawa en persona”, explica Mississippi en el comunicado de prensa que acompaña al álbum.

Artista: LOVE-SONGS
Disco: Passive Progressive
Sello: Phase Group
Año: 2024

Los ritmos krautrock de los hamburgueses Love-Songs encajan a la perfección con la nómina del Phase Group de Glasgow (Lo Kindre, Kulku, Ayaz) en ocho partes sutilmente psicoactivas impulsadas por un ritmo sucio por debajo del cinturón común a ambas ciudades…”Love-Songs es el trío formado por Thomas Korf (electrónica + voz), Sebastian Kokus (bajo) y Manuel Chitka (percusión) que hacen música electroacústica cósmica inspirada en el kraut. Muchos estarán familiarizados con su producción anterior en sellos maravillosos como Kame House y Bureau B.
‘Passive Progressive’ aterriza en forma de 8 temas fascinantes que nos llevan a territorios oníricos y con ecos psicodélicos, donde la electrónica moduladora y las voces con efectos de Korf se ondulan sobre la sección rítmica de percusión y bajo proporcionada por Kokus y Chitka. A lo largo del álbum, la banda cuenta con la colaboración de un gran número de músicos invitados y amigos de las escenas musicales underground y experimentales de Berlín y Hamburgo, que aportan trombón, mbira, clarinete, flauta y sintetizadores adicionales y voces para realzar la paleta de sonidos únicos y expansivos de estas increíbles pistas. Como ocurre con la mayor parte del material que hemos publicado en Phase Group, se trata de música difícil de definir, que se presta igualmente bien para crear atmósferas trascendentales en los primeros momentos de un tipo especial de concierto en un club, como para poner banda sonora a una experiencia auditiva personal profunda y alucinante. No tenemos ninguna duda de que el sonido que Love-Songs ha creado con Passive Progressive será recibido con entusiasmo por todos los viajeros sonoros y los fans del sello, y estamos encantados de darles la bienvenida a la familia Phase Group”.

Artista: GALAXIE 500
Disco: Uncollected Noise New York ’88-’90
Sello: Silver Current
Año: 2024

El trío de dreampop/slowcore de Massachusetts (o lo que sea, teniendo en cuenta que esas categorías son posteriores a la banda) Galaxie 500 tuvo una trayectoria profesional indie bastante ideal. Un año más o menos de preparación, tres buenos álbumes en tres años, todo en partes iguales. En los años intermedios, esos álbumes se han reeditado y reevaluado y ha salido a la luz un poco de material adicional, pero además de posibles grabaciones en vivo, Uncollected Noise New York ’88-’90 debería marcar el final de la carrera de la banda. Es lo que dice ser, 24 canciones grabadas en los estudios Noise New York bajo la égida del legendario productor indie Kramer durante las sesiones de sus álbumes. Aunque, de manera poco prometedora, el único material inédito son ocho canciones que presumiblemente no se consideraron lo suficientemente buenas como para estar en la caja recopilatoria Galaxie 500 de Rykodisc de 1996 o en el álbum Uncollected de 2004 o incluso como pistas adicionales en los álbumes, Uncollected Noise New York tiene una forma agradable y un flujo satisfactorio que lo hace parecer más que una colección de recortes. Naomi Yang, Dean Wareham y Damon Krukowski contribuyen con notas a esta colección, y los tres hablan con nostalgia, aunque a veces con desprecio, sobre las grabaciones. Agradablemente presentada en orden cronológico, es -naturalmente, al tratarse de Galaxie 500- una colección modesta, en su mayoría discreta, pero en la que se puede escuchar al trío emerger de un capullo de adoración a Velvet Underground, Feelies y Jonathan Richman hacia su propia identidad completamente desarrollada. En la caja del 96, todos los extras estaban claramente subordinados a los álbumes, pero presentarlos por separado hace que sus virtudes sean más fáciles de apreciar, lo que da como resultado un hermoso documento del desarrollo de un grupo cuya singularidad se pasa por alto fácilmente. En parte, esa singularidad es fácil de pasar por alto porque las primeras influencias de la banda nunca fueron tan trascendidas o rechazadas como completamente internalizadas. En las primeras pistas, la influencia de Velvet Underground y especialmente de Feelies brilla como huesos a través de una piel translúcida, pero -para seguir con esa tonta metáfora- la propia identidad de la banda llena los rasgos hasta dominar las canciones.

Artista: WILLIAM BASINSKI
Disco: September 23rd
Sello: Temporary Residence Ltd.
Año: 2024

El primer lanzamiento de la nueva serie Arcadia Archive de Basinski, ‘September 23rd’, se remonta al comienzo mismo de su carrera, grabado en 1982 con una grabadora de casete portátil y basado en una pieza de piano conmovedora que compuso cuando todavía estaba en la escuela secundaria. Ruidoso e inefablemente hermoso, es como ‘A Red Score In Tile’ doblado en un túnel de viento. Basinski vivía en Jay Street en Brooklyn cuando hizo ‘September 23rd’. Grabó el piano en la casa de su vecino de abajo, John Epperson, usando una grabadora de casete portátil barata mientras improvisaba una pieza que había estado desarrollando desde que era un adolescente a mediados de los años 70. Y aunque admite que los resultados fueron “bastante terribles”, después de algunos empalmes de cinta al estilo de Burroughs, comenzó a surgir algo más formado, por lo que hizo pasar el nuevo collage a través de un sistema de realimentación/retardo de cinta que basó en el modelo Frippertronics, y nació “September 23rd”. Es una pieza bastante única para Basinski, una que depende menos de la decadencia de movimiento lento y se preocupa más por la dinámica y el drama. El piano original se presenta desnudo al principio, pero se ve ahogado por un ruido denso y gaseoso, el tipo de niebla industrial sibilante que hizo que la banda sonora de “Eraserhead” de David Lynch fuera tan duraderamente aterradora. Basinski mantiene este movimiento en todo momento, tejiendo el peculiar y saturado fuzz dentro y fuera de sus bucles y frases dilatados, al estilo de Satie. A lo largo de 40 minutos, “September 23rd” cambia de forma paciente pero decidida, licuándose y solidificándose a medida que los elementos centrales evolucionan sutilmente. Incluso en esta etapa temprana de su evolución, Basinski es un maestro del suspenso, trabajando con la repetición solo para dejar caer cosas en silencio o impulsar la composición hacia una cacofonía ensordecedora. Es un material que no se diferencia mucho del “Flux” de Robert Turman, que esconde su complejidad en movimientos meditativos y rítmicos que parecen respirar mientras mutan con cautela.
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