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DESCARGA(lunes 23): Aquí o https://www.mediafire.com/perd260323.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Partiremos con un proyecto que nunca buscó agradar sino incomodar Caótica y mordaz, luego un duo de paisajes sonoros íntimos que entrelazan poesía, electrónica y naturaleza. Luego con un guitarrista japo narrativo, experimental, ruidoso, poético visceral. Luego desde Kenya un ícono kikuyu, benga político, crítico y espiritual. Seguiremos desde Australia y Suecia con guitarra, el contrabajo y la percusión en una exploración libre muy hipnótica. Y cerramos con un chileno y su viaje que mezcla poesía y música en densas atmósferas.

Artista: THE FALL
Disco: Seminal Live (Remaster 2025)
Sello: Beggars Banquet
Año: 2025

El relanzamiento de *Seminal Live* recupera un trabajo híbrido entre estudio y directo que originalmente apareció en 1989, y que ahora se presenta con una nueva limpieza sonora que resalta la crudeza y la energía característica de la banda. La remasterización aporta mayor claridad a las guitarras y a la voz áspera de Mark E. Smith, sin perder la sensación de inmediatez y caos controlado que definió a The Fall en esa época. La primera parte del disco incluye composiciones inéditas como “Dead Beat Descendant”, que se ha convertido en un clásico por su ritmo hipnótico y su ironía mordaz. La segunda parte recoge interpretaciones en vivo de temas ya conocidos, como “Victoria” y “Cruiser’s Creek”, que muestran la fuerza del grupo en directo y su capacidad de reinventar su propio repertorio. Las reseñas destacan que este álbum, a menudo considerado menor dentro de la discografía, ha envejecido mejor de lo esperado y hoy se aprecia como un documento clave para entender la transición de The Fall hacia territorios más experimentales en los años noventa. La mezcla de estudio y directo refleja la tensión creativa de la banda, y el nuevo máster permite redescubrir detalles antes ocultos. Críticos coinciden en que *Seminal Live (Remaster 2025)* no solo es un rescate histórico, sino también una reivindicación de la etapa más imprevisible y arriesgada del grupo. El resultado es un testimonio vibrante de la estética punk y post?punk que The Fall supo mantener con coherencia y obstinación, reafirmando su lugar como una de las propuestas más singulares de la música alternativa británica.

Artista: SONTAG SHOGUN & LAU NAU
Disco: Päiväkahvit
Sello: Beacon Sound
Año: 2025

Este trabajo surge de la colaboración entre el trío neoyorquino Sontag Shogun y la artista finlandesa Lau Nau, quienes retomaron grabaciones y materiales inéditos de su encuentro creativo en la isla de Kimitoön, Finlandia. La propuesta se presenta como un viaje sonoro que combina grabaciones de campo, piano, guitarra acústica y voces etéreas, entrelazadas con texturas electrónicas y reworks de artistas invitados. La atmósfera del disco transmite calma y contemplación, evocando la experiencia de un retiro insular donde la naturaleza y la intimidad se convierten en protagonistas. La apertura con “Sauna Motif I” y “Päiväkahvit” marca un tono meditativo, mientras piezas como “Go North” y “Badminton on the Shore” despliegan un carácter narrativo que mezcla lo cotidiano con lo onírico. Los reworks incluidos, a cargo de músicos como Fadi Tabbal, Amulets y Jeremy Young, aportan nuevas capas de interpretación, expandiendo el universo sonoro hacia territorios experimentales sin perder coherencia. La crítica ha destacado la capacidad del álbum para generar un espacio de serenidad en tiempos convulsos, ofreciendo un refugio emocional a través de su delicada construcción acústica y electrónica. La voz de Lau Nau se integra como un elemento vaporoso que dialoga con las texturas de Sontag Shogun, creando un equilibrio entre lo humano y lo ambiental. La edición limitada en vinilo refuerza el carácter artesanal del proyecto, subrayando su intención de ser un objeto de contemplación tanto sonora como material. En conjunto, *Päiväkahvit* se percibe como un diario sonoro de un encuentro creativo, un testimonio de la belleza de lo efímero y de la capacidad de la música experimental para capturar la esencia de un lugar y un momento.

Artista: NAOKI ZUSHI
Disco: Paradise
Sello: Org / World Of Echo
Año: 1988 / 2025

Grabado en los Townhouse Studios de Kioto en 1987, *Paradise* se convirtió en un referente de la escena psicodélica japonesa de finales de los ochenta. La obra refleja la transición de Zushi desde sus colaboraciones con grupos de noise y dream?pop hacia un lenguaje más íntimo y expansivo, donde la guitarra se despliega con solos abrasivos y atmósferas contemplativas. La edición de 1988 fue limitada a 500 copias en vinilo, lo que le otorgó un carácter de culto entre coleccionistas y seguidores del underground nipón. La nueva remasterización de 2025 recupera la riqueza de las composiciones y aporta mayor claridad a los matices de la producción original. Temas como “???” y “Black Hole” muestran la dualidad entre lo delicado y lo abrasivo, mientras piezas como “????” y “???????” revelan un lirismo melancólico que conecta con la tradición folk japonesa. La crítica ha subrayado la capacidad del disco para conjugar la crudeza del post?punk con la sensibilidad del acid?folk, creando un puente entre lo experimental y lo emocional. El álbum también se reconoce como un testimonio de la escena Kansai de los ochenta, marcada por la influencia de cantautores setenteros y la energía del DIY. La participación de músicos como Shinji Shibayama y Ken?Ichi Takayama refuerza el carácter colectivo del proyecto, aunque Zushi asume gran parte de la interpretación en solitario. La reedición ha sido celebrada por devolver a circulación un clásico que llevaba décadas fuera de catálogo, permitiendo que nuevas generaciones descubran su potencia expresiva. En conjunto, *Paradise* se percibe como una obra que trasciende épocas: un álbum que captura la intensidad de un momento histórico y que, gracias a su reedición, reafirma la vigencia de Naoki Zushi como figura esencial de la música alternativa japonesa.

Artista: JOSEPH KAMARU
Disco: Heavy Combination 1966–2007
Sello: Disciples
Año: 2025

Esta antología doble en vinilo y edición digital reúne más de cuatro décadas de grabaciones del influyente músico keniano Joseph Kamaru, figura clave en la historia cultural y política del país. Conocido por su capacidad de combinar estilos tradicionales kikuyu con elementos del benga y el afro?folk urbano, Kamaru se convirtió en un cronista de la vida cotidiana y en un portavoz de las tensiones sociales de su tiempo. La compilación incluye piezas emblemáticas como “Kenya K?r?ngara”, “Ke Wapendane” y “J.M. Kariuki”, que reflejan tanto su vena melódica como su compromiso político. La selección abarca desde sus primeras grabaciones de los años sesenta hasta colaboraciones con bandas como City Sound Band y Kamaru Super Stars, mostrando la evolución de su sonido y su capacidad de adaptación a distintos contextos. La crítica ha destacado la importancia de este lanzamiento como un documento histórico que rescata la memoria de un artista que fue, además, activista y comentarista social. La reedición ofrece un sonido remasterizado que realza la riqueza instrumental y la fuerza narrativa de sus composiciones, acompañada de notas extensas y fotografías de archivo que contextualizan su legado. El álbum también pone de relieve la dimensión política de Kamaru, quien no dudó en cuestionar gobiernos y denunciar injusticias a través de su música, convirtiéndose en una voz incómoda pero necesaria en la escena keniana. Su obra, marcada por la defensa de la dignidad y la identidad cultural, se percibe hoy como un testimonio de resistencia y creatividad. *Heavy Combination 1966–2007* no solo recupera canciones de gran valor artístico, sino que también reivindica la figura de un músico que supo transformar la tradición en herramienta de conciencia social.

Artista: OREN AMBARCHI, JOHAN BERTHLING Y ANDREAS WERLIIN
Disco: Ghosted III
Sello: Drag City
Año: 2025

La tercera entrega del proyecto colaborativo entre el guitarrista australiano Oren Ambarchi y los músicos suecos Johan Berthling (contrabajo) y Andreas Werliin (batería) consolida una estética marcada por la repetición hipnótica y la exploración minimalista. Grabado en diciembre de 2024 en Studio Rymden y mezclado en enero de 2025, el disco se compone de seis piezas tituladas en persa —“Yek”, “Do”, “Seh”, “Chahar”, “Panj” y “Shesh”— que refuerzan la idea de continuidad y secuencia meditativa. La producción, a cargo de Joe Talia junto a Ambarchi, aporta una claridad que permite distinguir cada matiz instrumental sin perder la densidad atmosférica. Las reseñas destacan la capacidad del trío para crear un espacio sonoro que oscila entre el jazz libre, la improvisación experimental y el drone, con un pulso constante que genera tensión y calma a la vez. La guitarra de Ambarchi se despliega en texturas prolongadas y resonantes, mientras el contrabajo de Berthling aporta un anclaje rítmico profundo y la batería de Werliin introduce variaciones sutiles que enriquecen la dinámica. El resultado es un diálogo instrumental que se percibe tanto cerebral como físico, invitando a la escucha concentrada. Críticos han señalado que *Ghosted III* se siente más relajado y orgánico que sus predecesores, con un carácter “fantasmal” que se manifiesta en la manera en que los sonidos parecen emerger y desvanecerse sin transición brusca. La obra se interpreta como una exploración de la temporalidad en la música, donde cada repetición abre un nuevo espacio perceptivo. La edición en vinilo y digital refuerza el carácter artesanal del proyecto, subrayando su intención de ser un objeto de contemplación. En conjunto, *Ghosted III* se presenta como un testimonio de la madurez del trío, capaz de transformar la improvisación en un lenguaje coherente y envolvente. Es un álbum que reafirma la vigencia de la experimentación sonora en el ámbito contemporáneo y que se inscribe como una pieza clave dentro de la trilogía iniciada en 2022.

Artista: KASA DE ORATES
Disco: Daath
Sello: Novutrefall
Año: 2025

*Daath* marca el cierre de una trilogía conceptual iniciada con *Lost – 6 Remixes for Cash* (2022) y continuada con *The Golden Hour* (2024). El proyecto, liderado por el compositor chileno Manuel Knwell, se centra en explorar el subconsciente humano y las tensiones existenciales de nuestra época. La obra se plantea como una metáfora del limbo que atraviesa la humanidad: la pérdida de identidad, el alejamiento de la naturaleza, la erosión de valores nobles y la falta de autocrítica frente al paradigma del “Homo Deus”. Musicalmente, el disco combina paisajes sonoros electrónicos con colaboraciones vocales y experimentaciones acústicas, generando un ambiente que oscila entre lo ritual y lo introspectivo. La apertura con piezas densas y atmosféricas establece un tono de confrontación interior, mientras que cortes como “Porno B” junto a Sylphides aportan un contraste más visceral y directo. La producción se caracteriza por un enfoque colectivo, dejando de lado el individualismo y reforzando la idea de comunidad creativa. Las reseñas destacan la capacidad del álbum para provocar una catarsis en el oyente, invitándolo a enfrentar sus sombras internas y a reconciliarse con ellas como un camino hacia la libertad personal. La crítica también subraya la coherencia conceptual de la trilogía, que se percibe como un manifiesto artístico sobre la crisis contemporánea de la humanidad. La edición digital y en vinilo refuerza el carácter artesanal del proyecto, con un sonido de alta fidelidad que potencia la experiencia inmersiva. En conjunto, *Daath* se presenta como una obra de cierre que no solo sintetiza las inquietudes de Kasa de Orates, sino que también ofrece un espacio de reflexión sobre el presente y el futuro de nuestra convivencia social y espiritual. Es un álbum que trasciende lo musical para convertirse en un ejercicio de conciencia crítica y estética.
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