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Programa lunes 8 de abril de 2019, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Inquietante por decir lo menos así empezaremos, luego regresaremos en tiempo y espacio a África, luego la Julia nos tiene nuevo paseo por su universo paralelo, volvemos a subirnos a la nace espacio temporal y vamos a reconocer antiguas bandas de chicas del underground popero de los 60s, retomamos en clave jazzy experimental a un dúo experimental de no larga data. Conoceremos otro universo paralelo con un franchute afincado en Bélgica y cerraremos con un poco de dub puro y duro.

Artista: THOM YORKE
Disco: Suspiria
Sello: XL
Año: 2018
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Del sitio https://www.mondosonoro.com/ Hay dos maneras de enfrentarse a la banda sonora que Thom Yorke (Radiohead) ha compuesto para el esperado remake de “Suspiria”, la legendaria película de terror de 1977 dirigida por Dario Argento que ahora ha re-imaginado Luca Guadagnino (“Call Me By Your Name”): como un nuevo disco en solitario e independiente de Yorke o como un disco al servicio de las imágenes que ilustra. Ahora bien, tras escucharla y ver la película (fue la inauguración del pasado Festival de Sitges) uno tiene la impresión que esa dicotomía viene ya dictada por el contenido de la banda sonora; más aún cuando gran parte de la música fue escrita por el capo de Radiohead antes de ver el filme. Me explico: los temas donde hay partes vocales de Yorke (“Suspirium”, “The Universe Is Indifferent”) pertenecen claramente a su universo personal, mientras que los cortes instrumentales -que son mayoría en la banda sonora, ojo- funcionan como un complemento espléndido al controvertido remake de Guadagnino –que a este plumilla no acabó de convencer por su coartada excesivamente arty-.Ahora bien, esa doble naturaleza del soundtrack, algo que acaba jugando en contra de la película en mi humilde opinión, no es óbice para reconocer que la primera incursión de Yorke en la música de cine es notable. Temas instrumentales como “Klemperer Walks”, “Sabbath Incantation”, “The Inevitable Pull”, “The Conjuring Of Anke”, “Volk” (puro mal rollo) o “A Choir Of One” (una suite telúrica de catorce minutos hipnótica y terrorífica) dejan claro que el líder de Radiohead sabe crear atmósferas inquietantes de una belleza siniestra.

Artista: GBOYEGA ADELAJA
Disco: Colourful Environment
Sello: Odion Livingstone
Año: 1979 / 2018
gboyega adelaja - colourful environment
“Livingstone Studio presenta una reedición del Entorno Colorido de Gboyega Adelaja, lanzado originalmente en 1979. Recién salido de una gira con Hugh Masekela – The Boy’s Doin ‘It (1975) – Gboyega Adelaja ingresa al laboratorio para escribir sobre el teclado en su Moog y Fender Rhodes. Su muestra Joe cumple con el funk afro de BLO. Con nombres como Jake Sollo en guitarras, Mike Odumusu (BLO, Osibisa) en bajo y Gasper Lawal en percusión, este es un Afro Funk de alta calidad, un asunto de estrellas que brilla a partir de las intervenciones inspiradas, arreglos magistrales para La sublime producción.

Artista: JULIA HOLTER
Disco: Aviary
Sello: Domino
Año: 2018
julia-holter
https://www.indierocks.mx En una jaula invisible, controlados por agentes externos y gobernados, la mayoría de las veces, por nuestra propia mente, la música se vuelve una válvula de escape, tanto para quien la compone como para quien la escucha; es un arte antiguo que evolucionó con experimentación y nuevas tecnologías. Para su quinta producción de estudio, Julia Holter decidió volver a la esencia de la música medieval, con vibratos inhumanos y orquesta imperfecta intencionada en Aviary, para destacar el caos del mundo que vive en su cabeza. El álbum doble contiene 15 temas que exploran entre sonidos de la música del siglo XV, incluye referencias literarias y está basado en la serie de historias Master of The Eclipse de Etel Adnan. En este disco, la norteamericana tiene como lema ‘los sentimientos de la cacofonía’ y abre con “Turn the Light On”, un track instrumental que brinda seis minutos de tranquilidad; “Whether” habla de las decisiones divididas en un mundo lleno de moldes y etiquetas; “Chaitius” viene de un corte de era feudal, con susurros al medio y mezcla de sensaciones; “Voce Simul” genera desconcierto global y “Everyday Is an Emergency” transforma sonidos de gaita en una alarma perturbadora. Los sueños cambian, a veces pesadillas, otras tantas se vuelven lúcidos, pero expresan lo que hay en el inconsciente. Para Aviary, Holter tuvo un sueño donde se encontró sola en una jaula llena de aves cantando. El sueño fue tan revelador, que decidió seguir esa temática para el sucesor de Have You in My Wilderness (2015); “Another Dream” es una canción que habla de esta experiencia, mientras que “I Shall Love 1” y “I Shall Love 2” revelan sus dudas ante el desamor, haciendo la pregunta retórica por excelencia sobre si debe arriesgarse de nuevo u olvidarse.

Artista: Varios (The Passionetts, The Devilettes, The Chapells y más)
Disco: Basement Beehive: The Girl Group Underground
Sello: Numero Group
Año: 2018
The Girl Group Underground (2018, Numero Group)
Del sitio https://donteatheyellowsnow2.wordpress.com Siempre que se habla de los grupos de chicas de los sesenta, salen los nombres de The Ronettes, The Crystals y The Shangri-Las, pero, como es lógico, había muchas bandas más. Grupos que no tuvieron la suerte de dar con un ‘Be My Baby’, un ‘Da Doo Ron Ron’ o un ‘Leader od the Pack’, pero que también resultaban muy interesantes. Muchas de estas bandas apenas grabaron un par de singles, y casi ninguna llegó a tener un éxito considerable, pero tienen el encanto de esa época y de ese sonido que conquistó a tantas personas. “Basement Beehive: The Girl Group Underground” recopila 56 de estas canciones, y en ella encontramos nombres como los de The Four J’s, Devotions o The Chapells. Incluso algunos más conocidos, como los de Vickie & The Van Dykes, que tuvieron algo de repercusión con ‘I Wanna Be a Winner’, o Bernadette Carroll, que sí puede presumir de contar con ‘Laughing on the Outside’, un hit en toda regla. Pero ojo, que no solo estamos hablando de ese típico grupo de chicas que cantaba y ponía la imagen, aquí también hay grupos de chicas que tocaban sus instrumentos y hacían canciones más rockeras. Es el caso de The Belles, que tuvieron un pequeño éxito con ‘Come Back’, y que cuentan con una versión del ‘Unchained Melody’ por la que grupos como Vivian Girls o Dum Dum Girls hubieran matado. O el de The Shades y su sonido tan primitivo. Y es que, por aquí no había un Phil Spector que arreglara las producciones. Sí es cierto que hay un poco de todo, y que, quizá, lo de meter una banda como The Monzas tiene un poco de trampa, ya que eran un grupo chicos con dos chicas al frente. Pero claro, tenían ‘Where Is Love’, una balada más o menos o conocida. Y luego también encontramos algunas canciones que acabaron como pequeños himnos de Northern Soul unos pocos años después de su edición. Es el caso del ‘I Gotta Know’ de The Tonettes, una banda que, por cierto, hasta hace poco, seguía en activo. O el de ‘You Confuse Me Baby’, el enérgico tema de The Ray-Ons. Sin duda alguna, estamos ante una recopilación que hará las delicias de los que somos seguidores de los sonidos más retro, ya que cuenta con un gran número de canciones sobresalientes y nos da a conocer a muchas bandas apenas han tenido repercusión.

Artista: AQUEDUCT ENSEMBLE
Disco: Improvisations on an apricot
Sello: Last Resort
Año: 2018
aqueduct ensemble - improvisations on an apricot
Del sitio http://pargueland.com “He leído que en China se relaciona al Albaricoque (que por cierto está muy bueno) con la medicina y la curación. Confusio por ejemplo enseñaba a sus alumnos alrededor de un árbol de Albaricoque y Keith Freund -un señor de Akron, Ohio- se inspiró en las escalas que tocaba su vecino Stu cuando afinaba el piano familiar (Stu es luthier de profesión) para invitarlo a grabar este maravilloso disco de algo que terminó llamándose Aqueduct Ensemble.
“Improvisations on an Apricot” es un jugoso fruto de landscapes inspirados en las producciones de sellos de Jazz de finales de los setenta como ECM. Keith, Stu y algunos vecinos del primero (el tema ya os digo que es muy de Schulz) van creando odas a la sanación que se deslizan sigilosas en los oídos y que descubren paisajes donde la improv pentatónica, el laptomismo campechano y la melodía minimal orbitan muy a gusto alrededor de barbacoas, meriendas al sol, pachangas de futbol americano y agroglifos. Hazlo tú mismo sí, pero si es con amigos mejor. Muy mágico lo tuyo Keith”

Artista: ÉLG
Disco: Vu Du Dôme
Sello: Editions Gravats
Año: 2018
Élg - Vu Du Dôme (Editions Gravats, 2018)
El trovador mutante Laurent Gérard, alias Èlg, hace una adición ideal a los inadaptados en Editions Gravats con Vu Du Dôme, un registro patentemente extraño que se asemeja a una especie de ópera críptica o la dramaturgia de un sueño despierto. El último álbum del artista franco belga se siente como un paseo por un laberinto de topiarios en el crepúsculo en una noche cálida, con Èlg actuando como un protagonista espectral narrando / despotricando a los oyentes principales en el sendero del jardín haciendo el viaje más insondable. Formando un puente entre las dimensiones improbables de la música crucificada y la canción, o las esferas electroacústicas y literarias, en Vu Du Dôme Èlg acertó su música a la vida con una interpretación literal y metafórica de la poesía sonora; mezcla de voces en francés con balbuceo glosolalic contra fondos silenciosamente enigmáticos cuya iluminación cambiante y baja y resolución de medios-digitales los hace comparables con ilusorios escenarios teatrales tanto como los nichos sobredimensionados de la imaginación explorados por Luc Ferrari o el compañero de banda de Reines D’Angleterre de Èlg Ghédalia Tazartès antes que él.

Artista: FLETCHER PRATT
Disco: Dub Sessions Vol. 4
Sello: Crash Symbols
Año: 2018
Fletcher Pratt - Dub Sessions Vol. 4 (Crash Symbols, 2018)
Fletcher Pratt, registrador experimental con sede en Oakland y nacido en Winnipeg, continúa su evocadora serie Dub Sessions, que ofrece una nueva entrega dinámica que surge de una racha alegre en sus influencias electrónicas más formales. El resultado es más largo y más variado que el vol. 3, lanzado en 2016 cuando Pratt terminó su maestría en “Música electrónica y medios de grabación” en Mills College, más relajado y genuinamente mutante a veces. Pero ambos son estudios temáticos aún únicos y dedicados, con una herida estrecha pero siempre orgánicos. “Hacer clic en los juegos de batería, los teclados que hacen apuñalamientos relajados, los sonidos prestados, la guitarra fresca y retorcida, los cantos de droning y los órganos tristes se encuentran entre los muchos sonidos acuosos. Otras veces te encuentras vagando por las calles nocturnas de la ciudad de cualquier parte o tocando los cuernos en una meditación nocturna en un club de jazz. No solo sonidos raros o remixes, hay un surco entretejido en toda esta mentalidad, y esa vibra se encuentra en el corazón de una gran pieza de doblaje”.
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Podcast lunes 1 de abril de 2019

DESCARGA(lunes 1): opciones aquí o http://www.mediafire.com/file/3wyfofj28cox88l/perd190401.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

Programa lunes 1 de abril de 2019, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Hace poco les presentamos la última obra de Janek Schaefer que se inspiraba en el disco que abrirá la metralla, luego pasaremos a visitar una reedición de un disco de un compositor japonés sensiblemente fallecido el 2015. Pasaremos luego a sorprendernos por neoclasicismo mezclado con inteligencia artificial, haremos viraje luego a una banda que bebe de Dif Juz y de Durutti Column en porcentajes parecidos y remataremos con una pareja señera que gusta de atmósferas quebradizas.

Artista: ROBERT WYATT
Disco: Cuckooland
Sello: Ryko
Año: 2003
robert wyatt - cuckooland 2003
Del sitio http://www.rockdelux.com La excelencia del venerable Robert Wyatt volvió a quedar demostrada con “Cuckooland”, mejor disco del año 2003 según el Rockdelux 214. El otoño nos devuelve a la vida (musical) a Robert Wyatt, casi ausente –con la excepción de tres aportaciones vocales a la banda sonora del documental “Nómadas del viento” (2001)– desde la publicación en septiembre de 1997 de “Shleep”, reeditado en 2002 con el añadido de “September In The Rain”. Es una buena y gran noticia y no únicamente porque el ex Soft Machine no se prodigue en exceso, sino porque “Cuckooland” contiene, como no podía ser de otra manera tratándose de Robert Wyatt, algunos de los minutos más hermosos, distinguidos y emocionantes que se pueden –y podrán– escuchar desde hace tiempo. Desde su retiro campestre en Lincolnshire junto a su inseparable Alfreda Benge –responsable, por supuesto, del diseño artístico del exquisito digipack– y sin presiones de ningún tipo –hace tiempo que Wyatt tiene perfectamente asumido su papel de outsider de la industria, de creador para minorías–, el firmante del mítico e inconmensurable “Rock Bottom” (1974) –clasificado en el número 55 en la lista de los mejores discos del siglo XX publicada en el Rockdelux 200– rubrica un retorno generoso –setenta y cinco minutos divididos en dos partes separadas por treinta segundos de silencio (suficiente para cambiar de disco: la ironía que no falte), dieciséis nuevas composiciones–, grabado a caballo entre el estudio londinense de Phil Manzanera y su hogar en Louth, que lo resitúa como una estrella solitaria y errante en el firmamento de la creación, fuera del tiempo y anticipándose a él. Los patrones más cercanos a la canción pop que iluminaron los pentagramas de “Shleep” mutan nuevamente en “Cuckooland” hacia el amplio caudal estilístico del jazz, pero desde una perspectiva imprevisible, etérea y de ventanas abiertas, mirándose en las ondulaciones del free jazz y en el clasicismo más cool. El poder mágico de Wyatt para crear melodías de cristal y seda, siempre a punto de resquebrajarse o levitar, tiene en “Forest” y “Beware” algunas de sus mejores y más claras evidencias, canciones que con una producción “normal” o estandarizada dignificarían cualquier lista de éxitos. Todo el álbum está recorrido por esa sabia y tenue melancolía que su voz de pájaro herido traduce con un magisterio natural reservado exclusivamente a los verdaderamente originales.

Artista: SUSUMU YOKOTA
Disco: Acid Mt. Fuji
Sello: Sublime Records/ Midgar
Año: 1994 / 2019
Susumu Yokota - Acid Mt. Fuji
Una peregrinación sobrenatural de ácido, lanzada por primera vez en 1994, por el difunto artista japonés.
Susumu Yokota cambió de opinión a lo largo de sus 30 años de carrera. Es posible que se le conozca mejor por sus trabajos ambientales desde principios de los años 00, pero se destacó como un productor diverso de house y techno. Durante los años 90, lanzó el trance psicodélico (The Frankfurt-Tokyo Connection) y la electrónica más soñadora (Cat, Mouse And Me) en el antiguo sello de Sven Väth, Harthouse y Trippy acid techno como Ebi en el sello Space Teddy. El resto de la producción de Yokota, que toca música techno y breakbeat, deep y jazzy house, e incluso disco, como en 1999, aterrizó principalmente en los Sublime Records de Japón. También realizó una gira por toda Europa durante el tiempo, destacándose en el Festival de Interferencia inaugural en Berlín durante Love Parade 1994. En 1999, cuando Yokota lanzó su propio sello Skintone, formando un acuerdo de licencia en el Reino Unido con The Leaf Label, ocurrió un cambio. Durante la siguiente década, lanzaría algunos de sus discos más queridos y aclamados por la crítica: Grinning Cat, The Boy And The Tree y Sakura, uno de los mejores álbumes de techno ambient jamás hecho. Pero después de 2002, a pesar de su creciente fama, Yokota nunca volvió a actuar en Europa. Falleció en 2015.

Artista: ÓLAFUR ARNALDS
Disco: Re-member
Sello: Mercury KX
Año: 2018
OLAFUR-ARNALDS-remember
Del sitio http://vozdelosvientos.blogspot.com Si hay dos palabras que se han colado en todas las conversaciones de cualquier ámbito en los últimos años, y que estarán aún más presentes en los siguientes, esas son: “inteligencia artificial”. A estas alturas pocos niegan ya que estamos ante un salto tecnológico que va a transformarlo todo como sólo lo hacen las grandes revoluciones y cada vez vemos más pruebas de ello en los campos más variopintos. Hace poco más de dos años se puso en línea un software que generaba música de acuerdo con los gustos del oyente. Hoy la página (http://mubert.com) no funciona en línea pero existe en forma de app. Lo que allí se alojaba era una “máquina” que estaba continuamente creando música en varios estilos diferentes. Dos oyentes que se conectasen al mismo tiempo escucharían piezas distintas ya que la inteligencia iría creándolas en función de sus gustos, infiriéndolos del tiempo que pasaba conectado a un tipo de música, de lo que sonaba cuando decidió quitarlo la última vez, etc. Más recientemente, Google presentó “Magenta”, una poderosa inteligencia artificial centrada en crear música aprendiendo de todos los patrones que va “escuchando”. Sony tiene su “Flow Machine”, IBM su “Watson Beat” y Amper Music con su software figura ya como compositor y productor del disco de la estrella norteamericana Taryn Southern “I AM AI”. También existe ya una empresa como AIVA (Artificial Intelligence Virtual Artist) que compone bandas sonoras para anuncios, videojuegos y trailers de cine con cierto éxito. Dentro de poco no podremos distinguir ya si una pieza musical está creada o no por un artista humano aunque la inteligencia artificial no deja de ser una herramienta que puede ser aprovechada también para crear. Algo así es “Stratus”, un software creado por Ólafur Arnalds junto con Halldór Eldjárn. A grandes rasgos, “Stratus” lo que hace es controlar dos pianolas para que toquen una serie de notas que la máquina genera a partir de las que el propio Ólafur toca en su piano. Esto supone que el músico puede empezar a improvisar una pieza y esta iría evolucionando, no sólo en función de sus propias ideas sino de la respuesta de “Stratus” a su propuesta. La mayor o menor complejidad, el ritmo y demás parámetros de la música de la A.I. pueden ser escogidos previamente por Ólafur pero, como ha declarado en alguna ocasión “la máquina siempre termina por sorprenderle”.

Artista: NORTHERNER
Disco: End of the Holiday
Sello: Home Assembly Music
Año: 2018
Northerner - 2018 - End Of The Holiday
Northerner es el apodo de Martin Cummings y, antes de que preguntes, sí, es del norte de Inglaterra. End Of The Holiday es su cuarto álbum y, de alguna manera, retoma su debut excelente, There’ll Be Other Holidays. Menos electrónico que su predecesor, I Am On Your Side del 2012, es justo decir que este álbum comparte más en común el sonido con The Durutti Column o Dif Juz. Definitivamente, debe describirse como “música ambiental” noctámbula; Hay un ambiente claramente relajado en todo y los instrumentos de guitarra principalmente lánguidos suenan realmente deliciosos a través de un par de auriculares.

Artista: KATH BLOOM & LOREN CONNORS
Disco: Restless Faithful Desperate
Sello: Chapter Music
Año: 1984 / 2018
Kath Bloom+Connors Restless
Del sitio https://muzikalia.com . Descubrí a esta extraordinaria señora nacida en Connecticut y afincada en Florida a través de la recomendación de un amigo de un disco, “Love Takes This Course“, en donde diferentes artistas, todos ellos ligados al indie, interpretaban sus canciones. Junto a su guitarrista habitual, Loren Connors, publico a principio de los ochenta unos discos que son pura magia de insobornable belleza. Folk hipersensorial, naturalista, en el que el recorrido de la voz de Kath, de prodigioso timbre, se intrincaba en los punteos imprevisibles de Loren creando preciosos lienzos de ternura de una espontaneidad tan dolorosa como sanadora. Una obra maestra.

Podcast lunes 25 de marzo de 2019

DESCARGA(lunes 25): opciones aquí o http://www.mediafire.com/file/4eisou6u8o4bb4a/perd190325.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador




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