Perdidos en el Espacio | 22:00 hrs por Radio Universidad de Chile

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Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Inicio con un homenaje al disco Moon Safari, luego un jazz de susurro con una voz que hipnotiza. Músicas descubiertas en clave etnomusicología, Experimentación desde las penumbras germánicas. Un poco de bossa nova de los tiempos que corren y cerramos con esa característica voz que nos ha llenado los sacos desde hace más de 30 años

Artista: VEGYN
Disco: Blue Moon Safari
Sello: Parlophone
Año: 2025

Edición limitada en vinilo azul dentro del Record Store Day. El proyecto surge como una reinterpretación del clásico Moon Safari de Air (1998), considerado uno de los discos más influyentes del downtempo y el pop electrónico. Vegyn, productor británico con experiencia junto a Frank Ocean, Dean Blunt y Travis Scott, se enfrenta aquí al reto de reimaginar un álbum icónico sin perder su esencia contemplativa. El resultado es un trabajo que oscila entre la reverencia y la experimentación. Las versiones mantienen la estructura melódica original, pero se enriquecen con texturas digitales, ritmos más fragmentados y un pulso contemporáneo que acerca el disco a sensibilidades actuales del pop electrónico. La apertura con “New Star in the Sky” marca el tono: un remix atmosférico que expande la delicadeza original hacia un paisaje más etéreo. “Sexy Boy” se transforma en un corte más incisivo, con bajos profundos y un tempo ralentizado que acentúa su sensualidad. La colaboración con Beth Hirsch en “All I Need” y “You Make It Easy” conserva la intimidad vocal, pero Vegyn introduce capas de sintetizadores que generan un contraste entre nostalgia y modernidad. “Kelly Watch the Stars” y “Ce Matin Là” se presentan como ejercicios de minimalismo rítmico, donde la repetición se convierte en trance. “La Femme d’Argent” y “Talisman” destacan por su densidad sonora, con arreglos que recuerdan al glitch y al ambient contemporáneo. Críticos coinciden en que el álbum logra un delicado equilibrio: no se limita a ser un homenaje, sino que ofrece una lectura personal que dialoga con el legado de Air. La producción se percibe meticulosa, con un enfoque filológico que respeta la estructura original, pero también con la valentía de introducir disonancias y nuevas atmósferas. El disco invita a una escucha pausada, casi meditativa, y se inscribe en la tradición de revisitar clásicos para abrirlos a nuevas generaciones. En definitiva, Blue Moon Safari es un ejercicio de memoria y renovación. Vegyn demuestra que la reinterpretación puede ser un acto creativo autónomo, capaz de expandir la vigencia de un álbum histórico y de situarlo en un contexto sonoro actual. El resultado es un trabajo que, sin traicionar la esencia del original, ofrece un viaje distinto, más introspectivo y digital, que confirma la madurez artística del productor británico.

Artista: ELIANA GLASS
Disco: E
Sello: Shelter Press
Año: 2025

Se trata del debut oficial de la pianista y compositora estadounidense, quien construyó este trabajo a lo largo de cuatro años entre Nashville y Brooklyn, en un proceso íntimo que combina tradición y experimentación. El piano, instrumento central en su vida desde la infancia, se convierte aquí en el vehículo para explorar lo efímero y lo cotidiano, con piezas que funcionan como escenas suspendidas en el tiempo. El álbum se caracteriza por una atmósfera contemplativa, donde cada tema parece detener el flujo de la realidad para abrir un espacio de introspección. La producción es austera pero precisa, con un enfoque que privilegia la resonancia natural del piano y la sutileza de los arreglos. En varios pasajes se perciben influencias del minimalismo, el jazz contemporáneo y la música de cámara, aunque siempre filtradas por una sensibilidad personal que evita el academicismo. Las composiciones destacan por su capacidad de sugerir narrativas sin necesidad de palabras. “E” se despliega como un mosaico de emociones contenidas: desde la melancolía hasta la calma luminosa, pasando por momentos de tensión que nunca llegan a estallar. La artista logra transmitir una sensación de intimidad radical, como si cada pieza fuese un fragmento de diario sonoro. La crítica ha subrayado la madurez del proyecto, especialmente en la manera en que Glass articula silencios y pausas como parte integral de la música. El disco no busca deslumbrar con virtuosismo, sino invitar a una escucha atenta, casi meditativa, que revela capas de significado en cada repetición. En este sentido, E se inscribe en una tradición de pianistas que conciben el instrumento como espacio de reflexión, pero aporta una voz propia que dialoga con lo contemporáneo. En definitiva, E es un debut que sorprende por su coherencia estética y su profundidad emocional. Eliana Glass ofrece un trabajo que, sin grandes artificios, consigue detener el tiempo y abrir un universo sonoro íntimo, delicado y profundamente humano

Artista: LORI VAMBE
Disco: Drumland Dreamland
Sello: Drumony / Strut
Año: 1982 / 2025

Trabajo de culto, considerado una pieza única dentro de la música experimental británica. El álbum es fruto de la visión singular de Lori Vambe, músico autodidacta nacido en Harare y radicado en Londres desde finales de los años cincuenta. Su propuesta se sitúa en la intersección entre improvisación libre, experimentación sonora y raíces africanas, con un instrumento inventado por él mismo: el Vambez Stringdrum, que combina percusión y cuerdas en un solo cuerpo. Esta invención le permitió explorar texturas inéditas y expandir el concepto de ritmo hacia territorios melódicos. La primera cara del disco está dominada por la serie “Drumsong”, tres piezas que funcionan como variaciones sobre un mismo motivo rítmico, con un carácter hipnótico y ceremonial. “Strumelody” introduce un enfoque más melódico, donde las cuerdas del instrumento dialogan con el piano de Rafael Dos Santos. La segunda cara despliega “Drumelody” en dos partes, que acentúan la dimensión repetitiva y trance del proyecto, mientras que “Ydolemurd” juega con la inversión de motivos y la experimentación tímbrica. El cierre con “Hum Drum Dring” y “The Freedrum Song” refuerza la idea de un viaje sonoro que oscila entre lo ritual y lo lúdico. La crítica especializada ha destacado la capacidad del álbum para situarse fuera de cualquier corriente comercial, acercándolo a figuras como Moondog o Harry Partch, artistas que también inventaron sus propios instrumentos y lenguajes musicales. Se subraya la radicalidad de Vambe al crear un universo sonoro autónomo, en el que la percusión no es mero acompañamiento, sino el eje estructural y narrativo. La reedición de 2025 ha permitido que nuevas generaciones descubran un trabajo que, pese a su rareza, dialoga con la música contemporánea y con la tradición experimental londinense de los años setenta y ochenta. En definitiva, Drumland Dreamland es un disco que desafía las categorías convencionales y se erige como testimonio de la inventiva radical de Lori Vambe. Su escucha invita a entrar en un espacio donde el ritmo se convierte en paisaje y la experimentación en un acto de resistencia estética.

Artista: NOSTALGIE ÉTERNELLE
Disco: At That Time
Sello: Infinite Expanse
Año: 2025

El dúo alemán, formado por Dieter Mauson y Stefan Heinze, recupera aquí grabaciones realizadas entre finales de los años ochenta y principios de los noventa, ofreciendo un testimonio sonoro de su etapa más experimental. El álbum se presenta como una compilación que combina piezas inéditas y cortes extraídos de casetes de circulación restringida, ahora remasterizados para esta edición. La propuesta se sitúa en la intersección entre el post-punk, el minimal synth y la electrónica industrial, con un enfoque que privilegia la crudeza y la inmediatez de las grabaciones originales. La apertura con “At That Time” marca el tono: un tema de atmósfera sombría, sostenido por sintetizadores ásperos y voces distantes. “The Evil Sickness” y “Paranthopus Robustus” refuerzan la estética oscura, con ritmos mecánicos y un carácter casi ritual. “Getting Closer” y “Kick Me Down The Abyss!” introducen un pulso más agresivo, cercano al noise y al punk electrónico. La segunda parte del disco despliega piezas como “A Victory Smile” y “I’m Sick of Being Ill”, que exploran la tensión entre melodía y disonancia. “Reprieve” y “Bois Flattant” ofrecen momentos más introspectivos, con un uso atmosférico del sintetizador y un tempo ralentizado. El cierre con “Bad Westworld”, “Another Silent Night” y “Lullaby” confirma la amplitud del espectro sonoro del dúo, capaz de transitar del minimalismo inquietante a la experimentación más radical. La crítica ha destacado la relevancia histórica del proyecto, subrayando cómo Nostalgie Éternelle anticipó tendencias que luego serían centrales en la electrónica underground europea. La reedición permite apreciar la vigencia de su propuesta, que se mantiene fresca y desafiante frente a los cánones actuales. Se valora especialmente la coherencia estética del dúo, que logra articular un lenguaje propio a partir de recursos limitados, y la calidad del trabajo de remasterización, que conserva la crudeza original sin sacrificar claridad. En definitiva, At That Time es un documento sonoro que trasciende su carácter compilatorio para convertirse en una obra con identidad propia. El disco invita a sumergirse en un universo donde la nostalgia se convierte en resistencia estética, y donde la experimentación se afirma como un gesto de autenticidad radical.

Artista: WOLFGANG PÉREZ
Disco: Só Ouço
Sello: Hive Mind Records
Año: 2025

Este tercer álbum del artista germano-español surge de una inmersión cultural en Río de Janeiro, donde residió durante dos años. Lo que comenzó como un intercambio académico en composición se transformó en una experiencia vital que impregnó cada detalle del disco. La obra se presenta como una carta sonora de la ciudad: un mosaico de ritmos, voces y atmósferas que reflejan tanto la intensidad del baile funk como la calma de las esquinas silenciosas. Pérez se aproxima a la tradición de la Música Popular Brasileira con respeto y curiosidad, integrando elementos de bossa nova, samba y tropicalismo, pero filtrados por su sensibilidad europea y experimental. El álbum destaca por su carácter híbrido. Canciones como “Só Ouço” y “Cidade Invisível” muestran un diálogo entre guitarras acústicas y texturas electrónicas, mientras que “Noites de Lapa” captura la energía nocturna con percusiones densas y arreglos corales. “Ouvindo o Silêncio” ofrece un contrapunto introspectivo, donde el piano y las pausas construyen un espacio meditativo. La crítica ha subrayado la capacidad del disco para situarse en un punto intermedio entre homenaje y reinvención. Pérez no se limita a reproducir fórmulas brasileñas, sino que las reinterpreta desde su condición de extranjero, aportando frescura y nuevas perspectivas. Se ha comparado su aproximación con la de artistas europeos que encontraron en Brasil un terreno fértil para expandir su lenguaje musical, aunque aquí la integración se percibe más orgánica y menos exotizante. La producción es meticulosa, con un énfasis en la riqueza armónica y en la construcción de atmósferas. Los arreglos vocales y las colaboraciones con músicos locales refuerzan la autenticidad del proyecto, mientras que la mezcla final conserva un aire artesanal que evita el exceso de pulido. El resultado es un disco que transmite tanto la vitalidad de Río como la mirada contemplativa de un visitante que se deja transformar por la ciudad. En definitiva, Só Ouço es un testimonio de cómo la música puede ser un puente entre culturas. Wolfgang Pérez logra articular un lenguaje propio que dialoga con la tradición brasileña sin perder su identidad, ofreciendo un trabajo vibrante, emotivo y profundamente humano.

Artista: THOM YORKE & MARK PRITCHARD
Disco: : Tall Tales
Sello: Warp
Año2025

Aunque ambos artistas ya habían trabajado juntos en la canción “Beautiful People” dentro del disco Under The Sun (2016) de Pritchard, este álbum representa su primer proyecto colaborativo de larga duración, consolidando una relación creativa que llevaba años gestándose. El disco se abre con piezas que destacan la voz de Yorke en su faceta más etérea, modulada y distorsionada, mientras Pritchard construye paisajes electrónicos que oscilan entre lo minimalista y lo expansivo. La producción se caracteriza por un uso meticuloso de sintetizadores, ritmos fragmentados y capas sonoras que generan un ambiente hipnótico. La interacción entre ambos se percibe como un diálogo constante: la voz se convierte en instrumento y la electrónica en narrativa. Canciones como “The Hollow Path” y “Tall Tales” muestran la capacidad del dúo para conjugar melancolía y experimentación, mientras que cortes como “Fragments of a Smile” exploran un registro más luminoso, con armonías que recuerdan al ambient clásico. Otros temas, como “Shadowplay” y “The Drift”, refuerzan la dimensión oscura y contemplativa del proyecto, con un pulso que se acerca al trip hop y al dub. La crítica ha subrayado la relevancia del álbum como síntesis de dos trayectorias complementarias: Yorke, en su búsqueda constante de nuevas formas de expresión vocal, y Pritchard, en su exploración de la electrónica como espacio de expansión emocional. Se destaca la coherencia estética del disco, que logra mantener una tensión entre accesibilidad y riesgo, invitando al oyente a una experiencia inmersiva. En definitiva, Tall Tales se erige como un trabajo que trasciende la mera colaboración para convertirse en una obra con identidad propia. Es un álbum que invita a la escucha atenta, capaz de revelar nuevas capas en cada repetición, y que confirma la vigencia de Yorke como uno de los artistas más inquietos de su generación, junto a la solidez experimental de Pritchard.
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