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Tag: WALT McCLEMENTS
Programa lunes 24 de noviembre de 2025, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile
Bitácora: Pop de la mejor factura con un maestro de las historias condensadas en una canción, luego repasaremos un disco que se nos pasó mostrar hace 15 años. Folk sesentero le seguirá y luego seremos despedidos al hiperespacio con unas composiciones cinemáticas a mil y terminaremos elevados, al nivel de entrar por los arcos más celestiales que existen.
Pero antes…. algo que no les alcanzamos a avisar con anticipación. Las entradas se agotaron al toque. Pero, no todo está perdidos, igual pueden sintonizar
Artista: THE DIVINE COMEDY
Disco: Rainy Sunday Afternoon
Sello: Divine Comedy Records
Año: 2025
Este álbum marca el regreso de Neil Hannon tras seis años de silencio discográfico, y se presenta como una obra profundamente introspectiva, grabada en los estudios Abbey Road durante el otoño de 2024. A lo largo de once piezas, el disco explora temas como la mortalidad, la memoria, las relaciones y la agitación social, todo envuelto en el característico pop orquestal que ha definido la trayectoria del proyecto. Desde el primer corte, “Achilles”, se percibe una melancolía elegante, con arreglos de cuerda y piano que evocan la tradición británica del chamber pop. “The Last Time I Saw the Old Man” y “The Man Who Turned Into a Chair” destacan por su lirismo narrativo y su capacidad para conjugar lo absurdo con lo emotivo. “Rainy Sunday Afternoon”, tema central, condensa el tono del álbum: una mezcla de nostalgia, ironía y belleza contenida. La producción, escrita y arreglada íntegramente por Hannon, equilibra momentos de exuberancia barroca con pasajes de delicadeza minimalista. “Mar-a-Lago by the Sea” y “The Heart Is a Lonely Hunter” introducen guiños políticos y literarios, mientras que “Invisible Thread” cierra el disco con una reflexión sobre los vínculos invisibles que nos sostienen. Rainy Sunday Afternoon es una obra madura, íntima y sofisticada, que reafirma a The Divine Comedy como uno de los proyectos más singulares del pop europeo contemporáneo.
Artista: SONE INSTITUTE
Disco: Curious Memories
Sello: Front & Follow
Año: 2010
Este debut de Roman Bezdyk, mente detrás del proyecto, se presenta como un collage sonoro exuberante y caótico, donde la experimentación con samples, instrumentos acústicos y grabaciones de campo genera un universo musical tan lúdico como inquietante. El álbum está limitado a 250 copias en CD, lo que refuerza su carácter artesanal y de culto. Las catorce piezas que lo componen oscilan entre el ambient, el pop abstracto y el diseño sonoro cinematográfico. “Inter Asylum Cross Country” abre con una mezcla de western psicodélico y reverberaciones corales, mientras “The Wind Began to Switch” combina guitarras distorsionadas, metales explosivos y percusión escolar en una estructura que desafía la lógica narrativa. “Dark Forest – Silver Sea” y “On Tree Hill” revelan una sensibilidad melódica que se filtra entre capas de ruido, cuerdas indias, flautas errantes y ecos de Wurlitzer. Bezdyk trabaja con una metodología sampladelic, lanzando sonidos al espacio compositivo como si fueran ingredientes de una receta imposible. El resultado es una obra que celebra la diversidad sonora sin caer en el caos gratuito. Cada tema parece una escena de película imaginaria, con guiños a la música de biblioteca, el radioteatro y el cine de animación experimental. Curious Memories es una invitación a perderse en un carnaval acústico, donde lo absurdo y lo bello conviven sin fricción
Artista: MICHAEL HURLEY
Disco: Back Home with Drifting Woods
Sello: Mississippi Records
Año: 2012/2025
El álbum reúne grabaciones inéditas realizadas en 1964, como parte de las sesiones que también dieron origen a su debut First Songs para Folkways. Estas piezas, rescatadas tras décadas en archivo, revelan el espíritu libre y la mirada singular de Hurley, figura clave del folk outsider estadounidense. Compuesto por ocho temas, el disco se despliega como una mezcla de blues acústico, folk psicodélico y baladas excéntricas. “What’llya Do / What’llya Say?” abre con una cadencia hipnótica y letras que rozan lo surreal, mientras “Pretty Girl on Rollerskates” destaca por su solo de armónica y su tono alucinado. “The Tea Song”, en una versión alternativa, se convierte en una oda doméstica cargada de humor y ternura. Otros cortes como “Intersoular Blues” y “I Like My Wine” revelan el gusto de Hurley por lo espontáneo, lo imperfecto y lo profundamente humano. La producción conserva el carácter lo-fi de las grabaciones originales, con una estética que remite a los discos de campo y a los archivos de la contracultura. El diseño gráfico, realizado por el propio Hurley, refuerza el tono artesanal y autobiográfico del proyecto. Back Home with Drifting Woods es más que una colección de canciones: es un testimonio de vida, una bitácora sonora que celebra la belleza del error, la intuición y el vagabundeo creativo.
Artista: WALT MCCLEMENTS
Disco: On a Painted Ocean
Sello: Western Vinyl
Año: 2025
Este segundo álbum del compositor y multiinstrumentista estadounidense se inspira en el verso de The Rime of the Ancient Mariner de Samuel Taylor Coleridge: “As idle as a painted ship / Upon a painted ocean”. La obra se presenta como una suite de piezas para acordeón procesado, órgano de iglesia y sintetizadores, concebidas durante un periodo de estancamiento creativo y resueltas a través de la colaboración y el retorno a la comunidad. Compuesto por siete temas, el disco transita entre el ambient, el drone y la música sacra experimental. “A Painted Ship” abre con tonos crudos y reverberantes, mientras “Cloud Prints” y “Washed Up” exploran el movimiento del agua a través de texturas granulares y capas de viento digital. “Sirens”, con producción adicional de Rachika Nayar, introduce una dimensión espectral y emocional, y “Parade”, pieza central de más de diez minutos, culmina con grabaciones de campo que documentan un taller comunitario sobre el uso de Narcan, conectando el sonido con el cuidado colectivo. La participación de Aurora Nealand en saxofón añade dramatismo a los pasajes más densos, y el uso de melodica, tubos y pedales genera una atmósfera de deriva y transformación. On a Painted Ocean es una obra que navega entre la quietud y el movimiento, entre el bloqueo creativo y la apertura afectiva. Más que un álbum, es una travesía emocional que recuerda que, incluso en la inmovilidad, hay mareas que nos sostienen.
Artista: JILL FRASER
Disco: Earthly Pleasures
Sello: Drag City
Año: 2024
Este álbum marca un giro introspectivo en la trayectoria de Fraser, pionera de la síntesis modular y figura clave en el diseño sonoro de cine y publicidad desde los años 70. La obra reimagina himnos revivalistas estadounidenses compuestos por mujeres entre finales del siglo XIX y principios del XX, utilizando sistemas Serge, Prism Modular y Ableton Push 3 para construir una meditación electrónica sobre la muerte, el consuelo y la trascendencia. Compuesto por ocho piezas, el disco se abre con “When We All Get to Heaven”, una elegía de diez minutos que combina drones graves, campanas procesadas y coros sintéticos en una atmósfera de reverencia suspendida. “Amen 1” y “Amen 2” fragmentan la invocación religiosa en pulsos estereofónicos, mientras “Message of Mercy” despliega texturas que crecen como un jardín sonoro, paciente y luminoso. “Beautiful Summer” introduce elementos de campo ficticio, con sintetizadores que croan como ranas y zumban como insectos, evocando una naturaleza reconstruida. Las piezas finales, “Monarch of the Sky” e “I Stand Amazed”, se acercan al ambient sinfónico, con ecos de Vangelis y Laurie Spiegel, y cierran el álbum con una sensación de paz futurista. Fraser no replica los himnos, sino que los disuelve en estructuras abstractas, generando una música que no busca nostalgia sino redención. Earthly Pleasures es una obra de madurez, delicada y visionaria, que convierte el duelo en contemplación y la memoria en arquitectura sonora.
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Podcast Programa lunes 14 de octubre de 2024
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Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
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Programa lunes 14 de octubre de 2024, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.
Bitácora: variado como es lo cuasi usual.
Artista: MUI ZYU
Disco: Nothing Or Something To Die For
Sello: Father/Daughter
Año: 2024
Nacida en Belfast de padres inmigrantes de Hong Kong y criada en el sur de Inglaterra, la cantante y productora Eva Liu surgió por primera vez en 2017, al frente del trío de rock artístico de Londres/Glasgow Dama Scout. Los confinamientos por la COVID-19 pusieron en suspenso los planes de la banda, mientras que el creciente racismo contra las personas de ascendencia del este y sudeste asiático durante ese período llevó a Liu a escribir canciones para procesarlo todo. En 2021 lanzó su primer EP en solitario, A Wonderful Thing Vomits, bajo el apodo de Mui Zyu, su apodo de la infancia (en cantonés significa “hermana pequeña cerdita”). El trabajo de Liu tiene la dulzura surrealista que un nombre así podría sugerir. Su álbum debut de 2023, Rotten Bun for an Eggless Century, presenta su encantadora voz sobre un pop lo-fi que ocasionalmente desciende a la distorsión, intercalado con las texturas brillantes de la instrumentación tradicional china. El disco explora su herencia e identidad: en entrevistas, Liu ha hablado sobre cómo creció aislada, sintiendo que tenía que asimilarse a la britanidad blanca. Su segundo álbum recién lanzado, el extraño y mágico Nothing or Something to Die For, juega con una sensación de descubrimiento que es más externa y cósmica (las referencias incluyen 2001: A Space Odyssey). Temas como Speak Up, Sponge son inquietantes y desconcertantemente lentos; en otros lugares, como en The Mould, una calidez propulsiva y exuberante se abre paso. Haciendo pop juguetón que es inusual y tierno, disonante y melódico a la vez, Mui Zyu ha creado su propio hogar absurdo y hermoso.
Artista: GASTR DEL SOL
Disco: We have dozens of titles
Sello: Drag City
Año: 2024
Al escuchar de nuevo Camoufleur, el quinto y último álbum de estudio de Gastr Del Sol, lo más sorprendente es lo fresco que sigue sonando un cuarto de siglo después. La gama de ideas que se muestran es casi obscena, y la forma en que incorpora elementos de post rock, pop de cámara, electrónica con fallos y folk es impresionantemente profética. Pero, en realidad, ¿qué más se puede esperar de David Grubbs y Jim O’Rourke, dos de los grandes éxitos de la fértil escena musical de Chicago de finales de siglo? El tema principal de Camoufleur, The Seasons Reverse, es también la primera canción de We Have Dozens of Titles, una especie de historia alternativa de Gastr Del Sol, que consta de actuaciones en directo muy modificadas y joyas de estudio difíciles de encontrar extraídas de EP, sencillos y recopilaciones. Mientras que la versión de The Seasons Reverse de Camoufleur es un trocito de folktrónica fresca pero nerviosa, fuertemente influenciada por el amor de Markus Popp, uno de sus miembros, por todo lo relacionado con el glitch, esta versión en vivo es más carnosa y está más en línea con la dinámica expansiva del post rock. Los squitchs y garabatos electrónicos siguen ahí, pero sin las voces, la canción pone más énfasis en la progresión de la guitarra recortada y económica y las teclas y sintetizadores sutiles. Funciona como un documento intrigante, una visión del proceso creativo de la banda. Pero también funciona como una variante viable, una forma de usar un marco existente para crear un estado de ánimo muy diferente.
Artista: SISSO & MAIKO
Disco: Singeli Ya Maajabu
Sello: Nyege Nyege Tapes
Año: 2024
¡Ufff! Nyege Nyege Tapes de Kampala retoman el sonido radical singeli de Dar Es Salaam con una serie de temas más locos de su creador, Sisso, fusionados con la incendiaria tecladista Maiko para incorporar fragmentos de diseño de sonido ciberpunk y un trocito de new beat classic. Gracias a NNT, el salvaje sonido de gueto de 200 BPM del singeli ha sonado con fuerza en los radares internacionales desde que surgió una introducción sin precedentes al estilo en el estudio homónimo en “Sounds of Sisso” de 2017. A esto le siguió una serie de álbumes solistas excepcionales del estudio de Jay Mitta, Duke y Sisso hasta que la mira del sello se trasladó a otros lugares de África. Ahora regresa cinco años después para mostrar los avances imprevistos de singeli en la forma, que van desde el rave hipercolorido hasta fragmentos excepcionales de arreglos de sonido cinematográficos de ciencia ficción sin ritmo como el diseño de efectos de sonido para una película ciberpunk de Tanzania, pasando por un corte absolutamente loco del himno del new beat belga, ‘The Sound of C’, que casi nos tiró de la silla.
Artista: CARME LOPEZ
Disco: Quintela
Sello: Warm Winters
Año: 2024
‘Quintela’, el álbum de debut de Carme López, intérprete, docente e investigadora de la música oral tradicional gallega, es un nuevo trabajo experimental para gaita gallega. Influenciada por la propuesta de compositoras como Éliane Radigue o Pauline Oliveros, la compositora española crea entornos sonoros de modulación lenta y lleva las posibilidades sonoras de la gaita hasta el límite absoluto. ‘Quintela’ se estructura en cuatro movimientos, más un prólogo y un epílogo, que sirven de nexo de unión con el lenguaje contemporáneo del instrumento. La gaita está fuertemente ligada a las músicas tradicionales; su uso en diferentes géneros y contextos musicales es extremadamente limitado y poco imaginativo. ‘Quintela’ la lleva a un terreno completamente desconocido, descontextualizándola para elevar un enfoque personal y dejando atrás su pasado dominado por lo masculino (en el que se relaciona con ideas de prestigio, dominio o incluso conlleva connotaciones sexuales). López demuestra con maestría su grandeza y amplitud; La música de “Quintela” abarca desde sonidos apenas audibles del aire que pasa a través de la bolsa de cuero, pasando por el uso rítmico de sus lengüetas, hasta drones que abarcan todo con estructuras armónicas complejas y matices vibrantes.
Artista: MARY LATTIMORE & WALT McCLEMENTS
Disco: Rain on the Road
Sello: Thrill Jockey
Año: 2024
Llámalo experimental o ambiental: la arpista Mary Lattimore y el acordeonista Walt McClements reflexionan sonoramente sobre su ciclo repetitivo entre la vida y la música. Desde 2012, Mary Lattimore ha lanzado varios álbumes en solitario y en colaboración, incluido su lanzamiento de 2018, Hundreds of Days, ampliamente elogiado. También ha colaborado y grabado con Meg Baird, Jeff Zeigler, Thurston Moore y Kurt Vile. Walt McClements es un multiinstrumentista mejor conocido por su trabajo en la expansión de las restricciones del acordeón. La pareja se conoció en giras superpuestas, donde comenzaron a imaginar esta música. Ambos músicos viven en Los Ángeles, donde el álbum finalmente se grabó en el apartamento de McClements durante un reciente diciembre lluvioso. Es apropiado, ya que se trata de una colección de música compuesta por melodías que caen y se disipan, punteos de arpa que se duplican como gotas de lluvia, siempre cambiantes y familiares. Nunca hay prisa. Cada canción se convierte en un estudio de sí misma, y cada idea musical se repite y se modifica hasta que vuelve a sonar como ella misma. Lattimore describe la colección como “dejar que las melodías se desenrollen con tu amigo íntimo, sin prisas, sin ningún lugar al que realmente estar”. Lo primero que nos llama la atención es una campana, y una grande por el sonido de la misma. Es seguro decir que “Stolen Bells” habría sido el resultado si Angelo Badalamenti hubiera estado más interesado en las campanas de mano. El acordeón de McClements aquí es arrollador, épico incluso. Las campanas mencionadas anteriormente son envolventes y desconcertantes, ya que probablemente nunca las hayas escuchado así antes.
Artista: JAMES HOFF
Disco: Shadows Lifted from Invisible Hands
Sello: Shelter Press
Año: 2024
James Hoff, afiliado de PAN y cofundador de Primary Info, toma clásicos de Madonna, David Bowie, Lou Reed y Blondie y los convierte en una pasta viscosa y aceitosa, reformulando los temas pegadizos familiares como reflexiones monótonas y melancólicas sobre la perpetua agitación cultural. Una obra triste, misteriosa y que invita a la reflexión, recomendada si te gusta Sam Kidel, James Ferraro, Akira Rabelais, Lassigue Bendthaus, Automatics Group. Hay canciones que han estado tan entrelazadas en la conciencia pública compartida que apenas existen en su forma original, vistas como fantasmas, rondando la arquitectura de la vida moderna en el fondo de anuncios, películas y vestíbulos de hoteles. Hoff describe este fenómeno como algo similar al “efecto tinnitus” de las películas: los oyentes no escuchan las composiciones en sí, solo sus tonos familiares. Para su debut en Shelter Press, intenta arrancar la carne de algunos de esos temas canonizados para liberar los espíritus oscuros que hay en su interior. “Si rascas cualquier canción pop con suficiente fuerza, encontrarás tristeza debajo de ella”, explica en el comunicado de prensa que acompaña al disco. Hay un aire de inmediatez en cada una de las cuatro piezas que suena ligeramente tranquilizador y su elección de instrumentación es igualmente cercana: swoops orquestales enlatados y florituras plásticas que chocan con sintetizadores agudos y desechos digitales desmenuzados, para recordarnos que estamos completamente a merced de las aplicaciones, los anuncios y la propaganda algorítmica hipnótica.
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