Programa lunes 28 de junio de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

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Bitácora: los in crecendos que echábamos de menos están de vuelta, a África los boletos del segundo bloque, después iremos por un poco de ondas de pistas de baile tripeadas. Una banda sonora que se apoya en dos voces: la de un río y la de humanos y con una banda sonora que pone la piel de gallina. Seguiremos luego con electrónica inspirada en acontecimientos no muy felices, pero cerraremos muy arriba con unas chicas de Benín que son el mambo mismo.

Artista: MOGWAI
Disco: As The Love Continues
Sello: Rock Action
Año: 2021

Del sitio https://www.mondosonoro.com “A estas alturas de la película, la fórmula Mogwai no va a desviarse de su más que reconocible marca de fábrica ni tampoco se va a limitar a calcar punto por punto todas y cada una de sus peculiaridades. Seguramente para no aburrirse ellos mismos y para no aburrir tampoco a su parroquia. Son lo que son. Los tomas o los dejas. Y su décimo álbum ya (de los convencionales, dejamos fuera bandas sonoras y otros encargos paralelos) vuelve a brindar ese equilibrio entre la fidelidad a un sonido del que tienen la patente y esos ligerísimos nuevos retoques que tienen más que ver con la incorporación de instrumental inédito (modelos de sintetizador no empleados hasta ahora, algunas cajas de ritmo, arreglos de cuerda más llamativos) que con ninguna modificación a la hora de componer. Su dinámica de trabajo es la misma, con la única salvedad de que Dave Fridmann, a quien podríamos considerar su productor fetiche (ya trabajó con ellos en el mayestático “Rock Action”, de 2001, o en el hipnótico “Every Country’s Sun“, de 2017), se ha visto obligado a supervisar desde la distancia, ya que la pandemia imposibilitó que los escoceses viajaran a Nueva York tal y como tenían previsto. Así las cosas, los reyes del maelstrom sónico siguen luciendo galones a la hora de combinar sus clásicas escaladas de calma, furia y nuevamente calma, su proverbial técnica del yoyó (“Drive The Nail”, “Ceiling Granny”) con sus pasajes de sosegado onirismo levitante, fragmentos de bandas sonoras inexistentes (“Dry Fantasy” o “Fuck Off Money”). Su taimada experiencia para fundir rock acerado y scores de punzante poder evocador. Y al final da un poco lo mismo que Atticus Ross (Nine Inch Nails) ponga su granito de arena en “Midnight Flit” y el saxofonista Colin Stetson lo haga en “Pat Stains”, porque Mogwai siguen sonando solo a Mogwai. Enough is enough.

Artista: VIS A VIS
Disco: Obi Agye Me Dofo
Sello: BHM Productions / Secret Stash
Año: 1977

Vis-A-Vis, tanto como un popular acto en vivo como músicos de estudio en demanda, lanzó 13 álbumes entre 1975 y 1982, de los cuales Obi Agye Me Dofo sigue siendo el más buscado. Dirigido por el vocalista Isaac “Superstar” Yeboah y con Sammy Cropper en la guitarra, Slim Manu en el bajo y Gybson “Shaolin Kung-Fu” Papra en la batería, Vis-A-Vis ayudó a impulsar a K. Frimpong a la fama como una de las estrellas más populares de la Ghana de la década de los 70s. En algunos de los álbumes de Frimpong, también se superponen como parte de su otra banda de grabación, the Cubano Fiestas. La icónica canción principal de Obi Agye Me Dofo, con su cadencioso ritmo Afrobeat adornado con trompas de jazz, teclas de sintetizador cósmico y un solo de guitarra errante, está muy en el molde de los grandes éxitos de Frimpong. El Kankyema de ocho minutos muestra cómo Vis-A-Vis podría engancharse en un ritmo funk propulsor con la voz conmovedora de Superstar Yeboah montada en la parte superior, mientras que, en el lado dos, Vis-A-Vis se muestra como los maestros de una Highlife hipnótica en espiral.

Artista: FULL CIRCLE
Disco: From Knowhere
Sello: Good Morning Tapes
Año: 2020

Después de esa cinta de blink ‘n miss’ Trip To Knowhere ‘hace unos meses, Good Morning Tapes emite un hipnótico LP de 40 minutos de trance de Goa picado y jodido de los chamanes parisinos Alexis Le Tan y Joakim, también conocido como Full Circle. Continuando con la búsqueda entusiasta del sonido del calor de las fiestas en la playa de Goa de finales de los 80 y principios de los 90 y los terrazos baleares, Full Circle realiza seis ediciones sensuales y suaves para su primera cinta / colección digital, que presenta los aspectos más destacados hipnóticos de su ‘Trip To Knowhere ‘mixtape en cortes extendidos para que los DJ y bailarines se mezclen en sus propios viajes de fantasía, reflejando el trance de Goa de Vladimir Ivkovic reproducido en especiales de 33 no 45 rpm. Los sonidos de Future London del pasado resurgen en un resbaladizo dub plasma en ‘Here No Evil’ junto con la zumbante mecánica de arp de ‘Standing Horizontal’, con ‘Out Hear’ basándose en el vudú de doblaje ambiental de On-U Sound y ‘Beauty Fuel’ gira en un par de pistas oscuras y una especie de jeep que pisotea la arena, mientras se desabrochan de manera gloriosa con los sentimientos eróticos ambientales de tejido de yogur de ‘Save The Planet, Save Yourself’. En 2020, el estilo de Full Circle se puede tomar como una respuesta ideal a una necesidad real de exuberancia psicodélica en el baile. “From Knowhere” extiende las vibraciones de sus 12 “de culto lanzados entre 2014 y 2019 con un set inmaculadamente drogado que se inicia a la perfección desde la compilación” All Welcome “de Good Morning Tapes y la esotérica sesión ambiental house de D.K.

Artista: HAUSCHKA + ROB PETIT + ROBERT MACFARLANE
Disco: Upstream
Sello: Sonic Pieces
Año: 2021

Como banda sonora, Upstream se destaca por sí solo. Sus cuerdas rústicas son antiguas y rejuvenecidas; Al igual que el paisaje al que se atan, las cuerdas parecen ser eternas y tan sólidas como una roca irregular. El violonchelo más profundo tiene sus raíces en la tierra, perfora el suelo y se adentra en el suelo rico y fértil de la tierra. La música está viva, su geografía y topografía evolucionando, respirando, retumbando y estremeciéndose en sintonía con el cambiante paisaje físico. De camino a la sierra, la música se abre a los elementos; algunas de las notas gotean como salpicaduras de lluvia fría, mientras que otras permanecen en el aire, influenciadas por vientos racheados y penetrantemente fríos.
Con poemas, una pizca de piano preparado, efectos de sonido y bloques de sintetizador, Upstream es una maravilla viva y que respira. También se infiltran en la atmósfera poemas en prosa, escritos por Robert Macfarlane y expresados en gaélico e inglés respectivamente por Niall Gordàn y Julie Fowlis. Una atmósfera inquietante emana de la palabra hablada, que está despojada de todo excepto de la voz y un violonchelo desnudo y austero. El sonido del río también se puede escuchar de fondo, lo que lo convierte en una voz esencial del disco. De hecho, a lo largo de su duración, dos voces hablan a la vez: la voz del río y la humana.

Artista: SCANNER
Disco: The Signal of a Signal of a Signal
Sello: Touched
Año: 2019 /2021

The Signal of a Signal of a Signal se lanzó originalmente en una caja de CD extremadamente limitada en Touched Music en diciembre de 2019. Fue acompañada por nuevos álbumes de Future Sound of London, Locust, Anders Llar y otros.
La caja se agotó en 10 minutos y recaudó fondos significativos para Macmillan Cancer Support en el Reino Unido. El interés en el álbum ha continuado y por eso, Martin de Touched Music y yo decidimos lanzar una edición muy especial en vinilo de peso pesado en una bolsa de PVC de lujo con solapa, con todas las ilustraciones nuevas. Película de Hollywood, que dio lugar a una amplia partitura para el Ballet Nacional Holandés que se estrenó en la reapertura del Museo Stedilijk de Ámsterdam frente a la Reina Beatriz, con sintetizadores y cuerdas en vivo que ofrecen un sinuoso camino melancólico.
La segunda cara explora una profunda sensación de intimidad y espacio reverberante. Baltik Kitlab introduce una variación palpitante del techno de cámara, con ritmos suaves que se mezclan. El álbum concluye con una pieza de piano contemplativa, enclaustrada y emocional, Dead Letter Office, con un fuerte tirón emocional. Es música sin centro, elegante y sentida. La señal de una señal de una señal es una obra madura de electrónica contemporánea de un artista que se ha estado reinventando a sí mismo durante casi los últimos treinta años.

Artista: STAR FEMININE BAND
Disco: Star Feminine Band
Sello: Born Bad Records
Año: 2020

En un mundo que parece estar cayendo más profundamente en el olvido cada hora, es imposible no apoyar a Star Feminine Band. Sobre el papel, son la definición de pop manufacturado: el grupo está formado por siete chicas, de entre diez y 17 años, reclutadas por una emisora de radio. Lo que diferencia a Star Feminine Band de otros grupos de chicas es que son de Benin, una nación de África Occidental, y cantan sobre matrimonios forzados y mutilación genital. Sin embargo, a pesar de las luchas que han experimentado, su música está llena de resistencia y alegría, un lenguaje universal pegadizo que brilla y mantiene el ritmo de un mundo en problemas.
El abridor “Peba” suena como un éxito instantáneo y, de hecho, es el primer video musical del álbum. El grupo infunde los elementos vocales y rítmicos de la alta vida con una efervescencia de banda de garaje y una disciplina notable para los músicos que, en algunos casos, ni siquiera habían visto instrumentos musicales antes de responder a la llamada de la estación de radio. El entusiasmo de las niñas viene con un mensaje; según las notas de prensa, la letra, cantada en el idioma waama, trata de “cómo la educación permite a las niñas ser realmente ellas mismas”. Con un poco de rumba congoleña, la canción francesa “Femme Africaine” anima a las mujeres del continente: “Puedes convertirte en la Primera Ministra del país / Levántate, hay que hacer algo / Mujer africana, sé independiente / El país necesita nosotros, vamos a la escuela “. El más taciturno “Iseo”, cantado en lengua bariba, es un llamado a la unión de las diversas culturas de Benin: “Hombres y mujeres, levantémonos / Desde el sur, desde el centro, desde el norte / Unámonos y ser uno para que el país pueda evolucionar”. Las canciones originales del álbum fueron compuestas con el aporte de los jóvenes músicos y dirigidas por Andrè Balaguemon, un músico local que lanzó esa fatídica convocatoria de la estación de radio en 2016. “En nuestra región, las mujeres son marginadas, humilladas, también golpeadas”, dice. “Simplemente quería mostrar la importancia de la mujer en las sociedades del norte de Benin formando una orquesta femenina”. Con el respaldo de los funcionarios de la remota ciudad de Natitingou, Balaguemon enseñó música a sus jóvenes hijos (incluidas dos de sus propias hijas) y al mismo tiempo insistió en que se mantuvieran al día con sus tareas escolares habituales.
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Programa lunes 21 de junio de 2021, 22:00 hrs 102.5fm Radio

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Bitácora: Una agrupación que no tiene bajezas abre el Perdidos de lunes, luego un músico chileno afincado en Londres (creo) se nutre de poetas locales para armar un nuevo álbum. Composiciones clásicas llevadas a la segunda derivada es lo que se escuchará ad-post, raro. Más rebétika inunda a Perdidos, luego piano a cargo de un alemán que vuelve a publicar homenaje a su instrumento preferido. Y cerramos con poesía cruda y dura, en tu cara, por parte de la poetisa Camae Ayewa secundada por el combo instrumental Irreversible Entanglements.

Artista: TINDERSTICKS
Disco: Distractions
Sello: City Slang
Año: 2021

Del sitio https://www.mondosonoro.com “Hay bandas de trayectoria dilatada cuya absoluta fiabilidad ha sido contrastada con el paso de los años. Tindersticks es una de esas formaciones en cuyo currículo cuesta encontrar un borrón relevante, tras hacer de elegancia, profundidad y buen gusto su santo y seña particular. Desde sus inicios, el grupo ha asumido esas coordenadas con tal naturalidad que se han tornado propiedad indisoluble con respecto a su propia creatividad, en un empeño que se extiende hasta el que ya es decimotercer álbum de estudio del grupo. Un trabajo en el que Stuart Staples y compañía lucen un aspecto suficientemente actualizado como para evitar un incómodo estancamiento, pero que al mismo tiempo ostenta un solemne respeto por aquellas claves que en origen cincelaron la personalidad del combo. ‘Distractions’ (21) es, además, un disco versátil que cunde exponencialmente al contar cada una de sus piezas como acierto, todo a pesar de sumar solo siete temas entre los que se incluyen hasta tres versiones. Quizás en plena declaración de intenciones, la referencia se abre con “Man Alone (Can’t Stop The Fadin’)”, una pieza sorpresiva de nueve minutos con loops y claro perfil electrónico, antes de dejar paso a la delicadísima y desoladora “I Imagine You”. Por su parte, el grupo reserva el tramo central para la apropiación de composiciones ajenas. Es ahí donde se llevan el “A Man Needs A Maid” de Neil Young a un terreno leve pero encantadoramente cercano al trip-hop más reflexivo, acometiendo también la sedosa y bellísima relectura del “Lady With The Braid” de Dory Previn y una animosa –casi tropical– “You’ll Have To Scream Louder” de Television Personalities.

Artista: ZUECOKIMONOMAGNETICO
Disco: Lovelens
Sello: autoedición
Año: 2021

Tras 19 años desde su anterior álbum (“Bull transcended at seven”), el rancagüino Zuecokimonomagnetico regresa con LOVELENS, una placa conceptual de 8 canciones acerca del destino, que ya se encuentra a la venta en iTunes, en streaming, y en zuecokimonomagnetico.bandcamp.com. Grabado entre julio de 2020 y marzo de 2021, el arco principal está dado por la composición en dos partes “Every road has its dawn”, inspirada en la cita de William Blake que se encuentra en la cima de Primrose Hill en Londres, donde el alucinado escritor señalaba haber conversado con el Spiritual Sun en aquella vista sobrecogedora de Londinium. La portada del álbum, una fotografía tomanda por Zueco en aquél mismo lugar, revela un triángulo de luz que desciende sobre una pareja de visitantes. En la íntima y sobrecogedora “Silver Juice”, Zuecokimonomagnetico realiza su propio homenaje y tributo al fallecido David Berman, haciendo eco de la labor del bardo como intérprete de la magia y el misticismo de lo mundano, en versos como “transmission towers sing like crickets / wind blows like a motorcycle”. Al cierre, “This integration” enfatiza en el juego de palabras de su título la intención de Zuecokimonomagnetico de beber de lo más atmosférico de The Cure. Eso, más la acidez de Luke Haines en “Xmas is over (if you want it)”.

Artista: PC NACKT
Disco: Plunderphonia
Sello: (!7K)
Año: 2020

Plunderphonia es una nueva serie de proyectos musicales que crean música original “saqueando” fuentes históricas inesperadas y planos de género. Desarrollado por el fundador de! K7, Horst Weidenmüller, el álbum debut de Plunderphonia ha sido grabado por el artista nominado al Grammy PC Nackt, colaborador de Apparat y José González y director creativo de The String Theory y Warren Suicide. Plunderphonia es una nueva serie de proyectos musicales que crean música original “saqueando” fuentes históricas inesperadas, como partituras de orquesta de cámara y piano clásico fundamental. Desarrollado por el fundador de! K7, Horst Weidenmüller, el álbum debut de Plunderphonia ha sido grabado por el artista nominado al Grammy PC Nackt, colaborador de Apparat y José González y director creativo de The String Theory y Warren Suicide.
Continuando con un tema explorado en el concierto Plunderphonia de Henrik Schwarz en 2018, que reapropiaba 700 secuencias de cuerdas, el nuevo álbum de PC Nackt reutiliza composiciones de piano clásico que han sido seleccionadas por la supervisora musical Hania Rani. A continuación, el pianista Antonis Anissegos tocó las partituras para piano en MIDI. Y los archivos MIDI han sido “saqueados” (procesados y reproducidos en vivo) por PC Nackt a través de dos Disklaviers de Yamaha, creando composiciones que llevan la música clásica a un territorio inexplorado.

Artista: A. KOSTIS
Disco: The Jail`S A Fine School
Sello: Olvido Records
Año: 2015 /2021

Primera colección de vinilos del legendario “Kostis”, el más enigmático de todos los artistas griegos de rebetika. 12 pistas de dúos de guitarra verdaderamente únicos y letras de humor negro que relatan las guaridas de hachís, la cultura carcelaria y los carteristas de la antigua Atenas. Grabado bajo un seudónimo para su exportación a los griegos que viven en Estados Unidos, la investigación ha descubierto al músico, periodista y dibujante Kostas Bezos como la figura que acecha detrás del nombre Kostis, con vínculos con el famoso cantante Tetos Demetriades. Reconocido por tocar la guitarra slide en orquestas de estilo hawaiano durante la década de 1930, las grabaciones de Kostis revelan un submundo completamente diferente de lo macabro e ilícito. El uso de la guitarra en estas canciones de rebetika ahora clásicas muestra un virtuosismo de modos del Cercano Oriente escogidos con los dedos y afinaciones inusuales en los albores de la rebetika, cuando el bouzouki aún no se había convertido en supremo.

Artista: NILS FRAHM
Disco: Empty
Sello: Erased Tapes
Año: 2020

Del sitio. https://www.mondosonoro.com “Los días mundiales acostumbran a ser una excusa que nos hemos inventado para tener la mente tranquila el resto del año. Es más fácil prestar atención a una causa en una sola fecha que ocuparnos de ella de forma constante. Afortunadamente, de vez en cuando los hay que regalan algo más que empachos de solidaridad en uno de esos días. El último de ellos ha sido Nils Frahm. El alemán ha aprovechado el Día Mundial del Piano, sin ser cenizo, una fecha que cuando él muera podrá llevar perfectísimamente su nombre, para publicar de imprevisto un nuevo largo, “Empty”. Un guiño hacia el instrumento que le ha erigido como uno de los autores de clásica contemporánea y experimental más importantes de su generación. Una particular forma de –como él mismo ha dicho– “celebración”. El disco, pese a que fue compuesto antes de “Screws” (12), originalmente para un filme junto a Benoit Toulemonde, y que coincide con el momento en que Frahm se rompió un dedo, sigue la estela de “All Encores” (19): muchos espacios en blanco, notas justas. Con una ligera bajada de intensidad respecto a su antecesor. En conclusión, el músico sigue publicando las vías más calmas de su repertorio. Sólo algún timbre más colorido en “No Step On Wing” devuelve la luz a un álbum que, por lo general, vive en la introspección. Tonos invernales para un momento de transición del alemán, cuando sufrió la lesión. Una transición creativa e inteligente, eso sí: incluso el crepitar de la microfonía sirve de hilo musical cavernoso.

Artista: MOOR MOTHER
Disco: Circuit City
Sello: Don Giovanni Records
Año: 2021

Durante tres días en junio de 2019, Camae Ayewa, más conocida como Moor Mother, presentó su primera creación teatral, Circuit City, en FringeArts de Filadelfia. Que Ayewa presentara un trabajo multimedia tan ambicioso, en parte musical, en parte poema coreografiado, en parte obra de teatro, mientras preparaba Wrecked de Zonal y su álbum en solitario Analog Fluids of Sonic Black Holes habla de la ética de trabajo del poeta y músico experimental de Filadelfia. Tiene una buena razón para ser tan prolífica: el trabajo de Ayewa está dedicado a la lucha contra un sistema de opresión que se extiende por generaciones. Como dice al principio del artículo: “Ha habido tanto trauma que ni siquiera sé por dónde empezar …”. Ni siquiera sé en qué año / tengo los años de mi mamá, los años de mi papá, todos mezclados dentro de mí “. Al contemplar “la forma fría de las limitaciones de la vida”, su trabajo es un reconocimiento de que la lucha contra la opresión debe ser tan incansable como los sistemas inhumanos que perpetúan tal trauma. Ubicado en la sala de estar de un complejo de viviendas de propiedad corporativa, Circuit City bien puede ser la primera producción teatral en presentar un ensayo escrito por un abogado de la Unidad de Vivienda de los Servicios Legales Comunitarios de Filadelfia. Al igual que la producción en sí, la música aborda décadas de negligencia en la vivienda pública de bajos ingresos, la brutalidad policial, las líneas rojas y el miedo al desalojo, temas sombríos que podrían no prometer la escucha más atractiva. Pero tal es la presencia y la entrega acerada de Ayewa que, sin embargo, las cuatro piezas extendidas te alojan dentro de la mente de alguien que vive con tales indignidades cotidianas. Paranoico, claustrofóbico, pero decidido a “romper el circuito”, el álbum avanza en un estilo similar al de Who Sent You ?, el ardiente álbum de free-jazz que lanzó el año pasado como parte de Irreversible Entanglements. Esa banda la apoya aquí, proporcionando un telón de fondo emocionante de trompetas, batería, teclados y bajos aumentados por la electrónica visceral de Ada Adhiyatma y Steve Montenegro y coros de Elon Battle.
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