Programa lunes 31 de agosto de 2020, 25 años al aire, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora cumpleañera, 25 años: “Esto no está pasando, yo no estoy aquí…“, como en la lírica del tema “How to dissapear completely” de los Radiohead.
Nos hubiera gustado y no nos hubiera gustado que las cosas siguieran igual, pero en la antigua normalidad habíamos empezado a cranear y gestar un gran cumpleaños de Perdidos en el Espacio, las ideas se estaban desarrollando muy bien, pero el destino quiso otra cosa y está bien, las energías debían ir en otro sentido. Perdidos ha sido siempre, desde sus inicios, un medio para difundir estilos de músicas que poco o nada cabida tenían en los medios. Internet ya estaba empezando a ser algo masivo, pero aun así, generar una masa crítica en términos de conocimiento musical no se genera de un día para otro. Estamos seguros que en algo ha contribuido este programa radial.
En la sesión de hoy, como en la generalidad de este programa, promoveremos nuevas creaciones y hoy se repetirán varios nombres que han tapizado el ideario de Perdidos en el Espacio, aquí va la reseña de cada uno de ellos.

Artista: SONIC BOOM
Disco: All Things Being Equal
Sello: Carpark
Año: 2020

Del sitio : “https://www.indierocks.mx: “El ensoñador paseo de Sonic Boom 30 años después. Peter Kember, también conocido como Sonic Boom, no escuchó Psychocandy por años por todos los artículos que comparaban la música que hacía The Jesus and Mary Chain con la música en la que participaba. En aquel entonces, junto a Jason Pierce formaba Spacemen 3. La primera asociación mental con el proyecto tiene que ver con las drogas. Tal vez porque nunca negaron su uso, incluso lo promovieron. Bastan algunas escuchadas para saber que algo hay de viajeros trascendentales en lo que hacían y también basta con leer la frase que se convirtió en una especie de motto: “Taking drugs to make music to take drugs to”. The Jesus and Mary Chain quizá tenían algo que ver con Spacemen 3. Ambos usaban distorsiones, feedback y tenían ambientes envolventes en sus canciones. Tal vez algo había de razón en ello, pero por aquel entonces Peter Kember parecía tener una personalidad diferente que lo hacía reacio a encontrar similitudes. ¿Era combativo? ¿Era arrogante? Lo que es cierto es que algo sucedió, Spacemen 3 se separó y fue entonces cuando comenzó la etapa de Kember en solitario. Spectrum o Experimental Audio Research (E.A.R.) se transformaron en sus nombres artísticos. Por algún tiempo, Sonic Boom quedó resguardado en la memoria de los que disfrutaban de Spacemen 3. Pero la relación con la música nunca se detuvo. En sus manos estuvieron trabajos de co-producción para su buen amigo Panda Bear o el Congratulations de MGMT, que tenía la complicada labor de definir la personalidad de la banda después de un álbum que se convirtió en un éxito mundial. Tres décadas habían pasado desde que Sonic Boom lanzara un álbum bajo ese nombre y, el 2020, vio nacer el All Things Being Equal”.

Artista: WINDY & CARL
Disco: Allegiance and ConVIction
Sello: Kranky
Año: 2020

Allegiance and Conviction es el primer álbum de Windy and Carl desde We Will Always Be de 2012. Se han perdido sus fascinantes murmullos, encantadores drones de guitarra y letras poéticas, pero estos elementos hacen un bienvenido regreso en Allegiance and Conviction. El dúo ha estado creando música del espacio interior durante décadas, y esta, lanzada en Kranky el 27 de marzo, tardó seis años en hacerse. El enfoque reflexivo de Windy y Carl para el diseño de sonido ha dado sus frutos, porque el disco brilla con una luz hermosa y delgada. La cantidad de tiempo que pasaron en el álbum es indicativo de un enfoque afectuoso, y esto también brilla. El trabajo con drones es fantástico, y las reflexiones líricas de Windy Weber ayudan a abrir el sonido aún más, equilibrando el sonido simétrico y delicado y sus alargamientos instrumentales con canciones más líricas basadas en letras que envuelven las texturas transparentes de la guitarra. Los claros tonos de la guitarra eléctrica están impregnados de una luz frágil, que brilla sobre la superficie de la voz como la luz del sol en una hoja, y su tono se vuelve transparente. Las letras de Weber son palabras de lanzamiento, y las progresiones de acordes cambiantes, onduladas con grandes cantidades de retraso y reverberación, revelan maravillas a cada paso. Al transformarse para alcanzar momentos cada vez más brillantes y pasar a través de secuencias brillantes, la guitarra ayuda a crear otra galaxia, un conjunto más íntimo de estrellas para la imaginación, parpadeando y brillando solo cuando los ojos se cierran. Como siempre, su música te lleva a otro lugar.

Artista: RUSTIN MAN
Disco: Clockdust
Sello: Domino
Año: 2020

Del sitio : http://www.rockdelux.com :”La preciosa portada reproduce el vestuario del “Ballet triádico” que el pintor, escultor, diseñador y coreógrafo Oskar Schlemmer creó en 1922 para la escuela Bauhaus y cuyas formas geométricas revolucionaron la danza e influenciaron enormemente a David Bowie. Y este, en su versión crepuscular, también deja profunda huella en Paul Webb, aka Rustin Man, el ex bajista de Talk Talk, como se puede comprobar en el primer single de “Clockdust”, “Jackie’s Room”. Ha cambiado el tono sepia de la foto original por uno verdoso, igualmente adecuado para ilustrar nueve temas que, según su autor, parten de la idea de convertir el disco en un antiguo musical, largo tiempo olvidado; una película en blanco y negro de los años cuarenta, cuyos sonidos de fondo inspiran las letras, a la manera como un cineasta escribe los diálogos. Y no solo la escuela Bauhaus, sino también el cabaré berlinés de Kurt Weill ejerce una enorme influencia en el segundo single, “Kinky Living”. Además, el uso de instrumentos percutivos curiosos, como el kokoriko o el okónkolo, ayuda a dar una atmosfera irreal y lynchiana a “Rubicon Song”. Las canciones fueron registradas con la ayuda de su inseparable colega, el batería Lee Harris, en las mismas sesiones que dieron lugar al anterior “Drift Code” (2019), diecisiete años después de su aclamado debut “Out Of Season” (2002) junto con Beth Gibbons. Sofisticado y emocionante, con arreglos orquestales que abrevan en el jazz en un “Old Flamingo” en la estela del mejor Robert Wyatt, escorándose al dub cinemático y experimental en “Night In Evening City”, sin renunciar a cierta grandilocuencia progresiva, como la que culmina “Man With A Remedy”, ni a una gravedad existencial que en “Carousel Days” alcanza el lirismo de Peter Hammill y en “Gold & Tinsel” las maneras de un crooner en modo torch song.

Artista: JULIANNA BARWICK
Disco: Healing Is A Miracle
Sello: Ninja Tune
Año: 2020

Lo que siempre ha hecho que la música de Julianna Barwick sea tan especial es la forma en que utiliza los métodos de composición electrónica (bucles, capas, reverberación) para construir un espacio arquitectónico a partir del primer y más innato instrumento humano: la voz. Aunque escribe en el lenguaje de la música electrónica, evoca la grandeza del post-rock y tiene un enfoque del tiempo que recuerda a la música ambiental, utiliza la intimidad de la voz en toda su extensión, siendo el resultado final algo que a la vez es extraño. y accesible. Esta combinación contradictoria hace que la música sea relajante y francamente espiritual. Dada la calidad casi religiosa de la música, se podría decir que el título de su nuevo disco, Healing Is a Miracle, está en la nariz. Y, sin embargo, el disco más nuevo de Barwick es, en muchos sentidos, una desviación de su sonido tal como lo conocemos de discos magistrales como Nepenthe de 2013 y The Magic Place de 2011, aunque hay algo así como una línea directa en las texturas de sintetizador más atrevidas de su álbum más reciente Voluntad de 2016. En muchos sentidos, Healing Is a Miracle es menos íntima que sus discos anteriores, optando por un sonido más grande, más variado y más directo.

Artista: JOHANN JOHANNSSON & YAIR ELAZAR GLOTMAN
Disco: Last and First Men
Sello: Deutsche Grammophon
Año: 2020

Del sitio : “http://www.rockdelux.com “Aunque no lo sabemos con seguridad –es probable que todavía existan trabajos inéditos en el disco duro, entre ellos quizá la partitura fallida para “Blade Runner 2049” (Denis Villeneuve, 2017)–, este póstumo “Last And First Men” pondría por ahora el broche final a la prolífica carrera del compositor Jóhann Gunnar Johánnsson (1969-2018), prematuramente fallecido a los 48 años. Un artista titánico cuya creatividad voraz lo llevó a dirigir la adaptación fílmica, incluida como Blu-ray en la edición que manejamos, de la utopía escrita en 1930 por Olaf Stapledon (1886-1950) –aquí se conoce como “La última y la primera humanidad”–, influyente autor británico de ciencia ficción coetáneo del más popular H. G. Wells. La actriz Tilda Swinton, que no comparece en el disco pero sí en la filmación, narra la peripecia humana que un optimista Stapledon da por concluida transcurridos dos mil millones de años con una última especie humana filosófica, inmortal y telepática. Jóhannsson utiliza la arquitectura brutalista de la Yugoslavia de Tito para conformar junto con el músico electroacústico israelí afincado en Berlín Yair Elazar Glotman una sobrecogedora fantasía visual reforzada con la inquietante aleación tonal de su banda sonora. Piezas puntualmente melódicas (“The Navigators”) dotadas de la habitual expresividad clasicista, austera y visceral del compositor islandés, entre lo orgánico y lo artificial, lo real y lo irreal, entre lo material y lo inmaterial.”
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