Podcast Programa lunes 31 de agosto de 2020. 25 años al aire

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Programa lunes 31 de agosto de 2020, 25 años al aire, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora cumpleañera, 25 años: “Esto no está pasando, yo no estoy aquí…“, como en la lírica del tema “How to dissapear completely” de los Radiohead.
Nos hubiera gustado y no nos hubiera gustado que las cosas siguieran igual, pero en la antigua normalidad habíamos empezado a cranear y gestar un gran cumpleaños de Perdidos en el Espacio, las ideas se estaban desarrollando muy bien, pero el destino quiso otra cosa y está bien, las energías debían ir en otro sentido. Perdidos ha sido siempre, desde sus inicios, un medio para difundir estilos de músicas que poco o nada cabida tenían en los medios. Internet ya estaba empezando a ser algo masivo, pero aun así, generar una masa crítica en términos de conocimiento musical no se genera de un día para otro. Estamos seguros que en algo ha contribuido este programa radial.
En la sesión de hoy, como en la generalidad de este programa, promoveremos nuevas creaciones y hoy se repetirán varios nombres que han tapizado el ideario de Perdidos en el Espacio, aquí va la reseña de cada uno de ellos.

Artista: SONIC BOOM
Disco: All Things Being Equal
Sello: Carpark
Año: 2020

Del sitio : “https://www.indierocks.mx: “El ensoñador paseo de Sonic Boom 30 años después. Peter Kember, también conocido como Sonic Boom, no escuchó Psychocandy por años por todos los artículos que comparaban la música que hacía The Jesus and Mary Chain con la música en la que participaba. En aquel entonces, junto a Jason Pierce formaba Spacemen 3. La primera asociación mental con el proyecto tiene que ver con las drogas. Tal vez porque nunca negaron su uso, incluso lo promovieron. Bastan algunas escuchadas para saber que algo hay de viajeros trascendentales en lo que hacían y también basta con leer la frase que se convirtió en una especie de motto: “Taking drugs to make music to take drugs to”. The Jesus and Mary Chain quizá tenían algo que ver con Spacemen 3. Ambos usaban distorsiones, feedback y tenían ambientes envolventes en sus canciones. Tal vez algo había de razón en ello, pero por aquel entonces Peter Kember parecía tener una personalidad diferente que lo hacía reacio a encontrar similitudes. ¿Era combativo? ¿Era arrogante? Lo que es cierto es que algo sucedió, Spacemen 3 se separó y fue entonces cuando comenzó la etapa de Kember en solitario. Spectrum o Experimental Audio Research (E.A.R.) se transformaron en sus nombres artísticos. Por algún tiempo, Sonic Boom quedó resguardado en la memoria de los que disfrutaban de Spacemen 3. Pero la relación con la música nunca se detuvo. En sus manos estuvieron trabajos de co-producción para su buen amigo Panda Bear o el Congratulations de MGMT, que tenía la complicada labor de definir la personalidad de la banda después de un álbum que se convirtió en un éxito mundial. Tres décadas habían pasado desde que Sonic Boom lanzara un álbum bajo ese nombre y, el 2020, vio nacer el All Things Being Equal”.

Artista: WINDY & CARL
Disco: Allegiance and ConVIction
Sello: Kranky
Año: 2020

Allegiance and Conviction es el primer álbum de Windy and Carl desde We Will Always Be de 2012. Se han perdido sus fascinantes murmullos, encantadores drones de guitarra y letras poéticas, pero estos elementos hacen un bienvenido regreso en Allegiance and Conviction. El dúo ha estado creando música del espacio interior durante décadas, y esta, lanzada en Kranky el 27 de marzo, tardó seis años en hacerse. El enfoque reflexivo de Windy y Carl para el diseño de sonido ha dado sus frutos, porque el disco brilla con una luz hermosa y delgada. La cantidad de tiempo que pasaron en el álbum es indicativo de un enfoque afectuoso, y esto también brilla. El trabajo con drones es fantástico, y las reflexiones líricas de Windy Weber ayudan a abrir el sonido aún más, equilibrando el sonido simétrico y delicado y sus alargamientos instrumentales con canciones más líricas basadas en letras que envuelven las texturas transparentes de la guitarra. Los claros tonos de la guitarra eléctrica están impregnados de una luz frágil, que brilla sobre la superficie de la voz como la luz del sol en una hoja, y su tono se vuelve transparente. Las letras de Weber son palabras de lanzamiento, y las progresiones de acordes cambiantes, onduladas con grandes cantidades de retraso y reverberación, revelan maravillas a cada paso. Al transformarse para alcanzar momentos cada vez más brillantes y pasar a través de secuencias brillantes, la guitarra ayuda a crear otra galaxia, un conjunto más íntimo de estrellas para la imaginación, parpadeando y brillando solo cuando los ojos se cierran. Como siempre, su música te lleva a otro lugar.

Artista: RUSTIN MAN
Disco: Clockdust
Sello: Domino
Año: 2020

Del sitio : http://www.rockdelux.com :”La preciosa portada reproduce el vestuario del “Ballet triádico” que el pintor, escultor, diseñador y coreógrafo Oskar Schlemmer creó en 1922 para la escuela Bauhaus y cuyas formas geométricas revolucionaron la danza e influenciaron enormemente a David Bowie. Y este, en su versión crepuscular, también deja profunda huella en Paul Webb, aka Rustin Man, el ex bajista de Talk Talk, como se puede comprobar en el primer single de “Clockdust”, “Jackie’s Room”. Ha cambiado el tono sepia de la foto original por uno verdoso, igualmente adecuado para ilustrar nueve temas que, según su autor, parten de la idea de convertir el disco en un antiguo musical, largo tiempo olvidado; una película en blanco y negro de los años cuarenta, cuyos sonidos de fondo inspiran las letras, a la manera como un cineasta escribe los diálogos. Y no solo la escuela Bauhaus, sino también el cabaré berlinés de Kurt Weill ejerce una enorme influencia en el segundo single, “Kinky Living”. Además, el uso de instrumentos percutivos curiosos, como el kokoriko o el okónkolo, ayuda a dar una atmosfera irreal y lynchiana a “Rubicon Song”. Las canciones fueron registradas con la ayuda de su inseparable colega, el batería Lee Harris, en las mismas sesiones que dieron lugar al anterior “Drift Code” (2019), diecisiete años después de su aclamado debut “Out Of Season” (2002) junto con Beth Gibbons. Sofisticado y emocionante, con arreglos orquestales que abrevan en el jazz en un “Old Flamingo” en la estela del mejor Robert Wyatt, escorándose al dub cinemático y experimental en “Night In Evening City”, sin renunciar a cierta grandilocuencia progresiva, como la que culmina “Man With A Remedy”, ni a una gravedad existencial que en “Carousel Days” alcanza el lirismo de Peter Hammill y en “Gold & Tinsel” las maneras de un crooner en modo torch song.

Artista: JULIANNA BARWICK
Disco: Healing Is A Miracle
Sello: Ninja Tune
Año: 2020

Lo que siempre ha hecho que la música de Julianna Barwick sea tan especial es la forma en que utiliza los métodos de composición electrónica (bucles, capas, reverberación) para construir un espacio arquitectónico a partir del primer y más innato instrumento humano: la voz. Aunque escribe en el lenguaje de la música electrónica, evoca la grandeza del post-rock y tiene un enfoque del tiempo que recuerda a la música ambiental, utiliza la intimidad de la voz en toda su extensión, siendo el resultado final algo que a la vez es extraño. y accesible. Esta combinación contradictoria hace que la música sea relajante y francamente espiritual. Dada la calidad casi religiosa de la música, se podría decir que el título de su nuevo disco, Healing Is a Miracle, está en la nariz. Y, sin embargo, el disco más nuevo de Barwick es, en muchos sentidos, una desviación de su sonido tal como lo conocemos de discos magistrales como Nepenthe de 2013 y The Magic Place de 2011, aunque hay algo así como una línea directa en las texturas de sintetizador más atrevidas de su álbum más reciente Voluntad de 2016. En muchos sentidos, Healing Is a Miracle es menos íntima que sus discos anteriores, optando por un sonido más grande, más variado y más directo.

Artista: JOHANN JOHANNSSON & YAIR ELAZAR GLOTMAN
Disco: Last and First Men
Sello: Deutsche Grammophon
Año: 2020

Del sitio : “http://www.rockdelux.com “Aunque no lo sabemos con seguridad –es probable que todavía existan trabajos inéditos en el disco duro, entre ellos quizá la partitura fallida para “Blade Runner 2049” (Denis Villeneuve, 2017)–, este póstumo “Last And First Men” pondría por ahora el broche final a la prolífica carrera del compositor Jóhann Gunnar Johánnsson (1969-2018), prematuramente fallecido a los 48 años. Un artista titánico cuya creatividad voraz lo llevó a dirigir la adaptación fílmica, incluida como Blu-ray en la edición que manejamos, de la utopía escrita en 1930 por Olaf Stapledon (1886-1950) –aquí se conoce como “La última y la primera humanidad”–, influyente autor británico de ciencia ficción coetáneo del más popular H. G. Wells. La actriz Tilda Swinton, que no comparece en el disco pero sí en la filmación, narra la peripecia humana que un optimista Stapledon da por concluida transcurridos dos mil millones de años con una última especie humana filosófica, inmortal y telepática. Jóhannsson utiliza la arquitectura brutalista de la Yugoslavia de Tito para conformar junto con el músico electroacústico israelí afincado en Berlín Yair Elazar Glotman una sobrecogedora fantasía visual reforzada con la inquietante aleación tonal de su banda sonora. Piezas puntualmente melódicas (“The Navigators”) dotadas de la habitual expresividad clasicista, austera y visceral del compositor islandés, entre lo orgánico y lo artificial, lo real y lo irreal, entre lo material y lo inmaterial.”
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Podcast de la emisión de lunes 4 de julio de 2016

Nuestro nuevo logo, versión ataque epiléptico, gentileza del artista medial Christian Oyarzun

http://colectivoasaturno.tumblr.com/post/146971774524

DESCARGA(lunes 4): aquí o http://www.mediafire.com/download/pkh8tny8t1tt2ii/perd160704.mp3

Emisión en línea a través de Podomatic y Mediafire …. esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador,

o http://www.mediafire.com/download/pkh8tny8t1tt2ii/perd160704.mp3

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Programa lunes 4 de julio de 2016, 102.5fm Radio Univ.de.Chile 22:00hrs.

Bitácora: Si en los créditos está Peter Kember (Sonic Boom) vamos por el lado seguro, luego tendremos una agrupación chilena que ha vuelto a las pistas después de un receso de años, seguiremos con la sirena que nos encantaba al nivel de la aniquilación, nos pasamos luego a una cantante que estrena nuevo nombre y por fin nuevo disco y cerramos con una colaboración intercontinental que ha sumado en los créditos a Rachel Goswell y a los Low como apoyos vocales. Perdidos con toda la carne a la parrilla….. ahhhh…. e ¡¡¡inauguraremos nuevo logo!!!.

Artista: CLOUDLAND CANYON
Disco: An Arabesque
Sello: Medical Records
Año: 2016
Cloudland Canyon - (2016) An Arabesque
Tercer disco de esta banda que circula en los terrenos pantanosos del kraut y la psicodelia y que en esta creación ha contado con la participación colaborativa de Ross Johnson (Alex Chilton), Lesa Alridge (Big Star) y Jody Stephens (Big Star), además de Kliph Scurlock (ex-Flaming Lips), David Scott Stone (ex-LCD Soundsystem), y Pete Kember aka Sonic Boom (Spacemen 3, Spectrum). Los pulsos sonoros son difíciles de eludir y se dirigen directo al cerebro como rockets con vaselina en la punta.

Artista: COLECTIVO ETÉREO
Disco: Antiwo
Sello: LosEmesDelOso
Año: 2016
Colectivo etereo Antiwo
Después de muchos años de inactividad Colectivo etéreo presenta “Antiwo”, ocho tracks registrados entre 2007 y 2011 pero nunca publicados de manera oficial.
El Colectivo está de vuelta en las pistas y ya ha tenido exitosas presentaciones en vivo en diferentes clubes de la capital y anuncian una para este fin de semana, aviso que pasaremos por Perdidos.
El disco en su primera instancia está lanzado a través del sello francés LosEmesDelOso en la plataforma Freemusicarchive y prontamente estará disponible en diferentes plataformas.

Artista: JULIANNA BARWICK
Disco: Will
Sello: Dead Oceans
Año: 2016
Julianna Barwick - (2016) Will
La sirena está de vuelta. Del sitio http://www.blisstopic.com El penúltimo disco de Julianna Barwick, “Nephente” (13), venía acompañado de un cierto aroma a victoria. Las dos primeras entregas de la estadounidense, “Sanguine” (06) y “The magic place” (11), habían desarrollado un lenguaje particular, apoyado en una instrumentación espartana y volátil, y gobernado por una telaraña de juegos vocales, que además de las pertinentes líneas melódicas incluía gritos y susurros, extraños ruidos guturales, montañas de efectos y todo tipo de loops y samples extravagantes. Un lenguaje que se inspiraba en la tradición clásica del sello 4AD (Dead Can Dance, This Mortal Coil, sobre todo Cocteau Twins), pero que, cosas de las modas que corrían a principios de esta década, muchos quisieron incluir dentro del saco del revival new age. Tal vez para conjurar ese etiquetado, tal vez para hacer más accesible un sonido de alto contenido emocional, pero de difícil digestión para el indie de a pie (y de ahí viene lo del aroma a victoria), los responsables de Dead Oceans enviaron a su nueva pupila a grabar al estudio que Alex Somers (de Jónsi & Alex) posee en Reijkiavik. Y ella regresó con el citado “Nephente”, un disco en el que sus canciones venían arropadas con todo tipo de lujos (cuerdas, guitarras, sintetizadores, un coro femenino de diez voces), que les aportaba grandes dosis de concreción y de carnalidad.

Artista: ANOHNI
Disco: Hopelessness
Sello: Rough Trade
Año: 2016
anohni - hopelessness (2)
Del sitio http://jenesaispop.com “…..El sexto disco de Anohni, primero sin The Johnsons y retorno al primer plano tras seis años de silencio, habla alto y claro de temas importantes y musicalmente supone su mayor reto desde que hiciera su puesta de largo con el cambio de siglo. Para ello ha recurrido a dos fenómenos de la electrónica contemporánea como son Hudson Mohawke y Oneohtrix Point Never, responsables de la producción de “Hopelessness” conjuntamente con la británica. Pero estas once canciones pertenecen a Anohni y lo que en esencia aportan sus dos compañeros de viaje es una riqueza cromática con maneras, eso sí, inconfundibles. La emocionante épica sintética de Hudson Mohawke se hace notar en el arranque y recta final del disco, en los mejores temas: apertura demoledora con “Drone Bomb Me”, “4 Degrees” y “Watch Me”; punto y final con un “Crisis” que huele a single y la delicada “Marrow”. Se intuye por su parte la aportación de Daniel Lopatin en la abstracción y texturas de los ejercicios más experimentales del disco: “Violent Men” o ese ajuste de cuentas con el actual presidente de EEUU que es “Obama”, con Anohni unas octavas por debajo de su registro habitual. En cualquier caso sorprende la advertencia de la artista a sus fans de siempre, calificando el disco de ruptura total con su obra anterior”.

Artista: JESU & SUN KIL MOON
Disco: Jesu & Sun Kil Moon
Sello: Caldo Verde, Rough Trade
Año: 2016
jesu & sun kil moon - st (2016)
Del sitio http://www.exileshmagazine.com “En el 2016 (Mark Kozelek) se ha juntado con JESU, la banda británica de Gales que está encabezada por Justin Broadrick y que practica una especie de shoegaze ecléctico, alternativo y experimental. Además cuenta con invitados de lujo como Will Oldham, más conocido por Bonnie “Prince” Billy, o miembros de bandas como Slowdive, Low o Modest Mouse.
No es un disco fácil aunque eso no creo que resulte ninguna sorpresa al tratarse del Sr.Kozelek, y máxime teniendo en cuenta que la canción más breve que lo compone posee una extensión de seis minutos. Pero ojo, todo el álbum está repleto de capas, de texturas y de rincones que se van descubriendo y revelando en sucesivas audiciones. Si “Good morning my love”, “Carondelet” o “Sally” podrían evocar a un gran Neil Young con Crazy Horse, en esa maravilla que es “A song of shadows” nos podría trasladar en algunos detalles a nombres como My Bloody Valentine, Jesus and Mary Chain o Swervedriver. Pero es que “Last night i rocked the room like Elvis and had them laughing like Richard Pryor” o “Father’s day” poseen momentos excelsos a lo Brian Eno o a lo Spacemen 3”.
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