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Programa lunes 30 de junio de 2025, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Partiremos nuevamente con las reediciones enchuladas de un crooner poeta de aquellos. Luego una voz que flota sobre un colchón sonoro descolocante. Repasaremos a una de las bandas, si es que no la primera, que sonó en el primer programa de Perdidos hace ya casi 30 años atrás. LA guitarra se toma los dos bloques que siguen y cerramos con una de esas pequeñitas y fugaces bandas indies ochenteras que muy pocos vieron en vivo

Artista: DAVID SYLVIAN
Disco: The Good Son vs The Only Daughter – The Blemish Remixes
Sello: Samadhisound
Año: 2025

Nos volvemos a repetir el inicio de Perdidos con uno de los músicos más interesantes que proceden de ese seminal movimiento llamado New Romántics, en el que figuraron inicialmente Duran Duran, Talk Talk, Spandau Ballet y Japan. De esos, Talk Talk y Japan son de esos casos excepcionales de cómo puedes partir en A y llegar a Épsilon, mientras las otras llegaron solo a C o F. Este trabajo es una reinterpretación de su álbum “Blemish” de 2003, con una selección de remixes que exploran nuevas dimensiones sonoras y texturas experimentales. El disco presenta una serie de colaboraciones con artistas de vanguardia, incluyendo Ryoji Ikeda, Burnt Friedman, Sweet Billy Pilgrim, Readymade FC, Yoshihiro Hanno, Tatsuhiko Asano, Akira Rabelais, Jan Bang y Erik Honoré. Cada uno aporta su visión única, transformando las composiciones originales en paisajes sonoros que oscilan entre la electrónica minimalista, el ambient y el post-rock. Las reseñas destacan la profundidad emocional del álbum y su capacidad para reinventar las piezas originales sin perder la esencia introspectiva característica de Sylvian. Se resalta la riqueza de los arreglos y la meticulosa producción, que logra un equilibrio entre la experimentación sonora y la accesibilidad melódica. En particular, los remixes de “The Only Daughter” y “Blemish” han sido elogiados por su enfoque innovador y su capacidad para generar una atmósfera envolvente. Este lanzamiento reafirma la influencia de Sylvian en la música experimental y su compromiso con la evolución artística, consolidándolo como una figura clave en la exploración de nuevos frentes sonoros.

Artista: ANA REME
Disco: Key
Sello: Lynn
Año: 2024

Disco que se inscribe dentro de la música experimental y ambient, con una propuesta sonora que desafía las convenciones tradicionales. El disco se compone de 12 temas, donde Ana Reme explora una estética minimalista y abstracta, con capas de sonido que generan una atmósfera hipnotizante. Las reseñas destacan la capacidad del álbum para oscilar entre la sutileza y la intensidad. Se resalta la riqueza de los arreglos , en particular, los temas “Nun” y “Rendering No Position Immune” que provocan una sensación de rara incomodidad adictiva.

Artista: SPACEMEN 3
Disco: Forged Prescriptions
Sello: Space Age
Año: 2003

Este trabajo es una recopilación de versiones alternativas y demos de su icónico álbum “The Perfect Prescription”, ofreciendo una nueva perspectiva sobre su sonido psicodélico y minimalista. El disco se compone de dos volúmenes, donde se presentan versiones extendidas y reimaginadas de temas clásicos como “Things’ll Never Be The Same”, “Walking With Jesus” y “Come Down Easy”. La producción mantiene la esencia hipnótica y repetitiva característica de la banda, con capas de guitarras distorsionadas, drones esclavizantes y una atmósfera de increíble mesmerización. Las reseñas destacan la riqueza sonora del álbum, resaltando cómo las versiones extendidas permiten un baño más profundo en el universo musical de Spacemen 3. Se menciona que la claridad en la producción mejora la experiencia auditiva, ofreciendo una perspectiva más tridimensional de su sonido. En particular, los temas “Ecstasy Symphony” y “Transparent Radiation” han sido elogiados por su capacidad de generar una sensación de trance y expansión sensorial. Este lanzamiento ha sido considerado una pieza esencial para los seguidores de la banda, consolidando su legado dentro del space rock, neo-psicodelia y shoegaze. La recopilación no solo permite redescubrir su música, sino que también evidencia la evolución de su sonido y la influencia que han tenido en generaciones posteriores de músicos experimentales como Animal Collective, Slowdive, y muchos otros.

Artista: RAPHAEL ROGINSKI
Disco: Plays John Coltrane And Langston Hughes African Mystic Music
Sello: Bô?t / Unsound
Año: 2015 / 2024

Este trabajo es una exploración sonora que fusiona la influencia del jazz de John Coltrane con la poesía de Langston Hughes, creando una experiencia fuera de los límites. El disco se compone de 14 temas, donde Roginski reinterpreta piezas icónicas de Coltrane como “Blue Train”, “Equinox”, “Naima” y “Seraphic Light”, junto con composiciones propias inspiradas en la obra de Hughes, como “Walkers With The Dawn” y “The Negro Speaks Of Rivers”. La producción mantiene una estética minimalista y experimental, con una ejecución de guitarra que enfatiza la profundidad emocional de cada pieza. Las reseñas destacan la capacidad del álbum para capturar la esencia espiritual del jazz y la poesía, logrando una fusión única entre ambos mundos. Se resalta la riqueza de los arreglos y la meticulosa producción, que permite una escucha profunda en la atmósfera mística del disco. Nuevo descubrimiento este Roginski , como para seguir escarbando en él.

Artista: PAPA M
Disco: Ballads of Harry Houdini
Sello: Drag City
Año: 2025

Seis años después de su último disco, con una propuesta que combina elementos de rock experimental, alt-country, post-rock y psicodelia. El disco consta de seis temas, cada uno con una identidad sonora única. Desde la apertura con una guitarra rítmica hipnótica y percusión orgánica, hasta la melancolía de “Ode to Mark White”, que evoluciona desde una balada folk hasta una pieza más distorsionada. La producción mantiene una estética cruda y directa, con una mezcla que resalta la expresividad instrumental y la profundidad emocional de cada composición. El trabajo captura la esencia de la música de Papa M, con una exploración sonora que desafía las convenciones y se mueve entre la introspección y la experimentación. La estructura del disco, aunque breve, logra una inmersión profunda en el universo musical de David Pajo, con momentos de intensidad y otros de contemplación.
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Programa lunes 23 de junio de 2025, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Visitamos a un crooner poeta explorador de los sonidos más profundos. Luego seguiremos con un dúo chileno que ha jugado al cadáver exquisito, posterior a aquello seguiremos con experimentaciones desde el oriente medio, Un poco de Groove ralentizado llegará de la mano de una agrupación que bebe de todos lados y cerraremos con pop aletargador, conjuro necesario para llamar al dios Morfeo.

Artista: DAVID SYLVIAN
Disco: Died in the Wool – Manafon Variations
Sello: Samadhisound
Año: 2025

Esta edición en vinilo marca un hito en la discografía del artista, ya que anteriormente solo estaba disponible en formato digital y CD. El disco presenta una reinterpretación de seis temas de Manafon (2009), reelaborados por el compositor de música clásica contemporánea Dai Fujikura. Además de estas versiones, se incluyen nuevas composiciones como I Should Not Dare y A Certain Slant of Light, donde Sylvian musicaliza poemas de Emily Dickinson, acompañado por Christian Fennesz, Jan Bang y Erik Honoré. La producción destaca por su enfoque experimental y su atmósfera reflexiva, con arreglos de cuerda que aportan una profundidad emocional única. La pieza When We Return You Won’t Recognise Us, de 18 minutos, es una mezcla estéreo de la instalación sonora presentada en la Bienal de Canarias 2008-09, inspirada en investigaciones genéticas sobre los habitantes originales de las islas. En términos de recepción crítica, Died in the Wool ha sido elogiado por su capacidad de transformar el minimalismo de Manafon en una experiencia sonora más rica y matizada. La combinación de elementos electrónicos, acústicos y arreglos orquestales refuerza la identidad artística de Sylvian, consolidándolo como un referente en la experimentación musical contemporánea.

Artista: REUNOT
Disco: 5 formas de no juntarse
Sello: Casa Robot
Año: 2024

El álbum 5 formas de no juntarse del dúo chileno Reunot, conformado por Cristóbal Korenblit y Claudio Iglesias, fue lanzado en diciembre de 2024 y surge de la colaboración musical remota, explorando la paradoja de la dificultad para reunirse físicamente, pero encontrando espacios individuales de creación en un mundo acelerado y demandante. El disco se compone de cinco piezas que funcionan como un ejercicio de composición en cadena, donde cada músico envía una idea al otro sin conocer cómo será transformada en la siguiente entrega. A través de técnicas como la superposición, fragmentación, distorsión y repetición, el álbum construye paisajes sonoros expansivos que, en momentos, se tornan íntimos y susurrantes. La tensión entre el maximalismo y el minimalismo es un eje central de la propuesta, generando una experiencia auditiva envolvente que revela nuevas capas con cada escucha. La producción se apoya en una exploración de máquinas, software y sistemas sonoros, mezclando influencias de la música contemporánea, ambient y electrónica.
El álbum ha sido elogiado por su capacidad de transformar la distancia en un recurso creativo, logrando una obra que equilibra lo expansivo con lo detallado. La mezcla final y masterización estuvo a cargo de Jorge Aliaga, consolidando un sonido que desafía convenciones y se inscribe dentro de la experimentación sonora actual.

Artista: DARIUSH DOLAT-SHAHI
Disco: Electronic Music, Tar and Sehtar(1985, 2012)
Sello: Folkways Records
Año: 1985

Este trabajo es una fusión única entre la tradición musical persa y la experimentación electrónica, combinando los sonidos del tar y el sehtar, dos instrumentos de cuerda tradicionales de Irán, con sintetizadores modulares, manipulación de cintas y grabaciones de campo. El disco se compone de cinco piezas que exploran la interacción entre lo acústico y lo electrónico, creando paisajes sonoros hipnóticos y envolventes. Elementos como el canto de los pájaros, el sonido de la lluvia y las texturas sintéticas se entrelazan con las melodías improvisadas de los instrumentos persas, generando una atmósfera que oscila entre lo contemplativo y lo vanguardista. Dolat-Shahi grabó gran parte de este material mientras estudiaba en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, donde tuvo acceso a herramientas pioneras de síntesis modular. A diferencia de otras composiciones electrónicas académicas de la época, su música mantiene una fuerte conexión con la tradición persa, logrando una fluidez orgánica que trasciende la mera experimentación técnica. El álbum ha sido reeditado en varias ocasiones, incluyendo una versión en vinilo por Dead-Cert Records, un sello especializado en rescatar grabaciones experimentales y poco convencionales. Su propuesta sonora ha sido elogiada por su capacidad de difuminar las fronteras entre la música folclórica y la electrónica, consolidándose como una obra de culto dentro del género electroacústico

Artista: THE BLISKS
Disco: Elixa
Sello: Efficient Space
Año: 2025

Este disco se caracteriza por su enfoque experimental, fusionando elementos de dub, hipnagogic pop y electrónica lo-fi. La banda, conformada por Amelia Besseny, Cooper Bowman y Yuta Matsumura, ha logrado crear un sonido que parece provenir de una dimensión alternativa, donde la melodía y la percusión se reconstruyen desde una perspectiva fragmentada.
El disco se compone de una serie de piezas que exploran la intersección entre el post-punk, el dub y la música procesional, generando una atmósfera envolvente y a la vez desconcertante. La producción destaca por su uso de melódicas, cajas de ritmo y texturas sonoras desestructuradas, lo que da lugar a una experiencia auditiva que desafía las convenciones del pop contemporáneo. En términos de recepción crítica, Elixa ha sido elogiado por su capacidad de capturar una sensación de asombro ante lo cotidiano, transformando sonidos urbanos y naturales en composiciones que evocan tanto la nostalgia como la exploración sonora. La propuesta de Th Blisks se inscribe dentro de una corriente de artistas que buscan redefinir los límites de la música electrónica, incorporando influencias del pasado en un contexto moderno.
Este álbum representa un paso audaz en la evolución del grupo, consolidando su identidad dentro de la escena experimental y reafirmando su compromiso con la innovación sonora.

Artista: MAN REI
Disco: Thread
Sello: Somewhere Press
Año: 2024

El disco representa una exploración sonora profundamente introspectiva, donde la artista Kristin Reiman fusiona elementos de ambient, dream pop y experimentación electrónica para construir un paisaje sonoro etéreo y evocador.
Inspirado en el crochet y las conexiones humanas, Thread se desarrolla como una obra que reflexiona sobre la artesanía, el silencio y la interacción social en la era digital. La producción del álbum se caracteriza por su enfoque minimalista y textural, con capas de sintetizadores, voces procesadas y estructuras melódicas que parecen flotar en un espacio indefinido.
El disco incluye piezas como If It’s Fine, Trust in Time y Edge Knot City, donde la artista juega con la repetición y la fragmentación sonora para generar una sensación de movimiento constante. La pieza Intermission, de más de nueve minutos, funciona como un interludio expansivo que refuerza la atmósfera contemplativa del álbum.
La masterización estuvo a cargo de Rashad Becker, reconocido por su trabajo en producciones experimentales, lo que aporta una profundidad y claridad únicas a la mezcla final. La edición limitada en vinilo incluye una hoja de letras impresa en risografía, reforzando el carácter artesanal del proyecto.La sensación de aislamiento y conexión simultánea, consolida a Man Rei como una de las propuestas más intrigantes dentro de la música experimental contemporánea.