Bitácora: Partiremos en Bélgica , pasando por Benin. Holanda (Neederlandia), Perú meso andino, la brutalidad policiaca de trumpilandia y cerrando con belgas-holandeses de nuevo y con unas letras muuuy profundamente ácidas y punzantes.
Artista: FAN CLUB ORCHESTRA
Disco: An Insane Portrait
Sello: Sonig
Año: 2025
Este trabajo es una remasterización del soundtrack original compuesto para el documental “Josée Andrei: An Insane Portrait”, dirigido por Fabrizio Terranova. El dúo belga conformado por Laurent Baudoux (Sun Papa) y Ann Appermans (Sage Ann) propone una experiencia sonora que evoca la estética de los videojuegos de 16 bits, utilizando sintetizadores Sci Pro One, drum machines Sci Drumtraks y el software Nintendo Mario Paint como herramientas compositivas. El álbum se despliega como una travesía onírica entre lo experimental, lo ambient y el synth-pop, con guiños a la música casera y a paisajes sonoros que oscilan entre lo lúdico y lo introspectivo. La instrumentación, que incluye órgano Farfisa y líneas de bajo envolventes, construye atmósferas que dialogan con la ceguera de la protagonista del documental, generando una poética de lo invisible. Cada pista parece narrar una escena emocional, desde la tempestad inicial hasta el grito del barbu, pasando por referencias esotéricas como “Licenciée en Tarot”. La propuesta de Fan Club Orchestra se aleja de las convenciones narrativas tradicionales, apostando por una estructura fragmentada que privilegia la textura y el color sonoro. El resultado es un retrato musical que no busca representar, sino sugerir, invocar y desestabilizar. Esta edición remasterizada recupera la potencia simbólica del original, amplificando su carácter ritual y su capacidad de generar imágenes mentales a través del sonido.
Artista: TIDIANI KONÉ
Disco: Fangate Djangele et Djanfa Magni
Sello: Albarika Store
Año: 2024
Esta reedición rescata grabaciones originales de 1977 realizadas por Tidiani Koné junto al T.P. Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou, Benín, una de las agrupaciones más versátiles y prolíficas del África occidental. El álbum se inscribe en la tradición del afrobeat y el afro-funk, con una marcada influencia del jazz global y la música ritual. La obra se compone de dos extensas piezas: “Fangate Djangele” y “Djanfa Magni (La traición no es buena)”, ambas caracterizadas por estructuras rítmicas hipnóticas, secciones de metales vibrantes y una percusión que evoca tanto la danza como la resistencia. La voz de Koné, profunda y ceremonial, guía la narrativa sonora con una fuerza que trasciende el idioma, mientras los arreglos del Poly-Rythmo revelan una sofisticación armónica poco común en grabaciones de la época. El álbum funciona como documento histórico y como experiencia sensorial, recuperando el espíritu de una generación que usó la música como herramienta de expresión política y espiritual. La remasterización respeta la textura analógica original, amplificando su potencia sin perder el grano emocional. Esta edición se convierte así en un puente entre el archivo y el presente, entre la memoria y el cuerpo que baila.
Artista: JONNY NASH
Disco: Once Was Ours Forever
Sello: Melody As Truth
Año: 2025
Este álbum representa una evolución introspectiva en la trayectoria del artista radicado en Ámsterdam, conocido por su enfoque delicado y atmosférico dentro del ambient contemporáneo. A diferencia de sus trabajos anteriores, esta entrega se sumerge en una melancolía luminosa, construida a partir de gestos mínimos y texturas envolventes. La guitarra acústica se convierte en el eje narrativo del disco, acompañada por capas de sintetizadores, efectos ambientales y contribuciones de músicos como Joseph Shabason y Shoei Ikeda. Las composiciones, como “Blue Dragonfly” y “Bright Belief”, evocan paisajes emocionales que oscilan entre el recuerdo y la contemplación, con ecos de dream pop y folk balear. Cada pieza parece flotar en un espacio suspendido, donde la forma se disuelve en atmósfera. El álbum no busca impactar, sino ofrecer refugio. Es una obra que se escucha como quien observa la luz filtrarse entre las hojas, con una sensibilidad que transforma lo cotidiano en ritual. La producción, sutil y cuidada, permite que cada sonido respire, generando una experiencia inmersiva que invita al silencio y a la introspección. “Once Was Ours Forever” es, en esencia, una carta de amor a lo efímero.
Artista: ALBERTO JUSCAMAITA GASTELÚ
Disco: Reminiscences of Raktako: Huayno Guitar from Cuzco and Ayacucho, 1930–1940
Sello: Death Is Not The End
Año: 2025
Esta recopilación rescata grabaciones caseras inéditas del maestro ayacuchano Alberto Juscamaita Gastelú, también conocido como Raktako, figura clave en la historia de la guitarra huayno del Perú. El álbum se presenta como un testimonio sonoro de una época marcada por la migración, el olvido institucional y la resistencia cultural. Las piezas incluidas revelan una técnica guitarrística refinada, con rasgueos sincopados, melodías circulares y una expresividad que trasciende el registro documental. La guitarra de Juscamaita no solo acompaña, sino que narra, dialoga y evoca paisajes andinos con una sensibilidad que mezcla lo ritual con lo cotidiano. La calidad de las grabaciones, aunque modesta, conserva el grano emocional y la intimidad de un arte transmitido oralmente. El disco funciona como archivo vivo, revalorizando una tradición que ha sido históricamente marginada. La edición en cassette y digital respeta el carácter artesanal del material, y su publicación coincide con el centenario del artista, quien a los 100 años fue redescubierto como un volcán dormido. “Reminiscences of Raktako” es más que una antología: es una ofrenda sonora que devuelve al maestro su lugar en la memoria colectiva.
Artista: ROBERT AIKI AUBREY LOWE
Disco: Power
Sello: Invada
Año: 2025
Esta obra sonora acompaña el documental “Power” de Yance Ford, centrado en la historia del sistema policial en Estados Unidos. Lowe, reconocido por sus trabajos previos en “Candyman” y “Telemarketer$”, despliega aquí una arquitectura sonora que combina ambient oscuro, drone y elementos de música concreta, generando una atmósfera de tensión sostenida y reflexión crítica. El álbum se compone de 20 piezas que funcionan como capítulos emocionales, donde el diseño sonoro se convierte en herramienta narrativa. Títulos como “Defund Now”, “Radical Fear” y “The Chokehold” revelan una intención política explícita, mientras que la instrumentación, basada en sintetizadores modulares, grabaciones de campo y manipulación vocal, construye un paisaje auditivo inquietante y ceremonial. La mezcla, a cargo de Randall Dunn, potencia la densidad emocional de cada fragmento. “Power” no busca ilustrar, sino invocar. Es una obra que se escucha como una meditación sobre el trauma, la violencia institucional y la posibilidad de transformación. La edición limitada en vinilo marmolado gris refuerza el carácter ritual del proyecto, que se inscribe en la tradición de los soundtracks que trascienden su función original para convertirse en manifiestos sonoros.
Artista: SOPA BOBA
Disco: That Moment
Sello: Sub Rosa
Año: 2025
Este proyecto belga-holandés, liderado por Pavel Tchikov y con la participación de G.W. Sok (The Ex, Oiseaux-Tempête), propone una obra que se sitúa entre la electrónica post-industrial, el ambient dramático y la música clásica contemporánea. El álbum se presenta como un oratorio moderno, una narrativa sonora que articula crítica social, poesía y teatralidad. Las composiciones se construyen sobre capas de sintetizadores densos, arreglos de cuerdas melancólicos y la voz grave de Sok, que actúa como narrador de un mundo en descomposición. Cada pista funciona como una escena dentro de una dramaturgia abstracta, donde el capitalismo, la memoria y el deseo se entrelazan en un paisaje sonoro inquietante. El uso de silencios, distorsiones y texturas granuladas refuerza el carácter ritual del álbum. “That Moment” no busca agradar, sino confrontar. Es una obra que exige escucha activa, que interpela desde lo emocional y lo político. La edición en vinilo doble y digital incluye piezas como “That Catholic Moment” y “That Sweet Moment”, que condensan la tensión entre lo íntimo y lo colectivo. El resultado es un manifiesto sonoro que transforma el dolor en belleza y la crítica en arte.
:::::
