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Programa lunes 26 de enero de 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile
Bitácora: Despediremos este año 2025 radial iniciando como si estuviéramos en un festival estival con una banda que siempre llena de baile y buenas vibras donde se presenten y lo harán muy pronto tocando el disco que recién han lanzado. Seguiremos con tradición árabe fusionada con electrónica de una manera no antes escuchada. Luego un recuerdo con un japo que seguía de cerca a los Seefeel. Luego tradiciones musicales de Uganda profunda, pasando después a sentir que las Slits aun suenan después de 40 años y cerramos con una invitación a los clásicos Especiales Suicidas de febrero.
Artista: SAINT ETIENNE
Disco: International
Sello: Heavenly
Año: 2025
El decimotercer y último trabajo de estudio del trío británico, concebido como una despedida que celebra sus 35 años de trayectoria. La obra reúne colaboraciones con figuras de la electrónica y el pop como Vince Clarke, Orbital, The Chemical Brothers, Confidence Man y Doves, entre otros, lo que refuerza su carácter coral y expansivo. La crítica ha destacado la capacidad del grupo para integrar estilos diversos sin perder su identidad, logrando un sonido que oscila entre la nostalgia y la vitalidad contemporánea. El disco se percibe como un mosaico de influencias que va del dance pop elegante al synth-pop melódico, con momentos de euforia y otros de introspección. Se subraya la producción detallista y la habilidad para construir atmósferas que evocan tanto la cultura club como la memoria emocional de varias generaciones. La voz de Sarah Cracknell mantiene su timbre cálido y reconocible, funcionando como hilo conductor entre los distintos invitados y texturas sonoras.
En términos temáticos, International refleja una mirada hacia atrás, pero también una afirmación de continuidad estética: un testamento musical que reivindica la importancia de la banda en la evolución del pop británico. Los críticos coinciden en que el álbum no busca innovar radicalmente, sino consolidar un legado con sofisticación y coherencia. La recepción ha sido mayoritariamente entusiasta, con menciones a su carácter celebratorio y a la manera en que encapsula la esencia de Saint Etienne: eclecticismo, sensibilidad pop y elegancia en la producción. En definitiva, International se presenta como un cierre digno y luminoso, un álbum que combina colaboraciones de peso con la identidad inconfundible del grupo, dejando una huella perdurable en la historia del pop electrónico.
Artista: ABDULLAH MINIAWY + CARL GARI
Disco: Peacock Dreams (????? ???????)
Sello: PPL Songs
Año: 2025
Obra que reúne la voz y poesía del artista egipcio Abdullah Miniawy con la experimentación sonora del trío alemán Carl Gari, consolidando una colaboración que ya había dado frutos en proyectos anteriores. El disco incluye piezas como Danza del ventre (???? ?????) y Signature (?????), que funcionan como puertas de entrada a un universo donde la tradición árabe se entrelaza con la electrónica contemporánea. La crítica ha destacado la intensidad emocional de la voz de Miniawy, capaz de transitar entre el canto místico y la denuncia social, mientras Carl Gari aporta un tejido sonoro que oscila entre el ambient, el dub y la experimentación rítmica. El resultado es un álbum que se mueve en territorios híbridos, con atmósferas densas y momentos de gran lirismo. Se subraya la capacidad del conjunto para generar un diálogo entre lenguajes musicales aparentemente distantes, logrando una propuesta coherente y profundamente evocadora. Los temas se caracterizan por un uso expresivo de la trompeta de Erik Truffaz en varias piezas, que añade un matiz jazzístico y expansivo. La producción se percibe como meticulosa, con capas de sonido que invitan a la escucha atenta y a la inmersión en paisajes sonoros cargados de simbolismo. La poesía de Miniawy, traducida en ocasiones al francés y al inglés, refuerza el carácter universal del proyecto, mientras que las referencias culturales egipcias aportan un anclaje identitario. El álbum ha sido recibido como una obra que trasciende fronteras, tanto geográficas como estilísticas, y que refleja la potencia del encuentro entre tradición y modernidad. Se lo considera un testimonio artístico de resistencia y belleza, capaz de dialogar con públicos diversos y de situarse en la intersección entre música experimental y canto espiritual.
Artista: SUSUMU YOKOTA
Disco: Image 1983–1998
Sello: Skintone
Año: 1998
Se trata de una recopilación que reúne composiciones realizadas por Yokota entre 1983 y 1998, ofreciendo un recorrido por quince años de exploración sonora en los terrenos de la electrónica, el ambient y la experimentación. La edición incluye además un desplegable con obras visuales creadas por el artista en 1987 y 1988, reforzando la dimensión estética integral de su propuesta. La crítica ha señalado que este trabajo funciona como una ventana privilegiada hacia la evolución de Yokota, mostrando tanto sus primeras incursiones en la música electrónica como sus desarrollos más maduros en los años noventa. Los primeros cortes, grabados en 1983 y 1984, se caracterizan por una crudeza experimental y un acercamiento minimalista, mientras que las piezas de 1997 y 1998 exhiben un refinamiento en la producción y una mayor riqueza armónica. El álbum destaca por su capacidad de generar atmósferas hipnóticas y paisajes sonoros que invitan a la contemplación. Se subraya la influencia de la tradición japonesa en la construcción de ambientes delicados y la incorporación de elementos que evocan lo espiritual y lo natural. La secuencia semicronológica permite apreciar la transición de un sonido más rudimentario hacia una estética más sofisticada, sin perder la coherencia de conjunto. Reseñas especializadas han resaltado la importancia de Image 1983–1998 como documento histórico dentro de la obra de Yokota, al mostrar la amplitud de su lenguaje musical y su capacidad para anticipar tendencias que luego serían centrales en la electrónica contemporánea. La edición en vinilo y CD, acompañada de material gráfico, refuerza la idea de un proyecto multidisciplinar que trasciende lo meramente sonoro. El disco ha sido valorado como una pieza esencial para comprender la trayectoria de Susumu Yokota, tanto por su carácter retrospectivo como por la vigencia de sus texturas sonoras, que continúan inspirando a nuevas generaciones de oyentes y productores.
Artista: KATOKYE
Disco: Obuhangwa bwa Banyankore na Bahororo
Sello: Nyege Nyege Tapes
Año: 2025
Trabajo que recoge y reinterpreta tradiciones musicales de las comunidades Banyankore y Bahororo de Uganda, con un enfoque que combina la raíz folclórica con una producción contemporánea. La obra incluye seis piezas que suman 38 minutos de duración, entre ellas Abera Bakyarusheshe, Abanzira y Ekyeshongoro Kyabakazi, que destacan por su riqueza rítmica y vocal. La crítica ha señalado que el disco funciona como un puente entre la memoria cultural y la experimentación sonora, con un registro que preserva cantos ancestrales y los sitúa en un contexto moderno. La grabación, realizada en Villa Nyege, se caracteriza por un sonido directo y orgánico, donde las voces y percusiones tradicionales ocupan un lugar central. La mezcla y masterización aportan claridad sin perder la textura cruda que refuerza la autenticidad del proyecto.
Los reseñistas han destacado la fuerza expresiva de las interpretaciones, que transmiten tanto la dimensión ritual como la vitalidad comunitaria de estas tradiciones. El álbum se percibe como un documento cultural de gran valor, pero también como una propuesta artística que dialoga con la escena global de músicas del mundo. La portada, realizada por Vincent Moon, y el diseño gráfico de Marc Armand complementan la dimensión estética del lanzamiento, reforzando su carácter de obra integral. El trabajo de Katokye ha sido recibido como una contribución significativa a la visibilización de las culturas Banyankore y Bahororo, situándolas en un circuito internacional sin perder su identidad local. La crítica coincide en que el álbum logra transmitir la energía de las ceremonias y la oralidad de estas comunidades, al tiempo que abre un espacio para la reflexión sobre la preservación y resignificación de las tradiciones en el presente.
Artista: THE LO YO YO
Disco: The Lo Yo Yo
Sello: Concentric Circles
Año: 2025
Se trata de una reedición que recupera el legado de la banda formada en 1984 como desprendimiento del colectivo británico Family Fodder, con un sonido que se mueve entre el post-punk, el dub y la experimentación alternativa. La obra incluye piezas como China Blue, Extra Weapons, You Never Know, My Volcano y Bad Intentions, que reflejan la amplitud estilística del grupo. La crítica ha destacado la manera en que el disco conserva la crudeza de la grabación original, pero con una producción que resalta la energía de las composiciones. Se subraya la influencia de corrientes como el punk-funk de Delta 5 y Au Pairs, así como la cercanía con el reggae experimental de The Slits y la sensibilidad de Raincoats. El álbum se percibe como un documento de época que, sin embargo, mantiene vigencia por su carácter híbrido y su capacidad de dialogar con la música alternativa contemporánea. Las reseñas señalan que la voz de Joey Stack aporta un tono directo y sin concesiones, mientras que los arreglos de bajo, percusión y cuerdas generan un entramado sonoro que oscila entre la tensión rítmica y la exploración melódica. La presencia de instrumentos poco habituales en el post-punk, como el fagot y el violonchelo, refuerza la singularidad del proyecto. El disco ha sido valorado como una pieza que captura el espíritu contracultural de mediados de los ochenta, pero que también anticipa tendencias posteriores en la música independiente. La reedición de 2025 permite redescubrir un trabajo que había permanecido en circuitos reducidos, situándolo ahora en un contexto más amplio y accesible. La recepción crítica coincide en que The Lo Yo Yo es un álbum que combina riesgo estético, compromiso político y experimentación sonora, consolidando a la banda como un eslabón importante en la genealogía del post-punk británico.
Artista: EMIL FRIIS
Disco: Moving Images
Sello: 130701
Año: 2025
Se trata de un trabajo instrumental concebido como una exploración de la relación entre música y cine, donde cada pieza funciona como un fragmento narrativo autónomo. Friis, compositor danés con experiencia en bandas sonoras, propone aquí un recorrido que oscila entre lo íntimo y lo expansivo, con un enfoque que privilegia la construcción de atmósferas.
La crítica ha señalado que el disco se aparta de los clichés habituales del género, evitando la idea de “soundtrack para una película inexistente” y proponiendo más bien un diálogo real con la imagen en movimiento. La producción se caracteriza por un uso delicado de piano, cuerdas y texturas electrónicas, que generan un equilibrio entre lo orgánico y lo digital. Se destaca la capacidad del autor para evocar emociones sin necesidad de apoyarse en narrativas explícitas, logrando un efecto contemplativo y sugerente. Las reseñas han subrayado la influencia de la música minimalista y del ambient contemporáneo, con referencias a compositores como Max Richter o Jóhann Jóhannsson, aunque Friis mantiene una voz propia marcada por la sobriedad y la precisión. El álbum se percibe como un ejercicio de contención, donde cada nota parece cuidadosamente situada para potenciar el silencio y la resonancia. El diseño sonoro refuerza la idea de movimiento y transformación, con piezas que se desarrollan lentamente y que invitan a la escucha prolongada. La secuencia del disco está pensada como un viaje emocional, en el que los contrastes entre calma y tensión generan un arco narrativo implícito. La recepción crítica ha sido positiva, destacando su capacidad para situarse en la intersección entre música de cámara y experimentación electrónica. En términos estéticos, Moving Images se presenta como una obra que busca expandir los límites de la música instrumental contemporánea, ofreciendo un espacio de contemplación que dialoga con la memoria y la imaginación del oyente. Su lanzamiento en el catálogo de 130701 lo vincula con una tradición de discos que exploran la frontera entre lo clásico y lo experimental, consolidando a Emil Friis como una voz relevante en la escena actual.
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Podcast Programa lunes 19 de enero de 2026
DESCARGA(lunes 19): Aquí o https://www.mediafire.com/perd260119.mp3/
Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/
Programa lunes 19 de enero de 2026, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile
Bitácora: Iniciamos con el trote percusivo de los siempre novedosos Moin, luego un paseo por un universo onírico creado por el alemán Jelinek, luego nos bañaremos con un poco de shoegaze de las catacumbas, repasaremos un disco que no tuvimos en nuestro radar en su minuto, luego un poco de post punk japo y cerraremos con músicas entera suicidas.
Artista: MOIN
Disco: Belly Up
Sello: AD 93
Año: 2025
Se trata de un trabajo que confirma la línea experimental del trío integrado por Tom Halstead, Joe Andrews y la baterista Valentina Magaletti, quienes ya habían mostrado su inclinación hacia la exploración sonora en sus discos anteriores. Aquí, la propuesta se centra en un sonido que mezcla post?punk, rock alternativo y texturas electrónicas, con un carácter más íntimo y fragmentado que sus predecesores. El disco abre con “See”, donde colaboran Sophia Al?Maria y Ben Vince, marcando un inicio cargado de atmósferas densas y voces intervenidas. A lo largo de los seis cortes, la banda despliega un estilo que oscila entre la crudeza rítmica y la abstracción melódica, generando un clima de tensión constante. La percusión de Magaletti es clave para sostener la estructura, mientras que las guitarras y los arreglos electrónicos construyen un paisaje sonoro que parece moverse entre la improvisación y el cálculo preciso. Las reseñas destacan que Belly Up funciona como una especie de diario sonoro, con fragmentos que evocan conversaciones, ruidos de fondo y capas de sonido que se entrelazan en un caos organizado. Se subraya la capacidad del grupo para transformar elementos cotidianos en piezas musicales que desafían la clasificación, manteniendo siempre un pulso inquietante y sugestivo. La obra se percibe como un viaje breve pero intenso, donde cada tema abre una ventana hacia un universo distinto, sin perder cohesión en el conjunto.
En comparación con Paste (2022), este álbum se siente más reducido en escala, pero también más arriesgado en su aproximación estética. La crítica lo describe como un trabajo que exige escucha atenta, capaz de recompensar con detalles ocultos y giros inesperados. Se valoran especialmente la frescura y la valentía de Moin al insistir en un lenguaje propio, ajeno a las convenciones del mercado musical. Belly Up es un disco que reafirma la identidad experimental de Moin, consolidando su lugar en la escena contemporánea como un proyecto que desafía etiquetas y que apuesta por la exploración constante. Su carácter enigmático y su atmósfera fragmentaria lo convierten en una obra que, aunque breve, deja una huella profunda en quienes se adentran en su escucha.
Artista: JELINEK Y OÏ LES OX
Disco: Cinéma du Look
Sello: Constructive
Año: 2025
Este trabajo se presenta como una exploración sonora que combina la estética minimalista y experimental característica de Jelinek con la sensibilidad vocal y performática de Oï les Ox (Aude Van Wyller). La propuesta se inscribe dentro de un terreno híbrido, donde la electrónica abstracta se entrelaza con narrativas poéticas y fragmentos de voz que evocan el cine francés de los años ochenta, particularmente el movimiento estético que da nombre al disco. La obra se compone de piezas que funcionan como collages auditivos, en los que se superponen capas de texturas digitales, loops y grabaciones manipuladas. La crítica ha destacado la capacidad del dúo para generar un ambiente cinematográfico, en el que cada tema parece una escena suspendida en el tiempo. La producción se caracteriza por un uso preciso del silencio y la repetición, elementos que intensifican la sensación de extrañamiento y contemplación. En comparación con trabajos anteriores de Jelinek, como Loop-Finding-Jazz-Records o Kosmischer Pitch, este álbum se percibe más narrativo y menos abstracto, aunque mantiene la esencia de su investigación sobre la memoria sonora y la percepción. La voz de Oï les Ox aporta un matiz humano y teatral, que contrasta con la frialdad de las texturas electrónicas, generando un diálogo entre lo orgánico y lo artificial. Las reseñas coinciden en que Cinéma du Look es un disco que exige escucha atenta, pues cada detalle revela nuevas capas de significado. Se subraya la manera en que la obra logra evocar imágenes mentales, como si se tratara de una banda sonora para una película inexistente. La atmósfera general oscila entre lo melancólico y lo enigmático, con momentos de tensión que se disuelven en pasajes contemplativos. El álbum también ha sido interpretado como una reflexión sobre la relación entre música y memoria cultural, al recuperar referencias estéticas del cine europeo y transformarlas en un lenguaje sonoro contemporáneo. La crítica lo describe como un trabajo coherente y arriesgado, que reafirma la posición de Jelinek como uno de los artistas más influyentes en la electrónica experimental, y que consolida a Oï les Ox como una voz singular dentro de este universo.
Artista: APRIL MAGAZINE
Disco: Sunday Music For An Overpass
Sello: Paisley Shirt Records
Año: 2021/2025
La obra se inscribe dentro de un universo sonoro marcado por el shoegaze, el dream pop y la psicodelia lo?fi, con un carácter íntimo y atmosférico. Desde su primera edición, la crítica destacó la capacidad del grupo para construir paisajes sonoros cálidos y envolventes, donde guitarras reverberantes y voces difusas se entrelazan en un flujo continuo de emociones. La remasterización de 2025 refuerza esa cualidad, aportando mayor claridad sin perder el encanto casero y nebuloso que caracteriza a la banda. El disco abre con “Shrine”, pieza breve que funciona como introducción a un viaje contemplativo. Canciones como “Baby It’s Alright” y “Soft Purple Sky” despliegan melodías suaves y texturas que evocan la nostalgia de un domingo urbano, mientras que “Ride 38” y “The World in Julia’s Eyes” exploran un tono más expansivo y melancólico. La crítica ha señalado que el álbum transmite una sensación de tiempo suspendido, como si cada tema fuese un recuerdo difuso capturado en cinta. La propuesta de April Magazine se distingue por su estética artesanal, cercana al espíritu del cassette y la grabación casera, pero con una sensibilidad que conecta con la tradición del indie psicodélico de San Francisco. La voz y los arreglos instrumentales se funden en un tejido sonoro que privilegia la atmósfera por sobre la estructura convencional, generando un efecto hipnótico y envolvente. En comparación con otros proyectos del sello Paisley Shirt, este disco se percibe como uno de los más logrados en cuanto a cohesión y evocación emocional. La edición de Tough Love Records en 2025 permitió que la obra alcanzara mayor difusión internacional, consolidando a April Magazine como un referente dentro de la escena independiente contemporánea. Sunday Music For An Overpass es un álbum que combina melancolía, calidez y experimentación lo?fi, ofreciendo una experiencia auditiva que invita a la contemplación y al recogimiento. Su carácter atemporal y su atmósfera envolvente lo convierten en una pieza clave para quienes buscan música que dialogue con la memoria y la sensibilidad estética.
Artista: PAVEL MILYAKOV + YANA PAVLOVA
Disco: Blue
Sello: PSY X Records
Año: 2021
La obra se presenta como un ejercicio de experimentación sonora que combina electrónica minimalista, improvisación vocal y atmósferas densas, con un enfoque que oscila entre lo introspectivo y lo visceral. El disco incluye siete piezas, entre ellas “Midnight Blues”, que se ha convertido en uno de los cortes más representativos por su carácter hipnótico y su mezcla de melancolía y tensión. La crítica ha destacado la manera en que Milyakov construye paisajes sonoros a partir de texturas electrónicas crudas y repetitivas, mientras Pavlova aporta un componente humano y emocional con su voz, que se mueve entre el canto etéreo y la declamación expresiva. La obra se percibe como un diálogo constante entre lo orgánico y lo artificial. Los sintetizadores y las programaciones de Milyakov generan un entorno austero y enigmático, mientras que la voz de Pavlova introduce un matiz dramático que intensifica la experiencia auditiva. Canciones como “Za Gorami” y “Blues Denial” refuerzan esta tensión, explorando territorios que van del ambient oscuro al free jazz electrónico.
Las reseñas coinciden en que Blue es un álbum que desafía las convenciones del género, situándose en un espacio intermedio entre la música experimental y la poesía sonora. Se subraya la capacidad del dúo para transformar elementos simples en composiciones complejas, donde cada detalle adquiere relevancia en la construcción de un clima emocional. La participación de músicos invitados, como Alex Zhang Hungtai en el saxofón, añade capas adicionales de textura y profundidad. En comparación con otros trabajos de Milyakov, este disco se percibe más íntimo y colaborativo, con un énfasis en la interacción entre voz e instrumentación. La crítica lo describe como un proyecto arriesgado y coherente, que exige escucha atenta y que recompensa con una experiencia inmersiva y evocadora.
Artista: PAN AMERICAN + KRAMER
Disco: Interior of an Edifice Under the Sea
Sello: Shimmy-Disc
Año: 2025
Se trata de una obra que se inscribe en el terreno del ambient y la electrónica experimental, con un enfoque que combina la sensibilidad atmosférica de Nelson y la producción visionaria de Kramer. El disco consta de ocho piezas que evocan paisajes submarinos, con títulos como “In the Time It Takes to Drown”, “Under the Mariana Trench” o “The Double Life of a Seahorse”. Cada tema funciona como una escena sonora que recrea la experiencia de sumergirse en un espacio acuático imaginario, donde la luz, la oscuridad y los matices se transforman en música. La crítica ha destacado la capacidad del dúo para generar un ambiente contemplativo y enigmático, con texturas que oscilan entre lo etéreo y lo inquietante.
La producción se caracteriza por un uso minucioso de capas sonoras, silencios y reverberaciones, que intensifican la sensación de profundidad. Kramer aporta su experiencia en manipulación de sonido y mezcla, mientras que Nelson despliega su estilo minimalista y evocador. El resultado es un álbum que se percibe como una travesía submarina, con momentos de calma hipnótica y otros de tensión dramática. Las reseñas coinciden en que Interior of an Edifice Under the Sea es un trabajo que exige escucha atenta, capaz de recompensar con detalles ocultos y atmósferas expansivas. Se subraya la coherencia conceptual del proyecto, que logra trasladar al oyente a un universo acuático imaginario. La crítica lo describe como un álbum arriesgado y poético, que se sitúa en la intersección entre música ambiental y narrativa sonora.
En comparación con otros trabajos de Pan American, este disco se percibe más cinematográfico y colaborativo, con un énfasis en la construcción de paisajes narrativos. La participación de Kramer refuerza la dimensión experimental, aportando un carácter más orgánico y surrealista. La obra ha sido interpretada como una reflexión sobre la fragilidad y la belleza de los ecosistemas marinos, transformados en metáforas musicales.
Artista: Varios
Disco: Sougi+
Sello: EM Records
Año: 1983/2020
Reedición que rescata un documento clave del underground nipón de principios de los años ochenta, marcado por la austeridad sonora y la experimentación minimalista. Con apenas guitarra, caja de ritmos económica, voz y bajo, Iwamoto construye atmósferas frágiles y tensas que dialogan con el legado de Factory Records, evocando a Durutti Column y Section 25, pero con un sello propio enraizado en la escena post?punk japonesa. El disco incluye piezas como “?? (Period)”, “??????? (Even If You Can See Hell)” y “??????????? (Don’t Go Too Far Away)”, donde se perciben vibraciones sombrías y oscilantes que rozan el minimal wave. La reinterpretación de “Love Will Tear Us Apart” aporta un giro fantasmagórico y distante, transformando el clásico de Joy Division en un ejercicio de détournement cargado de melancolía. La reedición añade un rework contemporáneo y un registro en vivo de 1980, ampliando el espectro histórico del proyecto. Críticos destacan la crudeza y honestidad de la producción, que refleja tanto la precariedad técnica como la urgencia creativa de la época. Sougi+ se percibe hoy como un testimonio de resistencia estética, un puente entre la introspección personal y la experimentación colectiva de una generación que buscaba nuevas formas de expresión. La obra, breve pero intensa, se consolida como pieza de culto dentro del archivo post?punk internacional, reivindicando la singularidad de la escena japonesa y su capacidad para dialogar.
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