Programa lunes 4 de mayo de 2020, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Lunes de desvaríos inconscientes de la realidad, partiendo con unas hermanas que parecieran unas Bjork divididas en dos, música de sanación tripeada con un japo que se fue en volaa, un inglés que sigue retorciendo las armonías para crear poesía sonora y lírica atípica, seguiremos en el Tuareg de las persecuciones políticas, visitaremos el Brasil minimalista de un encantador de melodías y cerraremos con indiefolk para acurrucarse y tener un buen dormir.

Artista: COCOROSIE
Disco: Put the Shine On
Sello: Marathon Artists
Año: 2020

Del sitio www.marvin.com.mx: “Si dos palabras no pueden encajar en este texto, estas serían: lógica y coherencia. Ya lo dijo una vez Radio Futura: “en el caos no hay error”. Y es que lo que hacen las CocoRosie es extremadamente barroco desde su concepción; pareciera que se trata de una puesta en escena del Teatro de la crueldad de Artaud, en el que un cuento de hadas terminara convertido en una masacre que salpica sangre y vísceras a diestra y siniestra. ¿Pop de cámara (de tormento)? ¿Pop oscuro para asesinos seriales? Ambas posibilidades valen. Aquí lo freak es un torrente creativo que no parece agotarse desde que formaron el dueto en 2003, mismo tiempo en que han viajado mucho para grabar, comenzando por París y pasando más recientemente por Argentina, donde registraron en 2015, Heartache City, el álbum que antecede a su séptima entrega (y en el que registraron un tema en español: “Un beso”). Tras 5 años entre discos, ahora acometen con Put The Shine On, que fue trabajado casi enteramente en San Francisco, California, ciudad en la que acompañaron a su madre durante los últimos días de su vida; de hecho, terminaron la canción “Ruby Red” apenas 11 días después de que la mujer muriera y en ella cuentan la historia de su progenitora de principio a fin con un tono celebratorio.
En CocoRosie conviven una especie de elogio al asunto Drag, una teatralidad cargada de energía sexual y un halo infantil que se torna maligno. Comenzaron como estrangulando melodías sacadas de una cajita de música y grabando en un baño; no en vano las metieron en el armario del freak-folk (junto a sus amigos Devendra Bahart y Anohni), pero musicalmente su obra sufrió un vuelco cuando a partir del álbum del 2007, The Adventures of Ghosthorse and Stillborn, se dejaron influir por el hip-hop, especialmente por sus bases rítmicas. No es menor que el antecedente inmediato es un sencillo llamado “Roo”, en el que colaboraron con Chance The Rapper.

Artista: FUMIO MIYASHITA
Disco: WAVE Sounds of the Universe
Sello: Personal Affair
Año: 2019

Hermosa reedición en vinilo de “Wave” Sounds of the Universe, el álbum de 1983 del músico japonés Fumio Miyashita.
Música de curación ambiental de Japón. El primero de una serie dedicada al archivo del prolífico pionero de la música ambiental japonesa Fumio Miyashita, anteriormente de la banda de psicología / prog-rock Far Out / Far East Family Band.
Con esa banda lanzo álbumes innovadores y haciendo giras internacionales. Siempre interesado en la filosofía oriental desde estudiando karate a una edad temprana (se convirtió en cinturón negro en la escuela secundaria), se interesó en la medicina oriental después de una lesión en el escenario que solo se curó después de someterse a acupuntura. En 1977, emigró a los Estados Unidos, donde continuó estudiando medicina oriental, filosofía, los cinco elementos chinos y también comenzó, en serio, a investigar la musicoterapia.

Artista: KING KRULE
Disco: Man Alive!
Sello: XL Recordings
Año: 2020

Del sitio https://www.binaural.es : “El chico mutante. Un rara avis. La cosa. No se me ocurren otros nombres para describir a King Krule a estas alturas de su carrera, un artista que necesita pocos años para cambiar la secuencia de su nucleótido musical y transformarse en algo distinto de lo que era. En algo triste por fuera, pero enigmático por dentro, como un monolito que un día cayó de culo a las Islas de Pascua sin saber cómo. Tres años después de “The Ooz” (tercer mejor disco de 2017 en binaural.es), el joven inglés -padre de Marina durante la grabación de este último disco- confirma su exquisita diáspora musical en “Man Alive!”, un tercer trabajo que, de entrada, si tiene un par de cualidades son las de arriesgado e inesperado. No se ve venir, simplemente sucede, como una llamada vital de número oculto; el contacto es enfático (!) y si pone la exclamación en algo es en el devenir musical, en la no dirección, en la desfiguración. King Krule vuelve a llamar y nosotros, como receptores, nos exponemos a una conversación llena de angustiosas y plácidas interferencias. Con descolgar, tantear y escuchar su voz grave, gravísima, el contexto se intuye rápidamente. Oscuridad torrencial, Frankensteins estilísticos, voces que supuran desesperación, incursiones de jazz bien cosidas, melodías tan retorcidas que ni parecen melodías. En este disco, Archy Marshall vuelve a hacer de las suyas estirando los géneros musicales como si fuera el cableado espiral del teléfono que agarra, luego los mezcla, los retuerce, los despedaza y los vuelve a juntar. Y sale esto que ha llamado «Man Alive!», título que por cierto asegura haberse apropiado de «un CD que su tío le devolvió en 2013«. Esta nueva criatura tiene características parecidas a todo lo que ha hecho anteriormente: camina lenta y a pasos agigantados, y es muy melancólica. Aun así, tiene tres rasgos comunes y a la vez distintivos. El primero, su apatía; requiere tiempo para que te caiga bien. El segundo, su sobresaliente producción junto con Dilip Harris (de nuevo en las mesas de estudio) le da una sonoridad clave, más dura, hueca pero envolvente; atractivamente gris. Y por último, su intrigante discurso sonoro. Ahí es donde King Krule cuelga el teléfono sabiendo que ha cerrado un gran trato.”

Artista: BIBI AHMED
Disco: Adghah
Sello: Sounds of Subterrania
Año: 2019

Bibi Ahmed, director y líder de banda del Grupo Inerane, es de Agadez, Níger, una de las partes más volátiles, desenfrenadas y peligrosas del mundo. Bibi pronto se enfrentó a la opresión y la marginación de los tuareg por parte de los gobiernos nacionales de Malí y Níger. Tan temprano despertó su amor por la música. De niño, Bibi Ahmed aprendió a tocar la guitarra antes de recibir su educación del gran maestro y padre del blues tuareg, Abdallah ag Oumbadougou. Marcado por las experiencias en los campos de refugiados libios durante el levantamiento tuareg, Bibi Ahmed y su banda Group Inerane dieron a la rebelión su propia voz musical, al tiempo que hicieron que la rica tradición del canto de guitarra Tamachek fuera accesible para una nueva generación de oyentes.

Artista: EL CONEJO
Disco: Tempestade Tropical
Sello: La Petite Chambre
Año: 2019

“Posiblemente presentando mi arte favorito este año,” Tempestade Tropical “lanzado en el sello brasileño La Petite Chambre muestra que Coelho es un compositor bastante capaz. Siento que esta es una banda sonora de una película aún por hacer o concebir. Hay momentos de experimentación que se filtra, con un trabajo de guitarra fluido y desafiante presentado en “Peixe de Água Doce”. El minimalismo abunda en “Deriva” con su apertura y profundidad, mientras que “Manga Rosa” recuerda el trabajo de Federico Durand con su campo casi deslumbrante grabaciones e instrumentos rotos”. “Este es un álbum para perderse. El silencio, el minimalismo y la inocencia abundan dentro. No hay instrucciones que guíen al oyente por un camino en particular. Solo una apertura y libertad que recompensa con el tiempo”.

Artista: VETIVER
Disco: Up On High
Sello: Mama Bird Recording Co
Año: 2019

Del sitio https://www.dirtyrock.info : “De cuatro en cuatro años los de San Francisco Vetiver vuelven a sorprendernos con un nuevo disco, «Up on high» tras «Complete Strangers» (2015), en el que Andy Cabic, líder de la banda, demuestra que la formación no ha perdido ápice del talento que atesora desde su, lejana ya, irrupción en el panorama musical en 2006 con el álbum homónimo «Vetiver”. Otro nuevo disco cargado de nostalgia y melancolía, resume bastante bien la poliédrica personalidad de la banda originaria de San Francisco. Vetiver ha estado arando un surco rústico durante más de quince años, y aunque su anterior trabajo exploraba un sonido más electrónico y místico, nunca se han alejado de sus raíces campechanas. Como resultado, el álbum ha vuelto a una interpretación más simplista de sus raíces y sin pretensiones. No hay nada en «Up On High» que asuste a los caballos. Este es un trote de cuarenta y tantos minutos a través de un campo muy, muy agradablemente familiar. Lo que puede sonar como una punta del sombrero hacia lo bueno «lo suficiente es lo suficientemente bueno», pero realmente no lo es. Es un reconocimiento de que todos somos personas simples de corazón y, a menudo, darnos lo que realmente queremos es la clave.
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Perdidos en Radio Nova (Francia)

EL PODCAST AQUÍ MISMO: https://www.nova.fr/podcast/greetings-home/santiago-avec-uchile

Perdidos, uniéndose a este programa para enlazar causa, acompañar a los que están en cuarentena con una selección de selecciones, música transversal, consciente y demente.

Gracias a la invitación de Isadora Dartial, puntal en la programación de una de las radios más activas en la difusión de la música fuera de los límites y dentro de los límites también, excelente radio alternativa, se las recomendamos 100%.

Se podrá escuchar a las 14:00 hrs de hoy martes, al aire en directo por https://www.nova.fr/

Posteriormente se podrá escuchar el podcast en : https://www.nova.fr/radionova/greetings-home y tambien con el player de Nova.fr y despues se puede escuchar el podcast en todas las plataformas tipo Itunes, Spotify etc.

Podcast Programa lunes 27 de abril de 2020

DESCARGA(lunes 27): aquí o http://www.mediafire.com/file/1gy4eqvc32h4boq/perd200427.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

Programa lunes 27 de abril de 2020, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

(Nota 23 de abril, seguiremos inyectando vitamina D a las 22:00 hrs, microdefensas ante tanta mala, nefasta noticia que inunda el día a día, nos haremos los locos por 55 minutos …. y pensar que el domingo 26 íbamos a dar una gran vuelta a la hoja en este país, pero bueh…. se dilata la cústion, es una penosa pausa pero ya volveremos con + ímpetu)

Bitácora: Este lunes partimos onda crooner atemporal, seguiremos con llamado a las armas onda Tuareg, luego con cantos a la memoria de la niñez, nos iremos luego con un franchute que agarra vuelo inspirado en los chalecos amarillos (los buenos), cruzaremos después los Pirineos y estaremos en España con un cantante/poeta de la quintaesencia y cerramos con ganja para moverse ralentizadamente, compilado del sublime sello Soul Jazz.

Artista: TINDERSTICKS
Disco: No Treasure But Hope
Sello: Lucky Dog-City Slang
Año: 2019

Del sitio http://www.rockdelux.com : “Baladas, medias baladas, indie pop, pop de cámara, soul-pop, algo de experimentación, algo de funk sin pasarse, música introspectiva sobre las relaciones y las necesidades afectivas, melancolía de crooner, melodías cristalinas que envuelven reclamaciones amorosas con o sin rencor… Elegantes pero severos, con leves matices y pequeñas aportaciones, Tindersticks no han variado mucho en relación a lo que emprendieron hace casi tres décadas, pese a que uno de los constructores esenciales de su sonido, Dickon Hinchliffe (bien sustituido desde hace años por Dan McKinna), ya no está en el grupo. “No Treasure But Hope” contiene delicadas canciones de amor como “Pinky In The Daylight”, en la que la sección de cuerdas habitual convive con un buzuki; la luminosa “Take Care In Your Dreams”; la urgencia en la forma de cantar de Stuart Staples en “See My Girls”, aderezada por una guitarra eléctrica un poco más agitada de lo habitual en ellos; el sentimiento confesional y generacional que desgrana Staples en “The Old Mans Gait”, musitada al final sobre el sonido siempre evocador del oleaje en la playa; el tono más juguetón de “Tough Love”, y sentidas baladas al piano como “For The Beauty” y la que da título al disco. Tesoros y esperanzas. La belleza siempre frágil, los sueños que deben ser cuidados y las fotos musicales de una vida. Sin rupturas, cierto, pero sin fisuras”.

Artista: ABDALLAH AG OUMBADOUGOU
Disco: Anou Malane
Sello: Sahel Sounds
Año: 2019

Puede que no conozcas a Abdallah Ag Oumbadougou por su nombre, pero es una figura muy importante en la música moderna. Verás, Oumbadougou fue uno de los primeros guitarristas tuareg en grabar su música. Grabado cuando Oumbadougou fue exiliado en Benin en 1995, Anou Malane combina el estilo de guitarra de blues del desierto con la voz sonora de Oumbadougou y las letras de llamada a las armas. El disco fue producido por Nel Oliver, un artista solista y productor que le da un animado rebote afro-boogie a la batería y el bajo. Un registro crucial, Anou Malane ahora ha sido reeditado por, ¿quién más? – Sahel Sounds.

Artista: DOUGLAS DARE
Disco: Milkteeth
Sello: Erased Tapes.
Año: 2020

Del sitio https://hornet.com Milkteeth’ de Douglas Dare es un pop primitivo sobre el dolor y la perplejidad de crecer. El máximo clasicista pop Douglas Dare ofrece un cambio de imagen en su tercer lanzamiento, Milkteeth. Como reflejo de su título, los dientes primarios completamente formados debajo de la línea de las encías de un recién nacido en espera de desarrollo dentro de los primeros dos años de vida, el inglés mira hacia atrás a su propia progresión como un hombre gay expresivo de género y esas luchas y alegrías fundamentales que han moldeado su viaje . Su debut, Whelm, y su continuación Aforger fueron filmados con intrincadas melodías de piano y arreglos instrumentales de tonos oscuros. Eran fantásticos, opi góticos limítrofes, a veces desgarradores («Oh Father»); a veces asombrosamente hermosa («Clockwork»). Debido a que las letras de Milkteeth son primordiales, procesan su sensación de aislamiento y de extraño cuando era niño, se acerca a la música con, bueno, guantes para niños. Él permite que el dolor y la perplejidad de crecer «otro» tome el centro del escenario sin censura. Dare aprendió el autoarpa, sin duda inspirado por su amor por PJ Harvey y Joni Mitchell, y su rasgueo delicado informa mucho aquí. Sin embargo, no confundas esta suavidad con la debilidad. Piensa en la Plastic Ono Band de John Lennon o el Perfume Genius’s Learning, obras que confrontaron el daño de la infancia y la furiosa lucha por sobrevivir, primero funcionalmente y luego de manera dominante.

Artista: DE SANG FROID
Disco: Vox Dei
Sello: Mannequin
Año: 2019

Del sitio https://www.clubbingspain.com “Cuando parece que Europa se evoca al desastre, ya casi nadie se acuerda de la alta cultura (Proust no es una marca de quesos), la extrema derecha es tu mejor amiga, te preguntas si Boris Johnson lleva peluquín y vives con la sensación de que Greta Thunberg va a parecer en tus sueños para morderte las pelotas, no apetece sobremanera escuchar un disco como el que propone el francés De Sang Froid. Y menos cuando me asomo por la ventana y veo balcones llenos de luces, papanoeles colgando de cornisas y, oh, espera: desde aquí atisbo cuatro estelades y dos lazos amarillos. Sí, este Vox Dei podría ser un buen hilo musical para el patio de Lledoners. Pero seamos francos, que no exhumados, y reconozcamos que las 10 piezas que conforman este álbum son fruto de los tiempos, ásperos y desasosegantes, que vivimos. De hecho, su autor, que no es otro que Alexandre Gand, artista de culto del sonido industrial y cold wave, más conocido por su aka Le Syndicat Electronique desde 1996 y dirigir los sellos Hiératique e Invasion Planète Recordings, asegura que inició este proyecto en noviembre de 2018 inspirado por el Movimiento de los Chalecos Amarillos. Un movimiento social que nació para protestar contra el aumento del precio de los combustibles, la injusticia social y la pérdida de poder adquisitivo de “la antigua clase media”. El clásico y siempre necesario axioma: “Los pobres contra el poder”. Y de ahí el explícito título del álbum: “Vox Dei. La voz del pueblo. Vox Dei está disponible en vinilo en una edición limitada de 400 copias de color rojo-socialista, aunque –vista la deriva de la izquierda en toda Europa– mejor hubiera sido dejarlo en negro.

Artista: PABLO GUERRERO, FINIS AFRICAE
Disco: Los Dioses Hablan Por Boca De Los Vecinos
Sello: Abstrakce
Año: 2019

Del sitio http://bferecords.com:”Cierro los ojos, abro la memoria. Pasan libres las páginas: imágenes infinitas como un libro de arena.” – Pablo Guerrero
“Creando collages de ambient de vanguardia y usando instrumentos de diversos rincones del mundo junto a loops de cinta y samplers, Finis africae crearon un sonido del cuarto mundo que era a la vez exótico y misterioso” – Andy Thomas
Primera edición en vinilo de este disco perdido y a la vez esencial de la música experimental española. Una delicada obra que absorbe aspectos concretos de diversas músicas – el minimalismo, la new age, el ambient – para crear su particular universo. Con un clima de grabación absolutamente contemplativo, los poemas y sus ambientes sonoros exploran el yo más profundo del poeta y cantautor extremeño Pablo Guerrero. La obra combina los recuerdos de infancia por los valles de su pueblo natal, Esparragosa de Lares, con la evolución de la vida hasta alcanzar el estado contemplativo en su edad adulta. Una partitura que se escribe en una colaboración realizada junto a dos viejos amigos, Juan A. Arteche Gual y Juan C. Fdez Puerta (Finis Africae), quienes tejen un precioso tapiz de sonidos electrónicos para que la voz profunda y grave del poeta desgrane todas las imágenes que encierra su oda.

Artista: Varios (Screechie Dan, King Sporty y más)
Disco: Soul Jazz Records Presents Studio One Dj Party
Sello: Soul Jazz Records
Año: 2019

El nuevo Studio One DJ Party de Soul Jazz Records es la última instalación del poderoso catálogo Studio One Records, una nueva colección perversa de los mejores DJ y tostadores que habitarán el mundo de los artistas jamaicanos de reggae, incluidos Prince Jazzbo, Dillinger, Dennis Alcapone. , Michigan & Smiley, Lone Ranger, así como una gran cantidad de artistas menos conocidos y cortes raros de Studio One. Desde los primeros días cuando Clement ‘Sir Coxsone’ Dodd corrió su sistema de sonido Downbeat a lo largo de Jamaica, DJs y tostadoras como King Stitt y Count Machukie siempre formaron parte del sonido de Studio One, presentando nuevos discos y audiencias emocionantes. con frases como: ‘No importa lo que diga la gente, estos sonidos marcan el camino Es el orden del día del DJ de tu jefe’ King Stitt Entonces, cuando DJ surgió como un estilo de reggae distinto a principios de la década de 1970, Studio One fue , como siempre, muy por delante de sus competidores. Artistas legendarios del calibre de Dillinger, Dennis Alcapone y Prince Jazzbo hicieron cola para grabar para el sello igualmente legendario. A finales de la década de 1970, cuando el dancehall explotó en la isla, Clement Dodd pudo una vez más mantener la posición de Studio One en el trono como el sonido número uno en Jamaica, luchando contra competidores principiantes como Channel One y Joe Gibbs que intentaron para replicar el sonido único de Studio One.
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