Podcast Programa lunes 31 de agosto de 2020. 25 años al aire

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Programa lunes 31 de agosto de 2020, 25 años al aire, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora cumpleañera, 25 años: “Esto no está pasando, yo no estoy aquí…“, como en la lírica del tema “How to dissapear completely” de los Radiohead.
Nos hubiera gustado y no nos hubiera gustado que las cosas siguieran igual, pero en la antigua normalidad habíamos empezado a cranear y gestar un gran cumpleaños de Perdidos en el Espacio, las ideas se estaban desarrollando muy bien, pero el destino quiso otra cosa y está bien, las energías debían ir en otro sentido. Perdidos ha sido siempre, desde sus inicios, un medio para difundir estilos de músicas que poco o nada cabida tenían en los medios. Internet ya estaba empezando a ser algo masivo, pero aun así, generar una masa crítica en términos de conocimiento musical no se genera de un día para otro. Estamos seguros que en algo ha contribuido este programa radial.
En la sesión de hoy, como en la generalidad de este programa, promoveremos nuevas creaciones y hoy se repetirán varios nombres que han tapizado el ideario de Perdidos en el Espacio, aquí va la reseña de cada uno de ellos.

Artista: SONIC BOOM
Disco: All Things Being Equal
Sello: Carpark
Año: 2020

Del sitio : “https://www.indierocks.mx: “El ensoñador paseo de Sonic Boom 30 años después. Peter Kember, también conocido como Sonic Boom, no escuchó Psychocandy por años por todos los artículos que comparaban la música que hacía The Jesus and Mary Chain con la música en la que participaba. En aquel entonces, junto a Jason Pierce formaba Spacemen 3. La primera asociación mental con el proyecto tiene que ver con las drogas. Tal vez porque nunca negaron su uso, incluso lo promovieron. Bastan algunas escuchadas para saber que algo hay de viajeros trascendentales en lo que hacían y también basta con leer la frase que se convirtió en una especie de motto: “Taking drugs to make music to take drugs to”. The Jesus and Mary Chain quizá tenían algo que ver con Spacemen 3. Ambos usaban distorsiones, feedback y tenían ambientes envolventes en sus canciones. Tal vez algo había de razón en ello, pero por aquel entonces Peter Kember parecía tener una personalidad diferente que lo hacía reacio a encontrar similitudes. ¿Era combativo? ¿Era arrogante? Lo que es cierto es que algo sucedió, Spacemen 3 se separó y fue entonces cuando comenzó la etapa de Kember en solitario. Spectrum o Experimental Audio Research (E.A.R.) se transformaron en sus nombres artísticos. Por algún tiempo, Sonic Boom quedó resguardado en la memoria de los que disfrutaban de Spacemen 3. Pero la relación con la música nunca se detuvo. En sus manos estuvieron trabajos de co-producción para su buen amigo Panda Bear o el Congratulations de MGMT, que tenía la complicada labor de definir la personalidad de la banda después de un álbum que se convirtió en un éxito mundial. Tres décadas habían pasado desde que Sonic Boom lanzara un álbum bajo ese nombre y, el 2020, vio nacer el All Things Being Equal”.

Artista: WINDY & CARL
Disco: Allegiance and ConVIction
Sello: Kranky
Año: 2020

Allegiance and Conviction es el primer álbum de Windy and Carl desde We Will Always Be de 2012. Se han perdido sus fascinantes murmullos, encantadores drones de guitarra y letras poéticas, pero estos elementos hacen un bienvenido regreso en Allegiance and Conviction. El dúo ha estado creando música del espacio interior durante décadas, y esta, lanzada en Kranky el 27 de marzo, tardó seis años en hacerse. El enfoque reflexivo de Windy y Carl para el diseño de sonido ha dado sus frutos, porque el disco brilla con una luz hermosa y delgada. La cantidad de tiempo que pasaron en el álbum es indicativo de un enfoque afectuoso, y esto también brilla. El trabajo con drones es fantástico, y las reflexiones líricas de Windy Weber ayudan a abrir el sonido aún más, equilibrando el sonido simétrico y delicado y sus alargamientos instrumentales con canciones más líricas basadas en letras que envuelven las texturas transparentes de la guitarra. Los claros tonos de la guitarra eléctrica están impregnados de una luz frágil, que brilla sobre la superficie de la voz como la luz del sol en una hoja, y su tono se vuelve transparente. Las letras de Weber son palabras de lanzamiento, y las progresiones de acordes cambiantes, onduladas con grandes cantidades de retraso y reverberación, revelan maravillas a cada paso. Al transformarse para alcanzar momentos cada vez más brillantes y pasar a través de secuencias brillantes, la guitarra ayuda a crear otra galaxia, un conjunto más íntimo de estrellas para la imaginación, parpadeando y brillando solo cuando los ojos se cierran. Como siempre, su música te lleva a otro lugar.

Artista: RUSTIN MAN
Disco: Clockdust
Sello: Domino
Año: 2020

Del sitio : http://www.rockdelux.com :”La preciosa portada reproduce el vestuario del “Ballet triádico” que el pintor, escultor, diseñador y coreógrafo Oskar Schlemmer creó en 1922 para la escuela Bauhaus y cuyas formas geométricas revolucionaron la danza e influenciaron enormemente a David Bowie. Y este, en su versión crepuscular, también deja profunda huella en Paul Webb, aka Rustin Man, el ex bajista de Talk Talk, como se puede comprobar en el primer single de “Clockdust”, “Jackie’s Room”. Ha cambiado el tono sepia de la foto original por uno verdoso, igualmente adecuado para ilustrar nueve temas que, según su autor, parten de la idea de convertir el disco en un antiguo musical, largo tiempo olvidado; una película en blanco y negro de los años cuarenta, cuyos sonidos de fondo inspiran las letras, a la manera como un cineasta escribe los diálogos. Y no solo la escuela Bauhaus, sino también el cabaré berlinés de Kurt Weill ejerce una enorme influencia en el segundo single, “Kinky Living”. Además, el uso de instrumentos percutivos curiosos, como el kokoriko o el okónkolo, ayuda a dar una atmosfera irreal y lynchiana a “Rubicon Song”. Las canciones fueron registradas con la ayuda de su inseparable colega, el batería Lee Harris, en las mismas sesiones que dieron lugar al anterior “Drift Code” (2019), diecisiete años después de su aclamado debut “Out Of Season” (2002) junto con Beth Gibbons. Sofisticado y emocionante, con arreglos orquestales que abrevan en el jazz en un “Old Flamingo” en la estela del mejor Robert Wyatt, escorándose al dub cinemático y experimental en “Night In Evening City”, sin renunciar a cierta grandilocuencia progresiva, como la que culmina “Man With A Remedy”, ni a una gravedad existencial que en “Carousel Days” alcanza el lirismo de Peter Hammill y en “Gold & Tinsel” las maneras de un crooner en modo torch song.

Artista: JULIANNA BARWICK
Disco: Healing Is A Miracle
Sello: Ninja Tune
Año: 2020

Lo que siempre ha hecho que la música de Julianna Barwick sea tan especial es la forma en que utiliza los métodos de composición electrónica (bucles, capas, reverberación) para construir un espacio arquitectónico a partir del primer y más innato instrumento humano: la voz. Aunque escribe en el lenguaje de la música electrónica, evoca la grandeza del post-rock y tiene un enfoque del tiempo que recuerda a la música ambiental, utiliza la intimidad de la voz en toda su extensión, siendo el resultado final algo que a la vez es extraño. y accesible. Esta combinación contradictoria hace que la música sea relajante y francamente espiritual. Dada la calidad casi religiosa de la música, se podría decir que el título de su nuevo disco, Healing Is a Miracle, está en la nariz. Y, sin embargo, el disco más nuevo de Barwick es, en muchos sentidos, una desviación de su sonido tal como lo conocemos de discos magistrales como Nepenthe de 2013 y The Magic Place de 2011, aunque hay algo así como una línea directa en las texturas de sintetizador más atrevidas de su álbum más reciente Voluntad de 2016. En muchos sentidos, Healing Is a Miracle es menos íntima que sus discos anteriores, optando por un sonido más grande, más variado y más directo.

Artista: JOHANN JOHANNSSON & YAIR ELAZAR GLOTMAN
Disco: Last and First Men
Sello: Deutsche Grammophon
Año: 2020

Del sitio : “http://www.rockdelux.com “Aunque no lo sabemos con seguridad –es probable que todavía existan trabajos inéditos en el disco duro, entre ellos quizá la partitura fallida para “Blade Runner 2049” (Denis Villeneuve, 2017)–, este póstumo “Last And First Men” pondría por ahora el broche final a la prolífica carrera del compositor Jóhann Gunnar Johánnsson (1969-2018), prematuramente fallecido a los 48 años. Un artista titánico cuya creatividad voraz lo llevó a dirigir la adaptación fílmica, incluida como Blu-ray en la edición que manejamos, de la utopía escrita en 1930 por Olaf Stapledon (1886-1950) –aquí se conoce como “La última y la primera humanidad”–, influyente autor británico de ciencia ficción coetáneo del más popular H. G. Wells. La actriz Tilda Swinton, que no comparece en el disco pero sí en la filmación, narra la peripecia humana que un optimista Stapledon da por concluida transcurridos dos mil millones de años con una última especie humana filosófica, inmortal y telepática. Jóhannsson utiliza la arquitectura brutalista de la Yugoslavia de Tito para conformar junto con el músico electroacústico israelí afincado en Berlín Yair Elazar Glotman una sobrecogedora fantasía visual reforzada con la inquietante aleación tonal de su banda sonora. Piezas puntualmente melódicas (“The Navigators”) dotadas de la habitual expresividad clasicista, austera y visceral del compositor islandés, entre lo orgánico y lo artificial, lo real y lo irreal, entre lo material y lo inmaterial.”
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Podcast Programa lunes 24 de agosto de 2020

DESCARGA(lunes 24): aquí o también por aquí http://www.mediafire.com/file/2dbc4wxyesuyi0a/perd200824.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

Programa lunes 24 de agosto de 2020, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Despegaremos como si fuera desde Estación Aeropuerto, seguiremos en la línea anterior pero sintéticos, luego nos iremos con un cuarteto de féminas que recurren al primitivismo y sacan un conejo debajo del sombrero, después nos vamos a los cantos de lucha desde las colonias francesas. Damos un paseo por unas melodías que parecen sacadas del show de un hipnotizador y cerraremos con uno de los integrantes de Tortoise que hace valer su influencia y aportes al conjunto de Chicago.

Artista: Varios (Typical Combo, Ti Celeste, Les vikings de la Guadeloupe y más)
Disco: Disques Debs International Vol 2 (Cadence Revolution 1973-1981) ‎
Sello: Strut
Año: 2020

Compilado por Hugo Mendez y Emile Omar, el sello Strut dedica este volumen al sello Disques Debs que editó música del Caribe Francoparlante y es una de las referencias de ese sonido. Ritmos locales que se mezclan con Calypso, Funk, Reggae y Disco. Creado por el difunto Henri Debs a finales de los años 50, el sello ha continuado durante más de 50 años, lanzando cientos de discos y desempeñando un papel fundamental para llevar la música criolla de Guadalupe y Martinica a un público internacional más amplio. El Volumen 2 de la serie se centra en la producción de los años 70 de la etiqueta y el desarrollo del sonido único de Cadencia, que incorpora influencias dispares en una mezcla de ritmos, estilos e idiomas pancaribeños que dominaron los bailes de baile, clubes y conciertos de la década. Con sede en un estudio pequeño pero moderno en el primer piso del Club 97-1 de Henri Debs, a las afueras de Pointe-à-Pitre en la ciudad de Gosier, el sello organizó sesiones de la crema de lo local y lo regional. Talento, ideas de alojamiento en más de 100 LP y 45 lanzamientos durante la década que reflejaban una identidad criolla cada vez más segura de sí misma.

Artista: NHK yx Koyxen
Disco: Exit Entrance
Sello: DFA ‎
Año: 2017

Como si continuáramos la onda anterior, pero con sonidos sintéticos, desde Japón. Kouhei Matsunaga de Tokio con un juego de techno breakbeat lúcidamente nítido y trucos electrónicos para que DFA Records continúe su gira mundial de sellos después de 12 “S con PAN, Importante, Raster-Noton, Diagonal, L.I.E.S. El prolífico artista multi-aliases cubre un habitual soplo de matices a través de las 8 pistas de Exit Entrance, entretejiendo entre Rian Treanor-esque, electrónica aviar mezclada con crujiente garaje en Meeting hasta una presión más feroz y sucia que recuerda Diamond Version en Dignity, tomando una vidriosa ápice inigualable con Notice y un látigo asesino de techno ácido flexible con Dented. Exit Entrance es el debut de DFA para Kohei Matsunaga, también conocido como NHK yx Koyxen. Kohei ha estado haciendo / lanzando música desde 1997 y ha grabado para sellos icónicos como Mille Plateaux, Important, Pan & Diagonal. Sus últimas grabaciones exploran intrincados programas de batería, melodías exuberantes y arreglos brillantes. Touchstones incluye las legendarias compilaciones Clicks & Cuts de la década de 1990, así como Aphex Twin & Autechre. RA llamó a su música “techno funk bombástico… impredecible y rara vez decepcionante”.

Artista: MASSICOT
Disco: Kratt
Sello: Les Disques Bongo Joe
Año: 2020

MASSICOT suena como si apenas pudiera mantener su propia energía bajo control. Las canciones se reducen a simples esqueletos que estallan con intensidad. Impulsivamente pop art punk post-punk y skronk sin olas, empujado por intrigantes y extravagantes firmas y escalas de tiempo. Como siempre, el groove es la clave del sonido de Massicot. Simple, seductor y humano. La banda se abre paso entre los espacios entre la historia espiritual tradicional que cuenta el misticismo del folklore pagano del norte de Europa y los políritmos inspirados en América Latina y el Medio Oriente rematados con una pequeña rúbrica punk. Como siempre, los arreglos son completos y jugosos mientras se forman a partir de los elementos más simples. Los tapices de percusión que rebotan se combinan con gruesas líneas de bajo pulsantes que forman los ritmos serpenteantes pero fuertemente enrollados.

Artista: Varios (Lena Lesca, Léon-Gontran Damas, Manno Charlemagne y más) Por Antoine Sextier
Disco: Par les damne.e.s de la terre – des voix de luttes- 1969 – 1988
Sello: Hors Cadres
Año: 2018

Quand Jaime m’a dit je veux faire quelque choses sur e disque « par les damné-e-s de la terre », ça a était une grande joie. Ce disque est le projet du rapper Rocé qui rassemble des morceaux francophone anticoloniaux, engagés des années 60 à 80. D’abord Rocé est un excellent rapper engagé, il est le fils d’Adolfo Kaminsky résistant faussaire. Cette compilation s’inscrit dans son histoire personnelle et artistique en donnant la voix au oublié de l’histoire musicale francophone d’Haïti, d’Afrique du nord, des Antilles, d’Afrique noires etc…En focalisant sa collecte sur le texte, l’engagement, des formes proto rap comme le spoken word, il donne au descendant des colonisés un exemple, un chemin, une histoire ! Ce travail est très intéressant, je me retrouve beaucoup dans sa vision et je pense, j’espère que le travail de perspectivas se rapproche de celui de Rocé, en permettant d’écouter et de se souvenir de ceux qui ont la parole et le chant quand il le fallait.(Antoine Sextier)

Cuando Jaime me dijo que quería hacer algo en este disco« par les damné-e-s de la terre », fue una gran alegría. Este disco es el proyecto del rapero Rocé que reúne canciones francófonas anticoloniales, comprometidas entre los años 60 y 80. Primero Rocé fue y es un excelente rapero comprometido, es hijo de Adolfo Kaminsky, un falsificador resistente. Esta recopilación es claramente parte de su historia personal y artística. Ella da la voz a los olvidados de la historia musical francófona de Haití, África del Norte, las Antillas, África negra, etc… Al centrar su colección en el texto, el compromiso, seleccionando formas de proto-rap como el spoken word, le da a los descendientes de los colonizados un ejemplo, una historia, un camino…Este trabajo es muy interesante, me encuentro mucho en su visión y creo, espero que el trabajo de las perspectivas se acerque al de Rocé, permitiendo escuchar y recordar a quienes hablaban y cantaban cuando fue necesario.

Artista: BRIAN ENO & ROGER ENO
Disco: Mixing Colours
Sello: Deutsche Grammophon
Año: 2020

Del sitio https://www.magneticmag.es/ : ““Me despertaba, subía las escaleras, ponía mi equipo e improvisaba, luego le enviaba a Brian lo que pensaba que podría interesarle”, dice Roger en un comunicado de prensa. “La idea del álbum completo surgió a medida que el número de piezas seguía aumentando y los resultados seguían siendo interesantes. Es algo a lo que ninguno de nosotros podría haber llegado solo”. El álbum ayuda a calmar y relajar, tanto es así que algunas de las canciones pueden llegar incluso a adormecer. Está construido alrededor de suaves composiciones para piano, pero también de un órgano suave en ‘Obsidian’ o algunas cuerdas. “Dentro de los instrumentos clásicos el clarinete representa una pequeña isla de sonido, la viola otra y el piano de cola otra. Cada instrumentos es un conjunto finito de posibilidades sonoras, una isla en el océano ilimitado de todos los sonidos posibles que puedes hacer”, explica Brian Eno. “Lo que sucedió con la electrónica es que se están explorando todos los espacios entre esas islas, produciendo nuevos sonidos que nunca antes habían existido. Ha sido un gran placer para mi explorar ese océano con las composiciones únicas de Roger”

Artista: JEFF PARKER
Disco: The New Breed
Sello: International Anthem Recording Company ‎
Año: 2020

Del sitio https://marvin.com.mx : “Mientras Tortoise sigue sin actividades, Jeff Parker está por lanzar un nuevo álbum como solista. El material se llamará Suite For Max Brown y será un tributo a su madre. Este sería su sexto álbum en solitario.
Para este trabajo reunió a la banda que lo suele acompañar en vivo, The New Breed, que entre sus miembros tiene a Makaya McCraven, Rob Mazurek y Nate Walcott. Aunque en Tortoise Jeff Parker es guitarrista, realmente domina varios instrumentos, es por ello que en sus proyectos personales lo vemos explorando diferentes estilos con ensambles de diferentes instrumentos. Para este nuevo disco el jazz es el estilo predominante. Hasta hoy ha compartido vía Nonesuch Records dos sencillos: Max Brown y Go Away. Suite For Max Brown es un complemento del álbum The New Breed que lanzó en 2016, ya que fue un tributo a su padre, quien falleció mientras estaba haciendo el disco, además tiene el nombre de una tienda de ropa que él tenía cuando Parker era niño. La dedicatoria que hace a su madre en este nuevo material es un detalle más especial ya que es un homenaje en vida.
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