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Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/
Programa lunes 23 de diciembre de 2024, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.
Bitácora: Ese ambient lisérgico vuelve a embetunar el par de parlantes que le echaban de menos. Brujas de antaño y contemporáneas que se hacen cariño con notas en loop. Una hippie que gustaba de acariciar instrumentos medievales. Una bestia que volvió a salir de paseo por unos recónditos pasillos de una fábrica abandonada en Quebeq y cerrando con un discípulo del mejor acid house manchesteriano.
Artista: SEEFEEL
Disco: Everything Squared
Sello: Warp
Año: 2024
Seefeel surgió en 1993 con el lanzamiento de su álbum debut, luego de una serie de EP brillantes. Con cada disco, su estilo y sonido cambiaron, confundiendo a periodistas y sellos discográficos por igual. Al principio se los agrupaba con el shoegaze, el post rock y luego con el IDM, en gran parte debido a sus asociaciones con Warp y Rephlex. Sin embargo, nada de eso captura la mezcla realmente fascinante de electrónica ambiental, melodías cercanas al pop y guitarras destrozadas pero inspiradoras que Seefeel estaba creando. Everything Squared ofrece un primer vistazo de lo que Seefeel ha estado haciendo desde el lanzamiento homónimo de 2011. No es inusual esperar un tiempo entre los lanzamientos de Seefeel (hubo un período de silencio de catorce años entre 1997 y 2010), pero resulta que este período ha sido una época particularmente creativa: “Hay suficiente música para lanzar dos o tres álbumes al año”, explicó el principal instigador musical Mark Clifford en una entrevista reciente con tQ. El cuarteto original se ha reducido a un dúo central de Clifford y Sarah Peacock, y ahora el primero es responsable de la mayor parte de la producción musical, y solo ha reclutado a Peacock para que contribuya con voces recónditas desde su base en Berlín.
Artista: LAURA CANNELL
Disco: The Rituals of Hildegard Reimagined
Sello: Brawl Records
Año: 2024
Armada con una flauta dulce, un arpa de rodilla y un pedal de retardo, la compositor de East Anglia reimagina con amor la música de la polímata mística del siglo XII, Hildegard von Bingen.
La música de Laura Cannell arroja una luz moderna sobre melodías antiguas. La compositora afincada en East Anglia recurre a los principios de la música antigua para dar forma a sus obras, capturando un espectro de estados de ánimo en el proceso. En The Rituals of Hildegard Reimagined, Cannell se inspira en una de las queridas compositoras de monofonía medieval, Hildegard von Bingen, y crea sus propias viñetas inspiradas en las melodías espirituales de von Bingen. El décimo álbum de Cannell, The Rituals of Hildegard Reimagined, se basa en el trabajo anterior de la compositora al seguir mostrando música etérea que se siente como una refracción y un reflejo del pasado.
La música de von Bingen ha sido el consuelo de Cannell durante veinticinco años y, con The Rituals of Hildegard Reimagined, sus composiciones interpretan la obra de von Bingen con un toque amoroso y responden a ella desde su propia experiencia auditiva personal. Cannell explora el consuelo que le proporciona en momentos de estrés y el misticismo que contiene y lleva consigo a través de los siglos. En sus composiciones para flauta dulce, arpa de rodilla de doce cuerdas y pedal de retardo, Cannell muestra una aguda atención a la textura, utilizando las diferentes cualidades de sus instrumentos para tejer capas delicadas y ornamentadas extraídas del legado de von Bingen.
Artista: DOROTHY CARTER
Disco: Troubadour
Sello: Drag City
Año: 1976 / 2024
Una marcada cualidad de otro mundo parece ser el subproducto natural de la cualidad estridente y resonante que poseen ciertos instrumentos de cuerda, en particular el salterio y el dulcémele. Es una cualidad que está presente desde las primeras notas de Troubadour, el álbum debut de Dorothy Carter de 1976, y es algo que fue reconocido un par de décadas después por los progenitores de la floreciente escena New Weird America. Artistas como Devendra Banhart, Espers y Joanna Newsom buscaron su inspiración principal en un tipo de folk marginal específicamente extraño, y artistas como Carter, Vashti Bunyan, Linda Perhacs, Donovan, Karen Dalton y Jean Ritchie. Carter era un caso atípico, incluso entre los casos atípicos. Llegó tarde a la música grabada (ya tenía cuarenta años cuando se publicó Troubadour) y, cuando encontró su sonido característico, el resurgimiento del folk aparentemente estaba moribundo, sus vástagos absorbidos por el progresivo (Roy Harper), el jazz (Joni Mitchell) o por copiosas cantidades de cocaína. El Bob Dylan de 1976 todavía cantaba canciones de protesta (era el año de Desire, del ascenso de Rubin Carter a la prominencia pública en las letras de Hurricane), pero lo hacía bajo una espesa capa de country rock de gran producción y big band. Cuando la rueda finalmente giró de nuevo y aquellos pioneros del folk psicodélico encontraron un nuevo público a principios de la década de 2000, los redescubrimientos (y las reediciones posteriores) se sucedieron rápidamente, pero por razones desconocidas, Carter desapareció del radar. Nunca sabremos si se la consideraba poco comercializable, si no encajaba del todo en la colorida imagen de finales de los sesenta de artistas como Bunyan y Donovan o si simplemente tuvo mala suerte.
Artista: COLIN STETSON
Disco: The love it took to leave you
Sello: Invada Records
Año: 2024
El saxofonista por excelencia, Colin Stetson, nos ofrece una nueva y poderosa misiva. Tocando con todas sus fuerzas a través de un sistema de sonido completo en las cavernosas dimensiones de The Darling Foundry, una antigua fábrica de metales de 144 años de antigüedad en Montreal, ahora utilizada como espacio artístico, Stetson despliega sus grandes pulmones y su destreza física hasta el punto de que debe haber quedado completamente aturdido después de la grabación. La arquitectura de hormigón, acero y ladrillo es una parte clave de la música, ya que Stetson hace sonar su saxofón bajo como un demonio herido contra sus imponentes superficies, como él describe: “Realmente pudimos mover el tipo de aire que yo puedo mover, saturando realmente la sala, golpeando las paredes con fuerza”. El resultado, grabado en varias pistas durante la posproducción, captura una energía feroz, aunque moderada, que despliega un nuevo y audaz capítulo en una saga en solitario que comenzó hace 20 años y que realmente salió a la luz con la llegada de sus volúmenes “New History Warfare”, o que él considera este como una especie de precuela. A lo largo de su duración, se lamenta y se abalanza sobre las reverberaciones de los estanques de los almacenes en la pieza principal y aprovecha un jazz negro palpitante junto al lado asesino de Modern Love de Alex Zhang Hungtai con el tema “The Six”, aliviando la presión en la pieza “The Augur” y, francamente, te hace sentir bien en “Hollowing”.
Artista: FLOATING POINTS
Disco: Cascade
Sello: Ninja Tune
Año: 2024
Anunciado como una secuela de “Crush” de 2019, “Cascade” muestra a Sam Shepherd regresando a la pista de baile e imaginando las tiendas de discos de Manchester para alimentar un conjunto de éxitos neo-house nerviosos y con tendencia.
Producido en el desierto de California mientras Shepherd estaba entre trabajos de sincronización y composición, “Cascade” es su intento de reconciliar el pasado con el futuro. Creció en Manchester, donde pasaba el tiempo recorriendo tiendas de discos y sintonizando la radio local, y esos primeros recuerdos se mencionan aquí: “Key103” lleva el nombre de su estación favorita, y “Afflecks Palace” del legendario mercado cubierto. Y si escuchaste los sencillos de adelanto “Birth4000” y “Del Oro”, tendrás una idea de hacia dónde se dirige este, aunque mezcla los cortes atrevidos del festival con un equipo más profundo. “Ocotillo” es un tema destacado, un sintetizador cósmico reichiano que espera unos buenos seis minutos antes de lanzarse a su ritmo descarado, y “Afflect Palace” es lo suficientemente chirriante como para recordarnos con cariño los días de gloria de Skam. Incluso hay una pista ambiental añadida al final por si acaso.
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Podcast Programa lunes 16 de diciembre de 2024
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Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/
Programa lunes 16 de diciembre de 2024, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.
Bitácora: Un crooner que pronto visitará tierras santiaguinas, unos japos frikis delirantes. Otro japo del jazz pretérito . Bloque suicida con la participación de otro japo (chuuu, esta edición está cargada a la casa del sol naciente). El Congo contemporáneo se hace presente en Perdidos y cerramos con pop bajado susurrado.
Artista: TINDERSTICKS
Disco: Soft_Tissue
Sello: City Slang
Año: 2024
En una época donde la inmediatez y lo efímero parecen dominar, surge ‘Soft Tissue’, el decimocuarto álbum de estudio de Tindersticks. Este trabajo se presenta como un oasis de contemplación en medio del frenesí cotidiano, invitando al oyente a sumergirse en un universo sonoro meticulosamente elaborado. La banda británica, con más de tres décadas de trayectoria, demuestra una vez más su capacidad para evolucionar sin perder su identidad característica. El álbum se abre con ‘New World’, una pieza que establece el tono para el resto del disco. Los arreglos de metales, cortesía de Julian Siegel, se entrelazan con la voz aterciopelada de Stuart Staples, creando un contraste que sugiere tanto esperanza como incertidumbre. Esta dualidad se mantiene a lo largo de todo el álbum, reflejando quizás la complejidad de navegar por un mundo en constante cambio.
El punto álgido del álbum llega con ‘Always a Stranger’, una pieza que crece gradualmente en intensidad emocional y musical. La contribución de Terry Edwards en la trompeta añade una capa adicional de dramatismo, mientras que las voces de fondo proporcionan un contrapunto perfecto a la interpretación principal de Staples. La letra, con líneas como ‘Oh life, breathe through me / As this light falls, My love is in flames’, captura un sentimiento de alienación y anhelo que resuena a lo largo de todo el disco.
Artista: MELT-BANANA
Disco: 3+5
Sello: A-Zap
Año: 2024
El dúo japonés de hardcore/ruido-rock Melt-Banana regresa nueve años después de su último álbum, con un proyecto que desafía todo lo que creemos saber sobre el hardcore. Ha pasado un tiempo desde que Melt-Banana nos honró con un nuevo álbum. Sentando las bases de su estilo de noise-rock japonés en 1992, desde entonces, la banda ha seguido desafiando todo lo que creemos saber sobre el hardcore. Recuperándose casi una década después de su último álbum, 3+5 ve a la banda recuperar sensibilidades frenéticas similares a Return of 13 Hedgehogs, al mismo tiempo que prueba los terrenos para un juego más experimental. A pesar de su falta de nuevos lanzamientos, la banda se ha mantenido activa dentro de la industria de la música, realizando giras incansablemente. El lanzamiento oficial de su sencillo debut del año en junio, “Flipside”, proporcionó el primer adelanto de lo que se puede esperar de 3+5. Melt-Banana, formado por la frontwoman Yasuko Onuki y el guitarrista Ichiro Agata, no es un proyecto hardcore al uso. Entre los dos, han logrado crear un universo abstracto de canciones de noise-rock oscuras. Al describir su paisaje sonoro, pocas palabras vienen a la mente: vibrante, vanguardista y de vanguardia. A lo largo de los años, las herramientas que han utilizado para crear su sonido han sido nada menos que cinematográficas.
Artista: NORIO MAEDA & ALL-STARS
Disco: Rock Communication Yagibushi
Sello: Wewantsounds
Año: 2024
Aunque la escena del jazz japonés se revaloriza constantemente, sigue siendo un territorio desconocido, un lugar en el que hay que andar con cuidado en lugar de precipitarse. Sin embargo, esta precaución adicional tiene sus ventajas, como el redescubrimiento constante incluso de los lanzamientos más pequeños. El hecho de que “Rock Communication Yagibushi” no fuera una gran producción se ilustra mejor con el hecho de que la mayoría de los músicos solo se pueden escuchar en esta joya ahora muy buscada. Afortunadamente, el sello francés WeWantSounds ha vuelto a cavar profundamente en el campo minado de las reediciones japonesas, ya que los originales eran simplemente demasiado caros. Esto nos da una idea de esta curiosidad, que combina felizmente un sonido de jazz ajustado y pulido con música folclórica japonesa. El Yagibushi, que adorna tanto el título como la primera pista, es una danza folclórica de la isla principal de Honshu que solo se encuentra en unas pocas regiones. Aquí se transforma en una pista de funk de gran banda de primera clase. En general, todo es cuestión de virtuosismo (modo cliché japonés: activado) y cuando la guitarra eléctrica toma el centro del escenario durante 16 compases en »Sado Okesa« de Kiyoshi Sugimoto, ¡sabes por qué deberías seguir investigando en Japón!
Artista: AKIRA KOSEMURA & LAWRENCE ENGLISH
Disco: Selene
Sello: Temporary Residence Limited
Año: 2024
Continuando una colaboración que comenzó con un EP para recaudar dinero para apoyar las labores de socorro tras el terremoto que azotó Japón a principios de este año, Akira Kosemura y Lawrence English acaban de lanzar su primer álbum de larga duración juntos. Selene, cuyo nombre deriva de la diosa que personifica la luna en la mitología griega, muestra a estos dos artistas altamente talentosos expandiendo la alquimia que idearon en Memorizing the Sea / From Upon the Soil en una búsqueda sonora para expresar el “deseo persistente por aquello que se encuentra más allá” y ofrecer “un himno especulativo a las visiones de las zonas celestiales que se derraman siempre hacia afuera”. Kosemura, por supuesto, es un prolífico compositor y pianista afincado en Tokio que ha creado música para cine, teatro, televisión, juegos y anuncios, además de sus propias grabaciones en solitario y la gestión de Schole Records, mientras que English, afincado en Brisbane, es una de las luminarias de la escena ambiental como artista de grabación, intérprete en vivo y curador del sello Room40. La música que han creado juntos se convierte en un fascinante espacio liminal que se cierne entre la expresividad de las formas compositivas y las elusivas abstracciones de la experimentación ambiental.
Artista: TITI BAKORTA
Disco: ‘Molende’
Sello: Nyege Nyege Tapes
Año: 2023
Titi Bakorta casi no lo logra. Nacido y criado en Kinshasa, el multiinstrumentista congoleño se dirigía a Uganda cuando se cayó del barco mientras atravesaba el poderoso río Congo. Incapaz de nadar, Bakorta fue salvado por un amigo que lo arrastró hasta la ciudad más cercana, Kisangani, donde inesperadamente conoció al cantante local Dancer Papalas. Pronto estaban tocando juntos en bandas, viajando por los continentes y estableciéndose en Tanzania, Sudán del Sur y Dubai; incluso aparecieron frente a General Defao, el querido vocalista congoleño que lideró las legendarias bandas de soukous Grand Zaiko Wawa, Choc Stars y Big Stars. Ahora afincado en Kampala, Bakorta ofrece su propia visión única de los sonidos pop y folk congoleños, tejiendo elementos tradicionales a través de un entramado psicodélico de loops de guitarra, voces destrozadas y ritmos excéntricos de beatbox en su primer álbum de larga duración. En “Kop”, Bakorta transforma los chasquidos de los bloques de madera en desenfoques tartamudeantes, gimiendo emocionalmente sobre riffs vibrantes y extraños y teatrales destellos de xilófono. Sigue siendo música pop en cierto nivel, pero curvada alrededor de la difícil narrativa personal de Bakorta: hay una sensación de que todo podría desmoronarse en cualquier momento, pero todo tiene sentido, reforzado por la inteligencia de producción contemporánea y segura de sí misma de Bakorta. “Elles Vais” es más etérea, con voces celestiales soukous que flotan sobre tambores electrónicos ajustados. Los ecos enredados de la guitarra se superponen entre sí como tapices densos y tejidos, contrastando perfectamente con el pulso urgente y enérgico de Bakorta. Ocasionalmente, trasciende por completo, como en “Molende”, donde sus cantos y frases revolotean prolijamente entre la música de alabanza y el R&B contemporáneo. “Apresurándome, apresurándome, apresurándome, todos los días me apresuro”, canta una voz angelical sobre punteos de guitarra eléctrica y coros en bucle con AutoTune.
Artista: KEVIN
Disco: Laundry
Sello: Motion Ward
Año: 2024
Motion Ward sigue creciendo con un disco de folk terrenal de Ben Bondy y Mister Water Wet. Cuanto más se adentran en sus carreras Ben Bondy e Iggy Romeu, más se alejan de la música chillout por la que alguna vez fueron conocidos. Romeu, que vive en Kansas City, empezó a organizar fiestas y lanzar temas de baile como Norrit a finales de los años 2000. Recientemente, ha adoptado el collage de sonidos poco convencionales, el jazz y la música americana como Mister Water Wet. Bondy encontró su lugar en una esfera que órbita alrededor de artistas como Special Guest DJ y Purelink. Desde 2020, ha demostrado un dominio impresionante del IDM melódico y desagradable. Bondy y Romeu se han unido para un proyecto llamado Kevin, que poco a poco fue cobrando vida a lo largo de tres años. El debut del dúo, Laundry, llega a través de Motion Ward y no se parece a nada que el sello de Los Ángeles haya publicado antes. La voz agridulce de Bondy impulsa el disco, que parece tan en deuda con Alex G como con Huerco S. Es gratificante escuchar a dos artistas electrónicos de izquierdas retroceder a un terreno comparativamente sencillo, creando música folk sin peso.
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