DESCARGA(lunes 24): Aquí o https://www.mediafire.com/perd230724.mp3/
Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/
Programa lunes 24 de julio de 2023, 23:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.
Bitácora: Casi se nos pasa este trabajo de Bjork, pero no se nos pasó. Músicas noctámbulas por antonomasia desde Alemania, registros de un estilo brasileño de principios de siglo pasado, otro crooner que sube al escenario y cerramos con experimentalismos crepusculares.
Artista: BJORK
Disco: Fossora
Sello: One Little Independent Records
Año: 2022
Del sitio https://www.mondosonoro.com/: “En 2017, Björk se presentaba volátil: el paisaje de su “Utopia” era espacioso, delicado, compuesto principalmente por un revoloteo de sintetizadores, radiantes harpas, arreglos de flauta y auténticos reclamos de pájaro. Su voz se elevaba por encima de todo, una meditación sobre volver a encontrar el amor y cómo construir un mundo mejor. El mayor triunfo del álbum es que logra capturar una cualidad flotante, el sentimiento etéreo que suele traer consigo la promesa de un nuevo romance. Cinco años, una pandemia y la muerte de su madre —la activista Hildur Rúna Hauksdóttir— después, es sorprendente descubrir que el inquebrantable optimismo que ha alimentado el espíritu de su música durante casi tres décadas todavía no la ha abandonado, tan solo ha cobrado una forma diferente. En una reciente entrevista con Elle, describe la época de confinamiento como un período de estabilidad, una oportunidad para crear rutina: “Me permitió lo que les permitió a muchos músicos, en el sentido de que pude ir contra la corriente y quedarme en casa durante dos años sin tener que ir al aeropuerto ni una sola vez”. En este oasis de tranquilidad y todavía procesando la pérdida de su madre, Björk se obsesionó con la idea de echar raíces. El momento de estar en el aire había terminado, quería volver a pisar la tierra. Su décimo disco en solitario, “Fossora” —una aproximación al femenino del término latín para “excavador”—, es un intento de conseguir precisamente eso. Anclada por un sexteto de clarinetes e impredecibles erupciones de gabber proporcionadas por Kasimyn, del dúo electrónico indonesio Gabber Modus Operandi, Björk se interroga a sí misma —y a nosotros— sobre la muerte, el duelo, la resiliencia y cómo la naturaleza nos empuja a conectar los unos con los otros. Pero aunque la premisa suene atractiva, el núcleo emocional de “Fossora” a menudo queda sepultado bajo el caos”.
Artista: BOHREN & DER CLUB OF GORE
Disco: Bohren For Beginners
Sello: Pias
Año: 2016 / 2023
La introducción definitiva al grupo de doom-jazz de culto Bohren & Der Club of Gore ahora prensado en vinilo por primera vez. Todas las mezclas clásicas e infinitamente imitadas de Badalamenti x The Necks x Thomas Köner de terror suburbano húmedo y humo de sótano de club: un verdadero negocio de todos los tiempos. Cansado de tocar en bandas de hardcore alemanas a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, Bohren se formó en 1992 con la idea de aprovechar la energía del metal y convertirla en una forma tenue y malhumorada, retomando el surrealismo suburbano a fuego lento de David Lynch y su colaborador Angelo Badalamenti y cruzarlo con el doom blues a media velocidad de Black Sabbath. Si la gran innovación de la Tierra fue llevar la influencia de Sabbath de Birmingham al Lejano Oeste, Bohren envió esa misma voluta de humo negro y espeso a la zona rural de Washington, infundiendo jazz lento con el tipo de oscuridad que podría no ser visible a simple vista, pero que se siente mejor en la parte de atrás de tu cuello. ‘Bohren para principiantes’ es un paquete de inicio perfecto para los no iniciados. No es exactamente una colección de “lo mejor de”, sino un resumen inteligentemente ensamblado de los álbumes y EP más importantes y estilísticamente coherentes de la banda, ensamblados teniendo en cuenta el flujo en lugar de la cronología. ‘Karin’, una pista de ‘Dolores’ de 2008, es seguida por ‘Prowler’ de 2000, la primera es una secuencia de sueños lenta como la melaza dirigida por el evocador Rhodes de Christoph Closer y los tarareos del vibráfono, mientras que la segunda atrapa a la banda en modo Roadhouse completo, con Thorsten. La batería esquelética de Benning apuntala suavemente el saxo temperamental de Clöser, el piano de Morten Gass y el bajo de Robin Rodenberg.
Artista: VA (Tonico, Tinoco ; Mandi, Sorocabinha y más)
Disco: River of Revenge Brazilian Country Music 1929-1961 Vol 1
Sello: Death is not the end
Año: 2022
El primer volumen de un estudio de una forma de música country brasileña conocida como música caipira (“música hillbilly”): un precursor sencillo de la música sertaneja, el equivalente brasileño del country y western de EE. UU. que en su forma contemporánea ha llegado a dominar la industria musical nacional en las últimas décadas. Esta colección abarca algunas de las primeras grabaciones realizadas por el folclorista pionero Cornélio Pires a finales de la década de 1920, hasta discos de los años 30, 40 y 50 y principios de los 60. Algo arraigada en las tradiciones populares de los trovadores portugueses, la música caipira es interpretada típicamente por un dúo que canta en terceras y sextas paralelas, basándose en un estilo portugués-brasileño conocido como moda de viola, siendo la viola la viola caipira, una decena de estilo brasileño. guitarra de cuerda que es el instrumento central de la música. Nacidas en la región de estilo “interior” del noreste de Brasil, estas canciones cuentan historias de dolor, amor, pérdida y traición, a menudo respaldadas por guitarras caseras con afinaciones inventadas. Lejos del pulido pop country y los estilos occidentales de la sertaneja, estas grabaciones podrían verse como el equivalente brasileño de la música de raíces del tazón de fuente estadounidense o los Apalaches.
Artista: THE GOLDEN DREGS
Disco: on grace & dignity
Sello: 4AD
Año: 2023
Del sitio https://www.mondosonoro.com/: “El mítico sello 4AD lo ha vuelto a hacer y firma para su escudería a otro de esos grupos sitos en coordenadas ampliamente elegantes, capaces de levantar emociones cálidas en base a una serie de canciones de aromas sosegados y aspecto intachable. En este caso se trata de The Golden Dregs, quienes tras su algún EP previo, ‘Lafayette’ (Art Is Hard, 18), y aquel ‘Hope Is For The Hopeless’ (Funnel, 19) publicado hace cuatro años, regresan ahora con la obra que debería posicionarles definitivamente en el mapa. ‘On Grace Dignity’ es un disco cálido y de ritmo meditado mantenido a lo largo de nueve canciones (y una intro), así como apuntalado sobre la clásica interpretación vocal cercana a la de un crooner de Benjamin Woods, que guía la referencia desde el principio hasta el final. Un argumento principal que se completa con vientos, coros, segundas voces y, en definitiva, un buen puñado de arreglos apropiados. Una serie de adornos colocados con esmero y extremo cuidado, con la intención de acicalar, pero sin excederse ni desviar atención de esa alma latente en las propias composiciones que, de paso, es distintivo ineludible de la formación británica. Es ahí donde destacan piezas como “Before We Fell From Grace”, “Vista”, “American Airlines”, “Not Even The Rain”, “Josephine” o “Sundown Lake”. ‘On Grace Dignity’ es uno de esos discos de efecto sanador, en una secuela quizás efímera pero desde luego incuestionable a lo largo de los casi cuarenta minutos que dura el elepé. Una referencia especialmente apetecible para aficionados a Tindesrticks, Matt Berninger, Spain, Beirut, Bill Callahan, Richard Hawley, The Magnetic Fields, Bill Fay o Leonard Cohen, referencias todas ellas palpables en uno u otro momento del presente álbum que, en resumen, se impone como pequeña delicatesen para paladares selectos.
Artista: OZMOTIC FENNESZ
Disco: Senzatempo
Sello: Touch
Año: 2023
De todo lo negativo y adverso surge algo positivo y deseado: un registro de movimientos pseudo-orquestales expansivos envueltos en microsonido electrónico y fallas. La parte negativa aquí es el inicio de la pandemia, durante la cual muchos de los músicos se encontraron aislados. Y lo positivo, por supuesto, son las formas recién encontradas de colaborar juntos y crear algo hermoso en el camino. Tal es el caso de este “registro de confinamiento”, en el que OZMOTIC y Fennesz se encontraron distanciados, intercambiando ideas durante un período de tiempo que se convirtió en esta conversación auditiva sobre la percepción del tiempo. Trabajando a distancia sobre estas ideas, el trío procedió a “centrar nuestra atención en esos períodos de la vida en los que el tiempo tiende a dilatarse, a perder sus límites, dedicándonos al proyecto sin temor a descansar en indefinidos momentos de estasis, tratando de tomar el tiempo de la creación como aliado, haciendo ‘brotar’ las ideas más significativas, destilando emociones y cristalizándolas lentamente.” Conceptualmente, eso está muy bien, pero ¿qué pasa con la música? ¿Qué se ha obtenido de este esfuerzo y qué hay aquí para amar?
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Podcast Programa lunes 17 de julio de 2023
DESCARGA(lunes 17): Aquí o https://www.mediafire.com/perd230717.mp3
Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos
https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/
Programa lunes 17 de julio de 2023, 23:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.
Bitácora: Esta emisión empieza con una banda seminal y finaliza con dos gigantes de la experimentación y el minimalismo, y en el interior del sándwich, japoneses, suecos, sirios, hindúes, danesa, está asegurada la indigestión o ingesta desmedida de patrones sonoros montañarusescos. Estos son los responsables del cólico por venir.
Artista: YO LA TENGO
Disco: This stupid world
Sello: Matador
Año: 2023
Del sitio https://www.mondosonoro.com/ :” Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew llevan mucho tiempo consagrados como institución que trasciende los confines de ese indie de guitarras en el que despuntaron hace ya tres décadas (justo cuando el bajista entró). Por méritos propios: una colección de canciones maravillosas y discos memorables (bastantes de los diecisiete que tienen) les respaldan. Por no hablar de sus conciertos. Pocos grupos de su generación mantienen el prestigio intacto como Yo La Tengo. Incapaces aparentemente de errar el tiro con su enciclopédica cultura musical, su buen gusto y una química a prueba de bombas, los de Hoboken han venido publicando discos notables sin interrupción; y se descuelgan ahora con uno de los trabajos más sugerentes de su larga discografía, en el que nada falta y nada sobra. ¿Exagero? Bueno, no tengo otro modo de calificar un álbum que deslumbra del ritmo kraut obsesivo, las disonancias y la electricidad dislocada de “Sinatra Drive Breakdown” hasta la demoledora “Miles Away”, donde la emocionante y cruda interpretación vocal de Georgia se funde con capas sublimes de guitarras disueltas en abstractas atmósferas a lo “Loveless”. Se ha dicho que “This Stupid World” representa su regreso al indie guitarrero de los noventa. La culpa la tiene el single “Fallout”, maravilla de melancolía desatada que plantea salirse del tiempo para negar la muerte (quizá, el gran tema del disco), mientras bajo, guitarras distorsionadas y voces dialogan en un torbellino de emociones que te llegan al alma. Pero eso, lo de la vuelta a la distorsión, es simplificar. Más bien, las nueve canciones que completan el álbum son un compendio de lo que ha hecho grande al trío. También en su vocación de fundir en un todo indivisible accesibilidad pop y aventuras experimentales. Así, también hay delicadeza hipnótica (“Tonight´s Episode”), joyas melódicas semi acústicas (“Aselestine”), estribillos perfectos (“Until It Happens”), melodías gloriosamente agridulces (“Apology Letter”) y sí, incursiones ruidistas (“Brain Capers” y la demoledora “This Stupid Wold” con sus psicodélicas olas de acoples de guitarra y dulces melodías en contrapunto), que completan un LP en el que brillan todas y cada una de sus facetas. James MacNew ha tomado buenos apuntes de Roger Moutenot y John McEntire, los técnicos que han refinado su sonido, para grabar uno de los discos más bellos, redondos e inspirados de lo que llevamos de 2023.
Artista: MOHAMAD ZATARI TRIO
Disco: Istehlal
Sello: Zehra
Año: 2023
ZEHRA se enorgullece de presentar el álbum debut ISTEHLAL de MOHAMAD ZATARI TRIO, formado por músicos de Siria, Irán e India. El trío fusiona sonidos tradicionales del Medio Oriente con vibraciones contemporáneas, incl. interpretaciones de los clásicos de Hossein Alizadeh y Riad Al-Sunbati. En un mundo globalizado contemporáneo donde la música ha perdido sus fronteras y está luchando contra una corriente constante, pero particular, de mercantilización occidental, Mohamad Zatari Trio se destaca como un artefacto cultural original, con el objetivo de trascender los límites entre diferentes mundos musicales. Fundado en 2019, el conjunto tuvo su primera aparición pública en 2020 en el Festival Virtual Outernational. Compuesta por los intérpretes Sara Eslami (Irán) en tar, Avadhut Kasinadhuni (India/Rumanía) en tabla y Mohamad Zatari (Siria) en laúd. Su debut, ISTEHLAL, se sumerge en su propia estética, política y complejidades sonoras y representa los esfuerzos combinados de tres músicos provenientes de culturas diferentes pero profundamente arraigadas. A lo largo de once canciones, el álbum trasciende estilísticamente, ideológicamente y límites geográficos y reflexiona sobre la condición humana en un mundo tecnológico interconectado e interrelacionado. El repertorio incluye no solo composiciones originales en diferentes estilísticas pero también reorganizó piezas tradicionales de influyentes compositores Riad Al Sunbati (Egipto) y Hossein Alizadeh (Irán). Mohamad Zatari Trio se presenta como una nueva voz fuerte dentro de una nueva generación de jóvenes músicos que llevan la herencia musical de grandes maestros como Ravi Shankar, Nusrat Fateh Ali Khan o Zakir Hussain con un enfoque fresco y contemporáneo.
Artista: MATS GUSTAFSSON & JOACHIM NORDWALL
Disco: Their Power
Sello: Thrill Jockey
Año: 2023
Improvisadores, músicos experimentales y artistas de foley difieren en sus métodos, pero los practicantes de las tres artes pueden unirse en torno a su atracción por los sonidos que te pondrán los pelos de punta. Esta colaboración entre el músico de instrumentos de viento-madera de improvisación Mats Gustafsson y el músico electrónico Joachim Nordwall (de Skull Defekts y iDealist) podría crear la banda sonora de una biblioteca llena de películas de terror que se convierten directamente en video. Los títulos hiperbólicos, en su mayoría en mayúsculas, que estos dos suecos han conferido a las ocho pistas del disco sugieren que no lo ignoran. “HAY ALGUNOS MUNDOS DONDE LOS SUEÑOS TODOS MUEREN (en glad stund)”, por ejemplo, abre el álbum con una mezcla de cadencias que sacan a los muertos y exhalaciones que marchitan los pulmones que le darán a su subwoofer y a los más inclinados al pánico. recovecos de tu inconsciente un entrenamiento. Muchos de los sonidos del álbum podrían realizar funciones cinematográficas o desencadenar una respuesta reflexiva de una audiencia desprevenida. Los sintetizadores chisporroteantes en “LOVE SHOWS IN HER SMILE: IT IS CONFIDENT (panik)”, por ejemplo, podrían crear una escena de tiroteo con pistolas de rayos. Si los pulsos subliminales y los tonos largos en el flauta (una flauta equipada con una boquilla de saxo alto) de “OH, DIJO LA MENTE EXTRAÑA, QUIERES QUE PIENSE POR TI (det blir aldrig bättre)” no hacen que tu cita se incline hacia tu cuello para esconder sus ojos, realmente no les gustas
Artista: CISSER MAEL
Disco: Innemuseum
Sello: Sonic Pieces
Año: 2023
El álbum debut en solitario de Cecilie ‘Cisser’ Mæhl es un conjunto de canciones de cuna danesas en cámara lenta que bien vale la pena presentar junto con “Vespertine” de Björk y “The Weighing of the Heart” de Colleen. En 2019, el compositor, cantante y multiinstrumentista Mæhl se mudó de Copenhague a Noruega para trabajar en un albergue de montaña. En su tiempo libre, hacía grabaciones ambientales mientras deambulaba por los impresionantes paisajes, y cuando se mudó a Oslo unos meses más tarde y comenzó a ensamblar un conjunto de canciones, estas grabaciones fueron la inspiración. En Oslo se hizo amiga de Jenny Hval, quien le presentó a la leyenda de la vanguardia y productor extraordinario Lasse Marhaug, y es Marhaug quien terminó produciendo el disco, dando importantes toques finales a las canciones épicas y tranquilas de Mæhl. La ráfaga de aire fresco nórdico golpea de inmediato a ‘Menneskeaftryk’, llevada por los suaves toques de Mæhl y la voz danesa tan dulce. Su voz es como un ronroneo de falsete, en algún lugar entre el jazz entrenado de Susanna Wallumrød y el vulnerable casi crack de Jenny Hval, y se sienta encima de la escasa instrumentación como si fuera un colchón de plumas. Estilísticamente, las canciones no están a un millón de millas de “Vespertine” de Björk, si los problemas técnicos de Matmos y compañía fueran eliminados y reemplazados por débiles gemidos orquestales y tambores sumergidos. ‘Banegård’ es particularmente impresionante, alcanzando una nota cinematográfica con voces suaves y un ritmo tembloroso de caja de cartón.
Artista: O YAMA O
Disco: Galo
Sello: bison
Año: 2023
O YAMA O es un proyecto musical de los artistas londinenses Keiko Yamamoto y Rie Nakajima. Usando una combinación de dispositivos cinéticos y objetos encontrados, crean paisajes sonoros inspirados en el mito japonés, el ritual, la antropología y mundos sonoros cotidianos no espectaculares. O Yama O regresa con su primer LP de larga duración desde el debut homónimo de 2018. Galo encuentra al dúo del escultor Rie Nakajima y la vocalista Keiko Yamamoto firmemente entrelazados junto con la percusionista Marie Roux y el violinista y artista visual Billy Steiger como una banda, esta vez su proyecto es un enredo de cuatro vías, o cinco si incluyes al poderoso productor del disco, David. Cunningham.
Conocidos quizás ya por su exploración del Japón folclórico y la “calidad doméstica y democrática de la vida cotidiana”, parte de la magia de O Yama O proviene de la evocación de atmósferas desde los elementos más pequeños. En Galo, la orquesta de objetos de Nakajima está acompañada por llamadores de pájaros, kalimbas, el koto, un “sombrero sonoro” de Pierre Berthet y uno de esos tubos giratorios de plástico que producen un trino sorprendentemente agradable, especialmente en las manos de Roux. Juntos, su sonido recuerda las sonoridades lejanas de Vom Goldabfischer de Anton Bruhin, (también un abanico de un tubo de PVC, que arregló con una caña y llamó ch-pon), y traza un panorama esperanzador para la música folk genuinamente experimental; una exploración resbaladiza de costumbres, rutinas, narraciones e influencias dispares.
Artista: WILLIAM BASINSKI & JANEK SCHAEFER
Disco: On Reflection
Sello: Temporary Residence Ltd.
Año: 2022
Del sitio https://www.rotordiscos.com/ “El tiempo y la duración son temas centrales en la obra de William Basinski y Janek Schaefer, y esta colaboración a distancia tuvo una gestación larga de ocho años desde el principio hasta el final. En ese periodo, nuestra percepción colectiva del tiempo se ha vuelto a veces desorientadora. “La obra de Schaefer es una obra de arte exquisita, que no está sujeta al tiempo ni al espacio. La limitación alimenta la creatividad, que se revela como una expresión de minimalismo y enfoque cercano. Utilizando un delicado pasaje de piano de su archivo colectivo, Basinski y Schaefer tejen y retejen de numerosas maneras, forjando una ráfaga iridiscente de melodías parpadeantes. Los sonidos de varios pájaros que se escuchan desde las ventanas nocturnas de la gira pueden oírse ocasionalmente a lo largo del disco, rebotando en las fachadas de los espejos, reflejándose en sí mismos mientras remodelan continuamente sus propios entornos con el canto. ” … on reflection” mira hacia atrás, un bullicioso jolgorio de emociones positivas que se escuchan a través de los envejecidos espejos de la memoria. Es una meditación festiva en la que el sonido brilla a través del tiempo como la luz de las olas del mar que se pliega y despliega sobre sí misma.
Grabado en 2014-2022 entre Los Ángeles y Londres. Mezclado en Narnia, Walton-on-Thames. Dedicado a Harold Budd.”
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