Podcast Programa lunes 24 de abril de 2023

DESCARGA(lunes 24): Aquí o https://www.mediafire.com/perd230424.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Programa lunes 24 de abril de 2023, 23:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: En esta emisión desde el barítono poeta de folk urbano hasta el intérprete de un instrumento argelino por antonomasia.

Artista: BILL CALLAHAN
Disco: Reality
Sello: Drag City
Año: 2022

Del sitio https://www.mondosonoro.com/ : “ Cuando nuestra realidad ha sido puesta del revés por un hecho tan excepcional como una pandemia global y un confinamiento, es normal que volver a ella nos parezca algo extraño, pero en estos tiempos de confusión llega una voz inesperada a abrirnos una puerta a la esperanza, Bill Callahan. Con si inimitable voz de barítono Callahan abre su vigésimo disco diciendo “And we’re coming out of dreams, As we’re coming back to dreams”, como si nos despertara de un mal sueño, de esa pesadilla que hemos vivido. Este YTILAER (la palabra Reality puesta en un espejo) es una obra continuista con el disco con el que volvió tras poder reconciliar su paternidad con su trabajo como músico, “Shepherd in a Sheepskin Vest”(19), y como en aquel su nueva realidad doméstica es parte del disco, “la sombra de mi hijo viene por el pasillo / y la palma de la mano de su hermana pequeña está hundida en su mano / y sus pies nunca tocan el suelo / porque todo el mundo quiere llevarla en brazos”, una frase que abre el disco en medio de su felicidad familiar, “First Bird”. Pero que nadie se preocupe sus canciones siguen bañadas en esa melancolía particular que parece encajar bien con la estación en la que se publica este disco y también quedan unos cuantos exabruptos sarcásticos que nos reconcilian con el tipo que sacaba discos bajo el nombre de Smog, como ese “Si fueras un incendio / Volvería a entrar por el gato” de “Last One At The Party” (que si no fuera por esa frase parecería una sentida despedida de su amigo David Berman de Silver Jews) o el demoledor momento en el que compara la condición humana con “grandes cerdos revolcándose en un montón de mierda y huesos” en “Partition”. Pero este disco funciona mejor en sus momentos más pastorales y hogareños, los momentos en los que nos sumergimos en su profunda voz de barítono, sus cuidados arreglos, con vientos y coros vocales, y las historias que teje como el gran letrista que es. “Naked Souls” es una delicia, escobillas en la batería, piano, ¿está el rey del folk ‘lo-fi’ tratando de escribir una canción a lo Cole Porter? Pues sí y no, porque cuando llevas tantas canciones escritas como este hombre, hasta tus experimentos suenan a ti y esta canción termina convirtiéndose en otra cosa completamente distinta con guitarras distorsionadas, mantras cantados a coro y un solo de trompeta más cerca del mariachi que de Miles Davis”.

Artista: MASAHIKO TOGASHI/DON CHERRY/CHARLIE HADEN
Disco: Song of Soil
Sello: We want sounds
Año: 2023

Los del sello we want sounds (gracias Matt!!) nos vuelven a honrar compartiéndonos en adelanto un disco que fue lanzado en noviembre pasado pero que, por motivos atendibles, lo postergamos para esta fecha. Se trata de una edición especial del legendario álbum ‘Song of Soil’ de Masahiko Togashi de 1979, grabado en París con Don Cherry y Charlie Haden y lanzado por el sello japonés Paddle Wheel. Supervisado por el productor parisino clave Martin Meissonnier, entonces la mano derecha de Don Cherry, ‘Song of Soil’ alcanza alturas de espiritualidad mezclando influencias orientales con jazz y paisajes sonoros ambientales profundos. El álbum se reedita aquí con su arte original, remasterizado por King Records en Japón. Incluye el inserto original en japonés de 2 p. más un folleto de lujo de 8 páginas con notas nuevas (inglés/francés) de Martin Meissonnier en una conversación con Jacques Denis y también una biografía de Togashi de Paul Bowler y fotos nunca vistas del fotógrafo francés de culto philippe. gras que presenció esta sesión única.
El clásico de culto de Masahiko Togashi, ‘Song of Soil’, se grabó en París en el verano de 1979. Fue solo unos meses después del lanzamiento del álbum Codona, pero a diferencia del histórico álbum ECM con Cherry, ‘Song of Soil’ solo se lanzó en Japón en el tiempo. Gracias al pianista japonés Takashi Kako, que en ese momento vivía en París, se había montado una sesión con Don Cherry y Charlie Haden gracias a Martin Meissonnier, un joven periodista y productor de radio, que empezaba a dejar huella en el panorama parisino. escena musical. Más importante aún, Meissonnier también era el brazo derecho de Don Cherry en Europa en ese momento. “Lo conocí en un concierto en el lugar de París La Mutualité para un concierto de Art Ensemble o tal vez fue Sun Ra y me ofrecí a ayudar”. recuerda. París en ese momento era una ciudad bulliciosa y uno de los epicentros más activos de la creatividad del jazz gracias al éxodo de músicos estadounidenses de free jazz en París unos años antes. Uno de los tracks que mostraremos se pega un paseo de flauta que parece una visita al disco Spirits de Keith Jarrett.

Artista: Ô LAKE
Disco: Still
Sello: Patchrock records & Night-Night records
Año: 2023

Después de tocar en algunos de los mayores festivales franceses (Les Trans Musicales, Les Vieilles Charrues, Le Printemps de Bourges, etc.) con su banda Fragments (Electrónica/Post-rock), Sylvain Texier creó en 2017 Ô Lake, un proyecto neoclásico con influencias pop, tan romántico como la poesía de Lamartine que le inspiró. A lo largo de una discografía que ha acumulado más de 5 millones de streams online, y cuyos títulos se sincronizan regularmente para el cine, el músico parece querer cumplir los deseos del poeta que, en “Le Lac”, pide que se suspenda el tiempo para poder saborear nuestros mejores días. Y, efectivamente, el tiempo parece detenerse al escuchar estas piezas musicales delicadas, sinceras y cuidadosamente elaboradas. Después de “Refuge”, el primer álbum de Texier que recibió grandes críticas y que sonó en las radios de todo el mundo (BBC, KEXP, FIP, Radio Canada, etc.), y de “Gerry (Music inspired by the motion picture)”, que fue una audaz reinvención de la banda sonora de la película de Gus Van Sant, Ô Lake presentará en marzo de 2023 “Still”, un segundo álbum inspirador e inspirado. Si su título remite a la calma y a la inmovilidad, este nuevo álbum, al principio apacible y acariciador, sorprende y arrastra a su público, aquí y allá, al brillo de los ritmos febriles (Night Moves, Avalanche, Here).

Artista: MANSUR
Disco: Oscuras Flores
Sello: Denovali Records
Año: 2022

Del sitio https://www.xn--lgrimasdevalium-njb.com/ “El sonido de Mansur navega entre las aguas de la fantasía musical y la realidad, se transforma y combina la instrumentación tradicional con la electrónica moderna. Usan la kalimba, un instrumento idiófono extendido por tierras africanas, el violonchelo, ney, una flauta de Oriente Medio, el violín y otros instrumentos similares como el erhu, un violín chino de dos cuerdas, o el zhonghu, similar al anterior. El jinhu tiene un tono similar al de un violín pero más rasposo, el kemenche, un instrumento de cuerda que se origina en el Mediterráneo Oriental (Armenia, Grecia, Irán, Turquía, Azerbaiyán). Dilruba, un instrumento de arco originario de la India que se hizo famoso en la década de los años 60 del siglo pasado por el uso de artistas occidentales como los Beatles, que lo utilizaron en la canción Within You Without You. Bansuri, una flauta transversal originaria de la India y Pakistán. Además suman otros elementos instrumentales como el contrabajo y varios de percusión como cajón, castañuelas, krotal y agitadores y tambores orgánicos. Con todo eso, Mansur lleva al oyente a un mundo místico y mágico lleno de incógnitas, que se encuentran mucho más allá de los reinos de la percepción material. El resultado es un nuevo sonido único que es al mismo tiempo cálido, oscuro, brumoso, cósmico, místico, cinematográfico y dinámico. Fusiona cantos vocales etéreos, melodías inquietantes tocadas en un oud, el laúd árabe, con la música electrónica. Jason Köhnen ha estado involucrado en innumerables proyectos de metal, electrónicos y experimentales desde que comenzó a hacer música a finales de la década de 1980. Bajo su principal alias en solitario, Bong-Ra, es uno de los artistas más notables del breakcore, y es particularmente conocido por ser pionero en el raggacore, una variante más extrema del ragga-jungle. Uno de sus proyectos más recientes es Mansur, formado en 2019. El trío lanzó su EP de debut, Temple, y su primer trabajo de larga duración, Karma, ambos en 2020. Una grabación en vivo improvisada, Minotaurus, siguió en 2021. El cuarto lanzamiento de Mansur, Oscuras Flores, apareció este año 2022.

Artista: CHIHEI HATAKEYAMA
Disco: Late Spring
Sello: Gearbox Records
Año: 2021

Del sitio https://blog.rtve.es/: “ … un álbum de naturaleza humilde que se desarrolla suavemente como una experiencia de viaje compartida a través de una serie de encuentros ricos y excepcionales. Desde la pista que abre el disco, con sus resonancias subacuáticas, hasta la sutil deriva de la pista final, este disco es una obra maestra de melodías densas y beatíficas. Hatakeyama crea una obra extraída de la evolución de los sonidos sintetizados y de las brillantes guitarras a cámara lenta, que el japonés combina con elementos sonoros ocasionales que se describen mejor como evocaciones de códigos informáticos que corren por las venas de las máquinas como sangre artificial. Inspirado por la belleza de los movimientos circulares del paisaje y los cambios de estación que subyacen a la vida cotidiana (como se muestra en el trabajo del renombrado director de cine japonés Yasujir? Ozu, con cuya película de 1949 el álbum comparte título), Late Spring proyecta una sensación de película antigua.

Artista: MOHAMED TOBAL
Disco: Mohamed Tobal
Sello: Edition “Alhan”
Año: 1991

Aquí está el primer casete de Tobal, lanzado en 1991. Contiene cuatro canciones. El primer Ya Dho Aéyani (la luz de mis ojos) es un poema que alaba la ciudad de Tlemcen. Sidi Brahim elogia a Sidi Brahim el Ghorbini de Cherchell, una ciudad en la costa mediterránea de Argelia. La pista más memorable es Qui Qanet el Blida, un poema de Omar el-Gharibi que alaba la gloria precolonial de Blida. El poema recuerda cuando ‘Blida tenía murallas y puertas’, cuando la villa medieval estaba rodeada de murallas de estilo arabo-andaluz. El poema canta las alabanzas de Sid Ahmed el Kebir, el místico que fundó Blida en el siglo XVI.
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Programa lunes 29 de junio de 2020, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Siguiendo en la pausa paralela, como si lo que nos está pasando no nos está pasando. Desde Argentina la psicodélica psicotrópica y que con Perdidos nos vincula un contacto común en la carátula del disco, luego un disco homenaje de uno de los Cocteau Twins a su papá, luego viajamos a experimentos místicos en plena Zambia de los 60s, liego al océano de sonido de un japo noqueador, retornamos luego a la época preHouseManchesteriano con uno de sus instigadores y cerramos con un Libanés que viene a ser como un King of Convenience de los 70s.

Artista: LOS SIQUICOS LITORALEÑOS
Disco: Medianos Exitos subtropicales Vol. 2
Sello: Hive Mind Records
Año: 2019

Del sitio https://indeleble.es: “Los Síquicos Litoraleños, aterrizan en vuelo sostenido desde la Argentina rural, para repartir folklore, psicodelia y misterio en la sierra madrileña. Los llamados Pink Floyd de los pobres, van ataviados como campesinos de la galaxia exterior, dispuestos a desplegar un sonido que pone en el mismo caldero la música rural, con la de universos anexos: cumbias de otras dimensiones, chamamé de las esferas, cantos chamánicos en vhs. En esta ocasión presentarán su reciente disco; Medianos Éxitos Subtropicales Vol. II, editado por el sello británico Hive Mind.
Aparte de un directo alucinado, La Noche Síquica os invita a una inmersión en la mitología litoraleña a través de un documental sobre la banda y su origen en el pueblo de Cuaruzú Cuatiá (Corrientes, Argentina): ‘Encandilan Luces: Viaje Psicotrópico con Los Síquicos Litoraleños’, de Alejandro Gallo, que ha pasado por prestigiosos festivales como el de Mar del Plata o Lima. Una película que recoge el nacimiento y ulteriores andanzas de esta banda lunática, que impactó en la vida a ritmo de mate del litoral argentino. El colectivo Chico-Trópico, cuyo nacimiento estuvo muy conectado a Los Síquicos, ejercerá de chamán de ceremonias para una Noche Síquica que ríete de Jalowin”.

Artista: IVOR RAYMONDE ‎
Disco: Paradise (The Sound Of Ivor Raymonde)
Sello: Bella Union
Año: 2018

Del sitio https://elpais.com/ Raymonde, ¿de qué me suena este apellido? Le suena porque su hijo Simon fue uno de los Cocteau Twins y uno de los fundadores del sello que reedita el disco. Pero volvamos al padre. Ivor fue tan talentoso como hiperactivo: directivo en Decca Records (la disquera que rechazó a los Beatles y fichó a los Rolling Stones), también escribió, produjo y arregló canciones que se convirtieron en hits, especialmente, en la Inglaterra de los años sesenta. A ver, ¡dígame uno de esos hits! ¿Le suena I only want to be with you, de Dusty Springfield? ¿Y qué me dice de Black is black? Además, fue artífice del pop orquestado (y épico) que facturaron David Bowie, Tom Jones o Ian Dury al principio de sus carreras. O sea, que es un disco-karaoke. ¡Y a mucha honra! Quizá no se desgañite, pero tarareará más canciones de las que usted piensa. En la era del trap, un puñado de clásicos sin autotune siempre gusta.”

Artista: SMOKEY HAANGALA
Disco: Aunka Ma Kwacha
Sello: Teal /Séance Centre
Año: 1976 / 2019

De culto, uno de los súper raros experimentos zambianos en el folklore y la psicodelia de 1976, que resuena con la música de Francis Bebey y William Onyeabor tanto como Ariel Pink o Panda Bear. Hay música que encaja perfectamente, una expresión perfectamente articulada de algunas influencias distintas. Luego, hay otro tipo de música mediana, algo más misterioso, el resultado del tiempo, el lugar, la tecnología y la alquimia. El Aunka Ma Kwacha (El dinero se ha ido) del escritor y músico zambiano Smokey Haangala, lanzado en 1976, es un ejemplo de esta metalurgia más mística, que cae en algún lugar entre el psicodélico Zamrock, el folk estadounidense, Kalindula y Sundown Beat (música que suena después del anochecer) de Tongaland. La combinación única de idiomas en el álbum (Bemba, Tonga, Lozi e Inglés) también sugiere esta compleja encrucijada cultural. Subyacente a todo el álbum está el ritmo insistente de una simple caja de ritmos, que era totalmente desconocida en Zambia en ese momento, y es paralela a los experimentos pioneros de Francis Bebey, Sly Stone y Shuggie Otis, utilizando una tecnología que luego definiría la danza y la música.

Artista: CHIHEI HATAKEYAMA
Disco: Forgotten Hill
Sello: Room40
Año: 2019

Forgotten Hill es un registro sobre la fusión del tiempo. Chihei Hatakeyama de Tokio realizó un viaje a través de la región japonesa de Asuka, conocida por sus túmulos funerarios, gigantescos monumentos budistas y paisajes de belleza apagada. Forgotten Hill es un lugar de tranquilidad, sentado en algún lugar fuera del tiempo. Sus sonidos borrosos resuenan y resuenan. En lo profundo de sus cavernas, se reflejan brillantes colas de luz de agua. El espacio es tranquilo y silencioso, proporcionando espacios vacíos para la meditación, la reflexión y la limpieza. El registro absorbe tiempo. En los siglos VI al VII, la región de Asuka albergó la capital de Japón, pero hoy se la describe como “una zona rural impopular y bañada en arroz”. Los túmulos funerarios se conocen como “Kofun”, y Hatakeyama se sintió atraído por uno en particular: el “Ishibutai Kofun”, que se traduce libremente como “Etapa de piedra”. La cámara de piedra, o tumba, ahora está expuesta. Al igual que la música en Forgotten Hill, la tumba se ha desenrollado del mundo, derritiéndose a través de las puertas del tiempo. Donde debería estar cubierto de tierra, enterrado hace mucho tiempo, este, por razones desconocidas, está desnudo. Lo interesante es que, en general, el tono está turbio, como si estuviera a seis pies debajo, pero sabemos que este no es el caso, ya que algunas pistas representan la cámara desnuda revelada. Sin embargo, el tiempo en sí mismo es turbio e insondable, y en ese sentido, la música se pierde dentro de él, los tonos emanan de un estado de sueño o catatonia, un día medio recordado surgiendo de aguas fangosas.

Artista: BITING TONGUES
Disco: Live it
Sello: New Hormones / Finders Keepers Records
Año: 1981 / 2019

¿Alguna vez te mordiste la lengua? Déjame decirte que es una experiencia horrible. Quizás tan horrible como cuando los pioneros del punk funk, Biting Tongues, se dieron cuenta de que su tan anunciado segundo álbum solo iba a ser lanzado en un cassette minúsculo dirigido por la etiqueta afiliada a Buzzcocks New Hormones. Sin embargo, muchos años más tarde, Finders Keepers ha reeditado este artefacto de Manchester ridículamente raro en vinilo. ¿Y por qué es tan anunciado? Bueno, sus miembros, incluido un Graham Massey, actuaron en 808 State y Simply Red.

Artista: ISSAM HAJALI
Disco: Mouasalat Ila Jacad El Ard
Sello: Habibi Funk
Año: 2019

Del sitio https://ojosnegros.blog “El debú completamente desconocido hasta ahora de Issam Hajali (Ferkat Al Ard), fusiona jazz y folk con influencias árabes e iraníes into unique beauty. Originalmente lanzado en edición limitada de 75 cassettes, Issam Hajali puede ser mejor conocido por ser el cantante y principal compositor de la banda libanesa Ferkat Al Ard. Aunque grabaron 3 discos, solo el clásico “Oghneya” vio un lanzamiento en Vinilo y es, probablemente, el disco más buscado en el mercado del coleccionismo libanés (una copia cambió de manos en Beirut este año por 5000 dólares). Antes de que la banda se formase, Issam grabó un disco de debú de nombre “Monosalat Ila Jacad El Ard” en París, en 1977, most likely in May or June. Issam Hadjali tuvo que abandonar Líbano después de la intervención siria (por razones políticas), y pasó un año de exilio en Francia. En ese momento solo pudo permitirse un día de estudio para grabar todo el disco, con una banda compuesta de músicos franceses, un músico de Argelia, otro de Irán, y un amigo, de nombre Roger Fahr, de Beirut, que había abandonado el Líbano al mismo tiempo que él. Aunque se puede apreciar la raíz de lo que después sería Ferkat Al Ard en “Mouasalat Ila Jarad El Ard”, el álbum también difiere de grabaciones posteriores de Issam: “Es más yo solo, mientras que el sonido de la banda era un esfuerzo colectivo”. Suena a folk de guitarras, desnudo y melancólico, con “breaks” jazzísticos aquí y allá, y la intervención estelar del salterio persa.”
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