Tag: CS + KREME

DESCARGA(lunes 27): Aquí o https://www.mediafire.com/perd251027.mp3/

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Pop preciosista para comenzar. Seguimos con las experimentaciones de una violonchelista latinoamericana fetiche de Perdidos, melodías amables een la mitad de la emisión, un poco de ganja para flotar un ratito, una flauta que suena como en un ritual de encantamientos. Luego llega la electricidad y la quietud de otro de los visitantes que tendremos en unos días más: Ira Kaplan trío y cerraremos con un dueto chileno argentino de sonidos experimentales abrasivos.

Artista: PERFUME GENIUS
Disco: Glory
Sello: Matador Records
Año: 2025

Este séptimo álbum de estudio de Mike Hadreas (Perfume Genius) representa una síntesis entre lo íntimo y lo inquietante, con una estética sonora que oscila entre el folk gótico estadounidense y el pop experimental. La producción, a cargo de Blake Mills, junto a una banda de colaboradores que incluye a Alan Wyffels, Meg Duffy, Greg Uhlmann y Jim Keltner, da forma a un disco que se aleja de la ornamentación barroca de trabajos anteriores para abrazar una crudeza emocional y sonora. Las canciones de “Glory” se caracterizan por su estructura cambiante, donde la belleza superficial se ve constantemente interrumpida por quiebres sonoros y líricos. Temas como “It’s a Mirror” y “No Front Teeth” abren el álbum con explosiones de guitarras y cambios de tempo que evocan el espíritu de Roy Orbison y el folk psicodélico. “Clean Heart” y “Me & Angel” exploran el amor y la sanación desde una perspectiva queer, mientras que “Capezio” y “Dion” se sumergen en atmósferas densas y narrativas ambiguas. La voz de Hadreas, con su característico falsete, guía al oyente por paisajes emocionales que van desde la introspección melancólica hasta la exaltación erótica. La instrumentación, aunque basada en guitarras acústicas, se ve constantemente intervenida por distorsiones, arpas flotantes y crescendos inesperados. El álbum cierra con “Glory”, una balada esquemática que resume el tono del disco: una celebración de la vulnerabilidad como forma de resistencia. “Glory” es una obra que encuentra belleza en lo extraño, y gloria en lo herido.

Artista: Varios (CS + Kreme, Mabe Fratti y más)
Disco: Latency alla Villa Medici II
Sello: Latency
Año: 2024

Esta segunda entrega de la serie homónima surge de una residencia artística en los jardines de la Villa Medici, sede de la Academia Francesa en Roma, y reúne cinco piezas comisionadas que exploran la intersección entre jazz contemporáneo, ambient, música experimental y paisajes sonoros. El disco presenta composiciones de Duval Timothy, Angel Bat Dawid, Mabe Fratti, Kalia Vandever y el dúo CS + Kreme. Cada artista aporta una visión singular que dialoga con el espacio físico y simbólico de la Villa. Timothy abre con “Go Without”, una pieza minimalista de piano que evoca introspección y desplazamiento. Dawid ofrece una suite espiritual cargada de narrativa afrodescendiente, mientras Fratti construye un jardín sonoro con cello, voz y sintetizadores que mezcla lo ritual con lo onírico. Vandever, desde el trombón, despliega una improvisación lírica que se funde con el entorno, y CS + Kreme cierran con una pieza de dub procesado y cámara espectral. El álbum se caracteriza por su cohesión atmosférica y su apertura estilística, donde cada obra funciona como un microcosmos que refleja tanto la identidad del artista como la resonancia del lugar. “Latency alla Villa Medici II” es una experiencia auditiva que invita a la contemplación, al cruce de disciplinas y a la escucha profunda como forma de residencia.

Artista: DIALECT
Disco: Atlas of Green
Sello: RVNG Intl
Año: 2024

Este trabajo de Andrew PM Hunt, bajo su alias Dialect, es una obra conceptual que imagina a un joven músico llamado Green en un futuro post-colapso, reconstruyendo la memoria cultural a partir de fragmentos sonoros y tecnológicos. El álbum se compone de doce piezas que entrelazan tape loops, instrumentos acústicos, electrónica defectuosa y grabaciones de campo, creando un paisaje auditivo que oscila entre lo pastoral y lo espectral. La narrativa sonora se construye como una arqueología emocional, donde cada tema parece surgir de los restos de civilizaciones pasadas. “New Sun” abre con una atmósfera medieval que se transforma en melodías melancólicas, mientras “Recreation Story” y “Born Through” exploran texturas que recuerdan al ambient americano y al folk descompuesto. “Spiral Cartography” y “Overgrown Song” juegan con glitches digitales y cantos de aves, evocando una naturaleza intervenida por la tecnología. Dialect logra una síntesis entre lo íntimo y lo mítico, con influencias literarias de Ursula K. Le Guin y Gene Wolfe, y una sensibilidad filosófica que reflexiona sobre el fin de los mundos conocidos. El álbum no propone una utopía ni una distopía, sino una cartografía emocional donde la música sirve como herramienta para imaginar nuevas formas de existencia. “Atlas of Green” es una obra profundamente poética, que transforma el deterioro en belleza y la pérdida en posibilidad.

Artista: Prince Philip
Disco: Dubplates And Raw Rhythm From King Tubby’s Studio 1973-1976
Sello: DKR
Año: 2024

Editado por el sello DKR (Digikiller Records), el álbum fue lanzado en 2024 como una compilación doble en vinilo. Esta obra reúne 20 pistas inéditas extraídas directamente del archivo personal de Philip Smart, conocido como “Prince” Philip, primer aprendiz y segundo ingeniero en el legendario estudio de King Tubby en Kingston, Jamaica. El disco ofrece una mirada íntima y auténtica al proceso de creación de dubplates en los años formativos del dub y el roots reggae. Las grabaciones, realizadas entre 1973 y 1976, capturan la energía cruda y la innovación técnica que definieron el sonido de Tubby’s Studio. Voces de figuras como Jacob Miller, Johnny Clarke y Breezy se entrelazan con ritmos densos, reverberaciones profundas y mezclas espaciales que revelan el dominio de Smart en la manipulación sonora. Temas como “Man Free Dub”, “Zion City Dub Wise” y “Riding Rhythm” destacan por su riqueza psicocústica y su carácter ceremonial, mientras que cortes como “Official Sound” y “You Were Mine” exhiben una textura granulada y emocional. El álbum no solo documenta una época dorada del reggae, sino que también reivindica el papel de Philip Smart como arquitecto sonoro en la sombra, cuya influencia se extiende hasta el presente. “Dubplates and Raw Rhythm…” es una cápsula de tiempo que celebra la cultura del sound system, la experimentación analógica y la espiritualidad rasta, todo desde el corazón vibrante del dub jamaicano.

Artista: TIMOTHY ARCHAMBAULT
Disco: Onimikìg
Sello: Ideologic Organ
Año: 2024

Esta obra del músico, compositor y arquitecto Timothy Archambault se compone de once piezas para flauta indígena sin acompañamiento, inspiradas en la brontomancia algonquina: la práctica ancestral de interpretar el trueno como mensaje espiritual. Cada composición explora una técnica extendida de la flauta que evoca distintos tipos de sonidos atmosféricos, como “Claps”, “Peals”, “Rolls” y “Rumbles”, así como los “CG I” y “CG II”, que representan rayos nube-tierra. El álbum comienza con una invocación ritual: el sonido de un collar hecho de huesos de animales, entregado por un anciano algonquino. A partir de ahí, Archambault despliega una paleta sonora que va desde trinos agudos y disonantes hasta oscilaciones multifónicas que simulan el viento y la tormenta. La flauta utilizada, hecha de cedro, responde a una tradición que la considera la esencia del viento, y su uso aquí se aleja del cortejo romántico para abrazar una función contemplativa y espiritual. “Onimikìg” es una obra profundamente inmersiva, que transforma el espacio acústico en un territorio de memoria y resistencia. La pieza final, “Din of Silence for the Indigenous Children”, utiliza el silencio como gesto de duelo y homenaje. Archambault no solo interpreta, sino que también graba, mezcla y masteriza el álbum, consolidando una visión artística integral. El resultado es un testimonio sonoro que conecta lo ancestral con lo contemporáneo, y que invita a escuchar el mundo natural como archivo vivo de sabiduría indígena.

Artista: YO LA TENGO
Festival: Fauna Primavera
Fecha: 8 de noviembre
Link entradas: https://feverup.com/m/414344

Yo La Tengo, banda emblemática del indie rock estadounidense formada por Georgia Hubley, Ira Kaplan y James McNew, continúa demostrando su vigencia y sensibilidad sonora en cada presentación. En su reciente concierto del 27 de abril de 2025 en el Austin Psych Fest, realizado en el Far Out Lounge de Austin, Texas, ofrecieron un setlist que combinó momentos de introspección con explosiones de ruido controlado, reafirmando su capacidad para transitar entre el minimalismo melódico y el caos eléctrico. El repertorio incluyó piezas como “This Stupid World”, “Sudden Organ”, “Sinatra Drive Breakdown”, “Stockholm Syndrome” y la conmovedora “Tears Are In Your Eyes”, que será compartida en la muestra por su empatía con quienes atraviesan momentos difíciles. La interpretación de “Tears Are In Your Eyes”, proveniente del disco And Then Nothing Turned Itself Inside-Out, fue uno de los momentos más emotivos del show, con una ejecución contenida y luminosa que conectó profundamente con el público. También destacaron “Sugarcube”, “Fallout” y “Tom Courtenay”, piezas que reflejan el amplio espectro estilístico de la banda, desde el noise pop hasta el folk introspectivo. La inclusión de “Polynesia #1”, un cover de Michael Hurley, reafirma su gusto por rescatar joyas ocultas del cancionero norteamericano. La banda ha confirmado su visita a Chile para el 7 de noviembre de 2025 en el Parque Ciudad Empresarial de Santiago, en el marco de una gira sudamericana que también incluye Lima y Ciudad de México. Se espera un concierto íntimo, con pasajes instrumentales extendidos, juegos de dinámica y una selección de canciones que abarcará desde sus discos más celebrados hasta su reciente EP Old Joy, una obra de krautrock contemplativo que ha sido elogiada por su madurez y belleza austera. El público chileno puede anticipar una experiencia emocionalmente rica, donde la melancolía, la ternura y la distorsión se entrelazan en un ritual sonoro que trasciende géneros y generaciones.

Artista: SAM NACHT + ÓSCAR SANTIS
Disco: ????
Sello: Plus Timbre
Año: 2024

Esta colaboración entre el saxofonista argentino Sam Nacht y el músico chileno Óscar Santis se compone de cuatro piezas improvisadas que exploran los límites del free jazz, el noise y la electroacústica. El título, escrito en caracteres griegos, corresponde a las iniciales del dúo y sugiere una estética abstracta y experimental.
La obra se abre con “?” (Delta), una pieza extensa de más de doce minutos donde el saxofón tenor se entrelaza con texturas abrasivas, efectos y erupciones de feedback. Le siguen “?” (Gamma), “?” (Beta) y “?” (Alfa), cada una con una identidad sonora propia, pero todas marcadas por el diálogo constante entre el viento y la electrónica. Santis utiliza mbira, pedales analógicos y procesamiento digital para crear un entorno sonoro que oscila entre lo ritual y lo caótico, mientras Nacht despliega una técnica extendida que va del balbuceo al grito. El álbum no busca narrativas convencionales, sino que se presenta como un ejercicio de escucha activa, donde el ruido se convierte en lenguaje y la improvisación en forma de convivencia. “????” es una obra que desafía las categorías, proponiendo una experiencia auditiva que se sitúa entre lo matérico y lo espiritual, entre el gesto y el vacío. Es también un testimonio de la escena experimental latinoamericana, que se nutre de la disidencia sonora y la exploración sin concesiones.
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