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DESCARGA(lunes 10): Aquí o https://www.mediafire.com/perd251110.mp3/

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Influencias de Syd y de las comunidades hippies de todo el planeta, luego el rai argelino contaminado hasta el chancho con el efecto wah-wah en la guitarra. Una obra concebida para el Guggenheim y el MoMA de polirritmia desbocada y luego un caleidoscópico entramado de texturas sonoras de un trio que nos acompaña con una frecuencia de 10 años aproximadamente. Luego una colaboración transcontinental de puros secos y cerramos con los maestros del ambient brumoso.

Artista: CUNEIFORM TABS
Disco: Age
Sello: Superior Viaduct
Año: 2025

Este segundo álbum del dúo conformado por Matt Bleyle y Sterling Mackinnon representa una evolución notable respecto a su debut, manteniendo el espíritu lo-fi y casero pero con una sensibilidad melódica más depurada. Grabado mediante el intercambio de cintas de cuatro pistas entre Oakland y Londres, el disco conserva una estética íntima y artesanal que se convierte en parte esencial de su encanto. Compuesto por diez temas, Age se sumerge en el pop hipnagógico, con influencias que van desde Syd Barrett hasta Animal Collective en sus primeras maquetas. Piezas como “Ivy” y “Orbital Rings” destacan por su atmósfera nocturna y su delicado trabajo de capas, mientras que “Blended Medal” y “Taoist Face Wash” revelan un enfoque más juguetón y psicodélico. La producción, aunque rudimentaria, logra una textura envolvente que oscila entre el drone, el pop de cámara y el ruido controlado. El álbum se siente como una colección de fragmentos oníricos, donde cada canción es una puerta abierta a un universo paralelo. Hay una sensación de búsqueda constante, de melodías que se desvanecen justo cuando parecen tomar forma. Age no es un disco que se imponga, sino que se insinúa, como una voz lejana que se escucha desde el pasillo, o como un recuerdo que se reconstruye a través del sonido. Es una obra que celebra lo imperfecto, lo fugaz y lo profundamente humano

Artista: DRISSI EL-ABBASSI
Disco: Rai Sidi Bel Abbes
Sello: Nashazphone
Año: 2020

El álbum recopila ocho piezas grabadas entre 1979 y 1989, en pleno auge del raï argelino, y ofrece una mirada íntima y melódica a una de las voces más suaves del género. Lejos del estilo más agresivo que caracterizó al raï moderno, El-Abbassi propone una estética envolvente, marcada por guitarras wah-wah, sintetizadores microtonales y cajas de ritmo que evocan tanto el jazz psicodélico como el pop árabe. La obra transita por temas de amor perdido, melancolía y deseo, con una cadencia vocal que combina sensualidad y contención. Canciones como “Zedti laadab aliya”, “Trig maaskar” y “Jat jat” destacan por su estructura hipnótica y su riqueza tímbrica, mientras que “Djibek liyam” y “Manetzouedj manebni dar” revelan una profundidad emocional que conecta con el alma popular del raï. La producción, aunque sencilla, logra una atmósfera cálida y nostálgica, que remite a celebraciones nocturnas en patios de Orán. El-Abbassi comenzó como animador de escenario en Les Aigles Noirs y luego integró el grupo pionero Les Frères Zergui, donde aprendió a fusionar el raï tradicional con elementos del rock y el jazz. Tras la muerte de Ahmed Zergui, formó su propia banda y grabó con sellos como La Nouvelle Etoile y Editions Maghreb, incorporando técnicas modernas de grabación y explorando nuevas posibilidades armónicas. Rai Sidi Bel Abbes es testimonio de esa evolución, una obra que honra la raíz sin renunciar a la experimentación

Artista: MARINA ROSENFELD
Disco: Greatest Hits
Sello: Info
Año: 2023

Este álbum, lejos de ser una recopilación convencional, es una obra conceptual que reinterpreta el archivo personal de Rosenfeld, compuesto por dub plates, grabaciones en vivo y patrones numéricos convertidos en estructuras rítmicas. Acompañada por los percusionistas Greg Fox y Eli Keszler, la artista crea un paisaje sonoro que se despliega en tiempo real, entre el ruido de superficie y la precisión polirrítmica. Las piezas del disco fueron originalmente concebidas para una instalación sonora en el Guggenheim y luego reconfiguradas a partir de una presentación en MoMA PS1. El resultado es una obra que combina turntablism, arte sonoro y composición experimental, donde cada fragmento parece surgir de una coreografía invisible entre el azar y la intención. Temas como “Self Or”, “Carys” y “Solace” revelan una sensibilidad microscópica, con texturas que se descomponen y recomponen como ecos de una memoria táctil. La partitura se basa en la traducción de fechas y horarios en secuencias numéricas, que los músicos interpretan como pulsos y acentos, generando una interacción entre lo mecánico y lo orgánico. La presencia de Rosenfeld en los platos añade una capa de intervención física, casi escultórica, que transforma el sonido en gesto. Greatest Hits es una obra que desafía el concepto de éxito, proponiendo en su lugar una arqueología del sonido, donde lo residual y lo efímero se convierten en materia poética.

Artista: KILN
Disco: Lemon Borealis
Sello: A Strangely Isolated Place
Año: 2025

Este octavo álbum del trío estadounidense compuesto por Kevin Hayes, Kirk Marrison y Clark Rehberg III representa una síntesis refinada de más de tres décadas de exploración sonora. La obra condensa el carácter expansivo del ambient y la electrónica orgánica en doce piezas compactas, vibrantes y profundamente texturizadas. El disco se abre con “DrnkGrlfrnd”, una explosión de color y ritmo que establece el tono caleidoscópico del álbum. A lo largo de temas como “Moon Ratchet”, “Deacon Rayhand” y “Maplefunk Diptych [ii]”, el grupo despliega una paleta sonora que combina percusión tratada, guitarras procesadas y grabaciones de campo, generando paisajes auditivos que oscilan entre lo onírico y lo cinético. La producción, meticulosa y envolvente, utiliza técnicas de escultura de onda y beatmaking para crear dioramas sonoros que estimulan tanto el cuerpo como la imaginación. La estética del álbum se sitúa entre el hi-fi y el lo-fi, con una sensibilidad visual que se traduce en sonido: cada pista parece una pintura en movimiento, una sinestesia de tonos y pulsos. “Uranium Lullaby” y “Phlox” cierran el disco con una mezcla de melancolía erosionada y cadencia luminosa, reafirmando el carácter introspectivo y expansivo de la propuesta. Lemon Borealis es una obra que no busca imponerse, sino resonar desde lo íntimo, como una aurora que se escucha más que se ve.

Artista: ANNIE A
Disco: The Wind That Had Not Touched Land
Sello: A Colourful Storm
Año: 2025

Este álbum es el resultado de una colaboración efímera entre cinco artistas provenientes de Francia, Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda: Félicia Atkinson, Christina Petrie, Jack Rollo, Elaine Tierney y Maxine Funke. La obra se construye como un tapiz sonoro donde se entrelazan poesía hablada, grabaciones de campo, ambient electroacústico y estructuras minimalistas. Cada pieza parece surgir de un gesto íntimo: el susurro de Atkinson, la voz clara de Petrie, el piano improvisado, el ruido de fondo, el crujido de telas. Temas como “First the Crocus” y “The Wind That Had Not Touched Land” exploran la fragilidad del tiempo y la persistencia de lo invisible, mientras “For Anni Albers” y “Like a Sail or a Bed” convierten el acto de tejer en metáfora de creación, hogar y memoria. La influencia de la artista Bauhaus Anni Albers se manifiesta en la geometría sonora y en la repetición como forma de meditación. El álbum se mueve entre lo ambiental y lo narrativo, borrando las fronteras entre canción, instalación sonora y poema. “Nasturtium Runners (Read by the Rain)”, interpretado por Maxine Funke, cierra el disco con una melancolía luminosa, donde la naturaleza y el recuerdo se funden en una melodía apenas susurrada. The Wind That Had Not Touched Land es una obra que celebra lo efímero, lo artesanal y lo profundamente humano, como si cada sonido fuera una hebra que conecta cuerpos, paisajes y memorias

Artista: TAYLOR DEUPREE & THE HUMBLE BEE
Disco: Case Studies
Sello: Dauw
Año: 2025

Este álbum marca la primera colaboración entre dos referentes del ambient electroacústico: el estadounidense Taylor Deupree y el británico Craig Tattersall (The Humble Bee). La obra surge de una serie de composiciones basadas en bucles de retroalimentación que Deupree había desarrollado como proyecto solista, pero que consideró incompletas. Tattersall interviene con su sensibilidad lo-fi, generando una respuesta musical que transforma los originales en un diálogo íntimo y texturado. Compuesto por seis piezas, el álbum se despliega como una exploración de la fragilidad sonora: drones suaves, piano procesado, grabaciones de campo y distorsiones férricas se entrelazan en una atmósfera contemplativa. “Case Study 5” destaca por sus tonos inestables y punteos de guitarra, mientras “Case Study 1” se sumerge en un paisaje denso y crepuscular, como una nana ralentizada al extremo. La producción es deliberadamente borrosa, con fluctuaciones de tono y ruido de cinta que evocan la memoria y el desgaste. La obra no busca claridad ni resolución, sino que celebra lo inacabado, lo residual y lo efímero. Cada pieza parece surgir de un archivo emocional, donde el tiempo se pliega y se distorsiona. Re: Case Studies es una meditación sobre el proceso creativo, la colaboración y la belleza que emerge cuando dos voces se encuentran en el espacio intermedio entre el silencio y el sonido.
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