Programa lunes 31 de julio de 2023, 23:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

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Bitácora: Esta emisión empieza delirantemente japo, luego bajamos a llanuras calmas para, intrincadamente, subir la dificultad de entendimiento sonoro hasta derivar en unos paisajes deliberadamente planeadores.

Artista: DEERHOOF
Disco: Miracle-Level
Sello: Joyful Noise Recordings
Año: 2023

Grabado en tomas individuales con sobregrabaciones mínimas, el último álbum de la banda de San Francisco, el primero cantado íntegramente en el japonés nativo de Satomi Matsuzaki, es un conjunto seguro de pequeñas epifanías.
Desde que se formó hace casi tres décadas en el San Francisco anterior a las puntocom, Deerhoof ha sido uno de los embajadores más efectivos del indie rock para el poder de la creatividad anárquica. Una sensación de deleite travieso nunca está lejos del caos controlado de sus intrincadas melodías, ritmos zigzagueantes y estructuras de canciones impredecibles, cuyos admiradores incluyen a Radiohead así como espíritus afines no tan famosos como John Dwyer y Wendy. Eisenberg. Hoy en día, dispersos por diferentes ciudades, el cuarteto actual, intacto desde 2008 —el bajista/cantante Satomi Matsuzaki, el baterista Greg Saunier y los guitarristas Ed Rodríguez y John Dieterich— ha seguido experimentando animosamente sin perder esa alegría bromista, ya sea propugnando un cambio radical, llenándose de registro de concepto, o el comienzo de colaboradores de varios géneros.

Artista: ELKHORN
Disco: On The Whole Universe In All Directions
Sello: Cardinal Fuzz
Año: 2023

Cardinal Fuzz se complace en anunciar el lanzamiento de ‘On The Whole Universe In All Directions’ de Elkhorn, un lanzamiento que presenta el vibráfono al sonido ya único y ecléctico de Elkhorn. El primer sonido que escuchas en el último álbum del prolífico dúo Elkhorn, On The Whole Universe In All Directions, es la guitarra de 12 cuerdas de Jesse Sheppard. A esto le sigue casi de inmediato una única nota reverberante en el vibráfono, cortesía del cofundador de Elkhorn, Drew Gardner, antes de que la pieza se despliegue para incluir platillos que se deslizan y percusión que se tambalea, sobregrabada por Gardner, quien en Elkhorn proporcionó anteriormente gran parte del yin de Fender Telecaster para El gran y seductor yang de 12 cuerdas de Sheppard. La ausencia de la guitarra eléctrica de Gardner es la primera de muchas sorpresas en este, el primer álbum con material de Elkhorn desde Lionfish de 2018 que presenta solo a los dos miembros fundadores del grupo, y el primero en presentar tanto el vibráfono como Elkhorn como una sola unidad de guitarra. El enfoque del dúo nominalmente de regreso a lo básico es cualquier cosa menos un paso atrás, y uno espera, escuchando el maravilloso On The Whole Universe In All Directions, que no sea un caso atípico.

Artista: SOFIE BIRCH & ANTONINA NOWACKA
Disco: Languoria
Sello: Mondoj
Año: 2022

Languoria es una colaboración entre la danesa Sofie Birch y la polaca Antonina Nowacka. Mientras que Birch se describe a sí misma como una música ambiental, el instrumento principal de Nowacka es su propia voz; comparten una facilidad para crear un trabajo complejo y en capas. Birch y Nowacka fueron reunidas por primera vez por Unsound para actuar en el Ephemera Festival en Varsovia como parte de una actuación nocturna de duración. Completamente improvisada, la música ya se sentía coherente, con la voz de Nowacka entretejiéndose sin esfuerzo a través de los paisajes sonoros ambientales y las grabaciones de campo de Birch, lo que indica una conexión inmediata y profunda, una reunión de espíritus afines. Las artistas se reunieron en Unsound Kraków para realizar un espectáculo matutino en una sinagoga del siglo XIX. Aquí, la música tomó una forma más clara y el público vislumbró el nacimiento de obras que eventualmente tomarían la forma de pistas individuales en Languoria.

Artista: KILN
Disco: Holo
Sello: Thalassa / Keplar
Año: 1998 / 2023

»Holo« del trío estadounidense Kiln, lanzado por primera vez en 1998, es uno de esos raros discos que lograron hacerse un hueco propio mientras construían puentes hacia una variedad de géneros como el post-rock al estilo de Chicago, el misticismo ambiental de proyectos como Rapoon o la música hecha en la intersección del shoegaze y la música electrónica a finales de los 90. Texturas exuberantes, ritmos sutiles, inflexiones de jazz y experimentación electrónica se combinan a la perfección en el transcurso de las once pistas. Esta reedición a través del sello alemán Keplar hace que la versión totalmente revisada, autoeditada por el grupo en 2007 bajo el nombre »Holo [re/lux]«, esté disponible en vinilo por primera vez. »Veinticinco años después, esta edición de vinilo recién masterizada es evidencia de que el sonido de ›Holo‹ continúa atrayendo a oyentes de ideas afines,« dice el miembro Clark Rehberg III. »Lo que en muchos niveles significa que nuestra misión fue un éxito.«

Artista: ELODIE
Disco: Clarte Deserte
Sello: La Scie Dorée
Año: 2023

Andrew Chalk y Timo Van Luijk, también conocido como Elodie, alcanzan su momento de quietud más cautivadora en un nuevo álbum sobrecogedor de piano apagado, bucles de cinta y cuerdas delicadamente punteadas, elevado a una esfera celestial. Quizás la evocación más suave y pura de la música Quiet que hemos escuchado desde la colección ‘First Meeting’ de Dominique Lawalrée, viene con nuestra recomendación más alta posible, especialmente si te gustan las fantasías de ensueño del sello Obscure de Brian Eno, Erik Satie. o Virginia Astley. ‘Clarté Déserte’ lleva a Elodie a su segunda década de delicias con un conjunto de obras de cámara bellamente escurridizas y conmovedoras que normalmente se benefician de la sensación de atmósfera del dúo. Solo nos dimos cuenta de su sonido alrededor de la mitad de la última década, y rápidamente se convirtieron en uno de los grupos de música para colorear nuestros sueños. Este nuevo álbum, quizás el más notable y sin esfuerzo, los ve regresar a paisajes imaginarios de acuarela, esbozados en cinta en 2020-21 con un tipo de psicodelia inefablemente sutil activa en la pátina lisérgica de la música y las melodías que se derriten.

Artista: VA
Disco: Anthology of Experimental Turkish Music 1961-2014
Sello: Sub Rosa
Año: 2017

Una visión general de la música experimental y electrónica en Turquía: esta antología presenta a 29 artistas turcos: desde la música electrónica de los años 60 hasta todas las formas de música experimental de los años 10. Este es el segundo volumen de una exploración por zona o esfera de influencia. La constelación construida entre 2000 y 2012 con la serie de siete partes An Anthology of Noise and Electronic Music continúa ampliándose a través de la colección Early Electronic (compuesta principalmente por temas compuestos entre los años 50 y 80) y estas ‘antologías de área’ (preferimos la frase ‘área de influencia’ a ‘país’), habiendo sido precedida ésta por An Anthology of Chinese Experimental Music 1992-2008.
Probablemente hayan notado cuán grande es el marco de tiempo para esta colección. La razón es que, en Turquía, dos compositores excepcionales surgieron muy temprano para mostrar el camino a las generaciones futuras que lo siguieron de manera fragmentaria. De hecho, Arel y Mimaroglu no tenían seguidores inmediatos. La explosión se produjo después, a través de la ‘música seria’ de conservatorios y universidades (Cenk Ergün, Koray Tahirolu, Mehmet Can Özer…) y la vanguardia de la música electrónica/ruido ((Mete Sezgin, Nilüfer Ormanl?, Utku Tavil …) – la gran ola de los años 2000 y 2010. La belleza de este álbum se encuentra en su naturaleza multifacética, presenta música puramente formal, electrónica secuestrada, restos de armonías turcas y piezas que son más conceptuales o incluso políticas (vaga o fuertemente) en el diseño. Batur Sönmez y Erdem Helvac?oglu han logrado capturar esta diversidad y energía. Y sucede que esta profusión de música relacionada con una urgencia de vivir y pensar libremente está floreciendo dentro de un espacio cada vez más asfixiante. Llámalo la belleza espectacular de una explosión.

Artista: PAN AMERICAN
Disco: In Daylight Dub
Sello: Foam On A Wave
Año: 2023

Mark Nelson alias. Pan American es un nombre de burbuja lenta en el mundo del dub ambiental, que se hizo un nombre en el mundo de los entrenamientos de dubby centrados en casetes comercializados en los condados profundos de Virginia, comenzando en 1997. Esta compilación retrospectiva de Foam On A Wave se adentra en una franja de música hecha por Nelson en su totalidad alrededor del Milenio, cuando el artista se inspiró más en sus contemporáneos más eminentes, incluidos GAS, Pub y Muslimgauze. Cuatro pistas en su tradición combinada se eluden, vibran y se sacuden lentamente a través de paisajes sonoros de 360 grados, compuestos de almohadillas siney resonantes y sombreros de paso alto ágiles.
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Podcast Programa lunes 24 de julio de 2023

DESCARGA(lunes 24): Aquí o https://www.mediafire.com/perd230724.mp3/

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Programa lunes 24 de julio de 2023, 23:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile.

Bitácora: Casi se nos pasa este trabajo de Bjork, pero no se nos pasó. Músicas noctámbulas por antonomasia desde Alemania, registros de un estilo brasileño de principios de siglo pasado, otro crooner que sube al escenario y cerramos con experimentalismos crepusculares.

Artista: BJORK
Disco: Fossora
Sello: One Little Independent Records
Año: 2022

Del sitio https://www.mondosonoro.com/: “En 2017, Björk se presentaba volátil: el paisaje de su “Utopia” era espacioso, delicado, compuesto principalmente por un revoloteo de sintetizadores, radiantes harpas, arreglos de flauta y auténticos reclamos de pájaro. Su voz se elevaba por encima de todo, una meditación sobre volver a encontrar el amor y cómo construir un mundo mejor. El mayor triunfo del álbum es que logra capturar una cualidad flotante, el sentimiento etéreo que suele traer consigo la promesa de un nuevo romance. Cinco años, una pandemia y la muerte de su madre —la activista Hildur Rúna Hauksdóttir— después, es sorprendente descubrir que el inquebrantable optimismo que ha alimentado el espíritu de su música durante casi tres décadas todavía no la ha abandonado, tan solo ha cobrado una forma diferente. En una reciente entrevista con Elle, describe la época de confinamiento como un período de estabilidad, una oportunidad para crear rutina: “Me permitió lo que les permitió a muchos músicos, en el sentido de que pude ir contra la corriente y quedarme en casa durante dos años sin tener que ir al aeropuerto ni una sola vez”. En este oasis de tranquilidad y todavía procesando la pérdida de su madre, Björk se obsesionó con la idea de echar raíces. El momento de estar en el aire había terminado, quería volver a pisar la tierra. Su décimo disco en solitario, “Fossora” —una aproximación al femenino del término latín para “excavador”—, es un intento de conseguir precisamente eso. Anclada por un sexteto de clarinetes e impredecibles erupciones de gabber proporcionadas por Kasimyn, del dúo electrónico indonesio Gabber Modus Operandi, Björk se interroga a sí misma —y a nosotros— sobre la muerte, el duelo, la resiliencia y cómo la naturaleza nos empuja a conectar los unos con los otros. Pero aunque la premisa suene atractiva, el núcleo emocional de “Fossora” a menudo queda sepultado bajo el caos”.

Artista: BOHREN & DER CLUB OF GORE
Disco: Bohren For Beginners
Sello: Pias
Año: 2016 / 2023

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La introducción definitiva al grupo de doom-jazz de culto Bohren & Der Club of Gore ahora prensado en vinilo por primera vez. Todas las mezclas clásicas e infinitamente imitadas de Badalamenti x The Necks x Thomas Köner de terror suburbano húmedo y humo de sótano de club: un verdadero negocio de todos los tiempos. Cansado de tocar en bandas de hardcore alemanas a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, Bohren se formó en 1992 con la idea de aprovechar la energía del metal y convertirla en una forma tenue y malhumorada, retomando el surrealismo suburbano a fuego lento de David Lynch y su colaborador Angelo Badalamenti y cruzarlo con el doom blues a media velocidad de Black Sabbath. Si la gran innovación de la Tierra fue llevar la influencia de Sabbath de Birmingham al Lejano Oeste, Bohren envió esa misma voluta de humo negro y espeso a la zona rural de Washington, infundiendo jazz lento con el tipo de oscuridad que podría no ser visible a simple vista, pero que se siente mejor en la parte de atrás de tu cuello. ‘Bohren para principiantes’ es un paquete de inicio perfecto para los no iniciados. No es exactamente una colección de “lo mejor de”, sino un resumen inteligentemente ensamblado de los álbumes y EP más importantes y estilísticamente coherentes de la banda, ensamblados teniendo en cuenta el flujo en lugar de la cronología. ‘Karin’, una pista de ‘Dolores’ de 2008, es seguida por ‘Prowler’ de 2000, la primera es una secuencia de sueños lenta como la melaza dirigida por el evocador Rhodes de Christoph Closer y los tarareos del vibráfono, mientras que la segunda atrapa a la banda en modo Roadhouse completo, con Thorsten. La batería esquelética de Benning apuntala suavemente el saxo temperamental de Clöser, el piano de Morten Gass y el bajo de Robin Rodenberg.

Artista: VA (Tonico, Tinoco ; Mandi, Sorocabinha y más)
Disco: River of Revenge Brazilian Country Music 1929-1961 Vol 1
Sello: Death is not the end
Año: 2022

El primer volumen de un estudio de una forma de música country brasileña conocida como música caipira (“música hillbilly”): un precursor sencillo de la música sertaneja, el equivalente brasileño del country y western de EE. UU. que en su forma contemporánea ha llegado a dominar la industria musical nacional en las últimas décadas. Esta colección abarca algunas de las primeras grabaciones realizadas por el folclorista pionero Cornélio Pires a finales de la década de 1920, hasta discos de los años 30, 40 y 50 y principios de los 60. Algo arraigada en las tradiciones populares de los trovadores portugueses, la música caipira es interpretada típicamente por un dúo que canta en terceras y sextas paralelas, basándose en un estilo portugués-brasileño conocido como moda de viola, siendo la viola la viola caipira, una decena de estilo brasileño. guitarra de cuerda que es el instrumento central de la música. Nacidas en la región de estilo “interior” del noreste de Brasil, estas canciones cuentan historias de dolor, amor, pérdida y traición, a menudo respaldadas por guitarras caseras con afinaciones inventadas. Lejos del pulido pop country y los estilos occidentales de la sertaneja, estas grabaciones podrían verse como el equivalente brasileño de la música de raíces del tazón de fuente estadounidense o los Apalaches.

Artista: THE GOLDEN DREGS
Disco: on grace & dignity
Sello: 4AD
Año: 2023

Del sitio https://www.mondosonoro.com/: “El mítico sello 4AD lo ha vuelto a hacer y firma para su escudería a otro de esos grupos sitos en coordenadas ampliamente elegantes, capaces de levantar emociones cálidas en base a una serie de canciones de aromas sosegados y aspecto intachable. En este caso se trata de The Golden Dregs, quienes tras su algún EP previo, ‘Lafayette’ (Art Is Hard, 18), y aquel ‘Hope Is For The Hopeless’ (Funnel, 19) publicado hace cuatro años, regresan ahora con la obra que debería posicionarles definitivamente en el mapa. ‘On Grace Dignity’ es un disco cálido y de ritmo meditado mantenido a lo largo de nueve canciones (y una intro), así como apuntalado sobre la clásica interpretación vocal cercana a la de un crooner de Benjamin Woods, que guía la referencia desde el principio hasta el final. Un argumento principal que se completa con vientos, coros, segundas voces y, en definitiva, un buen puñado de arreglos apropiados. Una serie de adornos colocados con esmero y extremo cuidado, con la intención de acicalar, pero sin excederse ni desviar atención de esa alma latente en las propias composiciones que, de paso, es distintivo ineludible de la formación británica. Es ahí donde destacan piezas como “Before We Fell From Grace”, “Vista”, “American Airlines”, “Not Even The Rain”, “Josephine” o “Sundown Lake”. ‘On Grace Dignity’ es uno de esos discos de efecto sanador, en una secuela quizás efímera pero desde luego incuestionable a lo largo de los casi cuarenta minutos que dura el elepé. Una referencia especialmente apetecible para aficionados a Tindesrticks, Matt Berninger, Spain, Beirut, Bill Callahan, Richard Hawley, The Magnetic Fields, Bill Fay o Leonard Cohen, referencias todas ellas palpables en uno u otro momento del presente álbum que, en resumen, se impone como pequeña delicatesen para paladares selectos.

Artista: OZMOTIC FENNESZ
Disco: Senzatempo
Sello: Touch
Año: 2023

De todo lo negativo y adverso surge algo positivo y deseado: un registro de movimientos pseudo-orquestales expansivos envueltos en microsonido electrónico y fallas. La parte negativa aquí es el inicio de la pandemia, durante la cual muchos de los músicos se encontraron aislados. Y lo positivo, por supuesto, son las formas recién encontradas de colaborar juntos y crear algo hermoso en el camino. Tal es el caso de este “registro de confinamiento”, en el que OZMOTIC y Fennesz se encontraron distanciados, intercambiando ideas durante un período de tiempo que se convirtió en esta conversación auditiva sobre la percepción del tiempo. Trabajando a distancia sobre estas ideas, el trío procedió a “centrar nuestra atención en esos períodos de la vida en los que el tiempo tiende a dilatarse, a perder sus límites, dedicándonos al proyecto sin temor a descansar en indefinidos momentos de estasis, tratando de tomar el tiempo de la creación como aliado, haciendo ‘brotar’ las ideas más significativas, destilando emociones y cristalizándolas lentamente.” Conceptualmente, eso está muy bien, pero ¿qué pasa con la música? ¿Qué se ha obtenido de este esfuerzo y qué hay aquí para amar?
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Podcast Programa lunes 17 de julio de 2023

DESCARGA(lunes 17): Aquí o https://www.mediafire.com/perd230717.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/