Month: May 2020

Programa lunes 18 de mayo de 2020, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

(Nota de jueves 14: No nos podemos hacer tan los locos, está bien evadirse para proteger la psiquis, pero al inicio una re-creación de un gran tema de nuestra Violeta, con un texto crudo y al hueso, luego nos volveremos a evadir y ni tanto, con lo que se indica en el siguiente párrafo).

Bitácora: Este lunes + poesía que inundará el espacio sónico, esa pequeña trompeta que suena como los dioses, huérfanos de The Fall, ¡hay salvación! . Confinamiento que es aplacado por sonidos mullidos, desde la pretérita Sudáfrica antiguas luchadoras contra el Apartheid y cerraremos con un proyecto de uno de los Dirty Three.

Artista: WILL BURNS & HANNAH PEEL
Disco: Chalk Hill Blue
Sello: Rivertones
Año: 2019

El poeta Will Burns y la música Hannah Peel colaboran en un disco de música electrónica y palabra hablada que, a primera vista, puede parecer pastoral y escapista. Sin embargo, rápidamente revela que está inextricablemente enredado e influenciado por la realidad disfuncional y desalentadora en la que parecemos estar viviendo.
Este eclecticismo está respaldado por una pureza de sonido analógica que da a Chalk Hill Blue, un álbum llamado así por la especie de mariposa, pero abarca mucho más a medida que despega. Will Burns, un poeta con una reputación cada vez mayor, escribe un trabajo que a menudo prueba la dislocación a través del paisaje. Lee su poesía junto con las composiciones de Peel, las palabras y la música entretejida entre sí con un efecto fascinante e inquietante. Su tono es contundente y arrepentido, no deja espacio para la ilusión sentimental. La electrónica de Peel parece expresar lo tácito, hinchándose urgentemente en el fondo mientras Burns cuenta historias de vejez, enfermedad, desilusión, “sesiones de bebida de cero horas” y relaciones deterioradas. Su capacidad para aislar verdades sobre el ser es excepcional, ya que, por ejemplo, en ‘The Night Life’, entona “Golpear exactamente mil millones de veces si no tiene impedimentos es la única aplicación del corazón” ya que, en el fondo, los tambores resuenan en respuesta”. Compartiremos algo de su poesía en el FB de Perdidos, compartida gentilmente por Will para Perdidos.

Artista: ARVE HENRIKSEN
Disco: The Timeless Nowhere (Towards Language Live at Punkt)
Sello: Rune Grammophon
Año: 2019

Sublime retrospectiva del pionero post-ambient, el trompetista noruego Arve Henriksen fue más allá del jazz o de cualquiera de las otras banderas de género que a veces pueden ayudarnos a navegar por la producción de un artista. Si tuviera que poner uno sobre él, entonces tal vez ‘ambiente’ sería suficiente, pero eso sería perezoso. La música de Henriksen tiene mucha más vida, vitalidad y un enfoque intenso que la pasividad implícita en tal etiqueta. Incluso aceptando su prolífica producción a lo largo de los años, es sorprendente saber que todo el contenido de este exquisito set de cuatro LP es material inédito de la última década. Las melodías de Henriksen se sienten como si hubieran sido arrastradas por el viento durante siglos o exhumadas del permafrost de los recuerdos antiguos. A medida que su trompeta traza una hermosa línea brillante que resplandece simplemente como un halo, a menudo se le une la fresca oleada de cuerdas deliciosas, puntos centelleantes de luces de hadas de sintetizador o el eco frío de las voces. Al igual que su trabajo en trompeta, las voces de Henriksen ocupan los registros más altos. Con una pureza infantil, las palabras y las entonaciones sin palabras cobran vida, un esperanto apasionado directo del corazón.

Artista: GIRL BAND
Disco: The Talkies
Sello: Rough Trade Records
Año: 2019

Del sitio https://jenesaispop.com Girl Band publicaron su impactante debut en 2015 y después desaparecieron. Pasó 2016, pasó 2017, pasó 2018 y ha pasado medio 2019 hasta que los autores de uno de los mejores discos de noise rock de los últimos años han confirmado su regreso con ‘The Talkies’, un segundo trabajo que parte del anterior cuatro años después para seguir engrandeciendo la leyenda de los irlandeses con nuevas ideas. Durante su largo descanso, Girl Band han cuidado su salud mental (esta es la razón que dieron cuando cancelaron su gira en 2015), pero ‘The Talkies’ suena igual de neurótico y perturbador que siempre. Es público que las paranoias y delirios del vocalista Dara Kiely inspiraron las letras de su debut, y aunque nos alegra que Kiely esté mejor, las canciones de ‘The Talkies’ vuelven a ser brutales en su capacidad para capturar un estado próximo a la locura. Aunque hay diferencias en ‘The Talkies’ respecto a ‘Holding Hands with Jamie’, y la principal es que, en este segundo trabajo, Girl Band han buscado crear una narrativa dentro del disco más que una simple colección de canciones, y para ello han hecho uso de interludios e incluso de varias melodías o patrones rítmicos que se repiten a lo largo de su minutaje para darle unidad. Incluso la extraña casa Ballintubbert donde ‘The Talkies’ ha sido grabado, que data del siglo XVI, forma parte del álbum a nivel sónico: el tema ‘Prefab Castle’ es una “representación sonora” de la finca y de ella los irlandeses han extraído grabaciones de campo (de fuentes, puertas o una nevera) para ambientar sus nuevas composiciones.

Artista: EMILY A. SPRAGUE
Disco: Hill, Flower, Fog
Sello: https://mlesprg.bandcamp.com/
Año: 2020

Si bien el ambiente de Emily Sprague, el trabajo experimental en solitario. al principio parecía ser un proyecto paralelo para su popular banda de pop / folk Florist, creo que esa distinción podría disolverse ante nuestros ojos. A partir de los elogios que recibió el año pasado de Water Memory / Mount Vision, un álbum sobresaliente que empaquetó dos EP anteriores en uno de mis discos favoritos de 2019, regresó con un nuevo registro digital de referencia de coronavirus titulado Hill, Flower , Fog, por ahora solo disponible en su página de bandcamp. Ella señala que la colección de cinco canciones de paisajes sonoros maravillosos se grabó la semana del 9 de marzo, al comienzo de nuestro bloqueo actual. Ella dice en las notas del álbum “espero que ayude a la calma a encontrar el camino”. Sé para mí que las canciones pacíficas y lúcidas han sido un bálsamo ya que he luchado con nuestra nueva realidad de aislamiento y sin saber lo que viene después”.

Artista: MAHOTELLA QUEENS
Disco: Meet the Mahotella Queens
Sello: Motella
Año: 1966

The Mahotella Queens es una banda femenina sudafricana formada en 1964 por el productor musical Rupert Bopape, compuesta por Hilda Tloubatla, Nobesuthu Mbadu y Amanda Nkosi. El grupo se destaca por su distintivo sonido de armonía vocal, música mbaqanga dirigida por guitarra y baile rápido en el escenario. Bopape fue un buscador de talentos y productor en la filial independiente de Gallo Africa dedicada a la música negra, Mavuthela Music Company. Formó el Mahotella Queens como el grupo de chicas residentes de la compañía y el conjunto, a menudo dirigido por la voz masculina de Simon ‘Mahlathini’ Nkabinde, llegó a tener muchos éxitos durante la década de 1960. La alineación de Queens durante este período usualmente comprendía a Hilda Tloubatla, Juliet Mazamisa, Ethel Mngomezulu, Nobesuthu Mbadu y Mildred Mangxola. The Queens y Mahlathini fueron respaldados por la banda de la casa de Mavuthela, la Makgona Tsohle Band (incluyendo Marks Mankwane en la guitarra principal y West Nkosi en el saxofón alto). En 1972, la formación de las Mahotella Queens se desintegró después de desacuerdos de regalías con Bopape; Mahlathini dejó la compañía en una disputa similar con el productor. Sin embargo, con un cambio de membresía, las reinas siguieron siendo productivas y populares en los años setenta y ochenta. En 1987, después de la explosión de interés en la música sudafricana, la alineación de Queens se reagrupó y tres de sus cantantes originales, Hilda Tloubatla, Nobesuthu Mbadu y Mildred Mangxola, regresaron al grupo. En combinación con Mahlathini, el grupo forjó una exitosa carrera de giras internacionales que dura hasta nuestros días.

Artista: XYLOURIS WHITE
Disco: The Sisypheans
Sello: Drag City
Año: 2019

La cuarta entrega de Xylouris White de composiciones progresivas de laúd cretense presenta los sonidos del laúd, la voz de George Xylouris y la batería de Jim White en un campo sonoro abierto y espacioso. Con la inclinación filosófica que se adapta a las antiguas cabeceras de su música, Jim y George están meditando sobre la vida de un músico viajero, Sisyphyan en su repetición, pero inspirados en una eterna repetición de temas y técnicas que les permiten ascender aún más en su experiencia. como músicos instrumentistas.
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Podcast Programa lunes 11 de mayo de 2020

DESCARGA(lunes 11): aquí o http://www.mediafire.com/file/7o6yyrmij6n60fw/perd200511.mp3/file

Emisión en línea a través de Podomatic … esto significa en línea, sin necesidad de bajarlos al computador

Programa lunes 11 de mayo de 2020, 22:00 hrs 102.5fm Radio U. de Chile

Bitácora: Seguimos haciéndonos los locos. Partiremos con el siempre prolífico Kieran Hebden, luego nos vamos a las profundidades de un dúo alemán alemán, y si no fuera por Weyes Blood creo que no habría llegado a la cantante que cubre el zenit de la emisión, luego nos vamos a la China, volveremos pasando por África y cerraremos en el minimalismo de un Japo.

Artista: FOUR TET
Disco: Sixteen Oceans
Sello: Text Records
Año: 2020

Del sitio https://www.binaural.es Si por algo se caracteriza la carrera de Four Tet, como bien asegura Caribou, es por su inestimable consistencia. Kieran Hebden lleva más de veinte años haciendo música a un nivel envidiable, y aunque no siempre resulta igual de contundente, parece difícil encontrar una mácula en todo su recorrido, que este marzo se amplía aún más con su disco “Sixteen Oceans”. El artista británico lanzó el año pasado el extraordinario EP “Anna Painting”, que acompañaba la exposición de una amiga, y este apocalíptico 2020 regresa en formato largo con la continuación del relajante y uniforme “New Energy”, un disco que nos puede servir para rebajar los humos y el encierro; puesto que en él Hebden se acerca al ambient como pocas veces lo había hecho antes, pero ello sin dejar de lado su faceta más house y garage; que sigue protagonizando casi todos los momentos más memorables del trabajo. Y es que tal vez dieciséis son demasiadas propuestas para un trabajo que sólo dura cincuenta y cuatro minutos en los que se acumulan, incluso seguidos, varios interludios que con suerte alcanzan el minuto. Siempre que Four Tet le dedica suficiente tiempo a una idea, esta ofrece estímulos de sobra para brillar por sí sola, y ‘4T Recordings’ o ‘Green’ son buena prueba de ello. E incluso en los episodios más breves se adivinan buenas propuestas que sin embargo quedan sin desarrollar y de algún modo cortan o condicionan la continuidad del disco. Esta sería sin duda el principal y tal vez el único aspecto negativo de “Sixteen Oceans”, que lo incapacita como un álbum con una fluidez total, pero que no anula en absoluto ese característico “ir un poco más allá” de la obra de Kieran Hebden, en el que sin embargo nunca renuncia a su refinadísima y exótica identidad sonora.

Artista: BRANNTEN SCHNÃœRE
Disco: Durch Unser Zugedecktes Tal
Sello: Youdonthavetocallitmusic
Año: 2020

Experiencia de invierno: desde la alegría de la primera nevada que cae hasta el cansancio de la oscuridad y el frío, desde rituales bien probados para conducir el invierno hasta el alivio de las gotas de nieve que se descongelan y florecen.
“Durch unser zugedecktes Tal” es un disco sobre paciencia y esperanza. Por primera vez, la estética de Brannten Schnüre recuerda a las creencias cristianas; La idea de vivir una vida agradable a Dios está presente en las palabras finales citadas en el disco, un poema del escritor alemán Hans Schiebelhuth que resume “Durch unser zugedecktes Tal” y deja a su oyente en un estado de ánimo solemne. Después de “Aprilnacht” en Sic Sic Tapes y “Sommer im Pfirsichhain” en Aguirre, estamos muy contentos de lanzar la tercera entrega de la cuadrilogía de Brannten Schnüre sobre las cuatro estaciones.
Aquí, las cosas se vuelven bastante oscuras y melancólicas para la entrega de otoño, pero siempre existe esa corriente subyacente de melancolía caprichosa que es tan típica del proyecto.

Artista: ANGEL OLSEN
Disco: All mirrors
Sello: Jagjaguwar
Año: 2019

Del sitio https://jenesaispop.com: “… el tramo final donde ‘All Mirrors’ entra en modo imperial. Primero con ‘Tonight’, baladón en que Angel canta con las hechuras de Beth Gibbons, mientras suntuosos y sensibles arreglos la cubren y la batería a escobillas le da una pátina jazz. Y la canción se crece y crece, y Angel parece menos intérprete; despojada de cualquier coartada estética se derrumba, se hace vulnerable y ofrece la que puede ser su interpretación más memorable. Y lo más reseñable de ‘Tonight’ es que, a pesar de esa apariencia desconsolada, no lo está. Olsen celebra la ruptura con el amante como camino de liberación y reencuentro con ella misma. Tras este alud emocional, ‘Summer’ supone un cambio radical. Aquí hay querencia por Kate Bush: el timbre particularmente agudo, la percusión aventurera y brumosa recuerda fuertemente a ‘Hounds of Love’ (el disco). Caprichosa, la vena ochentera se esfuma en la sedosa, nocturnísima y ronroneante ‘Endgame’; su desenlace a base de trompeta y piano desafinado es avasallador. Y, para cerrar, ‘Chance’, un tema que, extrañamente, retrotrae a las canciones de Stephin Merritt tratando de ser Irvin Gershwin, con Olsen recitando hacia el final a lo gran intérprete de Broadway.
‘All Mirrors’ es brillante, apasionado e irónico. Pleno de referencias y, a la vez, terriblemente personal. Porque Angel Olsen juega con nuestras percepciones y prejuicios. Usa su voz, su aspecto aparentemente desamparado y el formato de torch song, para crear una obra de absoluta reafirmación. No es un lamento por el amor perdido; es un grito de júbilo por la individualidad recuperada.

Artista: GONG GONG GONG
Disco: Phantom Rhythm
Sello: Wharf Cat Records
Año: 2019

El dúo de punk con base en Beijing, instrumentación onda garaje, melodías onda Ali Farka Touré y disonancia sin un toque de barroco. Un par de inadaptados y un ramo de sonido impetuoso: estos son los componentes básicos de los que surgió el rock and roll. Gong Gong Gong, con sede en Beijing, se introduce directamente en el canon: el dúo aerodinámico de Tom Ng y Joshua Frank usa dos de los instrumentos más familiares en el panteón de rock, una guitarra rítmica y un bajo, para crear Phantom Rhythm. El resultado es un nuevo pastiche de post-punk, blues de África occidental, Bo Diddley y distorsión. Ng y Frank comenzaron a jugar juntos en 2015 bajo los pasos subterráneos de su ciudad adoptiva y en espacios de bricolaje. Incluso con una producción nítida, este registro (el primero, después de Siren 7 “de 2018) indica un par capaz de mantenerse por sí mismo en un almacén reutilizado o en una caja de envío. Sus antecedentes divergentes: Ng creció en Hong Kong, y Frank, nacido en Montreal, vivió en Beijing desde la infancia: produce una química complementaria. Agregar tambores sería una intrusión. Fervientes riffs entrelazados evocan los nervios de una bestia cargada.

Artista: Varios (Lady Grace Atim, Jahria Okwera, Brother Q & City Boy y más)
Disco: Electro Acholi Kaboom from Northern Uganda
Sello: Nyege Nyege Tapes
Año: 2019

Nyege Nyege Tapes destaca el encantador y joven estilo de Electro Acholi del Luo del norte de Uganda con una compilación de ritmos rápidos y ganchos para el oído de 15 artistas, entre ellos Otim Alpha, cuyos ‘Himnos de la ciudad de Gulu’ introdujeron el sonido rápido y melódico en el mundo en general. Electro Acholi es la versión enchufada de las canciones tradicionales de cortejo Acholi de la región alrededor de las ciudades de Gulu y Lira, en un área que abarca el norte de Uganda y el sur de Sudán. Esta compilación examina los años dorados del sonido alrededor de 2003-2008, cuando una brutal guerra civil en el norte de Uganda significó que los conjuntos de bodas tradicionales y más grandes de hasta 25 músicos eran demasiado costosos, y los productores más jóvenes con acceso a Fruity Loops e instalaciones de edición de video intervinieron para llenar un vacío en el mercado. Utilizando muestras y síntesis, crearon versiones personalizadas y aceleradas de canciones tradicionales y las interpretaron en las ceremonias, lo que llevó el sonido a los locales nocturnos locales como el Alobo Night Club y el Opit Travelers Inn.

Artista: H.TAKAHASHI
Disco: Sonne und Wasser
Sello: Where To Now
Año: 2019

Sonne und Wasser es el nuevo álbum del compositor minimalista japonés H. Takahashi. Su objetivo era imitar el crecimiento de una planta con música. Las cuatro pistas del álbum crecen, lentamente, desde la primera, con un tono y progresiones de acordes similares. Se inspira en maestros minimalistas y ambientales como Hiroshi Yoshimura y Satoshi Ashikawa, Erik Satie, John Cage, Brian Eno y Roedelius. Sonne und Wasser es el seguimiento de Raum de 2017.
Electrónica ambiental silenciosa y en minúsculas de H. Takahashi de Tokio, después de giros sublimes para NNF y White Paddy Mountain con un regreso a los conocedores atmosféricos en Where To Now?
En sus propias palabras… “Quería expresar la planta que era lenta, silenciosa, poderosa y llena de vitalidad. En un intento por expresar el mundo de una planta, las cuatro canciones que componen este álbum se basan en la primera, ‘Nymphaea’ … La melodía, el acorde y el tono se vuelven familiares, y cada cambio de escena se expresa sutilmente. cambiando la disposición y el desarrollo de los sonidos. Esto está destinado a cuando quieres sentirte como una planta, o como una banda sonora de interior: quiero que la música se reproduzca para que decore las plantas dentro de una habitación “.
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