Tag: NON BAND

DESCARGA(lunes 16): Aquí o https://www.mediafire.com/perd250616.mp3

Y en la sección “Vuelve a escuchar” de nuestra radio Universidad de Chile…. muuuuchos podcasts pretéritos

https://radio.uchile.cl/programas/a/perdidos-en-el-espacio-2/

Bitácora: Partiremos con uno de los favoritos de nuestra corresponsal en Hamburgo, luego la cadencia políticamente comprometida de uno de los nuestros, luego la primera presencia (de dos) que tendremos en la emisión de lunes. reverberaciones profundas en la misma senda de Pole (y era que no). Viajamos luego al japón de los 80s infestados por los sonidos punketas que también calaron en una juventud conscientemente chata y cerramos con experimentación en sintetizadores analógicos a cargo de un seco marroquí.

Artista: BONNIE ‘PRINCE’ BILLY
Disco: The Purple Bird
Sello: Domino
Año: 2025

Este álbum marca un giro significativo en la trayectoria de Will Oldham, alejándose de su característico folk gótico para sumergirse en una exploración más profunda del country tradicional. Grabado en Nashville, el álbum cuenta con la producción de David “Ferg” Ferguson, un colaborador de larga data que ha trabajado con leyendas del género como Johnny Cash. Desde el primer acorde de Turned to Dust (Rolling On), el disco establece un tono cálido y pulido, con una instrumentación meticulosamente trabajada por algunos de los mejores músicos de la escena country. Canciones como London May y Boise, Idaho destacan por su lirismo evocador y arreglos envolventes, mientras que One Of These Days (I’m Gonna Spend The Whole Night With You) introduce una dulzura inesperada en la obra de Oldham. A pesar de su aparente cambio de dirección, The Purple Bird conserva la esencia introspectiva y melancólica que ha definido la carrera del artista. La segunda mitad del álbum, aunque menos impactante que la primera, mantiene una cohesión sonora que refuerza la narrativa del disco. En conjunto, este trabajo representa una celebración del género country, pero también una reafirmación de la identidad artística de Bonnie ‘Prince’ Billy, quien demuestra que su capacidad de reinvención sigue intacta.

Artista: NICOLAS JAAR
Disco: Piedras 1 & 2
Sello: Other People
Año: 2025

Obra conceptual que expande la exploración sonora de Nicolas Jaar hacia territorios aún más experimentales. Este doble álbum surge de un proyecto iniciado en 2020, cuando Jaar compuso la canción Piedras para un concierto en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos en Santiago de Chile. El disco se estructura como una narrativa sonora que entrelaza ambientaciones electrónicas con elementos de música latinoamericana y paisajes sonoros cinematográficos. Cangilón y Agua pa fantasmas destacan por su atmósfera hipnótica, mientras que Rio de las tumbas y El Azar evocan una sensación de melancolía y misterio. A lo largo de Piedras 1 & 2, Jaar juega con la idea de la memoria y la identidad, utilizando grabaciones de radio y sonidos fragmentados para construir una experiencia auditiva inmersiva. La obra, que también fue presentada como una instalación sonora en el Museo Universitario Arte Contemporáneo de Ciudad de México, refuerza la visión artística de Jaar como un creador que desafía las convenciones de la música electrónica. Este álbum no solo representa una evolución en su sonido, sino también una reflexión sobre la fragilidad de la comunicación y la permanencia de los recuerdos en un mundo cada vez más digitalizado.

Artista: MIKI YUI
Disco: As If
Sello: Hallow Ground
Año: 2025

As If es una exploración sonora que desafía las fronteras entre la música electrónica y la percepción sensorial. La artista japonesa, radicada en Düsseldorf, ha construido una obra que se nutre de improvisaciones y procesos aleatorios, generando una experiencia auditiva profundamente inmersiva. El álbum se compone de seis piezas que oscilan entre la sutileza y la intensidad, con una estructura que recuerda a los paisajes sonoros de Laurie Spiegel y Eliane Radigue. Generativ destaca por su energía febril, con patrones electrónicos que parecen girar en el aire, mientras que Summer Night evoca una atmósfera cálida y envolvente, como un atardecer tropical. A lo largo de As If, Yui juega con la idea de la presencia sonora, creando composiciones que parecen tener una existencia física en el espacio. Song 4 introduce un ambiente nocturno y misterioso, mientras que Porcelain cierra el álbum con una sensación de fragilidad y belleza etérea. Este trabajo reafirma la capacidad de Miki Yui para transformar el sonido en una experiencia sensorial única, consolidando su lugar dentro de la música experimental contemporánea.

Artista: KRM & KMRU
Disco: Disconnect
Sello: Phantom Limb
Año: 2024

Disconnect es una colaboración entre Kevin Richard Martin (The Bug) y Joseph Kamaru (KMRU) que fusiona el dub experimental con paisajes sonoros ambient. Este álbum se presenta como una exploración profunda de la tensión entre el ruido y el silencio, creando una atmósfera inmersiva que oscila entre la inquietud y la contemplación. Desde el primer tema, Differences, el disco establece un tono oscuro y envolvente, con capas de sonido que parecen emerger de un espacio industrial desolado. Arkives y Arcs refuerzan esta sensación con estructuras minimalistas y reverberaciones profundas, mientras que Differ introduce una textura más melódica, aunque igualmente etérea. La producción del álbum, a cargo de Stefan Betke (Pole), enfatiza la densidad sonora y la espacialidad, permitiendo que cada elemento respire dentro de la composición. La voz de KMRU, utilizada de manera fragmentada y procesada, añade un matiz humano a la obra, contrastando con la frialdad de los sintetizadores y los drones. En conjunto, Disconnect es un ejercicio de inmersión auditiva que desafía las convenciones del ambient y el dub, consolidando a KRM y KMRU como dos de los artistas más innovadores dentro de la música experimental contemporánea.

Artista: VA (Suicide, Non Band)
Disco: Japanese Post-Punk, Goth & New Wave 1980-1991
Sello: Death Is Not The End
Año: 2024

Este disco es una recopilación que arroja luz sobre la vibrante escena underground japonesa de los años 80 y principios de los 90. Este álbum reúne una selección de bandas que, aunque poco conocidas fuera de Japón, fueron fundamentales en la evolución del post-punk y el new wave en el país. El compilado incluye nombres como Kokushoku Elegy, Bárbara, Dark Mine Fields, Phaldia y Mannequin Neurose, quienes exploraron sonidos oscuros y experimentales con una estética DIY que los diferenciaba de sus contemporáneos occidentales. La producción del álbum mantiene la crudeza de las grabaciones originales, resaltando la energía y la intensidad de cada banda. Desde los ritmos frenéticos de Can! Can! Can! hasta las atmósferas densas de Dark Mine Fields, el disco ofrece un recorrido por la diversidad estilística del movimiento, desde el goth rock hasta el synth wave. La reedición de este material, originalmente lanzado en casete en 2019, ha sido recibida con entusiasmo por coleccionistas y aficionados a la música alternativa. Más que una simple recopilación, Japanese Post-Punk, Goth & New Wave 1980-1991 es un testimonio de una escena que, aunque menos documentada, tuvo un impacto significativo en la evolución de la música underground japonesa.

Artista: AHMED ESSYAD
Disco: Moroccan Electroacoustic Music 1972-74
Sello: Sub Rosa
Año: 2024

Recopilación de piezas compuestas por Ahmed Essyad en el estudio S.M.E.C.A, parte del Music Workshop fundado por Jorge Arriagada en París. El álbum presenta una serie de exploraciones sonoras que combinan sintetizadores EMS y Minimoog con instrumentos acústicos como piano, marimba y percusión. Toubkal y Lecture Pour Bande Magnétique destacan por su enfoque en la manipulación de cintas magnéticas, creando paisajes sonoros que oscilan entre la abstracción y la evocación de la tradición musical marroquí. La serie Sultane, dividida en cuatro partes, introduce una estructura más rítmica, con una interacción entre sonidos electrónicos y percusivos que refuerzan la identidad híbrida del álbum. La producción mantiene una estética cruda y analógica, resaltando la riqueza tímbrica de cada composición. Más que una simple recopilación, Moroccan Electroacoustic Music 1972-74 es un testimonio de la experimentación sonora de Essyad y su capacidad para fusionar la vanguardia electrónica con influencias culturales profundas. Este lanzamiento representa una pieza clave dentro del archivo de música electroacústica del siglo XX.
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